Historia del clavicémbalo

El clavecín fue un instrumento de teclado importante en Europa desde el siglo XV hasta el XVIII y, tal como se recuperó en el siglo XX, se toca ampliamente en la actualidad.

El diccionario musical New Grove resume los primeros rastros históricos del clavicémbalo: "La primera referencia conocida a un clavicémbalo data de 1397, cuando un jurista de Padua escribió que un tal Hermann Poll afirmaba haber inventado un instrumento llamado "clavicembalum"; y la primera representación conocida de un clavicémbalo es una escultura (ver más abajo) en un retablo de 1425 de Minden, en el noroeste de Alemania".

Quien inventó el clavicémbalo no tuvo que partir de cero. La idea de controlar un instrumento musical con un teclado ya estaba bien desarrollada para el órgano, un instrumento mucho más antiguo que el clavicémbalo. Además, el salterio era un instrumento muy utilizado en la Edad Media. Al igual que el clavicémbalo posterior, tenía cuerdas de metal que se mantenían a una tensión controlada con clavijas de afinación y transmitían sus vibraciones a través de un puente a una tabla armónica, haciéndolas audibles. La idea necesaria para crear el clavicémbalo era, por tanto, encontrar una forma de pulsar las cuerdas mecánicamente, de una forma controlada por un teclado. El siglo XIV fue una época en la que se produjeron avances en la relojería y otras máquinas, por lo que puede haber sido el momento oportuno para la invención del clavicémbalo.

Es posible que el mecanismo estándar del clavicémbalo, con clavijas que sujetaban las púas montadas sobre lengüetas retráctiles, haya ido ganando terreno poco a poco frente a las alternativas. Una obra manuscrita en latín sobre instrumentos musicales de Henri Arnault de Zwolle de alrededor de 1440 incluye diagramas detallados de tres tipos de mecanismo de clavija, así como un mecanismo que se puede describir como un predecesor rudimentario (y prematuro) del mecanismo del piano.

Otra cadena de desarrollo en el clavicémbalo primitivo fue un aumento gradual de tamaño. El salterio era un instrumento de mano, mucho más pequeño que el clavicémbalo completamente desarrollado. Los primeros clavecines eran evidentemente pequeños tanto en rango de tono como en longitud de cuerdas. Esto se puede ver, por ejemplo, en la obra de Sebastian Virdung, su Musica getutscht (Basilea 1511). Virdung describe tres instrumentos que él llama el Virginal, el Clavicimbalum y el Claviciterium vertical. Estos tenían rangos de tono de 38, 40 y 38 teclas, respectivamente, mucho más pequeños que los instrumentos posteriores. Frank Hubbard creía que los tres debían haber sido ottavini, es decir, instrumentos que suenan una octava por encima del tono normal. Dado que el rango de tono está vinculado a la longitud de las cuerdas, un ottavino es una forma de construir un instrumento pequeño. Los octavini también fueron comunes más tarde en la historia temprana del clavicémbalo.

Los primeros clavicémbalos completos que aún se conservan proceden de Italia; el ejemplar más antiguo data de 1521. (El Royal College of Music de Londres posee un clavicéterio, al que le falta el mecanismo, que puede ser más antiguo). Incluso los instrumentos italianos más antiguos que se conservan representan una forma ya muy refinada del instrumento, que no muestra rastros de su origen más primitivo.

Los fabricantes de clavecines italianos fabricaron instrumentos de una sola tecla con una construcción muy ligera y una tensión de cuerdas relativamente baja. Los instrumentos italianos se consideran agradables pero no espectaculares en su tono y sirven bien para acompañar a cantantes u otros instrumentos. Hacia el final del período histórico se construyeron instrumentos italianos más grandes y elaborados, en particular por Bartolomeo Cristofori (quien más tarde inventó el piano).

Una innovación importante en la construcción de clavecines tuvo lugar en Flandes alrededor de 1580 con el trabajo de Hans Ruckers y sus descendientes, incluido Ioannes Couchet. El clavecín Ruckers estaba construido de manera más sólida que el italiano. Como el taller de Ruckers utilizaba cuerdas de hierro para los agudos, como resultado, la escala (la longitud de la parte vibrante de la cuerda para un tono determinado) era más larga (siempre con los dos juegos básicos de cuerdas: uno de 8 pies y otro de 4 pies), con una mayor tensión de las cuerdas y una caja más pesada, así como una tabla armónica de abeto muy delgada y sensible, el sonido era más sostenido que el de los clavecines italianos y fue ampliamente imitado por los constructores de clavecines en la mayoría de las demás naciones.

Los fabricantes flamencos de alrededor de 1600 fueron aparentemente los primeros en construir clavecines de dos teclados. Los construyeron simplemente para permitir una fácil transposición: los teclados hacían sonar las mismas cuerdas, pero con una diferencia de cuartas. De este modo, el intérprete podía transponer sin esfuerzo en este intervalo (por ejemplo, para dar cabida a un cantante) tocando en el segundo teclado.

Los clavecines flamencos solían estar pintados y decorados de forma elaborada y lucían lemas en latín.

Los constructores flamencos siguieron fabricando instrumentos de calidad en el siglo XVIII, generalmente siguiendo modelos franceses, sobre todo por parte de la familia Dulcken. Sin embargo, otro destacado constructor flamenco, Albert Delin, siguió fabricando instrumentos cercanos a la tradición de Ruckers hasta bien entrada la segunda mitad del siglo XVIII.

Los constructores franceses fueron responsables de un importante desarrollo posterior del instrumento tipo Ruckers. El primer paso, dado a mediados del siglo XVII, fue cambiar la finalidad del segundo teclado en los instrumentos de dos teclados: mientras que en la escuela flamenca esto había sido para permitir al ejecutante la transposición, los constructores franceses utilizaron el segundo teclado para permitir cambios rápidos (es decir, mientras se tocaba) entre diferentes coros de cuerdas; en otras palabras, eran "dobles expresivos".

El clavicémbalo francés alcanzó su apogeo en el siglo XVIII, en particular con el trabajo de la familia Blanchet y su sucesor Pascal Taskin. Estos instrumentos franceses se basaron en el diseño flamenco, pero ampliaron su alcance, desde las aproximadamente cuatro octavas de los instrumentos Ruckers hasta unas cinco octavas. El clavicémbalo francés del siglo XVIII es muy admirado y ha sido ampliamente adoptado como modelo para la construcción de instrumentos modernos.

Un aspecto llamativo de la tradición francesa del siglo XVIII fue su casi obsesión con los clavicordios Ruckers. En un proceso llamado grand ravalement, muchos de los instrumentos Ruckers supervivientes fueron reelaborados y ampliados, con nuevo material de tapa armónica y nueva construcción de caja que añadía notas adicionales a su rango, o en el caso de los instrumentos Ruckers originales de un solo teclado, añadiéndoles una segunda. Varios constructores, incluido Taskin, construyeron instrumentos nuevos (a menudo muy buenos) y los hicieron pasar como restauraciones Ruckers. Un proceso más básico fue el llamado petit ravalement, en el que se modificaban los teclados y los juegos de cuerdas, pero no la caja, a menudo añadiendo coros de cuerdas adicionales o teclas más estrechas para aumentar el rango.

El clavicémbalo fue importante en Inglaterra durante el Renacimiento por el gran grupo de compositores importantes que escribieron para él. La construcción de clavicémbalos en Inglaterra recién alcanzó gran distinción en el siglo XVIII con el trabajo de dos constructores inmigrantes, Jacob Kirckman (de Alsacia) y Burkat Shudi (de Suiza). Los clavicémbalos de estos constructores han sido descritos por el famoso constructor y erudito Frank Hubbard como "posiblemente la culminación del arte del fabricante de clavecines".

Visualmente, los instrumentos se consideran muy impresionantes, ya que cuentan con una gran cantidad de enchapados y marquetería. Sheridan Germann escribe sobre ellos: "Los clavecines ingleses deben reconocerse como grandes muebles, suntuosos en texturas de madera y latón y carpintería fina, y construidos para durar para siempre".

Los autores del Grove Dictionary describen el sonido de los instrumentos Kirkman y Shudi como "enormemente rico y poderoso"; "mientras que el de un clavicémbalo francés puede compararse con el sonido de un conjunto de instrumentos de viento, el tono de estos instrumentos ingleses desarrollados, con sus agudos brillantes y bajos imponentes, puede compararse con el de una banda de metales. El sonido, por tanto, carece de la sutileza de un instrumento francés, pero lo compensa con creces con su volumen e impacto sensual.... El sonido de estos instrumentos a veces tiende a llamar la atención sobre sí mismo en lugar de servir simplemente como vehículo para proyectar la música, una cualidad que, en términos abstractos, puede considerarse un defecto a pesar de su esplendor". Frank Hubbard sostenía una opinión similar: "Ningún otro instrumento los ha igualado jamás por su pura magnificencia de tono... El único reproche que se les puede hacer a estos instrumentos es que son demasiado buenos. El tono es tan lujoso y característico que casi interfiere con la música."

Se han construido pocas réplicas modernas del instrumento de estilo Kirkman/Shudi, posiblemente debido al problema tonal que acabamos de plantear. Germann también señala que la sólida construcción de los instrumentos originales significa que muy pocos de ellos todavía se utilizan hoy en día, lo que reduce la demanda de nuevos.

La empresa Shudi pasó a manos de su yerno, John Broadwood, quien la adaptó a la fabricación de pianos y se convirtió en una fuerza creativa líder en el desarrollo de ese instrumento.

Los fabricantes de clavecines alemanes siguieron en líneas generales el modelo francés, pero con un interés especial en lograr una variedad de sonoridades, tal vez porque algunos de los constructores alemanes más eminentes también fueron constructores de órganos de tubos. Algunos clavecines alemanes incluían un coro de cuerdas de 2 pies (es decir, cuerdas afinadas dos octavas por encima del conjunto principal). Algunos incluso incluían un registro de 16 pies, afinado una octava por debajo de los coros principales de 8 pies. Un clavecine alemán aún conservado tiene incluso tres teclados para controlar las muchas combinaciones de cuerdas disponibles. Esto representa la escuela del norte de la construcción de clavecines alemanes, tal como lo caracterizaron constructores como Hieronymus Hass y Christian Zell. La escuela del sur presenta instrumentos inspirados en la construcción de clavecines italianos: instrumentos sencillos de doble teclado de gran tamaño, a menudo sin decoración, que utilizan cuerdas de metal y una construcción italiana de la tabla armónica. Estos instrumentos fueron construidos por Michael Mietke, Heinrich Gräbner y la familia Silbermann. Muchos constructores modernos han copiado los instrumentos Mietke y han demostrado ser una alternativa al clavicémbalo de tipo francés.

En el apogeo de su desarrollo, el clavicémbalo perdió popularidad frente al piano. El piano evolucionó rápidamente alejándose de sus orígenes similares al clavicémbalo, y el conocimiento tradicional acumulado de los constructores de clavecines se disipó gradualmente. Los viejos clavecines no fueron valorados, a menudo destruidos (por ejemplo, se usaban en el Conservatorio de París para leña), y el instrumento fue una especie de fantasma durante todo el siglo XIX. Una excepción es el uso continuado para música recitativa en ópera hasta bien entrado el siglo XIX; también se usó en bajo continuo debido a su poder para "abrir paso" a la orquesta; el hecho de que no desapareciera por completo de la vista del público debido a su uso esporádico en la música popular (que persistió hasta alrededor del cambio de siglo) jugó un papel en los esfuerzos de resurgimiento que comenzaron a mediados del siglo XIX. Sin embargo, hacia finales del siglo XIX, a pesar de los esfuerzos de recuperación, su uso, incluso en el estilo recitativo, comenzó a desaparecer y rara vez se utilizó en nuevas piezas de bajo continuo debido al aumento del tamaño de la orquesta.

Un tema recurrente en este resurgimiento ha sido la tensión entre el objetivo de la reconstrucción auténtica de instrumentos anteriores mediante el redescubrimiento de tecnología antigua y el uso de tecnología moderna, anacrónica, pero que a menudo se considera útil para mejorar la calidad del instrumento.

Uno de los primeros autenticistas fue Arnold Dolmetsch, que trabajó a principios de siglo en Surrey, Inglaterra. Los esfuerzos de Dolmetsch resultaron prematuros, ya que la primera mitad del siglo estuvo dominada por los esfuerzos modernistas. Estos instrumentos, fabricados por ejemplo por la firma Pleyel de París, estaban muy influenciados por el piano de cola moderno, en particular por el uso de marcos de metal pesado, mucho más resistentes de lo que se necesitaría para soportar la tensión de las cuerdas del clavicémbalo. Estos instrumentos normalmente incluían un registro de 16 pies para reforzar su sonido, siguiendo una práctica (relativamente inusual) de los constructores alemanes del siglo XVIII. El experto en clavecín Edward Kottick ha utilizado el término "clavecín revival" para esta clase de instrumento, reservando el término "clavecín moderno" para los instrumentos históricamente más auténticos que se desarrollaron más tarde.

Una destacada intérprete de los clavecines de la época de Pleyel fue Wanda Landowska, cuya forma de tocar y personalidad aumentaron enormemente la popularidad del clavecín en su época. Varios compositores importantes del siglo XX, como Francis Poulenc, escribieron obras para clavecines de la época.

El fin de la Segunda Guerra Mundial trajo consigo una nueva demanda de clavecines y las empresas que fabricaban el clavecín de estilo neoclásico prosperaron, en particular Neupert, Wittmayer y Sperrhake. El clavecín de estilo neoclásico siguió evolucionando, incluso en el período en que se abandonó. Kottick y Luckenberg describen un instrumento Wittmeyer de 1970, que hoy se conserva en un museo de Berlín, que incorporaba amplificación: "En un esfuerzo por dar a este enorme pero relativamente silencioso instrumento algo de la resonancia que tenían los antiguos, se lo equipó con un amplificador y se incorporaron dos altavoces en la caja de resonancia".

El renacimiento del harpsichord II: el movimiento autentista

A partir de mediados de siglo, el enfoque autenticista recibió un nuevo impulso gracias al trabajo de los constructores Frank Hubbard y William Dowd, que trabajaban en Boston, y Martin Skowroneck, que trabajaba en Bremen (Alemania). Estos constructores basaron su construcción en una minuciosa investigación: desmontaron e inspeccionaron muchos instrumentos antiguos y consultaron el material escrito disponible sobre clavecines de ese período histórico. Estos instrumentos autenticistas de mediados de siglo resultaron muy populares y muchos otros constructores siguieron pronto el ejemplo de Hubbard y sus colegas.

A medida que el movimiento authenticista se fue desarrollando, se fue volcando cada vez más en la tecnología histórica que en la de estilo revival. Las guías superiores e inferiores de plexiglás o metal se abandonaron en favor de las guías históricas de madera, se abandonaron los pesados pasadores de los extremos, los teclados estilo piano se reemplazaron por los de tipo histórico más livianos y las cuerdas de acero de los pianos se reemplazaron por las de hierro o latón. Los instrumentos authenticistas han vencido en gran medida a los pesados instrumentos revival de principios del siglo XX.

Desde finales de los años 50, los clavicémbalos han sido construidos por aficionados a partir de kits, un sistema iniciado por el constructor estadounidense Wolfgang Zuckermann. Los primeros kits de Zuckermann tenían un diseño pragmático más que auténtico, y utilizaban madera contrachapada y "lados doblados" rectos. Fueron una fuerza importante en el aumento de la popularidad del clavicémbalo. Los kits más recientes han seguido líneas históricas.

Véase también

• Lista de productores históricos de harpsichord
• Harpsichord plegable
• Vírgenes
• Spinet
• Leopoldo Franciolini, un destacado estafador cuyos instrumentos alterados son hasta hoy una barrera al estudio de la historia del harpsichord

Notas

1. ^ El prefijo clavi - significa "con llaves"; para cembalum ver cimbalom. El harpsichord se llama cembalo en varios idiomas.
2. ^ New Grove, edición en línea, artículo "Harpsichord"
3. ^ See Stewart Pollens (1995) El piano primitivo
4. ^ Véase también: Clavicymbalum
5. ^ Fuente de este párrafo: Hubbard 1967, en particular pp. 165-166
6. ^ Hubbard 1967, 64-67
7. ^ Hubbard 1967, 46
8. ^ Hubbard 1967, 105
9. ^ Kottick y Lucktenberg (1997: 31, 55)
10. ^ Kottick, Edward L. Una historia del harpsichord. ISBN 978-0-253-02347-6. OCLC 933437874.
11. ^ a b Hubbard (1966, 162)
12. ^ a b Alemán (2002, 90)
13. ^ Clasificación del Diccionario Grove en línea, citado a continuación; artículo "Harpsichord". La cita del pasaje fue escrita por Edwin M. Ripin, Howard Schott y Charles Mould.
14. ^ Para más detalles consulte Hubbard 1967, 116.
15. ^ Kottick y Lucktenberg (1997, 32) notan un harpsichord de renacimiento muy temprano por Pleyel, Wolff que data "de los 1880"; está en el Musée Instrumental en Bruselas
16. ^ Kottick (2003, 435)
17. ^ Kottick y Lucktenberg (1977, 80)
18. ^ Kottick (2003, 440-441)
19. ^ Kottick (2003, 451) afirmó que ya no se construyen instrumentos de avivamiento, aunque a partir de 2014 se ofreció una variedad de harpsichords de avivamiento a la venta por la empresa Neupert junto con sus ofertas más autentistas ([1]).

Referencias

• Boalch-Mould Online Una base de datos de 2000+ harpsichord y clavichord makers, 2500 instrumentos y 4300 fotos de instrumentos.
• Boalch, Donald H. (1995) Makers of the Harpsichord and Clavichord, 1440-1840, 3a edición, con actualizaciones de Andreas H. Roth y Charles Mould, Oxford University Press. Un catálogo, originario del trabajo de Boalch en la década de 1950, de todos los instrumentos históricos extantes.
• Grove Dictionary of Music and Musicians, articulo "Harpsichord". Edición en línea. Copyright 2009, Oxford University Press.
• Germann, Sheridan (2002) Harpsichord decoración: un conspecto. En Howard Schott, Ed. El Harpsichord histórico, Vol. 4. Pendragon Press.
• Hubbard, Frank (1967) Tres siglos de fabricación de Harpsichord, 2a edición. Cambridge, MA: Harvard University Press; ISBN 0-674-88845-6. Una encuesta autorizada por un constructor líder de cómo se construyeron los primeros arpsicords y cómo el harpsichord evolucionaba con el tiempo en diferentes tradiciones nacionales.
• Kottick, Edward (2003) Una historia de la Harpsichord, Indiana University Press. Una extensa encuesta de un académico contemporáneo líder.
• Kottick, Edward y George Lucktenberg (1997) Instrumentos de teclado temprano en museos europeos. Bloomington: Indiana University Press.
• Kipnis, Igor (2007) The Harpsichord and Clavichord: An Encyclopedia, Nueva York, Routledge, ISBN 0415937655, ISBN 978-0415937658
• O'Brien, Grant (1990) Ruckers, un harpsichord y una tradición de construcción virginal, Cambridge University Press. ISBN 0-521-36565-1. Cubre las innovaciones de la familia Ruckers, los fundadores de la tradición flamenca.
• Russell, Raymond (1959) El Harpsichord y Clavichord Londres: Faber y Faber.
• Skowroneck, Martin (2003) Cembalobau: Erfahrungen und Erkenntnisse aus der Werkstattpraxis = Harpsichord construction: a craftsman's workshop experience and insight. Bergkirchen: Edición Bochinsky, ISBN 3-932275-58-6. Un estudio (escrito en inglés y alemán) del edificio harpsichord por una figura líder en el renacimiento moderno de métodos de construcción históricamente auténticos.
• Zuckermann, Wolfgang (1969) El moderno Harpsichord, instrumentos del siglo XX y sus fabricantes. October House Inc.

Enlaces externos

• Una breve historia del harpsichord
• Harpsichord maker Carey Beebe tiene un sitio web completo sobre harpsichords
• Multilingual harpsichord lexicon
• Un sitio harpsichord con imágenes
• Escucha el sonido de varios harpsichords
• Lemas latinas pintadas en harpsichords
• Extensivo fuente de información harpsichord
• HPSCHD-L es una lista de correo dedicada a instrumentos de teclado de cuerda temprana.
• Harpsichord Foto es un sitio dedicado a fotografías de instrumentos de teclado de cuerda temprana.
• Entrevista con el constructor de harpsichord Jack Peters.