Historia del tallado en madera.

El tallado en madera es una de las artes más antiguas de la humanidad. Las lanzas de madera del Paleolítico Medio, como la Lanza Clacton, revelan cómo los humanos se han dedicado a la carpintería utilitaria durante milenios. Sin embargo, dada la velocidad relativamente rápida a la que la madera se descompone en la mayoría de los entornos, sólo quedan artefactos antiguos aislados.

La talla de los indios norteamericanos incluye muchos objetos cotidianos, como anzuelos de madera y tallos de pipas. De manera similar, se pueden encontrar tallas polinesias en remos y herramientas de su oficio. Los nativos de Guyana decoraban sus ralladores de yuca con diseños de volutas grabadas, mientras que los nativos de Loango Bay embellecían sus cucharas con un diseño de figuras de pie en pleno relieve llevando una hamaca. La talla de madera también está presente en su arquitectura.

La textura de la madera a menudo resulta desafiante cuando se intenta crear una expresión y rasgos del rostro. Por otro lado, la textura rugosa de la madera puede prestarse a las características más rugosas de la cara envejecida. Existen ejemplos del "escarabajo" de cejas, surcos y líneas, todo realzado por los defectos naturales de la veta de la madera.

En las obras antiguas, la superficie rugosa de la madera puede no haber tenido tanta importancia, ya que las figuras, por regla general, se pintaban tanto para protegerlas como para dar color. Incluso desde los tiempos más antiguos, el color siempre ha sido una herramienta poderosa para resaltar la belleza y el detalle de las tallas y esculturas en madera, agregando profundidad y dimensión a la obra de arte.

A principios del siglo XX, la undécima edición de la Encyclopædia Britannica, en la que se basa gran parte de esta entrada, comentó: "En los últimos años, la talla ha pasado de moda". El trabajo es necesariamente lento y requiere gran habilidad, lo que lo hace costoso. Otros métodos de decoración más baratos han desplazado a la talla de su antiguo lugar. El trabajo mecánico tiene mucho que responder, y el esfuerzo por popularizar el oficio por medio de la clase rural no siempre ha logrado su propio fin. La desaparición gradual del artista individual, desplazado como ha sido por el contratista, es fatal para la continuidad de un arte que nunca puede florecer cuando se hace a tal distancia."

El arte y la artesanía del tallado en madera continúan sobreviviendo, como lo demuestra la gran cantidad de talladores de madera que continúan practicando y promoviendo la tradición en todo el mundo.

Antiguo Egipto

La extrema sequedad del clima de Egipto explica la supervivencia de varias tallas de madera de este remoto período. Algunos paneles de madera procedentes de la tumba de Hosul Egipto, en Sakkarah, son del III. dinastía. La talla está formada por jeroglíficos egipcios y figuras en bajo relieve, y el estilo es sumamente delicado y fino. Un taburete que se muestra en uno de los paneles tiene patas con forma de extremidades delanteras y traseras de un animal, una forma común en Egipto durante miles de años.

En el museo de El Cairo se puede ver la estatua de un hombre de la época de la Gran Pirámide de Giza, posiblemente 4000 a.C. La expresión del rostro y el realismo del carruaje nunca han sido superados por ningún escultor egipcio de este ni de ningún otro período. La figura está tallada en un bloque macizo de sicomoro y, según la costumbre egipcia, los brazos están unidos. Los ojos tienen incrustaciones de piezas de cuarzo blanco opaco, con una línea de bronce rodeando para imitar el párpado; un pequeño disco de cristal de roca transparente forma el iris, mientras que un pedacito de ébano pulido fijado detrás del cristal le confiere un brillo realista. La IV., V. y VI. Dinastías cubren el mejor período de la escultura egipcia. Las estatuas encontradas en las tumbas muestran una libertad de trato que nunca se alcanzó en épocas posteriores. Todos son retratos que el artista se esforzó al máximo para reproducir exactamente como su modelo. Porque éstas no son, como meras estatuas modernas, simplemente obras de arte, sino que tenían principalmente un significado religioso (Maspero). Como podrían habitar los espíritus de los difuntos, estas estatuas de Ka, las características y proporciones fueron fielmente copiadas.

En los principales museos de Europa se encuentran numerosos ejemplos egipcios: momias de seres humanos con sólo el rostro tallado, momias de animales, a veces cajas, con la figura de un lagarto, tal vez, tallada en relieve de momia completa. de pie sobre la tapa. A veces, el animal era tallado en forma redonda y su cuerpo ahuecado se utilizaba como estuche.

En cuanto a los muebles, todavía existen asientos plegables como los modernos taburetes de campamento y sillas con patas que terminan en cabezas de bestias o patas de animales. Camas sostenidas por leones' patas XI. y XII. Dinastías, de Gebelein, ahora en el Museo de El Cairo, los reposacabezas, de 6 u 8 pulgadas de alto, con forma de muleta en un pie, muy parecidos a los que usan hoy los nativos de Nueva Guinea, están tallados con escenas, etc., en contorno. . En el Museo Británico se puede ver un pequeño cofre, de 4 pulgadas por 21/2 pulgadas, con figuras muy delicadas talladas en bajo relieve. Esta pequeña caja se apoya en patas cabriolé de 3/4 de pulgada de largo con patas en forma de garra, con un carácter bastante Luis Quinze. Hay cucharones de incienso, el mango representa un ramo de flores de loto, el cuenco tiene forma de hoja de planta acuática con bordes dentados, procedente de Gurnah del siglo XVIII. dinastía; los mangos de espejos, que representan un pequeño pilar o un tallo de loto, a veces coronados por una cabeza de Hathor, la Venus egipcia o de Bes, dios del baño; alfileteros, en forma de pequeña tortuga redonda con agujeros en la parte posterior para alfileres de tocador, que también eran de madera con extremos en forma de cabeza de perro (dinastía XI, Museo de El Cairo); y cajas de perfume como un pez, las dos mitades que forman el fondo y la parte superior del perfume o pomatum se retiraban con pequeñas cucharas de madera, una en forma de cartucho que emergía de un loto en toda regla, otra en forma de cuello de un ganso, un tercero formado por un perro corriendo con un pez en la boca cerrada, formando el pez la pecera. La lista podría ser larga, pero se ha dicho lo suficiente para mostrar hasta qué punto había llegado el refinamiento del arte de la talla en madera miles de años antes del nacimiento de Cristo.

De la obra de Asiria, Grecia y Roma, en realidad poco se sabe excepto por la historia o las inferencias. Se puede suponer con seguridad que la artesanía asiria siguió el ritmo de los diferentes gustos y refinamientos de Grecia y de todas las civilizaciones más antiguas. Piezas importantes de escultura romana de madera que alguna vez existieron en Grecia y otros países antiguos sólo las conocemos a través de las descripciones de Pausanias y otros escritores clásicos. Muchos ejemplos de imágenes de dioses en madera se conservaron hasta tiempos históricos tardíos. El Paladio, o figura sagrada de Palas, que estaba custodiada por las vírgenes vestales en Roma y que, según la leyenda, fue traída por Eneas desde la Troya en llamas, era una de estas figuras de madera.

Mundo Occidental / Europa

Durante toda la Edad Media se crearon grandes obras de arte en madera, p. en catedrales, abadías y otros sitios conectados con la iglesia. Estas obras demostraron tanto artesanía como arte.

Primeros once siglos de nuestra era

Los ejemplos de tallado en madera de los primeros once siglos de nuestra era son raros debido al hecho de que la madera se pudre fácilmente en 1.000 años. Los paneles tallados de las puertas principales de Santa Sabina en el monte Aventino, Roma, son ejemplares muy interesantes de escultura en relieve paleocristiana en madera, que datan, como muestran los vestidos, del siglo V. Las puertas están formadas por una gran cantidad de pequeños paneles cuadrados, cada uno de ellos minuciosamente tallado con una escena del Antiguo o Nuevo Testamento. En un monasterio del Monte Athos, en Macedonia, se conserva un fragmento muy bello de arte bizantino (siglo XI o XII). Consta de dos paneles (uno encima del otro) de escultura en relieve, coronados por un arco de medio punto de follaje convencional que brota de columnas ornamentadas con animales en follaje en forma de espiral. Los capiteles y bases son cuadrados, estando tallada en cada cara una figura. Es una obra maravillosamente fina, concebida con el mejor espíritu decorativo.

En los países escandinavos encontramos algunas obras muy tempranas de excelente diseño, tanto de naturaleza cristiana como no cristiana, como "El bautizo" en esa parte del mundo tuvo lugar bastante tarde en el primer milenio EC. En el Museo de Christiania hay unas sillas preciosas. En el Museo de Copenhague hay paneles procedentes de Islandia del mismo estilo. Las famosas puertas de madera de Aal (1200 d. C.), Sauland, Flaa, Solder y otras iglesias noruegas (Museo Christiania) tienen dragones y volutas intrincadas, un estilo que todavía vemos en las jambas de las puertas del siglo XV en el museo Nordiska. Estocolmo y en la obra islandesa de tiempos bastante modernos. En estos primeros días, el diseño de la hoja no estaba muy desarrollado. El tallador dependía casi por completo del tallo, un estilo de trabajo que tiene su contraparte en el trabajo birmano del siglo XVII.

Período gótico (siglos XII-XV)

Hacia el final de esta época la talla en madera alcanzó su punto culminante. La sillería del coro, los biombos, los techos y los retablos de Inglaterra, Francia y los países teutónicos de Europa nunca han sido igualados en ejecución, equilibrio y proporción. En diseños pequeños, en detalle, en minuciosidad, en precisión mecánica, el tallador de esta época ha tenido rivales, pero en cuanto a la grandeza de la concepción arquitectónica, en cuanto a una apreciación justa del tratamiento decorativo, el diseñador del siglo XV está solo.

Siempre hay que tener en cuenta que el color fue la tónica de este esquema. La costumbre era prácticamente universal y quedan suficientes vestigios que muestran cuán espléndido era el efecto de estas antiguas iglesias y catedrales góticas. Los sacerdotes con sus magníficas vestimentas, las luces, el crucifijo, los estandartes y el incienso, las paredes con frescos o pañales, y esa gloria suprema del arte gótico, las vidrieras, estaban todos en armonía con estos hermosos esquemas de trabajos tallados en colores. Rojo, azul, verde, blanco y dorado eran los tintes más utilizados. No sólo las mamparas estaban pintadas de colores, sino que las partes pintadas de blanco a menudo estaban decoradas con líneas delicadas y ramitas de follaje en patrones convencionales. Las superficies lisas de los paneles también estaban adornadas con santos, a menudo sobre un fondo de delicado pañal de yeso, coloreado o dorado (Southwold). Nada podría superar la belleza de los trípticos o retablos de Alemania, Flandes o Francia; tallada con escenas del Nuevo Testamento en alto relieve dispuestas bajo un delicado encaje de palios y pináculos agrupados relucientes de oro y colores brillantes. En Alemania, el efecto se realzó aún más enfatizando partes del dorado mediante un barniz transparente teñido de rojo o verde, dando así un tono especial al brillo metálico.

El estilo de diseño utilizado durante este gran período debe gran parte de su interés a la costumbre ahora obsoleta de emplear directamente al artesano y sus hombres, en lugar del hábito actual de entregar el trabajo a un contratista. Es fácil rastrear cómo esos grupos de talladores viajaban de iglesia en iglesia. En un distrito el diseñador empleaba una forma y disposición particular de hojas de parra, mientras que en otro contiguo aparece repetidamente un estilo bastante diferente. Por supuesto, el esquema general fue planeado por un autor intelectual, pero la realización de cada sección, cada parte, cada detalle, se dejó en manos de cada trabajador. De ahí esa variedad de tratamiento, esa diversidad infinita, que da un encanto e interés al arte gótico, desconocido en épocas más simétricas. El artesano gótico valoró el hecho fundamental de que en el diseño los bellos detalles no garantizan necesariamente una bella composición, y subordinó la parte individual al efecto general. También solía tallar in situ, una práctica que rara vez se sigue en la actualidad. Aquí y allá uno se topa con trabajos de hace muchos años aún inacabados. Un banco a medio terminar y un fragmento de biombo dejado al descubierto muestran claramente que a veces al menos la iglesia era el taller.

Gótica y renacentista: una comparación

(feminine)

El diseño gótico se divide aproximadamente en dos clases:

1. los patrones geométricos, es decir, trazas y pañales, y
2. los diseños de follaje, donde el pergamino mecánico del Renacimiento es como una regla ausente.

Las líneas del tratamiento del follaje, tan comunes en las bandas de los biombos del siglo XV y en los paneles, especialmente de Alemania, sirven para ilustrar los motivos muy diferentes de los artesanos de estas dos grandes épocas. Una vez más, mientras que el diseñador renacentista por regla general hacía iguales los dos lados del panel, el tallador gótico rara vez repetía un solo detalle. Si bien sus líneas principales y agrupaciones coincidían, sus detalles diferían. Entre los innumerables ejemplos cabe citar un cofre del siglo XV (Lámina III, fig. 6) en el Kunstgewerbemuseum de Berlín. La disposición del follaje, etc., en la parte superior, trasera y delantera, es típica del gótico en su máxima expresión.

Finales del siglo XII

Como esta sección trata de la talla en madera en Europa en general, y no de un solo país, las fechas que acabamos de nombrar deben ser necesariamente aproximadas. El siglo XIII estuvo marcado no sólo por una gran habilidad tanto en el diseño como en el tratamiento, sino también por un gran sentimiento de devoción. El artesano parece no sólo haber tallado, sino haber tallado para la gloria de Dios. En ningún momento hubo una obra concebida con mayor delicadeza ni tallada con mayor belleza. Este estilo gótico temprano ciertamente se prestaba para acabados finos y, en este sentido, se adaptaba más al tratamiento de la piedra que al de la madera. Pero el amoroso cuidado puesto en cada detalle parece indicar una devoción religiosa que a veces está ausente en trabajos posteriores. En la catedral de Peterborough se pueden ver muy buenos ejemplos de capiteles (ahora, lamentablemente, divididos por el centro). Las volutas y el follaje surgen de grupos de columnas de cuatro. Conviene comparar algunas columnas italianas de la misma fecha (Museo de Victoria y Alberto), en beneficio de las primeras. La catedral de Exeter cuenta con misericordias insuperables por su hábil mano de obra; sirenas, dragones, elefantes, máscaras, caballeros y otros temas introducidos en el follaje, forman los diseños. La catedral de Salisbury se destaca por sus codos de sillería, y el retablo del crucero sur de Adisham, Kent, es otro excelente ejemplo que atestigua la gran habilidad de los talladores de madera del siglo XIII. Un conjunto de sillería muy interesante, cuya historia temprana se desconoce, se colocó en la iglesia de Barming, Kent, alrededor del año 1868. Los extremos de los reposalibros están tallados con dos volutas y un animal entre ellos, y los extremos de los sillería con escultura de figura:

1300–1380

Durante este período se forma el follaje, aunque todavía convencional, más parecido a la naturaleza. La marquesina del coro de Winchester contiene exquisitas tallas de roble y otras hojas. La sillería del coro de Ely y Chichester y la tumba de Eduardo III. en la Abadía de Westminster son todos buenos ejemplos de este período. Exeter cuenta con un trono, el del obispo Stapledon (1308-1326), de 17 m (57 pies) de altura, que sigue siendo inigualable por su perfección de proporciones y delicadeza de detalle. En Francia, los puestos de St Benoit-sur-Loire, Lisieux y Évreux son buenos ejemplos del siglo XIV. Pero actualmente se ven pocas obras góticas en las iglesias de este país. Es en los museos donde debemos buscar las huellas de los antiguos talladores góticos. Los dos retablos del Museo de Dijon, obra de Jacques de Baerze (1301), escultor de Flandes, que talló para Philippe le Hardi, duque de Borgoña, son obras maestras de diseño y mano de obra. La tracería es de la mejor calidad, principalmente dorada sobre fondos de yeso en pañales.

1380–1520

Hacia finales del siglo XIV, los talladores abandonaron en gran medida el tratamiento natural del follaje y adoptaron formas más convencionales. El roble y el arce ya no inspiraron al diseñador, pero la vid se empleó constantemente. Nos queda una gran cantidad de obras del siglo XV, pero sólo podemos hacer una breve referencia a algunos de los ejemplos más bellos que contribuyen a que este período sea tan grandioso.

La mampara de techo ahora era universal. Consistía en una pantalla alta de unos diez metros. de altura, en cuya parte superior descansaba un loft, es decir, una plataforma de unos 1,8 m (6 pies). de ancho custodiado a ambos lados por una mampara de galería, y en la parte superior o delante de ésta, de cara a la nave, se colocaba la cruz, es decir, un gran crucifijo con figuras de Santa María y San Juan a cada lado. Esta mampara a veces abarcaba la iglesia en una longitud continua (Leeds, Kent), pero a menudo llenaba los arcos del pasillo y del presbiterio en tres divisiones separadas (Church Handborough, Oxon.). Al desván se accedía por regla general a través de una escalera de caracol construida en el espesor de la pared del pasillo. La parte inferior de la pantalla en sí estaba formada por paneles sólidos hasta una altura de aproximadamente 3 pies 6 pulgadas (1,07 m) y la parte superior de estos paneles se rellenó con tracería (Carbrook, Norfolk), mientras que las superficies planas restantes de los paneles estaban a menudo se representa con santos sobre un fondo de delicado pañal de yeso (Southwold, Suffolk). Hacia el final de este período el empleo de figuras se hizo menos común como medio de decoración, y los paneles a veces se rellenaban enteramente con follaje tallado (Swimbridge, Devon). La parte superior de la mampara constaba de arcos abiertos con las cabezas rellenas con tracería perforada, a menudo enriquecidas con crockets (Seaming, Norfolk), travesaños almenados (Hedingham Castle, Essex) o cúspides floriadas (Eye, Suffolk). Los parteluces estaban constantemente tallados con follaje (Cheddar, Somerset), pináculos (Causton, Norfolk), ángeles (Pilton, Devon) o decorados con marquesinas en yeso (Southwold). Pero lo característico de estos bellos biombos era el altillo con su galería y bóveda. El piso del desván descansaba sobre la parte superior de la mampara y generalmente se equilibraba y mantenía en su posición mediante una bóveda de arista (Harberton, Devon) o una cala (Eddington, Somerset). Los mejores ejemplos de bóveda se encuentran en Devon. Los relieves en las intersecciones de las nervaduras y la tracería tallada de la mampara de Honiton no tienen rival. Muchos biombos aún conservan la viga que formaba el borde del piso del desván y sobre la que se apoyaba la galería. Fue aquí donde el tallador de biombos medieval dio más rienda suelta a su fantasía y talló los mejores diseños en follaje que se hayan visto a lo largo de todo el período gótico. Aunque estos moldes, crestas y bandas en masa tienen la apariencia de haber sido tallados en un solo tronco, en la práctica se construían invariablemente en partes, gran parte del follaje, etc., siendo perforados y colocados en moldes huecos para aumentar la sombra. . Como regla general, la disposición consistía en una cresta que recorría la parte superior, con una más pequeña colgando del borde inferior, y tres bandas de follaje y enredaderas entre ellas (Feniton, Devon). Los diseños de hojas de parra en Kenton, Bow y Dartmouth, todos en Devon, ilustran tres tratamientos muy bellos de esta planta. En Swimbridge, Devon, existe una combinación muy elaborada; las habituales cuentas lisas que separan las bandas también están talladas con follaje retorcido. En Abbots Kerswell y otros lugares del distrito alrededor de Totnes, los talladores introdujeron pájaros en el follaje con el mejor efecto. La variedad de crestas utilizadas es muy grande. El de Winchcomb, Gloucester, se compone de dragones combinados con hojas de parra y follaje. Ilustra cómo los talladores góticos repetían a veces sus patrones de un modo tan mecánico como los peores trabajadores de la época actual. Poco se puede decir de las galerías, por lo que pocas nos quedan. Casi todos fueron derribados cuando se emitió la orden de destruir las torres en 1548. Que estaban decorados con santos tallados bajo nichos (Iglesia de San Anno, Llananno, Gales), o figuras pintadas (Strencham, Worcester), Esto se desprende de los ejemplos que han sobrevivido a la Reforma. En Atherington. Devon, el frente de la galería está decorado con el escudo de armas real, otros elementos heráldicos y con oraciones. El biombo bretón de St Fiacre-le-Faouet es un maravilloso ejemplo de obra francesa de esta época, aunque no se compara con los mejores ejemplos ingleses. Sus líneas extravagantes y su pequeña tracería nunca consiguieron afianzarse en Inglaterra, aunque a veces se encuentran biombos tallados de esta manera (Colebrook, Devon).

La torre a veces tenía dimensiones tales que requería algún soporte además de la galería sobre la que descansaba. Se utilizó una viga tallada desde la cual una cadena conectaba la propia cruz. En Cullompton, Devon, todavía existe una viga de este tipo y está tallada con follaje; una cresta abierta adorna la parte inferior y dos ángeles sostienen los extremos. Esta cruz en particular se encontraba sobre una base de rocas, cráneos y huesos, tallados en dos troncos sólidos con un promedio de 18 pulgadas de ancho y 21 pulgadas de alto, y juntos medían 15 pies 6 pulgadas (4,72 m) de largo; Hay agujeros redondos en la parte superior que probablemente se usaron para luces.

Ningún país de Europa posee techos que igualen los de Inglaterra creados en el siglo XV. El gran techo del Westminster Hall sigue siendo único hasta el día de hoy. En Norfolk y Suffolk abundan los tejados de la clase de vigas de martillo; que en Woolpit, Suffolk, alcanza el primer rango de calidad. Cada ménsula está tallada con follaje fuertemente diseñado, el extremo de cada viga termina en un ángel que lleva un escudo, y las correas tienen cresta, mientras que cada armadura está sostenida por un rico con dosel (que contiene una figura) que descansa sobre una ménsula de ángel. También aquí, como en Ipswich y en muchas otras iglesias, hay una hilera de ángeles con las alas extendidas debajo de la placa de la pared. Esta idea de ángeles en el techo es muy hermosa y el efecto se realza mucho con el color. El tejado de St Nicholas, King's Lynn, es un magnífico ejemplo de construcción con vigas de atado. Las cerchas están rellenas de tracería en los laterales y los centros más o menos abiertos, y las vigas, cresqueadas y almenadas, contienen una hilera de ángeles a cada lado. En Devon, Cullompton posee un techo semicircular muy fino sostenido a intervalos por nervaduras perforadas con tallas. Cada compartimento está dividido en pequeños paneles cuadrados, atravesados por nervaduras diagonales de crestería, mientras que cada junta está adornada con una protuberancia tallada en la forma decorativa peculiar del artesano gótico. El techo de la nave de la catedral de Manchester es casi plano y también está dividido en pequeños compartimentos y tiene salientes; las vigas se sostienen sobre ménsulas talladas que descansan sobre ménsulas con ángeles en cada base.

En el siglo XV, la sillería del coro con sus marquesinas siguió ganando magnificencia. La catedral de Manchester (mediados del siglo XV) y la capilla de Enrique VII en la Abadía de Westminster (principios del siglo XVI) son buenos ejemplos de la moda de acumular ~7~7 pináculos y marquesinas; una costumbre que difícilmente se compara con la belleza más simple de la obra del siglo XIV de la catedral de Ely. La sillería de la catedral de Amiens era quizás la más hermosa del mundo a principios del siglo XVI. La crestería empleada, aunque común en el continente, es de un tipo apenas conocido en Inglaterra, ya que consiste en arcos que surgen de arcos y están decorados con crockets y remates. El tabernáculo sobre los asientos de los extremos, con sus pináculos y arbotantes, se extiende hacia el techo en líneas ahusadas de la mayor delicadeza. La sillería del coro (obra de Jörg Syrlin el Viejo) en la catedral de Ulm se encuentra entre las mejores del tallador alemán. Los paneles frontales están tallados con follaje de espléndida audacia decorativa, fuerza y carácter; los extremos de los puestos estaban tallados con follaje y esculturas a lo largo del borde superior, como ocurría a veces en Baviera, Francia y Alemania.

En los primeros tiempos sólo el coro poseía asientos, quedando la nave vacía. Poco a poco se fueron introduciendo los bancos y durante el siglo XV se hicieron universales. La forma de cabeza de amapola del adorno B alcanzó ahora la perfección y se utilizó constantemente incluso para asientos distintos a los del coro. El nombre se refiere en a. hasta el remate tallado que se utiliza con tanta frecuencia para completar la parte superior del banco y que tiene un carácter peculiarmente inglés. En Devon y Cornwall, rara vez se encuentra (Ilsington, Devon). En Somerset es más común, mientras que en los condados del este quedan miles de ejemplos. La forma bastante simple de flor de lis de amapola, adecuada para el pueblo, se ve a la perfección en Trunch, Norfolk, y la forma muy elaborada cuando la amapola surge de un círculo de ganchillo lleno de escultura, en San Nicolás, Rey&# 39;s Lynn. A menudo, el follaje contenía un rostro (St Margaret's, Cley, Norfolk), o la cabeza de amapola consistía únicamente en figuras o pájaros (Thurston, Suffolk) o una figura parada sobre un dragón (Great Brincton, Northampton); ocasionalmente se apartaba de la forma tradicional y el remate era tallado como un limón en contorno (Bury St Edmuncis) o un diamante (Tirley, Glos.). En Dinamarca, un adorno en forma de un gran círculo reemplaza a veces a la cabeza de amapola inglesa. En el Museo de Copenhague hay un conjunto de extremos de banco del siglo XV con dicha decoración tallada con escudos de armas, correas entrelazadas, etc. Pero el extremo del antiguo banco del siglo XV no dependía enteramente de la cabeza de amapola para su adorno. El lado se enriquecía constantemente con tracería elaborada (Dennington, Norfolk) o con tracería y escenas domésticas (North Cadbury, Somerset), o consistiría en una masa de escultura en perspectiva, con marquesinas, contrafuertes y nichos esculpidos, mientras que la parte superior de el extremo del banco estaría coronado con figuras talladas en redondo, de la más fina artesanía. Este tipo de trabajo en la catedral de Amiens es una maravilla tanto de concepción, diseño como de ejecución. En el Kunstgewerbemuseum de Berlín se pueden ver unos bonitos puestos de venta. De la boca de un dragón crece un árbol convencional dispuesto y equilibrado en excelentes proporciones. En otro extremo del puesto, hay un árbol tallado que sale de la boca de un tonto. Esta costumbre de hacer crecer follaje de la boca o de los ojos es difícilmente defendible y de ninguna manera se limitó a ningún país o época. Tenemos muchos ejemplos renacentistas del mismo tratamiento.

Antes del siglo XV, la predicación no se había convertido en una institución regular en Inglaterra y los púlpitos no eran tan comunes. Sin embargo, el valor del sermón comenzó a apreciarse a partir del uso que los lolardos y otras sectas hacían de este método de enseñanza de la doctrina, y los púlpitos se convirtieron en una necesidad. Existe uno muy hermoso en Kenton, Devon. Es, como suele ser el caso, octogonal y se apoya en un pie. Cada ángulo está tallado con una columna vertical de follaje entre pináculos, y los paneles, que están pintados con santos, están enriquecidos con marquesinas y follaje tallados; Sin embargo, está muy restaurado. El púlpito de Trull, Somerset, se destaca por sus finas figuras talladas. Una gran figura de pie bajo un cañón llena cada uno de los lados con paneles. mientras que muchas otras figuras más pequeñas ayudan a enriquecer el efecto general. Los ejemplos de cajas de resonancia góticas son muy raros; que, junto con el púlpito, en el coro de Winchester es de la época del prior Silkstede (1520), y está tallado con su rebus, una madeja de seda retorcida.

La forma habitual de la cubierta de la fuente durante los cien años anteriores a la Reforma era piramidal, siendo las nervaduras de los ángulos salientes Fo rectas y cúspides (Frindsbury, Kent) o de contorno curvo y cúspides (St Mildred, Canterbury). Hay uno muy encantador de este tipo en Colebrook, Devon. Es bastante sencillo salvo por un angelito arrodillado en la parte superior, con las manos juntas en oración. Pero la forma más bella es la enorme colección de pináculos y marquesinas, de la que existe un excelente ejemplo en Sudbury, Suffolk. No era raro tallar una paloma en el pináculo más alto (Castleacre, Norfolk), en alusión al descenso del Espíritu Santo. La fuente más bella de Inglaterra es sin duda la de Ijiford, Suffolk. Se eleva unos 20 pies (6,1 m). de altura, árida cuando los paneles estaban pintados con santos y el exquisito trabajo del tabernáculo coloreado y dorado, debe haber sido una obra maestra de la artesanía gótica. Para retirar la cubierta con motivo del bautismo se utilizaba un cordón que conectaba la parte superior de estas cubiertas con el techo o con una viga tallada que sobresalía de la pared, algo así como una grúa (Salle, Norfolk).

Muchos atriles del período gótico no existen hoy en día. Por lo general, tenían un escritorio de doble inclinación que giraba alrededor de un poste central moldeado. El atril de Swanscombe, Kent, tiene eras, un círculo de buen follaje que adorna cada cara del reposalibros y tracería sónica en cada extremo. La forma de caja es más común en Francia que en Inglaterra, y el pedestal de dicho atril está rodeado por una carcasa de tres o más lados. Un buen ejemplo con seis lados se encuentra en la iglesia de Vance (Francia), y uno de forma triangular en la Musa de Bourges, mientras que un atril de caja de cuatro lados todavía se utiliza en la iglesia de Lenham, Kent. El escritorio de oración gótico, utilizado con fines devocionales privados, es poco conocido en Inglaterra, pero no es infrecuente en el continente. Hay un bello ejemplar en la Musa de Bourges; el frente y los lados de la parte para arrodillarse están tallados con esa pequeña tracería de carácter fluido tan común en Francia y Bélgica durante la última parte del siglo XV, y la parte posterior, que se eleva a una altura de 1,8 m (6 pies). , contiene un pequeño crucifijo con decoración traceada arriba y abajo.

Hay que decir unas palabras sobre el copón, que tan a menudo se encuentra en el continente Oboria de Europa. En la disposición ahusada del trabajo del tabernáculo rivalizan con las cubiertas tipográficas inglesas en delicadeza de contorno (Muse, Rouen).

No sólo en las iglesias sino también en las casas particulares se encuentran numerosas puertas. Lavenham, Suffolk, es rica en obras de esta última clase. En Inglaterra, la costumbre general era tallar la cabecera de la puerta únicamente con tracería (East Brent, Somerset), pero en el período Tudor las puertas a veces se cubrían completamente con paneles de lino (St Albans Abbey). Esta forma de decoración era sumamente común tanto en el continente como en Inglaterra. En Francia, las puertas de finales del siglo XV solían tener la cabeza cuadrada o quizás las esquinas redondeadas. Estas puertas solían estar divididas en unos seis u ocho paneles oblongos de tamaño más o menos igual. Una de las puertas de la catedral de Bourges está así tratada, cuyos paneles están rellenos de muy buena tracería enriquecida con crockets y escudos de armas. Pero constantemente se emplea una forma de tratamiento más restringida, como en la iglesia de St Godard, Rouen, donde sólo los paneles superiores están tallados con tracería y escudos de armas y los inferiores adornados con un sencillo diseño de pliegues de lino.

A España y los países teutónicos de Europa buscamos el objeto más importante de decoración de la iglesia, el retablo; La Reforma explica la ausencia en Inglaterra de cualquier obra de este tipo. El magnífico retablo de la catedral de Schleswig fue tallado por Hans Bruggerman y consta, como muchos otros, de una serie de paneles llenos de figuras de cuatro o cinco de alto. Las figuras de las filas anteriores están talladas completamente separadas y se destacan por sí mismas, mientras que el fondo se compone de figuras y arquitectura, etc., en perspectiva decreciente. Los paneles se agrupan bajo una marquesina formando un todo armonioso. El genio de este gran tallador se muestra en la gran variedad de expresiones faciales de esas maravillosas figuras, todas llenas de vida y movimiento. En Francia existen pocos retablos fuera de los museos. En la pequeña iglesia de Marissel, no lejos de Beauvais, hay un retablo que consta de once paneles, siendo, por supuesto, la crucifixión el tema principal. Y hay un hermoso ejemplo de Amberes en Muse Cluny, París; la tracería perforada que decora la parte superior es un buen ejemplo del estilo compuesto por segmentos entrelazados de círculos tan común en el continente durante la época del gótico tardío y rara vez practicado en Inglaterra. En España, la catedral de Valladolid era famosa por su retablo, y Alonso Cano y otros escultores utilizaban frecuentemente madera para grandes estatuas, que estaban pintadas de manera muy realista con el efecto más sorprendentemente realista. Dinamarca también poseía una escuela de hábiles talladores de madera que imitaban los grandes retablos de Alemania. En la catedral de Roskilde todavía existe un ejemplo muy grande y bien tallado. Pero además de estos grandes retablos, se tallaron pequeños modelos a una escala cuya minuciosidad asombra al espectador. Trípticos y altares, etc., que medían sólo unos pocos centímetros, estaban llenos de tracerías y figuras que suscitaban el mayor asombro. En el Museo Británico existe un tríptico de este tipo (flamenco, I 511); el panel central, que mide una o dos pulgadas cuadradas, está lleno de figuras en pleno relieve y en perspectiva decreciente, según la costumbre de este período. Este descansa sobre una base semicircular en la que está tallada la Cena del Señor y está adornada además con figuras y animales. Todo el conjunto mide aproximadamente 9 pulgadas de alto y, con las alas del tríptico abiertas, 5 pulgadas de ancho. La extraordinaria delicadeza y minuciosidad de los detalles de esta obra microscópica desconciertan la descripción. Hay otra pieza similar, también flamenca, en la colección Wallace, que rivaliza con la que acabamos de mencionar en rni& talento aplicado. Porque, por maravillosas que sean estas obras de arte, no satisfacen. Hacen que a uno le duelan los ojos, le preocupa cómo se pudo haber obtenido el resultado, y después del primer asombro uno debe sentir alguna vez que la misma obra de arte en una escala lo suficientemente grande como para una catedral podría haber sido tallada con la mitad del tamaño de una catedral. mano de obra.

Con respecto a los paneles en general, durante los últimos cincuenta años del período que ahora nos ocupa, hubo tres estilos de diseño seguidos por la mayoría de los talladores europeos, cada uno de los cuales alcanzó gran notoriedad. En primer lugar, una forma desarrollada de paneles pequeños. tracería que era muy común en Francia y los Países Bajos. Un panel de cabeza cuadrada se rellenaría con pequeños detalles de carácter extravagante, estando siempre subordinada la línea perpendicular o parteluz, como en el chasse alemán (Muse Cluny), y en algunos casos ausente, como nos muestra el biombo de la catedral de Évreux. . En segundo lugar, el diseño del pliegue del lino. La gran mayoría de los ejemplos tienen una forma muy convencional, pero en Bere Regis, Dorsetshire, los diseños con borlas, y en St Sauvur, Caen, los de flecos, justifican fácilmente el título universal aplicado a este tratamiento tan decorativo de grandes superficies. . A principios del siglo XVI se puso de moda otro patrón. Las líneas principales del diseño consistían en molduras planas y huecas, a veces en forma de círculos entrelazados (Gatton, Surrey), otras veces principalmente rectas (la catedral de Rochester), y los espacios intermedios se rellenaban con cúspides o ramitas de follaje. Marca la última lucha de esta gran escuela de diseño para resistir la inminente inundación del nuevo arte, el gran Renacimiento. A partir de este momento la obra gótica, a pesar de varios intentos, nunca volvió a ocupar un lugar en la decoración doméstica. Las líneas del estilo tracería, el pináculo y el crockett, inigualables como siempre han sido en la expresión devocional, se consideran universalmente inadecuadas para la decoración de la casa ordinaria.

Pero poca referencia se puede hacer al aspecto doméstico del período que finalizó a principios del siglo XVI, porque existen muy pocos restos. En Bayeux, Bourges, Reims y, sobre todo, Rouen, vemos por las figuras de santos, obispos o vírgenes hasta qué punto el sentimiento religioso de la Edad Media entró en la vida doméstica. En Inglaterra, el poste esquinero tallado (que generalmente llevaba un soporte en la parte superior para sostener el piso sobresaliente) merece comentarios. En Ipswich hay varios puestos de este tipo. En una casa cerca del río, ese célebre tema, el zorro predicando a los gansos, está grabado en alusión gráfica a la difusión de falsas doctrinas.

En cuanto a repisas de chimenea, hay un buen ejemplo en el Museo de Rouen. Las esquinas sobresalientes están sostenidas por dragones y las molduras lisas tienen pequeños manojos de follaje tallados en cada extremo, una costumbre tan común en Francia durante el siglo XV como lo fue en Inglaterra un siglo antes; la pantalla. viga en la iglesia parroquial de Eastbourne, por ejemplo.

Por regla general, los gabinetes del siglo XV eran de planta rectangular. En Alemania y Austria, la parte inferior a menudo estaba cerrada, al igual que la superior; los rieles superior, medio e inferior están tallados con diseños geométricos o con bandas de follaje (Museo, Viena). Pero también era costumbre realizar estos armarios con las esquinas cortadas, dando así cinco lados al mueble. Un ejemplar muy bonito, muy realzado por el trabajo metálico de las placas de las cerraduras y las bisagras, se encuentra en la Musa Cluny, y hay otros buenos ejemplares con la parte inferior abierta en el Victoria and Albert Museum de Londres.

El cofre era un mueble muy importante y, a menudo, se encuentra cubierto con las tallas más elaboradas (Museo de Orleans). En el Museo de Cluny se conserva un espléndido cofre (siglo XIV); el frente está tallado con doce caballeros con armadura de pie bajo otros tantos arcos, y las enjutas están rellenas con caras, dragones, etc. Pero es en el siglo XV donde buscamos la mejor obra de esta clase; No hay mejor ejemplo que el del Kunstgewerbemuseum de Berlín. El frente es una escena de caza muy animada dispuesta más decorativamente en un esquema de follaje, y la parte superior lleva dos escudos de armas con yelmos, cimeras y mantos. Pero la costumbre más general en la decoración de cofres era emplear tracería con o sin figuras; El Museo de Aviñón contiene algunos ejemplos típicos de esta última clase.

Un cierto número de asientos utilizados con fines domésticos son de gran interés. Un buen ejemplo de banco largo colocado contra la pared, con respaldo alto con paneles y dosel, se encuentra en el Museo Cluny de París. En el Museo de Rouen hay un asiento largo de tipo móvil con un respaldo bajo con paneles de tracería perforada, y en el Museo de Dijon hay un buen ejemplo de la silla típica de la época, con brazos y respaldo alto con paneles y tracería. Existía un estilo de diseño que se adaptaba admirablemente a la decoración de muebles hechos de madera blanda como el pino. En cierto modo se parecía al excelente tratamiento escandinavo de los siglos X-XII al que ya nos hemos referido. Un patrón de follaje gótico, a menudo de hermoso contorno, simplemente se reduciría a poca profundidad. Las sombras, curvas y giros sólo se enfatizan con unos pocos cortes bien dispuestos con una herramienta en V; y por supuesto, todo el efecto mejoró enormemente con el color. Una puerta suiza del siglo XV en el Museo de Berlín y algunas obras alemanas, suizas y tirolesas en el Museo de Victoria y Alberto ofrecen patrones que bien podrían ser imitados hoy por quienes requieren una decoración sencilla evitando las trilladas formas isabelinas.

Es difícil comparar la obra figurativa de Inglaterra con la del continente debido al efecto desastroso de la Reforma. Pero cuando examinamos los tejados de los condados del este, los extremos de los bancos de Somerset o las misericordias en muchas partes del país, podemos apreciar hasta qué punto se utilizaba en gran medida la escultura en madera con fines decorativos. Si, por regla general, el trabajo de las figuras no era de muy alto nivel, tenemos notables excepciones en los codos de los puestos de Sherborne y el púlpito de Trull, Somerset. Quizás el ejemplo más antiguo sea la efigie de Roberto, duque de Normandía, a menudo mutilada y restaurada, en la catedral de Gloucester (siglo XII), y tallada, como era habitual en Inglaterra, en roble. En Clifton Reynes, Buckingham, hay dos figuras del siglo XIII. Ambos están ahuecados por detrás para facilitar el curado de la madera y evitar grietas. Durante los siglos XIII, XIV y XV hay innumerables ejemplos de talla de figuras de la descripción más gráfica que se ofrece en las misericordias de muchas de nuestras iglesias y catedrales. Pero de figuras talladas en forma redonda separadas de su entorno apenas queda un ejemplo. En la pequeña capilla de Cartmel Fell, en las tierras salvajes de Westmorland, hay una figura de Nuestro Señor sacada de un crucifijo, de unos 0,76 m (2 pies 6 pulgadas) de largo. La cruz ya no está, los brazos rotos y los pies quemados. Una segunda figura de Nuestro Señor (originalmente en la iglesia de Keynes Inferior) se encuentra en el museo de Caerleon, y una tercera, de una iglesia en Lincolnshire, se encuentra ahora en una colección privada. En el continente, algunas de las mejores figuras se encuentran en los retablos, algunos de los cuales se encuentran en el Victoria and Albert Museum. Un panel tirolés del siglo XV tallado en alto relieve, que representa a San Juan sentado de espaldas al espectador, es una obra maestra de perspectiva y escorzo, y los pliegues de las cortinas son perfectos. Lo mismo puede decirse de una pequeña estatua de la Virgen, tallada en cal por una mano suiza, y algunas obras del gran Tilman Riemenschneider de Würzburg (1460-1531) muestran que los escultores de piedra de la época medieval no se avergonzaban de la madera.

Período renacentista (siglos XVI-XVII)

Con el comienzo del siglo XVI, el Renacimiento comenzó a abrirse paso hasta excluir el diseño gótico. Pero el proceso no fue repentino y se hizo mucho trabajo de transición. El biombo de Hurst, Berkshire, los puestos de Cartmel Priory, Westmorland, y los extremos de los bancos de muchas de las iglesias de Somerset son buenos ejemplos. Pero el nuevo estilo no estaba a la altura del antiguo en sentimiento devocional, excepto en edificios clásicos como la Catedral de San Pablo, donde las sillerías de Grinling Gibbons se adaptan mejor a su propio entorno. Por lo tanto, el resto de este artículo se dedicará principalmente al trabajo doméstico, y la ubicación exacta de los ejemplos sólo podrá darse cuando no sean propiedad de propietarios privados o donde el público tenga acceso.

Durante el siglo XVI la mejor obra se encuentra sin duda en el Continente. Francia, Alemania y los Países Bajos produjeron innumerables ejemplos no sólo de decoración de casas sino también de muebles. La riqueza del recién descubierto continente americano fue sólo un factor que contribuyó a la influencia civilizadora de esta época, y de la mano de la expansión del comercio vino el deseo de refinamiento. Continuó la costumbre de construir casas principalmente de madera dondequiera que abundara la madera. Las pilastras sustituyeron a los pináculos, y los jarrones o los delfines ayudaron a la hoja de acanto a desplazar las formas de diseño más antiguas. Las fachadas de madera de las casas dieron amplias posibilidades al tallador. La de Sir Paul Pinder (1600), antiguamente en Bishopsgate, pero hoy conservada en el Victoria and Albert Museum, es un buen ejemplo de tratamiento decorativo sin sobrecargas. Los soportes tallados en forma de monstruos que sostienen el piso superior saliente son típicos de cientos de viviendas, como por ejemplo el Hospital St Peters, en Bristol. También los paneles de la casa de Sir Paul Pinder son buenos ejemplos de esa forma jacobea de medallón rodeado de volutas que es a la vez tan decorativa como sencilla.

En Inglaterra prevaleció ese estilo familiar conocido como isabelino y jacobeo durante los siglos XVI y XVII. En la actualidad, casi ninguna casa en el país no tiene su viejo cofre de roble tallado con el familiar semicírculo o borde de volutas a lo largo de la barandilla superior, o el patrón de arco en los paneles. Los armarios del patio, con sus partes inferiores macizas o abiertas y su cornisa superior sostenida por balaustres torneados de espesor extravagante, se ven por donde quiera que uno va. Y las sillas, tanto reales como espurias, con respaldos macizos tallados en el habitual relieve plano, se compran con una avidez inseparable de la moda. Las camas de cuatro postes son más difíciles de conseguir. La parte trasera suele estar dividida en pequeños paneles y tallada, observándose el mejor efecto en aquellos ejemplos en los que sólo están decorados los paneles o el marco. Las mesas del comedor a menudo tenían seis patas de gran sustancia, que estaban algo giradas en forma de taza tapada y estaban talladas con follaje que guardaba un lejano parecido con el acanto. Las habitaciones generalmente estaban revestidas de paneles de roble, a veces divididas a intervalos por pilastras planas y el friso superior tallado con volutas o delfines. Pero el elemento que distinguía la época era el manto de fuego. Siempre debe ser el objeto principal de una habitación, y el tallista isabelino apreció plenamente este hecho. Al tallar la campana de la chimenea generalmente hasta el techo y cubrir las paredes circundantes con paneles más o menos lisos, el diseñador, al concentrar así la atención en un punto, conseguía a menudo resultados de gran nivel. Figuras de cariátides, pilastras y frisos se encontraban entre los detalles habituales empleados para producir buenos efectos. No existe mejor ejemplo que el que recientemente se trasladó del antiguo palacio de Bromley-by-Bow al Museo de Victoria y Alberto. El estante de la repisa mide 1,8 m (6 pies). del suelo y consta de un molde de cuadrante profundo decorado con volutas planas de buen diseño. Las pilastras de soporte a ambos lados tienen la forma y el moldeado del estilo jacobeo habitual y están coronadas por bustos con capiteles jónicos en las cabezas. Encima del estante, el gran panel central está profundamente tallado con el escudo de armas real con soportes y manto, y a cada lado un nicho con arco de medio punto contiene una figura con vestimenta clásica. El tallista isabelino realizó a menudo espléndidas escaleras, a veces tallando los postes de los postes con figuras heráldicas con escudos de armas, etc. Los postes de una escalera de Highgate sostienen diferentes tipos de soldados cromwellianos, tallados con gran vivacidad y vida. Pero a pesar de trabajos excelentes, como por ejemplo la hermosa galería de Hatfield, la talla de este período no se podía comparar, en lo que a Inglaterra concernía, con otras épocas, ni con trabajos contemporáneos en otras partes de Europa. Gran parte de la obra está mal dibujada y mal ejecutada. Es cierto que siempre se obtenían buenos efectos decorativos al mínimo coste, pero es difícil descubrir mucho mérito en una obra que realmente luce mejor cuando está mal cortada.

En Francia se utilizó hasta cierto punto este tratamiento plano y sencillo. Las puertas eran las más apropiadas para adornarlas de esta manera, y a menudo se encuentra el balaustre partido tan característico de la obra jacobea. Hay algunas vitrinas muy buenas en el museo de Lyngby, Dinamarca, que ilustran estos dos métodos de tratamiento en combinación. Pero los suizos y los austriacos elaboraron este estilo, mejorando enormemente el efecto añadiendo color. Sin embargo, los mejores diseños continentales adoptaron el follaje de acanto típico de Italia, conservando al mismo tiempo una cierta sensación gótica en la fuerza de las líneas y el corte de los detalles. Los paneles, a menudo largos y estrechos, se usaban comúnmente para todo tipo de propósitos domésticos, siendo una característica un medallón en el centro con una disposición simple de jarrón, delfines, dragones o pájaros y follaje que llenaban los espacios arriba y abajo.

Los gabinetes de Holanda y Bélgica son excelentes modelos de diseño. Estos muebles solían estar dispuestos en dos plantas con fina cornisa moldurada y tallada, división media y zócalo. Las pilastras laterales y los pequeños paneles elevados tallados sólo en la parte saliente, formarían un conjunto muy armonioso. Una proporción de los gabinetes franceses están decorados con cariátides que no están talladas con el mejor gusto y, como otras carpinterías francesas de este período, a veces están sobrecargadas de esculturas. Las puertas de St Maclou, Rouen, por muy hermosas que sean, difícilmente podrían hoy considerarse modelos a imitar. Un conjunto de puertas digno de mención pertenece al Ayuntamiento de Oudenaarde. La puerta central contiene doce y la de cada lado ocho paneles, cada uno de los cuales está tallado con follaje renacentista que rodea una figura discreta. En el Palacio de Justicia vemos ese gran esquema decorativo que ocupa todo el extremo del salón con chimenea. Cinco figuras grandes talladas en redondo están rodeadas de otras pequeñas y con follaje y blasones.

En Italia, la cuna del Renacimiento, hay muchas obras excelentes del siglo XVI. Rafael impulsó una escuela de diseño muy importante, cuyos patrones fueron utilizados o adaptados por un gran número de artesanos. Las contraventanas de Raphaels Stanze en el Vaticano y la sillería del coro de la iglesia de San Pietro de Cassinesi en Perugia se encuentran entre los ejemplos más bellos de este estilo de talla. La obra tiene un ligero relieve y está tallada en nogal con esos elegantes patrones que Rafael desarrolló a partir de los restos recientemente descubiertos de una antigua pintura mural romana del palacio de Nerón y otros lugares. En el Museo de Victoria y Alberto hay muchos ejemplos de obras italianas: la puerta de un convento cerca de Parma, con sus tres máscaras prominentes y sus pesados moldes de gallo; un marco con un encantador borde de acanto y moldes de huevo y lengua a cada lado; y varios cofres nupciales en nogal revestidos con esquemas de talla muy elaborados. A veces es difícil distinguir el español, o incluso el trabajo del sur de Francia, del italiano, por lo parecido que es el carácter. Los españoles no ceden ante nadie en buena obra. En el Victoria and Albert Museum se conservan algunos paneles españoles de diseño típico italiano, así como vitrinas del más puro orden renacentista. En este tramo se conserva una maravillosa arca portuguesa (siglo XVII). La parte superior está profundamente tallada en pequeños compartimentos con escenas de la vida de Nuestro Señor.

Siglos XVII y XVIII

En Inglaterra surgió la gran escuela de Grinling Gibbons. Aunque esculpió muchas molduras hermosas de forma convencional (Palacio de Hampton Court, Chatsworth, etc.), su nombre suele asociarse con una forma de decoración muy pesada que fue copiada directamente de la naturaleza. Grandes guirnaldas de cortinas y follaje con frutas y pájaros muertos, etc., se tallarían en cal de un pie de espesor. En términos de habilidad técnica, estos ejemplos son insuperables; cada uva sería socavada, los tallos más finos y las patas de los pájaros se destacarían bastante separados y, como consecuencia, pronto sucumbirían a la energía de la escoba de la criada. Buen trabajo de esta clase se puede encontrar en Petworth; Trinity College, Oxford; Trinity College, Cambridge; Catedral de San Pablo; Santiago, Piccadilly; y muchas otras iglesias de Londres.

Durante los reinados de Luis XIV. y XV. El principal mérito del diseño tallado, es decir, su idoneidad e idoneidad, desapareció gradualmente. Los muebles a menudo estaban tallados de una manera difícilmente legítima. Las patas, los rieles de las mesas y sillas, los marcos de los armarios y de los espejos, en lugar de estar hechos primero por construcción y resistencia. y luego decoradas, fueron diseñadas primero para llevar cabezas de querubines y rococó (es decir, adornos de rocas y conchas), sin tener en cuenta su utilidad o conveniencia. Una gran cantidad de diseños erróneos también se aplicaron a los vagones estatales, por no hablar de las camas y otros muebles. Sin embargo, los paneles de las paredes de las mansiones de los ricos, y a veces los paneles de los muebles, estaban decorados con un diseño rococó en su forma menos ilegítima. La parte principal de la superficie de madera se dejaría lisa, mientras que en el centro se tallaría un medallón rodeado de follaje, jarrones o trofeos de antorchas e instrumentos musicales, etc., o quizás se trataría así la parte superior del panel. Francia lideró la moda, que fue más o menos seguida en toda Europa. En Inglaterra, sillas doradas al estilo de Luis XV. se fabricaron en algunas cantidades. Pero Thomas Chippendale, Ince y Mayhew, Sheraton, Johnson, Heppelwhite y otros ebanistas, por regla general, no utilizaban mucho tallado en sus diseños. Sin embargo, se utilizaron volutas, conchas, cintas, mazorcas de maíz, etc., en relieves muy finos, para adornar sillas, etc., y el pie de garra y bola se empleó como terminación de las patas cabriolé de los gabinetes y otros muebles.

Las repisas de las chimeneas del siglo XVIII solían estar talladas en pino y pintadas de blanco. Por lo general, los estantes eran estrechos y estaban sostenidos por pilastras, a menudo de planta elíptica plana, a veces por cariátides, y el friso consistiría en un panel central elevado tallado con una escena clásica en relieve, o con una máscara sola, y a cada lado un botín. de flores, frutos y follaje.

Las puertas interiores a menudo estaban decoradas con un frontón roto más o menos ornamentado, y una mata de follaje comúnmente colgaba de ambos lados sobre un fondo de volutas. Los porches exteriores que se ven con tanta frecuencia en las casas de la reina Ana tenían un carácter peculiar del siglo XVIII. Una pequeña plataforma o techo curvo estaba sostenida por dos soportes grandes y pesados tallados con volutas de acanto. Las escaleras eran en general muy buenas. Se fijaron ménsulas talladas y perforadas a las cuerdas abiertas (es decir, a los lados de los escalones), dando un efecto muy bonito a la elegante balaustrada de columnas torneadas y retorcidas.

El trabajo de figuras renacentistas requiere pocos comentarios. Durante el siglo XVI se produjeron muchos buenos ejemplos, como las estatuas sacerdotales en el museo de Sens. Pero las figuras utilizadas en la decoración de armarios, etc., rara vez superaban el nivel ordinario. En el siglo XVIII estaban de moda las cabezas de querubines y a veces se tallaban estatuillas en madera de boj como adorno, pero como medio para decorar las casas la escultura en madera dejó de existir. Los suizos, sin embargo, han mantenido su reputación como esculturas de animales hasta el día de hoy, y todavía producen gamuzas y osos hábilmente tallados, etc.; Por regla general, cuanto más esquemáticamente se corte, mejor será el mérito. Sus trabajos más ambiciosos, sus grupos de vacas, etc., alcanzan en ocasiones un alto nivel de excelencia.

Entre los siglos XVII y XVIII se inició una florida industria de tallado en madera en el valle de Gardena, que ahora se encuentra en la provincia italiana de Tirol del Sur. Una red de gente de ese valle viajaba a pie por todas las ciudades europeas, hasta Lisboa y San Petersburgo, para vender los productos de cientos de talladores. Finalmente, en el siglo XIX, en Gardena se tallaban millones de piezas principalmente juguetes y muñecas de madera, también conocidas como muñecas holandesas o muñecas de centavo. El Museo Gherdëina de Urtijëi muestra una gran colección de ejemplos de tallas en madera de esa región.

Se siguieron produciendo tallas en madera dorada en Portugal y España, y el estilo se exportó a sus colonias del Nuevo Mundo, Filipinas, Macao y Goa.

Siglo XIX hasta la actualidad

Del trabajo del siglo XIX en adelante poco se puede elogiar. Fuera y más allá de la moda actual de coleccionar robles viejos, no parece haber demanda de decoración tallada. En el trabajo de la iglesia se ocupa un cierto número de talladores, así como en reparaciones o en la producción de imitaciones. Pero el tallado que se suele ver en los hoteles o a bordo de los modernos palacios marinos es principalmente obra de la máquina, a menudo con el trabajo de acabado realizado por trabajadores humanos.

Sin embargo, en el siglo XIX se formalizó la enseñanza del tallado en madera en varios países europeos. Por ejemplo, el tallador de madera austríaco Josef Moriggl (1841-1908) tuvo una larga carrera como profesor, que culminó con su nombramiento en 1893 como profesor en la Staats-Gewerbeschule (Escuela de Artesanía) de Innsbruck, donde trabajó hasta su jubilación en 1907.

En Gröden, la institución de una escuela de arte en 1820 mejoró considerablemente las habilidades de los talladores. Se desarrolló una nueva rama industrial con cientos de artistas y artesanos dedicados a la escultura y fabricación de estatuas y altares en madera exportada a todo el mundo. Desafortunadamente, la industria del tallado a máquina, iniciada en la década de 1950 y el Concilio Vaticano II, provocó que cientos de talladores en Val Gardena abandonaran su oficio. Siguió un comercio mundial de figurillas y estatuas talladas a máquina.

Copta

(feminine)

A principios del período medieval, trabajadores cristianos nativos producían biombos y otros accesorios para las iglesias coptas de Egipto. En el Museo Británico se conserva un conjunto de diez pequeños paneles de cedro procedentes de la puerta de la iglesia de Sitt Miriam, El Cairo (siglo XIII). Los seis paneles de figuras esculpidas están tallados en muy bajo relieve y los cuatro paneles de follaje son de carácter bastante oriental, intrincados y finos tanto en detalle como en decoración. En el Museo de El Cairo hay muchas obras tratadas según el familiar estilo árabe, mientras que otros diseños son de carácter bastante bizantino. El trabajo de las figuras no es de muy alto nivel.

Trabajo islámico

Los talladores de madera musulmanes de Persia, Siria, Egipto y España son famosos por su habilidad, diseñaron y ejecutaron los más ricos paneles y otras decoraciones para revestimientos de paredes, techos, púlpitos y todo tipo de accesorios y muebles. Las mezquitas y casas particulares de El Cairo, Damasco y otras ciudades orientales están llenas de los trabajos en madera más elaborados y minuciosamente delicados. Un estilo de adorno favorito era cubrir la superficie con patrones entrelazados muy intrincados, formados por nervaduras finamente moldeadas; A continuación, los distintos espacios geométricos entre las nervaduras se rellenaron con pequeños trozos de madera tallada con follaje en ligero relieve. El uso de diferentes maderas, como el ébano o el boj, con incrustaciones para resaltar el diseño, combinado con la ingeniosa riqueza de los patrones, dan a esta clase de carpintería un esplendor de efecto casi inigualable. El marfil tallado también se suele utilizar para rellenar los espacios. Los árabes son maestros en el arte de tallar superficies planas de esta manera. Una puerta de la mezquita del sultán Bargoug (El Cairo, siglo XIV) ilustra bien esta apreciación de líneas y superficies. El púlpito o mimbar (siglo XV) de una mezquita de El Cairo, ahora en el Museo Victoria and Albert, es también un buen ejemplo del mismo estilo; en este caso los pequeños espacios están rellenos con marfil tallado en relieve plano.

Los biombos formados por laberintos de complicada carpintería, formados por multitud de diminutos balaustres que conectan hexágonos, cuadrados u otras formas, con las superficies planas constantemente enriquecidas con pequeñas tallas, son familiares para todos. En El Cairo también tenemos ejemplos en la mezquita de Qous (siglo XII) de ese entrelazamiento geométrico finamente dispuesto de curvas con terminaciones de follaje que distingue al diseñador sarraceno. Seis paneles en el Museo Victoria and Albert (siglo XIII) y trabajos en la tumba del sultán Li Ghoury (siglo XVI) muestran cuán profundamente arraigada esta forma de decoración estaba arraigada en la naturaleza árabe. En ocasiones se introdujeron figuras y animales, al estilo medieval, como en los seis paneles que acabamos de mencionar, y en el hospital de Moristan (siglo XIII) y la mezquita de El Nesfy Qeycoun (siglo XIV). Hay un magnífico panel en la puerta de Beyt-el-Emyr. Este exquisito diseño está compuesto por hojas de vid y uvas de tratamiento convencional en bajo relieve. Al diseñador árabe le gustaba romper sus paneles de una manera que recordaba una costumbre jacobea similar. El panel principal se dividiría en varias formas hexagonales, triangulares o de otro tipo, y cada pequeño espacio se rellenaría con volutas convencionales. Gran parte de este sencillo diseño plano recuerda el método bizantino en el que se inspiraron los talladores isabelinos.

Persia

Los talladores persas siguieron de cerca el diseño árabe. Es típica un par de puertas del siglo XIV de Samarcanda (Museo de Victoria y Alberto). Cajas, cucharas y otros artículos pequeños a menudo estaban adornados con líneas entrelazadas de carácter sarraceno, y la delicadeza y minuciosidad del trabajo requería la mayor paciencia y habilidad. Muchos de los patrones recuerdan el trabajo en madera de sándalo de Madrás, con la diferencia de que los persas se conformaron con un relieve mucho más bajo. A veces se obtenía un resultado muy hermoso mediante la suave elevación del patrón de celosía entre el follaje. Un magnífico panel del siglo XIV en el Victoria and Albert Museum muestra cuán activa fue la influencia árabe incluso hasta Bokhara.

India y Birmania

En todo el gran subcontinente indio, durante muchos siglos se han producido continuamente tallas en madera del tipo más lujoso. Los antiguos templos hindúes estaban decorados con puertas, techos y diversos accesorios tallados en teca y otras maderas con patrones de extrema riqueza y minuciosa elaboración. Muchas puertas, columnas, galerías o incluso fachadas enteras de casas están cubiertas con el diseño más intrincado y desconcertante de contemplar (Bhera, Shahpur). Pero no siempre es así, y el oriental es a veces más comedido en sus métodos. Los detalles arquitectónicos se pueden ver con enriquecimiento tallado alrededor del marco. El tratamiento hindú del círculo es a menudo extremadamente bueno, y quizá menos raramente pueda inspirar el diseño occidental. El follaje, las frutas y las flores se adaptan constantemente a un esquema de decoración calada para puertas o ventanas, así como para los marcos de las sillas y los bordes de las mesas. Los talladores de madera del sur de la India son conocidos por trabajar a menudo con madera de sándalo, siempre cubierta con diseños, donde escenas o personajes de la mitología hindú ocupan espacio. Muchos de los soportes de gong de Birmania muestran la mayor habilidad; resulta familiar la disposición de dos figuras que llevan un palo del que cuelga un gong.

Indochina y el Lejano Oriente

En estos países, el tallador no tiene rival en cuanto a destreza manual. Se producen trabajos grotescos e imitativos de la máxima perfección, y muchas de las tallas de estos países, Japón en particular, son hermosas obras de arte, especialmente cuando el tallador copia el loto, el lirio u otra planta acuática. Una forma favorita de decoración consiste en dividir las superficies arquitectónicas, como techos, frisos y columnas, en cuadrados enmarcados y rellenar cada panel con un círculo o diamante de tratamiento convencional con enjutas en cada esquina. Una característica muy china es el remate del poste del newel, por lo que constantemente se deja más o menos recto de perfil y profundamente tallado con monstruos y pergaminos. Se utiliza comúnmente una moldura muy enriquecida que tiene un gran parecido con el patrón del gallo para dar énfasis a los bordes, y el dragón dispuesto en curvas que imitan la naturaleza se emplea con frecuencia sobre un fondo estrechamente diseñado y subordinado.

La regla general de que en todos los países los diseñadores utilizan prácticamente los mismos medios para obtener un patrón se mantiene en China. Aquí hay formas de decoración de bandas que se parecen mucho a las de la Europa gótica, y una silla del Turquestán (siglo III) casi podría ser isabelina, por lo similares que son los detalles. Las pantallas en forma de parrilla, que se encuentran a menudo en los países históricamente islámicos, son comunes, y los patrones profundamente arraigados y estrechamente dispuestos de Bombay también tienen sus contrapartes. El estrado imperial del Salón Chien-Ching de Beijing es una obra maestra de intrincado diseño. La parte trasera consta de un panel central de considerable altura, con dos de menor grado a cada lado lujosamente tallados. El conjunto está coronado por una pesadísima cimera de dragones y volutas; el trono también es un maravilloso ejemplo de tratamiento tallado, y las puertas de un gabinete en el mismo edificio muestran cuán rico puede producirse el efecto del follaje sin el empleo de tallos o volutas. Casi se podría decir que desperdicia su talento en un material tan ingrato como la madera. En este material se tallan abanicos y otras bagatelas con una delicadeza que corteja el desastre.

En Japón es evidente mucho del tipo chino. Al tallador nativo le gusta amasar el follaje sin el tallo que lo guíe. Parece poner primero su follaje, frutos y flores y luego indicar un tallo aquí y allá, invirtiendo así el orden del método occidental. Este tratamiento, especialmente cuando se introducen pájaros y animales, tiene el mayor efecto decorativo. Pero, como es inevitable que se produzca un tratamiento tan cercano, su éxito depende hasta cierto punto de su combinación de colores. Un largo panel del Victoria and Albert Museum, que representa a comerciantes con su caballo de carga, se parece mucho, en su agrupación y tratamiento, a una obra gótica del siglo XV, como por ejemplo el panel de San Huberto en el museo de Châlons. La fuerza y el carácter de las figuras japonesas son bastante iguales a las mejores esculturas góticas del siglo XV.

Otras culturas

La undécima edición de la Encyclopædia Britannica describe el tallado en astillas (usando cuchillos o cinceles para quitar astillas de una pieza plana de madera) y las superficies decoradas usando líneas incisas como algo presente en todo el mundo, y también afirma que el tallado en relieve es común en todo el mundo. .

La Encyclopædia describe el estilo de las Islas Cook, un patrón formado por pequeños triángulos y cuadrados que cubren completamente una superficie y, a veces, variado por una banda de diferente disposición sin igual en paciencia o precisión. También afirma que los fijianos emplean diseños de chips que rivalizan en variedad con los de Europa y que los talladores de las Islas Marquesas aprecian la forma en que las superficies lisas contrastan y enfatizan las partes decoradas, restringiendo su trabajo a bandas de decoración o puntos especiales. Observa que la talla maorí utiliza volutas y tallas para la decoración, especialmente de casas, y que el arte de Nueva Guinea también utiliza volutas, que compara con el guilloché y el trabajo escandinavo.

También afirma que el pueblo Ijaw de Nigeria "diseña sus remos de manera magistral y muestra un fino sentido de proporción entre la superficie lisa y decorada". Sus diseños, aunque ligeramente en relieve, son de tipo chip. Afirma que en el arte de los indígenas americanos, la torsión en varias formas es el tratamiento favorito de los tallos de las pipas.