Historia del manga

Se dice que la historia del manga se originó a partir de pergaminos que datan del siglo XII, y se cree que representan la base del estilo de lectura de derecha a izquierda. La palabra entró en uso común por primera vez a finales del siglo XVIII. Manga es un término japonés que se puede traducir como "cómic"; Los historiadores y escritores sobre la historia del manga han descrito dos procesos amplios y complementarios que dan forma al manga moderno. Sus puntos de vista difieren en la importancia relativa que atribuyen al papel de los eventos culturales e históricos posteriores a la Segunda Guerra Mundial frente al papel de la cultura y el arte japonés anterior a la guerra, Meiji y anterior a Meiji.

Un punto de vista representado por otros escritores como Frederik L. Schodt, Kinko Ito y Adam L. Kern, enfatiza la continuidad de las tradiciones culturales y estéticas japonesas, incluida la cultura y el arte anteriores a la guerra, Meiji y anteriores a Meiji. El otro punto de vista enfatiza los eventos que ocurrieron durante y después de la ocupación aliada de Japón (1945-1952), y enfatiza que el manga fue fuertemente moldeado por las influencias culturales de los Estados Unidos, incluidos los cómics estadounidenses traídos a Japón por los soldados estadounidenses y por imágenes y temas de los EE. UU. televisión, cine y dibujos animados (especialmente Disney). Según Sharon Kinsella, la floreciente industria editorial japonesa ayudó a crear una sociedad orientada al consumidor en la que los gigantes editoriales como Kodansha podían dar forma al gusto popular.

Antes de la Segunda Guerra Mundial

Se dice que el manga se originó a partir de pergaminos que datan de los siglos XII y XIII. Durante el período Edo (1603-1867), otro libro de dibujos, Toba Ehon, incorporó el concepto de manga. La palabra comenzó a ser de uso común a fines del siglo XVIII con la publicación de obras como el libro ilustrado Shiji no yukikai (1798) de Santō Kyōden, y a principios del siglo XIX con obras como Manga hyakujo (1814) de Aikawa Minwa y el célebre Hokusai Libros de manga (1814–1834) que contienen una variedad de dibujos de los cuadernos de bocetos del famoso artista de ukiyo-e Hokusai, que vivió entre 1760 y 1849. Rakuten Kitazawa (1876-1955) utilizó por primera vez la palabra "manga" en el sentido moderno.Otro ejemplo de la primera mitad del siglo XVIII podría ser "Dehōdai mucharon" de 1822 con grabados de Hiroshige, quien ilustró varios libros de este tipo entre 1820 y 1837.

Los escritores enfatizan la continuidad de las tradiciones culturales y estéticas japonesas como parte central de la historia del manga. Incluyen a Frederik L. Schodt, Kinko Ito, Adam L. Kern y Eric Peter Nash. Schodt señala la existencia en el siglo XIII de rollos de imágenes ilustradas como Chōjū-jinbutsu-giga que contaban historias en imágenes secuenciales con humor e ingenio. Schodt también enfatiza las continuidades del estilo estético y la visión entre los grabados en madera ukiyo-e y shunga y el manga moderno (los tres cumplen con los criterios de Eisner para el arte secuencial).Si bien existen disputas sobre si Chōjū-jinbutsu-giga o Shigisan-engi fue el primer manga, ambos pergaminos se remontan aproximadamente al mismo período de tiempo. Sin embargo, otros, como Isao Takahata, cofundador y director de Studio Ghibli, sostienen que no existe ningún vínculo con los pergaminos y el manga moderno.

Schodt y Nash también ven un papel particularmente significativo para el kamishibai, una forma de teatro callejero en el que artistas itinerantes muestran imágenes en una caja de luz mientras narran la historia al público en la calle. Torrance ha señalado las similitudes entre el manga moderno y la novela popular de Osaka entre las décadas de 1890 y 1940 y argumenta que el desarrollo de la alfabetización generalizada en Meiji y el Japón posterior a Meiji ayudó a crear audiencias para historias contadas en palabras e imágenes.Kinko Ito también basa históricamente el manga en la continuidad estética con el arte anterior a Meiji, pero considera que su historia posterior a la Segunda Guerra Mundial está impulsada en parte por el entusiasmo del consumidor por las ricas imágenes y la narrativa de la nueva tradición del manga. Ito describe cómo esta tradición ha producido constantemente nuevos géneros y mercados, por ejemplo, manga para niñas (shōjo) a fines de la década de 1960 y para Ladies Comics (redisu) en la década de 1980.

Kern ha sugerido que los kibyoshi, libros ilustrados de finales del siglo XVIII, pueden haber sido los primeros cómics del mundo. Estas narrativas gráficas comparten con el manga moderno temas humorísticos, satíricos y románticos. Aunque Kern no cree que los kibyoshi fueran un precursor directo del manga, para Kern la existencia de los kibyoshi apunta a una voluntad japonesa de mezclar palabras e imágenes en un medio narrativo popular. El primer uso registrado del término "manga" para significar "imágenes caprichosas o improvisadas" proviene de esta tradición en 1798, que, señala Kern, es anterior al uso más conocido de Hokusai Manga de Katsushika Hokusai por varias décadas.

Las revistas ilustradas para expatriados occidentales introdujeron caricaturas satíricas de estilo occidental en Japón a fines del siglo XIX. Se hicieron populares nuevas publicaciones tanto en estilo occidental como japonés. A fines de la década de 1890, comenzaron a aparecer en Japón suplementos de cómics de periódicos de estilo estadounidense, así como algunas tiras cómicas estadounidenses. 1900 vio el debut de Jiji Manga en el periódico Jiji Shinpō, el primer uso de la palabra "manga" en su sentido moderno, y donde, en 1902, Rakuten Kitazawa comenzó la primera tira cómica japonesa moderna. En la década de 1930, las tiras cómicas se serializaron en revistas mensuales para niños y niñas de gran circulación y se recopilaron en volúmenes de tapa dura.

De manera similar, Inoue ve el manga como una mezcla de elementos centrados en imágenes y palabras, cada uno anterior a la ocupación aliada de Japón. En su opinión, el arte japonés centrado en la imagen o "pictocéntrico" se deriva en última instancia de la larga historia de compromiso de Japón con el arte gráfico chino, mientras que el arte centrado en la palabra o "logocéntrico", como la novela, fue estimulado por las necesidades sociales y económicas de Meiji y nacionalismo japonés de antes de la guerra para una población unificada por un lenguaje escrito común. Ambos se fusionan en lo que Inoue ve como una simbiosis en el manga.

Las raíces de la mirada de ojos abiertos comúnmente asociada con el manga se remontan a las ilustraciones de la revista shōjo a finales del siglo XIX y principios del XX. Los ilustradores más importantes asociados con este estilo en ese momento fueron Yumeji Takehisa y particularmente Jun'ichi Nakahara, quien, influenciado por su trabajo como creador de muñecas, dibujaba con frecuencia personajes femeninos con ojos grandes a principios del siglo XX. Esto tuvo una influencia significativa en el manga temprano, particularmente en el manga shōjo, evidente en el trabajo de artistas de manga influyentes como Macoto Takahashi y Riyoko Ikeda.

Sin embargo, otros escritores como Takashi Murakami han hecho hincapié en los acontecimientos posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Aún así, Murakami considera que la rendición de Japón y el bombardeo atómico de Hiroshima y Nagasaki crearon cicatrices duraderas en la psique artística japonesa, que, desde este punto de vista, perdió su confianza viril en sí misma y buscó consuelo en lo inofensivo y lindo (kawaii). imágenes Sin embargo, Takayumi Tatsumi ve un papel especial para un transnacionalismo económico y cultural transpacífico que creó una cultura juvenil posmoderna y compartida internacional de dibujos animados, cine, televisión, música y artes populares relacionadas, que fue, para Tatsumi, el crisol en el que el manga moderno ha tenido. desarrollado, junto con Norakuro

Para Murakami y Tatsumi, el transnacionalismo (o globalización) se refiere específicamente al flujo de material cultural y subcultural de una nación a otra. En su uso, el término no se refiere a la expansión corporativa internacional, ni al turismo internacional, ni a las amistades personales internacionales transfronterizas, sino a las formas en que las tradiciones artísticas, estéticas e intelectuales se influyen mutuamente a través de las fronteras nacionales. Un ejemplo de transnacionalismo cultural es la creación de películas de Star Wars en los EE. UU., su transformación en manga por parte de artistas japoneses y la comercialización del manga de Star Wars en los EE. UU. Otro ejemplo es la transferencia de la cultura hip-hop de Estados Unidos a Japón.Wong también ve un papel importante para el transnacionalismo en la historia reciente del manga.

Por lo tanto, estos académicos ven la historia del manga como algo que implica continuidades y discontinuidades históricas entre el pasado estético y cultural en su interacción con la innovación y el transnacionalismo posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Después de la Segunda Guerra Mundial

Después de la Segunda Guerra Mundial, los artistas japoneses dieron vida a su propio estilo durante la ocupación (1945-1952) y los años posteriores a la ocupación (1952-principios de la década de 1960), cuando un Japón previamente militarista y ultranacionalista estaba reconstruyendo su infraestructura política y económica. Aunque las políticas de censura de la ocupación aliada prohibían específicamente el arte y la escritura que glorificaban la guerra y el militarismo japonés, esas políticas no impedían la publicación de otros tipos de material, incluido el manga. Además, la Constitución japonesa de 1947 (artículo 21) prohibía todas las formas de censura. Un resultado fue el crecimiento de la creatividad artística en este período. A la vanguardia de este período hay dos series de manga y personajes que influyeron en gran parte de la historia futura del manga. Estos son Mighty Atom de Osamu Tezuka (Astro Boy en los Estados Unidos; iniciado en 1951) y Sazae-san de Machiko Hasegawa (iniciado en 1946).

Astro Boy era a la vez un robot con superpoderes y un niño pequeño ingenuo. Tezuka nunca explicó por qué Astro Boy tenía una conciencia social tan desarrollada ni qué tipo de programación robótica podría hacerlo tan profundamente afiliativo. Ambos parecen innatos en Astro Boy y representan una sociabilidad japonesa y una masculinidad orientada a la comunidad que difieren mucho del culto al emperador y la obediencia militarista impuestas durante el período anterior del imperialismo japonés. Astro Boy rápidamente se hizo (y sigue siendo) inmensamente popular en Japón y en otros lugares como ícono y héroe de un nuevo mundo de paz y renuncia a la guerra, como también se ve en el Artículo 9 de la constitución japonesa. Temas similares ocurren en el Nuevo Mundo y Metrópolis de Tezuka.

Por el contrario, Sazae-san (que significa "Sra. Sazae") fue dibujada a partir de 1946 por Machiko Hasegawa, una joven artista que convirtió a su heroína en un sustituto de millones de hombres japoneses y especialmente mujeres que quedaron sin hogar por la guerra. Sazae-san no enfrenta una vida fácil o simple, pero, como Astro Boy, ella también es muy afiliativa y está profundamente involucrada con su familia inmediata y extendida. También es un personaje muy fuerte, en marcado contraste con los principios neoconfucianistas sancionados oficialmente de mansedumbre femenina y obediencia al ideal de "buena esposa, madre sabia" (良妻賢母, ryōsai kenbo) enseñado por el régimen militar anterior. Sazae-san se enfrenta al mundo con alegre resiliencia,lo que Hayao Kawai llama una "mujer de resistencia". Sazae-san vendió más de 62 millones de copias durante el próximo medio siglo.

Tezuka y Hasegawa también fueron innovadores estilísticos. En la técnica "cinematográfica" de Tezuka, los paneles son como una película que revela detalles de la acción que bordean la cámara lenta, así como rápidos acercamientos desde la distancia hasta primeros planos. Más importante aún, Tezuka sincronizó la ubicación del panel con la velocidad de visualización del lector para simular imágenes en movimiento. Por lo tanto, en la producción de manga, como en la producción de películas, la persona que decide la asignación de viñetas (Komawari) se acredita como autor, mientras que la mayoría de los dibujos son realizados por asistentes. Este tipo de dinamismo visual fue ampliamente adoptado por artistas de manga posteriores. El enfoque de Hasegawa en la vida cotidiana y la experiencia de las mujeres también llegó a caracterizar el manga shōjo posterior.

Entre 1950 y 1969, surgieron audiencias cada vez más grandes para el manga en Japón con la solidificación de sus dos principales géneros de marketing, el manga shōnen dirigido a niños y el manga shōjo dirigido a niñas. Hasta 1969, el manga shōjo fue dibujado principalmente por hombres adultos para lectoras jóvenes.

Dos manga muy populares e influyentes escritos por hombres para niñas de este período fueron Ribon no Kishi (1953-1956) de Tezuka (Princesa Caballero o Caballero con cintas) y Mitsuteru Yokoyama 1966 Mahōtsukai Sarii (Pequeña bruja Sally). Ribon no Kishi trata sobre las aventuras de la princesa Zafiro de un reino de fantasía que nació con almas masculinas y femeninas, y cuyas batallas y romances con espadas desdibujaron los límites de los roles de género que de otro modo serían rígidos. Sarii, la princesa heroína preadolescente de Mahōtsukai Sarii, vino de su hogar en las tierras mágicas para vivir en la Tierra, ir a la escuela y realizar una variedad de buenas obras mágicas para sus amigos y compañeros de escuela. Mahōtsukai Sarii de Yokoyama fue influenciado por la comedia de situación de la televisión estadounidense Bewitched, pero a diferencia de Samantha, el personaje principal de Bewitched, una mujer casada con su propia hija, Sarii es una preadolescente que enfrenta los problemas de crecer y dominar las responsabilidades de la próxima edad adulta.. Mahōtsukai Sarii ayudó a crear el ahora muy popular subgénero mahō shōjo o "chica mágica" del manga posterior. Ambas series fueron y siguen siendo muy populares.

Shojo manga

En 1969, un grupo de mujeres artistas de manga más tarde llamado Year 24 Group (también conocido como Magnificent 24s) hizo su debut en el manga shōjo (año 24 proviene del nombre japonés de 1949, cuando nacieron muchas de estas artistas). El grupo incluía a Hagio Moto, Riyoko Ikeda, Yumiko Ōshima, Keiko Takemiya y Ryoko Yamagishi y marcaron la primera entrada importante de mujeres artistas en el manga. A partir de entonces, el manga shōjo sería dibujado principalmente por mujeres artistas para una audiencia de niñas y mujeres jóvenes.

En 1971, Ikeda comenzó su inmensamente popular manga shōjo Berusaiyu no Bara (La rosa de Versalles), una historia de Oscar François de Jarjayes, una mujer travesti que fue capitana de la Guardia del Palacio de María Antonieta en la Francia prerrevolucionaria. Al final, Oscar muere como un revolucionario al frente de una carga de sus tropas contra la Bastilla. Asimismo, el trabajo de Hagio Moto desafió los límites neoconfucianistas sobre los roles y actividades de las mujeres, como en They Were Eleven de 1975, una historia de ciencia ficción shōjo sobre una joven cadete en una futura academia espacial.

Estas mujeres artistas también crearon considerables innovaciones estilísticas. En su enfoque en las experiencias y sentimientos internos de la heroína, el manga shōjo son "poemas ilustrados" con diseños delicados y complejos que a menudo eliminan los bordes de los paneles por completo para crear extensiones de tiempo prolongadas y no narrativas. Todas estas innovaciones (personajes femeninos fuertes e independientes, emotividad intensa y diseño complejo) siguen siendo características del manga shōjo hasta el día de hoy.

Shōjo manga y Ladies 'Comics desde 1975 hasta hoy

En las siguientes décadas (1975-presente), el manga shōjo continuó desarrollándose estilísticamente mientras evolucionaba simultáneamente en subgéneros diferentes pero superpuestos. Los principales subgéneros incluyen romance, superheroínas y "Ladies Comics" (en japonés, redisuレディース, redikomiレディコミ y josei女性 じょせい), cuyos límites a veces son indistinguibles entre sí y del manga shōnen.

En el romance de manga shōjo moderno, el amor es un tema principal ambientado en narrativas emocionalmente intensas de autorrealización. El crítico japonés de manga/anime Eri Izawa define el romance como el símbolo de "lo emocional, lo grandioso, lo épico; el sabor del heroísmo, la aventura fantástica y la melancolía; el amor apasionado, la lucha personal y el anhelo eterno" enmarcado en imaginativos, individualistas y marcos narrativos pasionales. Estos romances son a veces narraciones largas que pueden tratar sobre la distinción entre el amor falso y el verdadero, cómo lidiar con las relaciones sexuales y crecer en un mundo ambivalente, temas heredados por versiones animadas posteriores de la historia. Estos temas de "mayoría de edad" o Bildungsroman ocurren tanto en shōjo como enmanga shōnen.

En el Bildungsroman, el protagonista debe lidiar con la adversidad y el conflicto, y son comunes los ejemplos en el manga shōjo de conflicto romántico. Incluyen Peach Girl de Miwa Ueda, Mars de Fuyumi Soryo y, para lectores mayores, Happy Mania de Moyoco Anno, Tramps Like Us de Yayoi Ogawa y Nana de Ai Yazawa. En otro dispositivo narrativo del manga shōjo Bildungsroman, la joven heroína es transportada a un lugar o tiempo extraño donde conoce a extraños y debe sobrevivir por su cuenta (incluidos They Were Eleven de Hagio Moto,From Far Away de Kyoko Hikawa, Fushigi Yûgi: The Mysterious Play de Yû Watase y The World Exists For Me de Chiho Saito).

Otro dispositivo de este tipo implica conocer personas y seres inusuales o extraños, por ejemplo, Fruits Basket de Natsuki Takaya, uno de los manga shōjo más populares de los Estados Unidos, cuya heroína huérfana, Tohru, debe sobrevivir viviendo en el bosque en una casa llena de personas que puede transformarse en los animales del zodiaco chino. En Crescent Moon de Harako Iida, la heroína Mahiru se encuentra con un grupo de seres sobrenaturales y finalmente descubre que ella también tiene una ascendencia sobrenatural cuando ella y un joven demonio tengu se enamoran.

Con las superheroínas, el manga shōjo continuó rompiendo con las normas neoconfucianistas de mansedumbre y obediencia femenina. Sailor Moon de Naoko Takeuchi (Bishōjo Senshi Sēramūn: "Pretty Guardian Sailor Moon") es una narrativa sostenida de 18 volúmenes sobre un grupo de jóvenes heroínas a la vez heroicas e introspectivas, activas y emocionales, obedientes y ambiciosas. La combinación resultó extremadamente exitosa y Sailor Moon se hizo popular internacionalmente tanto en formato de manga como de anime. Otro ejemplo es Magic Knight Rayearth de CLAMP,cuyas tres jóvenes heroínas, Hikaru, Umi y Fuu, son mágicamente transportadas al mundo de Cefiro para convertirse en guerreras mágicas armadas al servicio de salvar a Cefiro de enemigos internos y externos.

El subgénero de las superheroínas también desarrolló ampliamente la noción de equipos (sentai) de chicas trabajando juntas, como las "Sailor Senshi" en Sailor Moon, los Caballeros Mágicos en Magic Knight Rayearth, y las chicas Mew Mew de Tokyo Mew Mew de Mia Ikumi. En la actualidad, la plantilla narrativa de superheroína ha sido ampliamente utilizada y parodiada dentro de la tradición del manga shōjo (por ejemplo, Wedding Peach de Nao Yazawa e Hyper Rune de Tamayo Akiyama) y fuera de esa tradición, por ejemplo, en comedias bishōjo como Galaxy Angel de Kanan.

A mediados de la década de 1980 y después de eso, cuando las chicas que habían leído manga shōjo en la adolescencia maduraron y entraron en el mercado laboral, el manga shōjo elaboró ​​subgéneros dirigidos a mujeres de entre 20 y 30 años. Este subgénero "Ladies Comic" o redisu - josei ha tratado temas de la edad adulta joven: trabajos, las emociones y los problemas de las relaciones sexuales, y las amistades o el amor entre mujeres.

El manga Redisu conserva muchos de los estilos narrativos del manga shōjo, pero ha sido dibujado y escrito por mujeres adultas. El manga y el arte de Redisu han sido a menudo, aunque no siempre, sexualmente explícitos, pero el contenido se ha establecido característicamente en narrativas temáticas de placer y excitación erótica combinadas con riesgo emocional. Los ejemplos incluyen Luminous Girls de Ryō Ramiya, Kinpeibai de Masako Watanabe y el trabajo de Shungicu Uchida .y Chiho Saito. También se han desarrollado otros subgéneros de manga shōjo - redisu, por ejemplo, manga de moda (oshare), como Paradise Kiss de Ai Yazawa y manga gótico-vampiro de terror, como Vampire Knight de Matsuri Hino, Cain Saga de Kaori Yuki y DOLL de Mitsukazu Mihara, que interactúan entre sí. con modas callejeras, juegos de disfraces ("cosplay"), música J-Pop y subculturas góticas de varias maneras.

A principios del siglo XXI, el manga para mujeres y niñas representaba un amplio espectro de material para preadolescentes y adolescentes hasta material para mujeres adultas.

Manga shōnen, seinen y seijin

El manga para lectores masculinos se puede caracterizar de diferentes maneras. Uno es por la edad de su público objetivo: niños de hasta 18 años (manga shōnen) y hombres jóvenes de 18 a 30 años (manga seinen). Otro enfoque es por contenido, incluida la acción y aventura que a menudo involucra a héroes masculinos, humor de payasadas, temas de honor y, a veces, sexo explícito. El japonés usa diferentes kanji para dos significados estrechamente relacionados de "seinen": 青年 para "joven, joven" y 成年 para "adulto, mayoría". El segundo se refiere al manga pornográfico dirigido a hombres adultos, también llamado seijin ("adulto",成人) manga. El manga Shōnen, seinen y seijin comparten una serie de características en común.

Los niños y los jóvenes estuvieron entre los primeros lectores de manga después de la Segunda Guerra Mundial. A partir de la década de 1950, el manga shōnen se centró en temas que se creía que interesaban al niño arquetípico: temas de ciencia y tecnología como robots y viajes espaciales, y acción y aventuras heroicas. Las primeras narrativas de manga shōnen y seinen a menudo presentaban desafíos a las habilidades, destrezas y madurez del protagonista, enfatizando la autoperfección, la autodisciplina austera, el sacrificio por la causa del deber y el servicio honorable a la sociedad, comunidad, familia y amigos.

El manga con superhéroes disfrazados solitarios como Superman, Batman y Spider-Man no se hizo popular como género shōnen. Una excepción es Batman: Child of Dreams, de Kia Asamiya, estrenada en Estados Unidos por DC Comics y en Japón por Kodansha. Sin embargo, aparecen antihéroes solitarios en Golgo 13 de Takao Saito y Lone Wolf and Cub de Koike y Kojima. Golgo 13 trata sobre un asesino que pone sus habilidades al servicio de la paz mundial y otros objetivos sociales, y Ogami Itto, el héroe espadachín de Lone Wolf y Cub., es un viudo que cuida a su hijo Daigoro mientras busca venganza contra los asesinos de su esposa. Sin embargo, Golgo e Itto siguen siendo hombres en todo momento, y ninguno de ellos muestra superpoderes. En cambio, estas historias "viajan a los corazones y las mentes de los hombres" al permanecer en el plano de la psicología y la motivación humanas.

Muchos manga shōnen tienen temas de ciencia ficción y tecnología. Los primeros ejemplos en el subgénero de robots incluyeron Astro Boy de Tezuka (ver arriba) y Doraemon de 1969 de Fujiko F. Fujio, sobre un gato robot y el niño con el que vive, que estaba dirigido a niños más pequeños. El tema del robot evolucionó ampliamente, desde el Tetsujin 28-go de Mitsuteru Yokoyama de 1956 hasta historias posteriores más complejas en las que el protagonista no solo debe derrotar a los enemigos, sino también aprender a dominarse a sí mismo y cooperar con el mecha que controla. Así, en Neon Genesis Evangelion de Yoshiyuki Sadamoto, Shinji lucha contra el enemigo y su padre, y en Vision of Escaflownepor Katsu Aki, Van no solo hace la guerra contra el imperio de Dornkirk, sino que debe lidiar con sus complejos sentimientos por Hitomi, la heroína.

Los temas deportivos también son populares en el manga para lectores masculinos. Estas historias enfatizan la autodisciplina, mostrando no solo la emoción de la competencia deportiva sino también los rasgos de carácter que el héroe necesita para trascender sus limitaciones y triunfar. Los ejemplos incluyen el boxeo (Tomorrow's Joe de Tetsuya Chiba de 1968-1973 y One-Pound Gospel de Rumiko Takahashi de 1987) y el baloncesto (Slam Dunk de Takehiko Inoue de 1990).

Los escenarios sobrenaturales han sido otra fuente de tramas de acción y aventuras en shōnen y algunos manga shōjo en los que el héroe debe superar los desafíos. A veces, el protagonista falla, como en Death Note de Tsugumi Ohba y Takeshi Obata, donde el protagonista Light Yagami recibe un cuaderno de un Dios de la Muerte (shinigami) que mata a cualquiera cuyo nombre esté escrito en él, y, en un ejemplo de manga shōjo, The de Hakase Mizuki. Demon Ororon, cuyo protagonista abandona su reinado demoníaco del Infierno para vivir y morir en la tierra. A veces, el propio protagonista es sobrenatural, como Hellsing de Kohta Hirano., cuyo héroe vampiro Alucard lucha contra nazis renacidos empeñados en conquistar Inglaterra, pero el héroe también puede ser (o era) humano, luchando contra una serie cada vez mayor de enemigos sobrenaturales (Fullmetal Alchemist de Hiromu Arakawa, Flame of Recca de Nobuyuki Anzai y Bleach de Tite Kubo).).

Las historias de acción y aventuras militares ambientadas en el mundo moderno, por ejemplo, sobre la Segunda Guerra Mundial, permanecieron bajo sospecha de glorificar la historia imperial de Japón y no se han convertido en una parte importante del repertorio de manga shōnen. No obstante, las historias sobre fantasía o aventuras militares históricas no fueron estigmatizadas, y el manga sobre guerreros heroicos y artistas marciales ha sido extremadamente popular. Algunos son dramas serios, como The Legend of Kamui de Sanpei Shirato y Rurouni Kenshin de Nobuhiro Watsuki, pero otros contienen elementos fuertemente humorísticos, como Dragon Ball de Akira Toriyama.

Aunque existen historias sobre la guerra moderna y sus armas, tratan tanto o más de los problemas psicológicos y morales de la guerra como de pura aventura de disparos. Los ejemplos incluyen Who Fighter de Seiho Takizawa, un recuento de la historia de Joseph Conrad Heart of Darkness sobre un coronel japonés renegado ambientado en la Segunda Guerra Mundial en Birmania, The Silent Service de Kaiji Kawaguchi, sobre un submarino nuclear japonés, y Apocalypse Meow de Motofumi Kobayashi, sobre la guerra de Vietnam contada en formato de animales parlantes. Otros manga orientados a la batalla y la lucha a veces se centran en conspiraciones criminales y de espionaje que el protagonista debe superar, como en Crying Freeman de Kazuo Koike y Ryoichi Ikegami. City Hunter de Hojo Tsukasa, y la serie shōjo From Eroica with Love de Yasuko Aoike, una historia de crimen y espionaje de larga duración que combina aventura, acción y humor (y otro ejemplo de cómo estos temas ocurren a través de la demografía).

Para los críticos de manga Koji Aihara y Kentaro Takekuma, tales historias de batalla repiten sin cesar los mismos temas de violencia sin sentido, que sarcásticamente etiquetan como "Shonen Manga Plot Shish Kebob", donde las peleas siguen a las peleas como carne ensartada en un palo. Otros comentaristas sugieren que las secuencias de lucha y la violencia en los cómics sirven como una salida social para impulsos que de otro modo serían peligrosos. El manga Shōnen y su extrema habilidad guerrera han sido parodiados, por ejemplo, en la loca comedia Sgt. de Mine Yoshizaki. Frog (Keroro Gunso), sobre un pelotón de ranas alienígenas holgazanas que invaden la Tierra y terminan librándose de la familia Hinata en Tokio.

Sexo y roles de la mujer en el manga para hombres

En los primeros manga shōnen, los hombres y los niños desempeñaban todos los papeles principales, y las mujeres y las niñas tenían solo lugares auxiliares como hermanas, madres y, en ocasiones, novias. De los nueve cyborgs en Cyborg 009 de 1964 de Shotaro Ishinomori, solo uno es mujer, y pronto desaparece de la acción. Algunos manga shōnen algo recientes prácticamente omiten a las mujeres, por ejemplo, la historia de artes marciales Baki the Grappler de Itagaki Keisuke y la fantasía sobrenatural Sand Land de Akira Toriyama. Sin embargo, en la década de 1980, las niñas y las mujeres comenzaron a desempeñar papeles cada vez más importantes en el manga shōnen, por ejemplo, Dr. Slump de 1980 de Toriyama., cuyo personaje principal es la traviesa y poderosa niña robot Arale Norimaki.

El papel de las niñas y las mujeres en el manga para lectores masculinos ha evolucionado considerablemente desde Arale. Una clase es la niña bonita (bishōjo). A veces, la mujer es inalcanzable, pero generalmente es objeto del interés emocional y sexual del héroe, como Belldandy de Oh My Goddess. de Kōsuke Fujishima y Shao-lin de Guardian Angel Getten de Minene Sakurano. En otras historias, el héroe está rodeado de niñas y mujeres, como en Negima de Ken Akamatsu y Hanaukyo Maid Team de Morishige. El protagonista masculino no siempre logra entablar una relación con la mujer, por ejemplo, cuando Bright Honda y Aimi Komori no logran vincularse en Shadow Lady.por Masakazu Katsura. En otros casos, las actividades sexuales de una pareja exitosa están representadas o implícitas, como Outlanders de Johji Manabe. Otras historias presentan a un héroe inicialmente ingenuo que luego aprende cómo tratar y vivir con mujeres emocional y sexualmente, como Yota en Video Girl Ai de Masakazu Katsura, Train Man en Train Man: Densha Otoko de Hidenori Hara y Makoto en Futari Ecchi de Katsu Aki.. En el manga erótico (manga seijin), a menudo llamado manga hentai en los EE. UU., una relación sexual se da por sentada y se representa explícitamente, como en el trabajo de Toshiki Yui y en Were-Slut de Jiro Chiba y Slut Girl.por Isutoshi. El resultado es una variedad de representaciones de niños y hombres, desde ingenuos hasta muy acostumbrados sexualmente.

Las guerreras fuertemente armadas (sentō bishōjo) representan otra clase de chicas y mujeres en el manga para lectores masculinos. Algunos sentō bishōjo son cyborgs de batalla, como Alita de Battle Angel Alita de Yukito Kishiro, Motoko Kusanagi de Ghost in the Shell de Masamune Shirow y Chise de Saikano de Shin Takahashi. Otros son humanos, como Attim M-Zak de Seraphic Feather de Hiroyuki Utatane, Karula Olzen de Drakuun de Johji Manabe y Alita Forland (Falis) de Murder Princess de Sekihiko Inui.

A partir de 2013, las leyes de censura nacional y las ordenanzas locales permanecen en Japón. La respuesta pública a la publicación de manga con contenido sexual o la representación de desnudos ha sido mixta. Las series tienen audiencia y se venden bien, pero su publicación también encuentra oposición. A principios de la década de 1990, la oposición resultó en la creación de listas de manga dañinos y un cambio en la industria editorial. En ese momento, las grandes editoriales habían creado una demanda general de manga. Aún así, el resultado es que también eran susceptibles a la opinión pública en sus mercados. Ante las críticas de ciertos segmentos de la población y bajo la presión de los grupos de la industria para autorregularse, las principales editoriales descontinuaron series, como Angel y 1+2=Paradise., mientras que las editoriales más pequeñas, no tan susceptibles a estas fuerzas, pudieron llenar el vacío.

Con la relajación de la censura en Japón después de principios de la década de 1990, aparecieron varias formas de contenido sexual gráficamente dibujado en manga destinado a lectores masculinos que, de manera correspondiente, aparecían en traducciones al inglés. Estas representaciones iban desde desnudez parcial a total a través de relaciones sexuales implícitas y explícitas a través de sadomasoquismo (SM), incesto, violación y, a veces, zoofilia (bestialidad). En algunos casos, los temas de violación y asesinato por lujuria pasaron a primer plano, como en Urotsukidōji de Toshio Maeda y Blue Catalyst de 1994 de Kei Taniguchi, pero estos elementos extremos no son comunes ni en el manga traducido ni en el no traducido.

Gekiga

Gekiga significa literalmente "imágenes dramáticas" y se refiere a una forma de realismo estético en el manga. La narración de estilo Gekiga tiende a ser emocionalmente oscura, orientada a los adultos y, a veces, profundamente violenta, y se centra en las realidades cotidianas de la vida, a menudo dibujadas de manera descarnada. Gekiga surgió a fines de la década de 1950 y 1960 en parte por el activismo político de la clase trabajadora y los estudiantes de izquierda y en parte por la insatisfacción estética de los jóvenes artistas de manga como Yoshihiro Tatsumi con el manga existente. Los ejemplos incluyen Crónicas de los logros militares de un ninja de Sanpei Shirato de 1959–1962 (Ninja Bugeichō), la historia de Kagemaru, el líder de una rebelión campesina en el siglo XVI, que abordó directamente la opresión y la lucha de clases, y Satsuma Gishiden de Hiroshi Hirata, sobre los levantamientos contra el shogunato Tokugawa.

Gekiga puede ser visto como el equivalente japonés de la cultura de la novela gráfica que ocurre en Europa (Hugo Pratt, Didier Comes, Jacques Tardi) y en los Estados Unidos (Will Eisners A Contract with God, Art Spiegelmans Maus, las obras autobiográficas de Robert Crumbs) y en América (Alberto Breccia, Héctor Oesterheld). Por esa razón, los editores típicos de novelas gráficas como Drawn & Quarterly y Fantagraphics comenzaron a publicar muchas versiones en inglés de los aspectos más destacados de Gekiga en japonés en años más recientes.

A medida que la protesta social de estos primeros años se desvanecía, gekiga cambió de significado hacia el drama maduro socialmente consciente y hacia la vanguardia. Los ejemplos incluyen Lone Wolf and Cub and Akira de Koike y Kojima, una historia apocalíptica de pandillas de motociclistas, guerra callejera y transformaciones inexplicables de los niños de un futuro Tokio. Otro ejemplo es el manga MW de 1976 de Osamu Tezuka, una amarga historia de las consecuencias del almacenamiento y posiblemente la liberación deliberada de gas venenoso por parte de las fuerzas armadas estadounidenses con base en Okinawa años después de la Segunda Guerra Mundial. Gekiga y la conciencia social que encarna siguen vivas en el manga moderno. Un ejemplo es el parque Ikebukuro West Gatede 2001 de Ira Ishida y Sena Aritou, una historia de matones callejeros, violaciones y venganza ambientada en los márgenes sociales del rico distrito Ikebukuro de Tokio.