Ígor Stravinsky
.svg)
Igor Fyodorovich Stravinsky ComSE (17 de junio [O.S. 5 junio de 1882 - 6 de abril de 1971) fue un compositor, pianista y director de orquesta ruso, más tarde de ciudadanía francesa (desde 1934) y estadounidense (desde 1945). Es ampliamente considerado como uno de los compositores más importantes e influyentes del siglo XX y una figura fundamental en la música modernista.
La carrera compositiva de Stravinsky se destacó por su diversidad estilística. Alcanzó la fama internacional por primera vez con tres ballets encargados por el empresario Sergei Diaghilev e interpretados por primera vez en París por los Ballets Russes de Diaghilev: The Firebird (1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). El último transformó la forma en que los compositores posteriores pensaron sobre la estructura rítmica y fue en gran parte responsable de la perdurable reputación de Stravinsky como un revolucionario que traspasó los límites del diseño musical. Su "fase rusa", que continuó con obras como Renard, L'Histoire du soldat, y Les noces, fue seguido en la década de 1920 por un período en el que se volvió hacia el neoclasicismo. Las obras de este período tendieron a hacer uso de formas musicales tradicionales (concierto grosso, fuga y sinfonía) y se inspiraron en estilos anteriores, especialmente los del siglo XVIII. En la década de 1950, Stravinsky adoptó procedimientos seriales. Sus composiciones de este período compartieron rasgos con ejemplos de su producción anterior: energía rítmica, la construcción de ideas melódicas extendidas a partir de unas pocas celdas de dos o tres notas y claridad de forma e instrumentación.
Biografía
Primeros años, 1882-1901
Stravinsky nació el 17 de junio de 1882 en la ciudad de Oranienbaum en la costa sur del golfo de Finlandia, a 40 km al oeste de San Petersburgo. Su padre, Fyodor Ignatievich Stravinsky (1843–1902), fue un cantante de bajo establecido en la Ópera de Kiev y el Teatro Mariinsky de San Petersburgo y su madre, Anna Kirillovna Stravinskaya (de soltera Kholodovskaya; 1854–1939), oriunda de Kiev, era una de las cuatro hijas de un funcionario de alto rango en el Ministerio de Bienes de Kiev. Igor fue el tercero de sus cuatro hijos; sus hermanos eran Roman, Yury y Gury. La familia Stravinsky era de ascendencia polaca y rusa, descendiente de "una larga línea de nobles, senadores y terratenientes polacos". Se remonta a los siglos XVII y XVIII a los portadores del escudo de armas de Sulima y Strawiński. El apellido original de la familia era Sulima-Strawiński; el nombre "Stravinsky" se originó a partir de la palabra "Strava", una de las variantes del río Streva en Lituania.
El 10 de agosto de 1882, Stravinsky fue bautizado en la Catedral Nikolsky de San Petersburgo. Hasta 1914, pasó la mayor parte de sus veranos en la ciudad de Ustilug, ahora en Ucrania, donde su suegro era propietario de una finca. La primera escuela de Stravinsky fue The Second Saint Petersburg Gymnasium, donde permaneció hasta la mitad de su adolescencia. Luego se trasladó a Gourevitch Gymnasium, una escuela privada, donde estudió historia, matemáticas e idiomas (latín, griego y eslavo; y francés, alemán y su ruso nativo). Stravinsky expresó su disgusto general por la educación y recordó haber sido un alumno solitario: "Nunca encontré a nadie que tuviera una verdadera atracción por mí".
Stravinsky se dedicó a la música a una edad temprana y comenzó a recibir lecciones regulares de piano a los nueve años, seguidas de clases de teoría y composición musicales. Alrededor de los ocho años, asistió a una representación del ballet La bella durmiente de Tchaikovsky en el Teatro Mariinsky, lo que inició un interés de por vida en los ballets y en el propio compositor. A los quince años, Stravinsky había dominado el Concierto para piano n.º 1 de Mendelssohn y terminó una reducción para piano de un cuarteto de cuerdas de Alexander Glazunov, quien, según los informes, consideraba a Stravinsky poco musical y pensaba poco en sus habilidades.
Educación y primeras composiciones, 1901-1909
A pesar del entusiasmo y la habilidad de Stravinsky en la música, sus padres esperaban que estudiara derecho, y al principio tomó el tema. En 1901, se matriculó en la Universidad de San Petersburgo, donde estudió derecho penal y filosofía del derecho, pero la asistencia a las conferencias era opcional y estimó que asistió a menos de cincuenta clases en sus cuatro años de estudio. En 1902, Stravinsky conoció a Vladimir, un compañero de estudios en la Universidad de San Petersburgo y el hijo menor de Nikolai Rimsky-Korsakov. Podría decirse que Rimsky-Korsakov en ese momento era el principal compositor ruso, y era profesor en el Conservatorio de Música de San Petersburgo. Stravinsky deseaba conocer al padre de Vladimir para hablar sobre sus aspiraciones musicales. Pasó el verano de 1902 con Rimsky-Korsakov y su familia en Heidelberg, Alemania. Rimsky-Korsakov le sugirió a Stravinsky que no debería ingresar al Conservatorio de San Petersburgo sino continuar con las lecciones privadas de teoría.
En el momento de la muerte de su padre por cáncer en 1902, Stravinsky pasaba más tiempo estudiando música que derecho. Su decisión de dedicarse a la música a tiempo completo se vio favorecida cuando la universidad cerró durante dos meses en 1905 a raíz del Domingo Sangriento, lo que le impidió tomar sus exámenes finales de derecho. En abril de 1906, Stravinsky recibió un diploma de medio curso y, a partir de entonces, se concentró en la música. En 1905, comenzó a estudiar con Rimsky-Korsakov dos veces por semana y llegó a considerarlo como un segundo padre. Estas lecciones continuaron hasta la muerte de Rimsky-Korsakov en 1908. Stravinsky completó su primera composición durante este tiempo, la Sinfonía en mi bemol, catalogada como Opus 1. A raíz de la muerte de Rimsky-Korsakov, Stravinsky compuso Canción fúnebre, op. 5 que se realizó una vez y luego se consideró perdido hasta su redescubrimiento en 2015.
En agosto de 1905, Stravinsky se comprometió con su prima hermana, Katherina Gavrylovna Nosenko. A pesar de la oposición de la Iglesia Ortodoxa al matrimonio entre primos hermanos, la pareja se casó el 23 de enero de 1906. Vivían en la residencia de la familia en 6 Kryukov Canal en San Petersburgo antes de mudarse a una nueva casa en Ustilug, que Stravinsky diseñó y construyó, y que más tarde llamó su "lugar celestial". Allí escribió muchas de sus primeras composiciones. Ahora es un museo con documentos, cartas y fotografías en exhibición, y se lleva a cabo un Festival Stravinsky anual en la cercana ciudad de Lutsk. Los dos primeros hijos de Stravinsky y Nosenko, Fyodor (Theodore) y Ludmila, nacieron en 1907 y 1908, respectivamente.
Ballet para Diaghilev y fama internacional, 1909-1920
Para 1909, Stravinsky había compuesto dos piezas más, Scherzo fantastique, op. 3, y Feu d'artifice ("Fuegos artificiales"), op. 4. En febrero de ese año, ambos se interpretaron en San Petersburgo en un concierto que marcó un punto de inflexión en la carrera de Stravinsky. En la audiencia estaba Sergei Diaghilev, un empresario ruso y propietario de los Ballets Russes que quedó impresionado con las composiciones de Stravinsky. Deseaba montar una mezcla de ópera y ballet rusos para la temporada de 1910 en París, entre ellos un nuevo ballet de nuevos talentos basado en el cuento de hadas ruso del pájaro de fuego. Después de que a Anatoly Lyadov se le encomendó la tarea de componer la partitura, le informó a Diaghilev que necesitaba alrededor de un año para completarla. Luego, Diaghilev le preguntó a Stravinsky, de 28 años, quien le había proporcionado orquestaciones satisfactorias durante la temporada anterior con poca antelación y accedió a componer una partitura completa. Con una duración aproximada de 50 minutos, El pájaro de fuego fue revisado por Stravinsky para conciertos en 1911, 1919 y 1945.
El pájaro de fuego se estrenó en la Ópera de París el 25 de junio de 1910 con gran éxito de crítica y Stravinsky se convirtió en una sensación de la noche a la mañana. Mientras su esposa esperaba su tercer hijo, los Stravinsky pasaron el verano en La Baule, en el oeste de Francia. En septiembre, se mudaron a Clarens, Suiza, donde nació su segundo hijo, Sviatoslav (Soulima). La familia pasaba los veranos en Rusia y los inviernos en Suiza hasta 1914. Diaghilev encargó a Stravinsky que compusiera un segundo ballet para la temporada de 1911 en París. El resultado fue Petrushka, basado en el cuento popular ruso protagonizado por el personaje principal, una marioneta, que se enamora de otra, una bailarina. Aunque no logró capturar la recepción inmediata que tuvo El pájaro de fuego luego de su estreno en el Théâtre du Châtelet en junio de 1911, la producción continuó con el éxito de Stravinsky.
Fue el tercer ballet de Stravinsky para Diaghilev, La consagración de la primavera, que causó sensación entre los críticos, compañeros compositores y asistentes al concierto. Basada en una idea original ofrecida a Stravinsky por Nicholas Roerich, la producción presenta una serie de rituales primitivos que celebran el advenimiento de la primavera, después de lo cual una joven es elegida como víctima de sacrificio al dios sol Yarilo, y baila hasta morir. La partitura de Stravinsky contenía muchas características novedosas para su época, incluidos experimentos de tonalidad, métrica, ritmo, acentuación y disonancia. La naturaleza radical de la música y la coreografía casi provocó un alboroto en su estreno en el Théâtre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913.
Poco después del estreno, Stravinsky contrajo fiebre tifoidea por comer ostras en mal estado y fue confinado a un hogar de ancianos en París. Partió en julio de 1913 y volvió a Ustilug. Durante el resto del verano se concentró en su primera ópera, El ruiseñor (Le Rossignol), basada en la historia homónima de Hans Christian Andersen, que había comenzado en 1908. El 15 de enero de 1914, Stravinsky y Nosenko tuvieron su cuarta hija, Marie Milène (o Maria Milena). Después de su parto, se descubrió que Nosenko tenía tuberculosis y fue confinada a un sanatorio en Leysin en los Alpes. Stravinsky se instaló cerca, donde completó El ruiseñor. La obra se estrenó en París en mayo de 1914, después de que el Teatro Libre de Moscú encargara la pieza por 10.000 rublos, pero pronto quebró. Diaghilev accedió a que los Ballets Russes lo representaran. La ópera tuvo un tibio éxito de público y crítica, al parecer porque su delicadeza no cumplió con las expectativas tras la tumultuosa Consagración de la Primavera. Sin embargo, compositores como Ravel, Bartók y Reynaldo Hahn encontraron mucho que admirar en la artesanía de la partitura, incluso alegando detectar la influencia de Arnold Schoenberg.
En abril de 1914, Stravinsky y su familia regresaron a Clarens. Tras el estallido de la Primera Guerra Mundial más tarde ese año, no fue elegible para el servicio militar por razones de salud. Stravinsky logró una breve visita a Ustilug para recuperar artículos personales justo antes de que se cerraran las fronteras nacionales. En junio de 1915, él y su familia se mudaron de Clarens a Morges, un pueblo a seis millas de Lausana en la orilla del lago Lemán. La familia vivió allí (en tres direcciones diferentes), hasta 1920. En diciembre de 1915, Stravinsky hizo su debut como director en dos conciertos a favor de la Cruz Roja con El pájaro de fuego. La guerra y la posterior Revolución Rusa de 1917 hicieron imposible que Stravinsky regresara a su tierra natal.
Stravinsky comenzó a tener problemas financieros a fines de la década de 1910, ya que Rusia (y su sucesora, la URSS) no se adhirieron a la Convención de Berna, lo que generó problemas para que Stravinsky recaudara regalías por las interpretaciones de sus piezas para los Ballets Russes. Culpó a Diaghilev por sus problemas financieros, acusando al empresario de no cumplir con su contrato. Mientras componía su pieza teatral L'Histoire du soldat (El cuento del soldado), Stravinsky se acercó al filántropo suizo Werner Reinhart en busca de ayuda financiera, quien accedió a patrocinar él y financiar en gran parte su primera representación que tuvo lugar en Lausana en septiembre de 1918. En agradecimiento, Stravinsky dedicó el trabajo a Reinhart y le dio el manuscrito original. Reinhart apoyó aún más a Stravinsky cuando financió una serie de conciertos de su música de cámara en 1919. En agradecimiento a su benefactor, Stravinsky también dedicó sus Tres piezas para clarinete a Reinhart, que también era clarinetista aficionado.
Tras el estreno de Pulcinella de los Ballets Russes en París el 15 de mayo de 1920, Stravinsky regresó a Suiza.
La vida en Francia, 1920–1939
En junio de 1920, Stravinsky y su familia se fueron de Suiza a Francia y primero se establecieron en Carantec, Bretaña, durante el verano mientras buscaban un hogar permanente en París. Pronto tuvieron noticias de la modista Coco Chanel, quien invitó a la familia a vivir en su mansión de París hasta que encontraran su propia residencia. Los Stravinsky aceptaron y llegaron en septiembre. Chanel ayudó a asegurar una garantía para una producción de renacimiento de The Rite of Spring de los Ballets Russes a partir de diciembre de 1920 con un obsequio anónimo a Diaghilev que se afirmó valía 300.000 francos.
En 1920, Stravinsky firmó un contrato con la empresa francesa de fabricación de pianos Pleyel. Como parte del trato, Stravinsky transcribió la mayoría de sus composiciones para su pianola, la Pleyela. La compañía ayudó a recolectar las regalías mecánicas de Stravinsky por sus obras y le proporcionó un ingreso mensual. En 1921, le dieron un espacio de estudio en su sede de París, donde trabajó y entretuvo a amigos y conocidos. Los rollos de piano no se grabaron, sino que se marcaron a partir de una combinación de fragmentos de manuscritos y notas escritas a mano por Jacques Larmanjat, director musical del departamento de rollos de Pleyel. Durante la década de 1920, Stravinsky grabó rollos de piano Duo-Art para la Aeolian Company en Londres y la ciudad de Nueva York, no todos los cuales han sobrevivido.
Stravinsky conoció a Vera de Bosset en París en febrero de 1921, mientras ella estaba casada con el pintor y escenógrafo Serge Sudeikin, y comenzaron una aventura que llevó a De Bosset a dejar a su marido.
En mayo de 1921, Stravinsky y su familia se mudaron a Anglet, un pueblo cercano a la frontera española. Su estancia duró poco ya que en otoño se habían establecido en la cercana Biarritz y Stravinsky completó sus Trois mouvements de Petrouchka, una transcripción para piano de extractos de Petrushka para Artur Rubinstein.. Luego, Diaghilev solicitó orquestaciones para una nueva producción del ballet La bella durmiente de Tchaikovsky. Desde entonces hasta la muerte de su esposa en 1939, Stravinsky llevó una doble vida, dividiendo su tiempo entre su familia en Anglet y Vera en París y de gira. Según los informes, Katya soportó la infidelidad de su esposo 'con una mezcla de magnanimidad, amargura y compasión'.
En junio de 1923, el ballet de Stravinsky Les noces (La boda) se estrenó en París y fue interpretado por los Ballets Russes. Al mes siguiente, comenzó a recibir dinero de un patrocinador anónimo de EE. UU. que insistió en permanecer en el anonimato y solo se identificó como 'Madame'. Prometieron enviarle $6.000 en el transcurso de tres años y enviaron a Stravinsky un cheque inicial por $1.000. A pesar de que no se enviaron algunos pagos, Robert Craft creía que el patrocinador era el famoso director Leopold Stokowski, a quien Stravinsky había conocido recientemente, y teorizó que el director quería ganarse a Stravinsky para que visitara los Estados Unidos.
En septiembre de 1924, Stravinsky compró una nueva casa en Niza. Aquí, el compositor reevaluó sus creencias religiosas y se reconectó con su fe cristiana con la ayuda de un sacerdote ruso, el padre Nicolás. También pensó en su futuro y aprovechó la experiencia de dirigir el estreno de su Octeto en uno de los conciertos de Serge Koussevitzky el año anterior para desarrollar su carrera como director. Koussevitzky le pidió a Stravinsky que compusiera una nueva pieza para uno de sus próximos conciertos; Stravinsky accedió a un concierto para piano, al que Koussevitzky lo convenció para que él fuera el solista en su estreno. Stravinsky estuvo de acuerdo y el Concierto para piano e instrumentos de viento se interpretó por primera vez en mayo de 1924. La pieza fue un éxito y Stravinsky se aseguró los derechos para interpretarla en exclusiva durante los siguientes cinco años. Después de una gira europea durante la segunda mitad de 1924, Stravinsky completó su primera gira por Estados Unidos a principios de 1925, que duró dos meses. Abrió con Stravinsky dirigiendo un programa exclusivamente de Stravinsky en el Carnegie Hall. Visitó Cataluña seis veces, y la primera vez, en 1924, tras ofrecer tres conciertos con la Orquesta Pau Casals en el Gran Teatre del Liceu, afirmó: "Barcelona será inolvidable para mí. Lo que más me gustó fue la catedral y las sardanas".
En mayo de 1927, se estrenó en París la ópera-oratorio Edipo Rey de Stravinsky. La financiación de su producción fue proporcionada en gran parte por Winnaretta Singer, Princesse Edmond de Polignac, quien pagó 12.000 francos por una vista previa privada de la pieza en su casa. Stravinsky le dio el dinero a Diaghilev para ayudar a financiar las actuaciones públicas. El estreno recibió una reacción que irritó a Stravinsky, quien había comenzado a molestarse por la fijación del público hacia sus primeros ballets. En el verano de 1927 Stravinsky recibió un encargo de Elizabeth Sprague Coolidge, el primero de los Estados Unidos. Coolidge, una rica patrona de la música, solicitó una partitura de ballet de treinta minutos para un festival que se llevaría a cabo en la Biblioteca del Congreso, por una tarifa de $ 1,000. Stravinsky aceptó y escribió Apolo, que se estrenó en 1928.
De 1931 a 1933, los Stravinsky vivieron en Voreppe, una comuna cerca de Grenoble en el sureste de Francia. En junio de 1934, la pareja adquirió la ciudadanía francesa. Más tarde ese año, dejaron Voreppe para vivir en la rue du Faubourg Saint-Honoré en París, donde permanecieron durante cinco años. El compositor usó su ciudadanía para publicar sus memorias en francés, tituladas Chroniques de ma Vie en 1935, y realizó una gira por Estados Unidos con Samuel Dushkin. Su única composición de ese año fue el Concierto para dos pianos solos, que fue escrito para él y su hijo Soulima utilizando un piano doble especial que había construido Pleyel. La pareja completó una gira por Europa y América del Sur en 1936. En abril de 1937 en la ciudad de Nueva York, dirigió su ballet de tres partes Jeu de cartes, un encargo para la compañía de ballet de Lincoln Kirstein. con coreografía de George Balanchine. Stravinsky recordó más tarde este último discurso europeo como el más infeliz. A su regreso a Europa, Stravinsky se fue de París a Annemasse cerca de la frontera suiza para estar cerca de su familia, después de que su esposa e hijas Ludmila y Milena contrajeran tuberculosis y estuvieran en un sanatorio. Ludmila murió a fines de 1938, seguida por su esposa durante 33 años, en marzo de 1939. El propio Stravinsky pasó cinco meses en el hospital de Sancellemoz, tiempo durante el cual también murió su madre.
Durante sus últimos años en París, Stravinsky había desarrollado relaciones profesionales con personas clave en los Estados Unidos: ya estaba trabajando en su Sinfonía en Do para la Orquesta Sinfónica de Chicago y había accedido a aceptar la Cátedra de Poesía Charles Eliot Norton. de 1939–1940 en la Universidad de Harvard y mientras estuvo allí, dictó seis conferencias sobre música como parte de las prestigiosas Conferencias Charles Eliot Norton.
La vida en los Estados Unidos, 1939–1971
Primeros años en EE. UU., 1939-1945
Stravinsky llegó a la ciudad de Nueva York el 30 de septiembre de 1939 y se dirigió a Cambridge, Massachusetts, para cumplir con sus compromisos en Harvard. Durante sus primeros dos meses en los EE. UU., Stravinsky se quedó en Gerry's Landing, el hogar del historiador de arte Edward W. Forbes. Vera llegó en enero de 1940 y la pareja se casó el 9 de marzo en Bedford, Massachusetts. Después de un período de viaje, los dos se mudaron a una casa en Beverly Hills, California, antes de establecerse en Hollywood a partir de 1941. Stravinsky sintió que el clima más cálido de California beneficiaría su salud. Stravinsky se había adaptado a la vida en Francia, pero mudarse a Estados Unidos a la edad de 58 años era una perspectiva muy diferente. Durante un tiempo mantuvo un círculo de contactos y amigos emigrados de Rusia, pero finalmente descubrió que esto no sustentaba su vida intelectual y profesional. Se sintió atraído por la creciente vida cultural de Los Ángeles, especialmente durante la Segunda Guerra Mundial, cuando escritores, músicos, compositores y directores se establecieron en la zona. El crítico musical Bernard Holland afirmó que a Stravinsky le gustaban especialmente los escritores británicos, que lo visitaban en Beverly Hills, "como W. H. Auden, Christopher Isherwood, Dylan Thomas". Compartieron el gusto del compositor por los espíritus duros, especialmente Aldous Huxley, con quien Stravinsky habló en francés." Stravinsky y Huxley tenían una tradición de almuerzos los sábados para luminarias y vanguardias de la costa oeste.
En 1940, Stravinsky completó su Sinfonía en Do y dirigió la Orquesta Sinfónica de Chicago en su estreno ese mismo año. Fue en esta época cuando Stravinsky comenzó a asociarse con la música de cine; la primera película importante en utilizar su música fue la película animada de Walt Disney Fantasia (1940), que incluye partes de La consagración de la primavera reorganizadas por Leopold Stokowski en un segmento. que representa la historia de la Tierra y la era de los dinosaurios. Orson Welles instó a Stravinsky a escribir la partitura de Jane Eyre (1943), pero las negociaciones fracasaron; una pieza utilizada en una de las escenas de caza de la película se utilizó en la obra orquestal de Stravinsky Oda (1943). Una oferta para componer la música de The Song of Bernadette (1943) también fracasó; Stravinsky consideró que los términos cayeron a favor del productor. La música que había escrito para la película se usó más tarde en su Sinfonía en tres movimientos.
El acorde de séptima dominante poco convencional de Stravinsky en su arreglo de "Star-Spangled Banner" condujo a un incidente con la policía de Boston el 15 de enero de 1944, y se le advirtió que las autoridades podrían imponer una multa de $ 100 por cualquier 'cambio del himno nacional en su totalidad o en parte'. Resultó que la policía estaba equivocada. La ley en cuestión simplemente prohibía usar el himno nacional 'como música de baile, como marcha de salida o como parte de un popurrí de cualquier tipo', pero el incidente pronto se estableció como un mito, en el que Stravinsky supuestamente fue arrestado, retenido bajo custodia durante varias noches y fotografiado para los registros policiales.
El 28 de diciembre de 1945, Stravinsky y su esposa Vera se naturalizaron como ciudadanos estadounidenses. Su patrocinador y testigo fue el actor Edward G. Robinson.
Últimas obras importantes, 1945-1966
.jpg)
El mismo día que Stravinsky se convirtió en ciudadano estadounidense, dispuso que Boosey & Hawkes para publicar arreglos de varias de sus composiciones y usó su ciudadanía estadounidense recién adquirida para asegurar los derechos de autor del material, lo que le permitió ganar dinero con ellos. El contrato de cinco años se finalizó y firmó en enero de 1947, que incluía una garantía de $ 10,000 por los primeros dos años, luego $ 12,000 por los tres restantes.
A finales de 1945, Stravinsky recibió un encargo de Europa, el primero desde Perséphone, en forma de una pieza de cuerdas para el 20.º aniversario de la Orquesta de Cámara de Basilea de Paul Sacher. El Concierto en re se estrenó en 1947. En enero de 1946, Stravinsky dirigió el estreno de su Sinfonía en tres movimientos en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York. Marcó su primer estreno en los Estados Unidos. En 1947, Stravinsky se inspiró para escribir su ópera en inglés The Rake's Progress en una visita a una exposición en Chicago de la serie de pinturas del mismo título del artista británico del siglo XVIII William. Hogarth, que cuenta la historia de un derrochador a la moda que cae en la ruina. Auden y el escritor Chester Kallman trabajaron en el libreto. La ópera se estrenó en 1951 y marca la obra final del período neoclásico de Stravinsky. Mientras componía The Rake's Progress, Stravinsky se hizo amigo de Robert Craft, quien se convirtió en su asistente personal y amigo cercano y animó al compositor a escribir música en serie. Esto comenzó el tercer y último período musical distinto de Stravinsky que duró hasta su muerte.
En 1953, Stravinsky accedió a componer una nueva ópera con libreto de Dylan Thomas, que detallaba la recreación del mundo después de que un hombre y una mujer permanecieran en la Tierra tras un desastre nuclear. El desarrollo del proyecto llegó a un final repentino tras la muerte de Thomas en noviembre de ese año. Stravinsky completó In Memorian Dylan Thomas, una pieza para tenor, cuarteto de cuerdas y cuatro trombones, en 1954.
En 1961, Igor, Vera Stravinsky y Robert Craft viajaron a Londres, Zúrich y El Cairo de camino a Australia, donde Stravinsky y Craft dirigieron conciertos de Stravinsky en Sídney y Melbourne. Regresaron a California a través de Nueva Zelanda, Tahití y México. En enero de 1962, durante la parada de su gira en Washington, D.C., Stravinsky asistió a una cena en la Casa Blanca con el presidente John F. Kennedy en honor a su octogésimo cumpleaños, donde recibió una medalla especial por 'la reconocimiento que su música ha logrado en todo el mundo". En septiembre de 1962, Stravinsky regresó a Rusia por primera vez desde 1914 y aceptó una invitación de la Unión de Compositores Soviéticos para dirigir seis representaciones en Moscú y Leningrado. Durante la visita de tres semanas, se reunió con el primer ministro soviético Nikita Khrushchev y varios compositores soviéticos destacados, incluidos Dmitri Shostakovich y Aram Khachaturian. Stravinsky no regresó a su casa de Hollywood hasta diciembre de 1962 en lo que fueron casi ocho meses de viajes continuos. Tras el asesinato de Kennedy en 1963, Stravinsky completó su Elegía por J.F.K. al año siguiente. El trabajo de dos minutos tomó al compositor dos días para escribir.
A principios de 1964, los largos períodos de viaje habían comenzado a afectar la salud de Stravinsky. Su caso de policitemia había empeorado y sus amigos habían notado que sus movimientos y habla se habían vuelto más lentos. En 1965, Stravinsky accedió a que David Oppenheim produjera un documental sobre sí mismo para la cadena CBS. Involucró a un equipo de filmación que siguió al compositor en casa y de gira ese año, y le pagaron $ 10,000 por la producción. El documental incluye la visita de Stravinsky a Les Tilleuls, la casa en Clarens, Suiza, donde escribió la mayor parte de La consagración de la primavera. El equipo pidió permiso a las autoridades soviéticas para filmar a Stravinsky regresando a su ciudad natal de Ustilug, pero la solicitud fue denegada. En 1966, Stravinsky completó su última obra importante, los Cánticos de Réquiem.
Últimos años y muerte, 1967–1971
En febrero de 1967, Stravinsky y Craft dirigieron su propio concierto en Miami, Florida, el primero del compositor en ese estado. En ese momento, la tarifa de actuación típica de Stravinsky había aumentado a $ 10,000. Sin embargo, posteriormente, por orden del médico, las ofertas para realizar tareas que requerían que volara fueron generalmente rechazadas. Una excepción a esto fue un concierto en Massey Hall en Toronto, Canadá, en mayo de 1967, donde dirigió la suite Pulcinella relativamente poco exigente físicamente con la Orquesta Sinfónica de Toronto. Se había vuelto cada vez más frágil y, por única vez en su carrera, Stravinsky dirigió sentado. Fue su última actuación como director en su vida. Mientras estaba detrás del escenario en el lugar, Stravinsky le informó a Craft que creía que había sufrido un derrame cerebral. En agosto de 1967, Stravinsky fue hospitalizado en Hollywood por úlceras estomacales sangrantes y trombosis que requirieron una transfusión de sangre. En su diario, Craft escribió que alimentó con cuchara al compositor enfermo y sostuvo su mano: "Él dice que el calor disminuye el dolor".
Para 1968, Stravinsky se había recuperado lo suficiente como para reanudar la gira por Estados Unidos con él entre el público, mientras que Craft ocupó el puesto de director durante la mayoría de los conciertos. En mayo de 1968, Stravinsky completó el arreglo para piano de dos canciones del compositor austriaco Hugo Wolf para una pequeña orquesta. En octubre, Stravinsky, Vera y Craft viajaron a Zúrich, Suiza, para arreglar asuntos comerciales con la familia de Stravinsky. Mientras estaba allí, el hijo de Stravinsky, Theodore, sostuvo el manuscrito de La consagración de la primavera mientras Stravinsky lo firmaba antes de entregárselo a Vera. Los tres consideraron mudarse a Suiza ya que se habían vuelto cada vez menos aficionados a Hollywood, pero decidieron no hacerlo y regresaron a los Estados Unidos.
En octubre de 1969, después de casi tres décadas en California y de que sus médicos les negaran viajar al extranjero debido a problemas de salud, Stravinsky y Vera obtuvieron un contrato de arrendamiento por dos años para un apartamento de lujo de tres habitaciones en Essex House en la ciudad de Nueva York.. Craft se mudó con ellos, poniendo efectivamente su carrera en suspenso para cuidar al compositor enfermo. Entre los proyectos finales de Stravinsky estaba orquestar dos preludios de El clave bien temperado de Bach, pero nunca se completó. Fue hospitalizado en abril de 1970 tras un episodio de neumonía, del que se recuperó con éxito. Dos meses después, viajó a Évian-les-Bains por el lago Lemán, donde se reunió con su hijo mayor Theodore y su sobrina Xenia.
El 18 de marzo de 1971, Stravinsky fue llevado al Hospital Lenox Hill con edema pulmonar donde permaneció diez días. El 29 de marzo, se mudó a un apartamento recién amueblado en el 920 de la Quinta Avenida, su primer apartamento en la ciudad desde que vivía en París en 1939. Después de un período de bienestar, el edema volvió el 4 de abril y Vera insistió en que se instalara equipo médico en el apartamento. Stravinsky pronto dejó de comer y beber y murió a las 5:20 am del 6 de abril a la edad de 88 años. La causa de su certificado de defunción es insuficiencia cardíaca. Tres días después se llevó a cabo un funeral en la capilla funeraria Frank E. Campbell. Según sus deseos, fue enterrado en la esquina rusa de la isla del cementerio de San Michele en Venecia, Italia, a varios metros de la tumba de Sergei Diaghilev, después de haber sido llevado allí en góndola después de un servicio en Santi Giovanni e Paolo dirigido por Cherubin. Malissianos, Archimandrita de la Iglesia Ortodoxa Griega. Durante los funerales se interpretaron cánticos de Réquiem y música de órgano de Andrea Gabrieli.
Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en 1987 recibió póstumamente el Premio Grammy a la Trayectoria. Fue incluido póstumamente en el Museo Nacional de Danza y Salón de la Fama en 2004.
Música
La producción de Stravinsky generalmente se divide en tres períodos generales de estilo: un período ruso, un período neoclásico y un período serial.
Período ruso (c. 1907–1919)
Aparte de unas pocas obras anteriores supervivientes, el período ruso de Stravinsky, a veces llamado período primitivo, comenzó con composiciones realizadas bajo la tutela de Nikolai Rimsky-Korsakov, con quien estudió desde 1905 hasta la época de Rimsky. muerte en 1908, incluidas las obras orquestales Symphony in E♭ major (1907), Faun and Shepherdess (para mezzosoprano y orquesta; 1907), Scherzo fantastique (1908) y Feu d'artificio (1908/9). Estas obras revelan claramente la influencia de Rimsky-Korsakov, pero como ha demostrado Richard Taruskin, también revelan el conocimiento de Stravinsky sobre la música de Glazunov, Taneyev, Tchaikovsky, Wagner, Dvořák y Debussy, entre otros.
En 1908, Stravinsky compuso Canción fúnebre (Погребальная песня), op. 5 para conmemorar la muerte de Nikolai Rimsky-Korsakov. La pieza se estrenó el 17 de enero de 1909 en el Gran Salón del Conservatorio de San Petersburgo pero luego se perdió hasta septiembre de 2015, cuando reapareció en una trastienda del Conservatorio de la ciudad. Se volvió a jugar por primera vez en más de un siglo el 2 de diciembre de 2016. El redescubrimiento generó mucho entusiasmo y, como resultado, se programaron más de 25 funciones en 2017.
Las representaciones en San Petersburgo de Scherzo fantastique y Feu d'artifice atrajeron la atención de Serge Diaghilev, quien encargó a Stravinsky la orquestación de dos obras para piano de Chopin para el ballet Les Sylphides que se presentará en el debut de 1909 "Saison Russe" de su nueva compañía de ballet.
El pájaro de fuego se estrenó en la Ópera de París el 25 de junio de 1910 por los Ballets Rusos de Diaghilev. Al igual que las obras anteriores de los estudiantes de Stravinsky, El pájaro de fuego continuó mirando hacia atrás, a Rimsky-Korsakov, no solo en su orquestación, sino también en su estructura general, organización armónica y contenido melódico.
Según Taruskin, el segundo ballet de Stravinsky para los Ballet Russes, Petrushka, es donde "Stravinsky finalmente se convirtió en Stravinsky."
La música en sí hace un uso significativo de varias melodías populares rusas además de dos valses del compositor vienés Joseph Lanner y una melodía de music hall francesa (La Jambe en bois o The Wooden Pierna).
En abril de 1915, Stravinsky recibió un encargo de Singer (Princesse Edmond de Polignac) para una obra teatral a pequeña escala que se representaría en su salón de París. El resultado fue Renard (1916), a la que llamó "Un burlesque en canto y baile".
.jpg)
Período neoclásico (c. 1920–1954)
Apollon musagète (1928), Perséphone (1933) y Orfeo (1947) ejemplifican no solo el regreso de Stravinsky a la música del período clásico sino también su exploración de temas de la antigüedad. Mundo clásico, como la mitología griega. Las obras importantes de este período incluyen el Octeto (1923), el Concierto para piano e instrumentos de viento (1924), la Serenata en A (1925) y la Sinfonía de los Salmos (1930).
En 1951 completó su última obra neoclásica, la ópera The Rake's Progress con libreto de Auden y Kallman basado en los grabados de Hogarth. Se estrenó en Venecia ese año y se produjo en toda Europa al año siguiente antes de ser representada en la Ópera Metropolitana de Nueva York en 1953. Fue puesta en escena por la Ópera de Santa Fe en un Festival Stravinsky de 1962 en honor al 80 cumpleaños del compositor. y fue revivido por la Ópera Metropolitana en 1997.
Período de serie (1954–1968)
En la década de 1950, Stravinsky comenzó a utilizar técnicas de composición en serie como la dodecafonía, la técnica de los doce tonos ideada originalmente por Schoenberg. Experimentó por primera vez con técnicas seriadas no dodecafónicas en obras vocales y de cámara de pequeña escala como la Cantata (1952), el Septeto (1953) y Tres canciones de Shakespeare (1953). La primera de sus composiciones totalmente basada en tales técnicas fue In Memoriam Dylan Thomas (1954). Agon (1954–57) fue la primera de sus obras en incluir una serie de doce tonos y Canticum Sacrum (1955) fue la primera pieza en contener un movimiento completamente basado en una fila de tonos. Stravinsky amplió su uso de la dodecafonía en obras como Threni (1958) y A Sermon, a Narrative and a Prayer (1961), que se basan en textos bíblicos, y The Flood (1962), que mezcla breves textos bíblicos del Libro del Génesis con pasajes de York y Chester Mystery Plays.
Innovación e influencia
Stravinsky ha sido llamado "uno de los innovadores verdaderamente trascendentales de la música". El aspecto más importante del trabajo de Stravinsky, aparte de sus innovaciones técnicas (incluyendo el ritmo y la armonía), es el "rostro cambiante" de su estilo compositivo mientras siempre "mantiene una identidad distintiva y esencial".
El uso que hizo Stravinsky del desarrollo motívico (el uso de figuras musicales que se repiten de diferentes formas a lo largo de una composición o sección de una composición) incluía el desarrollo motívico aditivo. Esta es una técnica en la que se quitan o se añaden notas a un motivo sin tener en cuenta los cambios de metro consiguientes. Se puede encontrar una técnica similar ya en el siglo XVI, por ejemplo, en la música de Cipriano de Rore, Orlandus Lassus, Carlo Gesualdo y Giovanni de Macque, música con la que Stravinsky mostró una considerable familiaridad.
El Rito de la Primavera se destaca por su uso implacable de ostinati, por ejemplo, en el ostinato de corchea en cuerdas acentuadas por ocho cuernos en la sección "Augurs of Spring (Danzas de las jóvenes)". La obra también contiene pasajes en los que varios ostinati chocan entre sí. Stravinsky se destacó por su uso distintivo del ritmo, especialmente en el Rito de la primavera (1913). Según el compositor Philip Glass, "la idea de empujar los ritmos a través de las líneas de compás [...] abrió el camino [...]. La estructura rítmica de la música se volvió mucho más fluida y en cierto modo espontánea." Glass menciona el "impulso rítmico primitivo y poco convencional" de Stravinsky. Según Andrew J. Browne, "Stravinsky es quizás el único compositor que ha elevado el ritmo en sí mismo a la dignidad del arte". El ritmo y la vitalidad de Stravinsky influyeron mucho en el compositor Aaron Copland.
A lo largo de su carrera, Stravinsky requirió una amplia variedad de fuerzas orquestales, instrumentales y vocales, desde instrumentos individuales en obras como Tres piezas para clarinete (1918) o Elegía para viola sola (1944) a la enorme orquesta de La Consagración de la primavera (1913), que Copland caracterizó como "la orquesta orquestal más importante logro del siglo XX".
La creación de Stravinsky de conjuntos únicos e idiosincrásicos que surgen de la naturaleza musical específica de las obras individuales es un elemento básico de su estilo.
Siguiendo el modelo de su maestro, Nikolai Rimsky-Korsakov, las obras de los alumnos de Stravinsky, como la Sinfonía en mi ♭, op. 1 (1907), Scherzo fantástico, op. 3 (1908) y Fuegos artificiales (Feu d'artifice), op. 4 (1908), convocatoria de grandes fuerzas orquestales. La Sinfónica, por ejemplo, requiere 3 flautas (3º flautín doble), 2 oboes, 3 clarinetes en B♭, 2 fagotes, 4 trompas en fa, 3 trompetas en si ♭, 3 trombones, tuba, timbales, bombo, triángulo, platillos y cuerdas. El Scherzo fantastique requiere una orquesta un poco más grande pero omite por completo los trombones: esta fue la respuesta de Stravinsky a las críticas de Rimsky sobre su uso excesivo en la Sinfonía.
Los tres ballets compuestos para los Ballets Russes de Diaghilev requieren orquestas particularmente grandes:
- El Firebird (1910) es anotado para la siguiente orquesta: 2 piccolos (2o doble 3a flauta), 2 flautas, 3 oboes, cor anglais, 3 clarinets en A (3o doble piccolo clarinet en D), bajo clarinet, 3 bastones (3o doble contrabassoon 2), contrabasoon, 4 cuernos, 3 trompetas en A, 3 trombones La sección de percusión requiere batería de bajo, címbalos, triángulo, tambourine, tam-tam, campanas tubulares, glockenspiel y xilófono. Además, la versión original requiere 3 trompetas en el escenario y 4 tubas Wagner en el escenario (2 tenor y 2 bajo).
- La versión original de Petrushka (1911) llama a una orquesta similar (sin latón en el escenario, pero con la adición del tambor de la trampa en el escenario). El papel particularmente prominente del piano es el resultado del origen de la música como un Konzertstück para piano y orquesta.
- El rito de primavera (1913) llama a la orquesta más grande Stravinsky siempre empleado: piccolo, 3 flautas (3a doble 2a piccolo), flauta alto, 4 oboes (4a doble 2a cor anglais), cor anglais, piccolo clarinet en D/E., 3 clarinetes (3o dobles 2o bajo clarinete), bajo clarinete, 4 bajo cúpula (4o doble 2o contrabasoon), contrabassoon, 8 cuernos (7o y 8o doble de tubas), trompeta de piccolo en D, 4 trompetas en C (4o doble trompeta bajo en E.), 3 trombones, 2 tubas, 2 timpanistas (5 tambores), 4 percusionistas y cuerdas. La sección de percusión requiere bajo tambor, tamtam, triángulo, tambourine, címbalos, crotales y guiro.
Incluido entre sus alumnos en la década de 1940 estaba el compositor y educador musical estadounidense Robert Strassburg. En 1959, recibió el premio Sonning, el mayor honor musical de Dinamarca. A principios de la década de 1960, entre sus alumnos se encontraban Craft y Warren Zevon.
Personalidad
Stravinsky mostró un gusto por la literatura que era amplio y reflejaba su constante deseo de nuevos descubrimientos. Los textos y las fuentes literarias de su obra comenzaron con un período de interés por el folclore ruso, que avanzó hacia los autores clásicos y la liturgia latina y pasó a la Francia contemporánea (André Gide, en Perséfone) y finalmente al inglés. literatura, incluyendo Auden, T. S. Eliot, y el verso inglés medieval.
También tenía un deseo inagotable de explorar y aprender sobre el arte, que se manifestó en varias de sus colaboraciones en París. No solo fue el compositor principal de los Ballets Rusos de Diaghilev, sino que también colaboró con Pablo Picasso (Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (Edipo Rey, 1927) y Balanchine (Apollon musagète, 1928). Su interés por el arte lo impulsó a desarrollar una fuerte relación con Picasso, a quien conoció en 1917, y anunció que en "un torbellino de entusiasmo y emoción artísticos finalmente conocí a Picasso". De 1917 a 1920, los dos entablaron un diálogo artístico en el que intercambiaron obras de arte a pequeña escala como un signo de intimidad, que incluía el famoso retrato de Stravinsky de Picasso y el " de Stravinsky.;Boceto de música para clarinete". Este intercambio fue fundamental para establecer cómo los artistas abordarían su espacio colaborativo en Pulcinella.
El joven Stravinsky simpatizaba con el liberalismo burgués y los objetivos del Partido Democrático Constitucional, incluso compuso un himno para el Gobierno Provisional Ruso, antes de virar fuertemente hacia la derecha después de la Revolución de Octubre. En 1930, comentó, "No creo que nadie venere a Mussolini más que yo... Conozco a muchos personajes exaltados, y mi mente de artista no retrocede ante las cuestiones políticas y sociales. Bueno, después de haber visto tantos acontecimientos y tantos hombres más o menos representativos, tengo unas ganas imperiosas de rendir homenaje a vuestro Duce. Es el salvador de Italia y, esperemos, de Europa." Más tarde, tras una audiencia privada con Mussolini, añadió: "A menos que mis oídos me engañen, la voz de Roma es la voz de Il Duce". Le dije que yo también me sentía como un fascista... A pesar de estar extremadamente ocupado, Mussolini me hizo el gran honor de conversar conmigo durante tres cuartos de hora. Hablamos de música, arte y política". Cuando los nazis colocaron las obras de Stravinsky en la lista de Entartete Musik, presentó una apelación formal a establecer su genealogía rusa y declaró: "Odio todo el comunismo, el marxismo, el execrable monstruo soviético, y también todo el liberalismo, el democratismo, el ateísmo, etc."
Al mudarse a Estados Unidos en la década de 1940, Stravinsky volvió a abrazar el liberalismo de su juventud y señaló que los europeos "pueden tener sus generalísimos y Führers". Déjame Sr. Truman y estoy satisfecho." Hacia el final de su vida, a instancias de Craft, Stravinsky hizo una visita de regreso a su país natal y compuso una cantata en hebreo, viajando a Israel para su interpretación.
Stravinsky demostró ser experto en interpretar el papel de un 'hombre de mundo', adquiriendo un agudo instinto para los asuntos de negocios y mostrándose relajado y cómodo en público. Su exitosa carrera como pianista y director lo llevó a muchas de las principales ciudades del mundo, incluidas París, Venecia, Berlín, Londres, Ámsterdam y la ciudad de Nueva York, y fue conocido por su forma educada, cortés y servicial. Se decía que Stravinsky era mujeriego y se rumoreaba que había tenido aventuras con socios de alto perfil, como Coco Chanel. Él nunca se refirió a él mismo, pero Chanel habló extensamente sobre el presunto romance con su biógrafo Paul Morand en 1946; la conversación se publicó treinta años después. La veracidad de las afirmaciones de Chanel ha sido cuestionada tanto por la viuda de Stravinsky, Vera, como por Craft. La casa de modas de Chanel afirma que no hay evidencia de que alguna vez haya ocurrido una aventura entre Chanel y Stravinsky. Una ficcionalización del supuesto asunto formó la base de la novela Coco e Igor (2002) y una película, Coco Chanel & Ígor Stravinsky (2009). A pesar de estas supuestas relaciones, Stravinsky era considerado un hombre de familia y dedicado a sus hijos.
Religión
Stravinsky fue un miembro devoto de la Iglesia Ortodoxa Rusa durante la mayor parte de su vida, comentando en un momento que,
La Iglesia sabía lo que el salmista sabía. La música alaba a Dios. La música es bien o mejor capaz de alabarle que el edificio de la iglesia y toda su decoración; es el mayor ornamento de la Iglesia.
Cuando era niño, sus padres lo criaron en la Iglesia Ortodoxa Rusa. Bautizado de nacimiento, más tarde se rebeló contra la Iglesia y la abandonó a los catorce o quince años. A lo largo del ascenso de su carrera se alejó del cristianismo y no fue hasta que cumplió los cuarenta años que experimentó una crisis espiritual. Después de hacerse amigo de un sacerdote ortodoxo ruso, el padre Nicolás, después de mudarse a Niza en 1924, se reconectó con su fe. Se reincorporó a la Iglesia Ortodoxa Rusa y luego siguió siendo un cristiano comprometido. Robert Craft señaló que Stravinsky rezaba a diario, antes y después de componer, y también rezaba cuando se enfrentaba a dificultades. Hacia el final de su vida, ya no pudo asistir a los servicios de la iglesia, aunque afirmó que esto se debió a la pereza más que a la pérdida de la fe. A finales de sus setenta, Stravinsky dijo:
Ahora no puedo evaluar los acontecimientos que, al final de esos treinta años, me hicieron descubrir la necesidad de la creencia religiosa. No fui razonado en mi disposición. Aunque admiro el pensamiento estructurado de la teología (la prueba de Anselm en el Fides Quaerens Intellectum, por ejemplo) es a la religión no más que los ejercicios de contrapunto son a la música. No creo en puentes de razón o, de hecho, en ninguna forma de extrapolación en asuntos religiosos... Puedo decir, sin embargo, que durante algunos años antes de mi "conversión", un estado de aceptación había sido cultivado en mí por una lectura de los Evangelios y por otra literatura religiosa.
Recepción
Si la intención declarada de Stravinsky era "enviarlos a todos al infierno", entonces es posible que haya considerado el estreno de La consagración de la primavera en 1913 como un éxito: resultó en uno histórico". Los disturbios de música clásica más famosos de 39, y Stravinsky se refirió a ellos en varias ocasiones en su autobiografía como un scandale. Hubo informes de peleas a puñetazos en la audiencia y la necesidad de una presencia policial durante el segundo acto. El alcance real del tumulto está abierto a debate y los informes pueden ser apócrifos.
En 1998, la revista Time nombró a Stravinsky como una de las 100 personas más influyentes del siglo. Además del reconocimiento que recibió por sus composiciones, alcanzó fama como pianista y director de orquesta, a menudo en los estrenos de sus obras. En 1923, Erik Satie escribió un artículo sobre Igor Stravinsky en Vanity Fair. Satie conoció a Stravinsky por primera vez en 1910. En el artículo publicado, Satie argumentó que medir la "grandeza" de un artista comparándolo con otros artistas, como si hablar de alguna "verdad", es ilusorio y que cada pieza musical debe ser juzgada por sus propios méritos y no comparándola con los estándares de otros compositores. Eso fue exactamente lo que hizo Cocteau cuando comentó con desprecio sobre Stravinsky en su libro de 1918, Le Coq et l'Arlequin.
Según The Musical Times en 1923:
Todos los signos indican una reacción fuerte contra la pesadilla del ruido y la excentricidad que fue uno de los legados de la guerra.... ¿Qué (por ejemplo) se ha convertido en de las obras que conforman el programa del concierto de Stravinsky que creó tal revuelo hace unos años? Prácticamente todo el lote ya está en el estante, y permanecerán allí hasta que algunos neuróticos jaded una vez más sientan el deseo de comer cenizas y llenar su vientre con el viento del este.
En 1935, el compositor estadounidense Marc Blitzstein comparó a Stravinsky con Jacopo Peri y C.P.E. Bach, admitiendo que "no se puede negar la grandeza de Stravinsky. Es solo que no es lo suficientemente grande." La posición marxista de Blitzstein era que el deseo de Stravinsky de 'divorciar la música de otras corrientes de la vida', que es 'sintomático de un escape de la realidad', resultó en una "pérdida de resistencia", nombrando específicamente Apollo, Capriccio y Le Baiser de la fée.
El compositor Constant Lambert describió piezas como L'Histoire du soldat como que contienen "abstracción esencialmente a sangre fría". Lambert continuó, "fragmentos melódicos en Histoire du Soldat no tienen ningún significado en sí mismos. Son simplemente sucesiones de notas que pueden dividirse convenientemente en grupos de tres, cinco y siete y compararse con otros grupos matemáticos. y describió la cadencia de los solos de batería como "pureza musical... lograda por una especie de castración musical". Comparó la elección de Stravinsky de "las frases más monótonas y menos significativas" a Gertrude Stein's 'Todos los días eran gay allí, eran regularmente gay allí todos los días' ("Helen Furr y Georgine Skeene", 1922), "cuyo efecto sería igualmente apreciado por alguien sin ningún conocimiento de inglés".
En su libro de 1949 Filosofía de la música moderna, Theodor W. Adorno describió a Stravinsky como un acróbata y habló de rasgos hebefrénicos y psicóticos en varias de las obras de Stravinsky. Contrariamente a un error común, Adorno no creía que las imitaciones hebefrénicas y psicóticas que se suponía que contenía la música fueran su principal defecto, como señaló en una posdata que añadió más tarde a su libro. La crítica de Adorno a Stravinsky está más preocupada por la "transición a la positividad" Adorno encuentra en sus obras neoclásicas. Parte del error del compositor, en opinión de Adorno, fue su neoclasicismo, pero de mayor importancia fue el 'pseudomorfismo de la pintura' de su música, jugando con le temps espace (tiempo-espacio) en lugar de le temps durée (tiempo-duración) de Henri Bergson. Según Adorno, "un truco caracteriza todos los esfuerzos formales de Stravinsky: el esfuerzo de su música por retratar el tiempo como en un cuadro circense y presentar los complejos temporales como si fueran espaciales". Este truco, sin embargo, pronto se agota." Adorno sostuvo que los procedimientos rítmicos se parecen mucho al esquema de las condiciones catatónicas. En ciertos esquizofrénicos, el proceso por el cual el aparato motor se independiza conduce a la repetición infinita de gestos o palabras, siguiendo la decadencia del ego."
La reputación de Stravinsky en Rusia y la URSS subió y cayó. Las interpretaciones de su música estuvieron prohibidas desde alrededor de 1933 hasta 1962, año en que Jruschov lo invitó a la URSS para una visita oficial de estado. En 1972, una proclamación oficial de la ministra soviética de Cultura, Yekaterina Furtseva, ordenó a los músicos soviéticos "estudiar y admirar" la música de Stravinsky y ella convirtió la hostilidad hacia ella en un delito potencial.
Si bien la música de Stravinsky ha sido criticada por su variedad de estilos, los académicos "gradualmente comenzaron a percibir elementos unificadores en la música de Stravinsky" por la década de 1980. Escritores anteriores, como Copland, Elliott Carter y Boris de Schloezer, tenían puntos de vista algo desfavorables sobre las obras de Stravinsky, y Virgil Thomson, escribiendo en Modern Music (una revisión trimestral publicada entre 1925 y 1946).), solo pudo encontrar una "'seriedad' de 'tono' o de 'finalidad', 'la correlación exacta entre el fin y los medios', o una seca 'pulcritud de hormiga'".
Honores
En 1910, Florent Schmitt dedicó la versión revisada de su ballet La tragédie de Salomé, op. 50, a Stravinsky.
En 1915, Claude Debussy dedicó el tercer movimiento de su En blanc et noir para dos pianos a Stravinsky.
En 1977, "Sacrificial Dance" de The Rite of Spring se incluyó entre muchas pistas de todo el mundo en el Voyager Golden Record.
En 1982, Stravinsky apareció en una estampilla postal de 2 ¢ del Servicio Postal de los Estados Unidos como parte de su serie de estampillas Great Americans.
Premios
- 1954: Royal Philharmonic Sociedad Medalla de Oro
- 1959: Léonie Sonning Premio musical
- 1963: Premio Wihuri Sibelius
- Premios Grammy
- 1962: Mejor Composición Clásica por Composer ContemporáneoEl diluvio)
- 1962: Mejor rendimiento clásico – OrquestaEl Firebird, Igor Stravinsky dirigiendo Columbia Symphony Orchestra)
- 1962: Mejor actuación clásica – Soloista Instrumental (con orquesta) (Violin Concerto en D, Isaac Stern; Igor Stravinsky dirigiendo Columbia Symphony Orchestra)
- 1987: Logros de la vida (poshumos)
Órdenes
- Comandante de la Orden Militar de Santiago de la Espada, Portugal (25 de julio de 1966)
Grabaciones y publicaciones
Igor Stravinsky encontró en las grabaciones una herramienta práctica y útil para preservar sus pensamientos sobre la interpretación de su música. Como director de su propia música, grabó principalmente para Columbia Records, comenzando en 1928 con una interpretación de la suite original de The Firebird y concluyendo en 1967 con la suite de 1945 del mismo ballet. A fines de la década de 1940, realizó varias grabaciones para RCA Victor en los Republic Studios de Los Ángeles. Aunque la mayoría de sus grabaciones fueron realizadas con músicos de estudio, también trabajó con la Orquesta Sinfónica de Chicago, la Orquesta de Cleveland, la Orquesta Sinfónica de CBC, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Filarmónica Real y la Orquesta Sinfónica de Radiodifusión de Baviera.
Durante su vida, Stravinsky apareció en varias transmisiones, incluido el estreno mundial de 1962 de The Flood en CBS Television. Aunque hizo una aparición, la actuación real fue dirigida por Robert Craft. Se han conservado numerosas películas y vídeos del compositor.
Stravinsky publicó una serie de libros a lo largo de su carrera, casi siempre con la ayuda de un colaborador (a veces sin acreditar). En su autobiografía de 1936, Crónica de mi vida, que fue escrita con la ayuda de Walter Nouvel, Stravinsky incluyó su conocida afirmación de que "la música es, por su propia naturaleza, esencialmente impotente para expresar nada en absoluto." Con Alexis Roland-Manuel y Pierre Souvtchinsky, escribió sus Conferencias Charles Eliot Norton de la Universidad de Harvard de 1939–40, que se dictaron en francés y se recopilaron por primera vez con el título Poétique musicale en 1942 y luego traducida en 1947 como Poética de la música. En 1959, se publicaron varias entrevistas entre el compositor y Robert Craft como Conversaciones con Igor Stravinsky, a las que siguieron otros cinco volúmenes durante la década siguiente. Una colección de escritos y entrevistas de Stravinsky aparece bajo el título Confidences sur la musique (Actes Sud, 2013).
Escritos seleccionados
Libros
- Stravinsky, Igor (1936). Crónica de Mi Vida. Londres: Gollancz. OCLC 1354065.
- - (1947). Poética de la música en la forma de seis lecciones: Las conferencias Charles Eliot Norton para 1939-1940. Cambridge, Massachusetts: Harvard University Press. OCLC 155726113.
- —; Craft, Robert (1959). Conversaciones con Igor Stravinsky. Garden City, Nueva York: Doubleday. OCLC 896750. Reimpresión Berkeley: University of California Press, 1980. ISBN 978-0-520-04040-3.
- —; — (1960). Memorias y comentarios. Garden City, Nueva York: Doubleday.. Reimpreso 1981, Berkeley y Los Angeles: University of California Press. ISBN 978-0-520-04402-9 El 2002 reimpreso "One-Volume Edition" varía del original de 1960, Londres: Faber y Faber. ISBN 978-0-571-21242-2.
- - (1962). Una autobiografía. W. W. Norton. ISBN 978-0-393-00161-7. OCLC 311867794.. Originalmente publicado en francés como Chroniques de ma vie2 vols. (París: Denoël et Steele, 1935), traducido posteriormente (anónimo) como Crónica de Mi Vida. Londres: Gollancz, 1936. OCLC 1354065. Esta edición reimprime Igor Stravinsky – Una Autobiografía, con un prefacio de Eric Walter White (Londres: Calder and Boyars, 1975) ISBN 978-0-7145-1063-7, 0-7145-1082-3. Reimpresión de nuevo Autobiografía (1903-1934) (Londres: Boyars, 1990) ISBN 978-0-7145-1063-7, 0-7145-1082-3. También publicado como Igor Stravinsky – Una Autobiografía (Nueva York: M. ' J. Steuer, 1958).
- —; Craft, Robert (1962). Exposiciones y desarrollos. Londres: Faber y Faber. Reimpreso, Berkeley y Los Ángeles: University of California Press, 1981. ISBN 978-0-520-04403-6.
- —; — (1963). Diálogos y un diario. Garden City, Nueva York: Doubleday. OCLC 896750. La reimpresión de 1968 Diálogos varía del original de 1963, Londres: Faber y Faber. ISBN 0-571-10043-0.
- —; — (1966). Temas y Episodios. Nueva York: A. A. Knopf.
- —; — (1969). Retrospectivas y Conclusiones. Nueva York: A. A. Knopf.
- —; — (1972). Temas y Conclusiones. Londres: Faber y Faber. Una edición de un volumen Temas y Episodios (1966) y Retrospectivas y Conclusiones (1969) en su forma revisada por Igor Stravinsky en 1971. ISBN 978-0-571-08308-4.
Artículos (Fuente:)
- Stravinsky, Igor (29 de mayo de 1913). Canudo, Ricciotto (ed.). "Ce que j'ai voulu exprimer dans "Le sacre du printemps""Lo que quería expresar El rito de primavera]. ¡Montjoie! (en francés). No. 2. En DICTECO
- —— (15 de mayo de 1921). "Les Espagnols aux Ballets Russes" [Los españoles en los Ballets Russes]. Comœdia (en francés). En DICTECO
- —— (18 de octubre de 1921). "El genio de Tchaikovsky". The Times (Carta abierta a la carta a Diaghilev). Londres.
- —— (18 de mayo de 1922). "Une lettre de Stravinsky sur Tchaikovsky" [Una carta de Stravinsky en Tchaikovsky]. Le Figaro (en francés). En DICTECO
- —— (1924). "Algunas ideas sobre mi Octuor". Las Artes. Brooklyn.
- —— (1927). "El conocimiento... un aviso". El DominantLondres.
- —— (29 de abril de 1934). "Igor Strawinsky nous parle de 'Perséphone'" [Igor Stravinsky nos habla de Persephone]. Excelsior (en francés). En DICTECO
- —— (15 de diciembre de 1935). "Quelques confidences sur la musique" [Some secrets about music]. Conferencia (en francés). París. En DICTECO
- ——; Nouvel, Walter (1935-1936). Chroniques de ma vie (en francés). Paris: Denoël & Steele. OCLC 250259515. Traducido en inglés, 1936, como Autobiografía.
- —— (28 de enero de 1936). "Ma candidature à l'Institut" [Mi solicitud al Instituto]. Jour (en francés). París.
- —— (1940). Pushkin: poesía y música. Nueva York. OCLC 1175989080.
- ——; Nouvel, Walter (1953). "El Diaghilev I Knew". The Atlantic Monthly. pp. 33–36.
Contenido relacionado
Danza folclórica
Nelvana
Tristán e Isolda