Historia del cine

La historia del cine como medio artístico narra el desarrollo de una forma de arte visual creada utilizando tecnologías cinematográficas que comenzó a fines del siglo XIX.

Aunque el advenimiento del cine como medio artístico no está claramente definido, la proyección pública y comercial de diez cortometrajes de los hermanos Lumière en París el 28 de diciembre de 1895 puede considerarse como el avance de las películas cinematográficas proyectadas. Hubo resultados cinematográficos anteriores y proyecciones de otros como los hermanos Skladanowsky, que usaron su Bioscop hecho por ellos mismos para mostrar el primer espectáculo de imágenes en movimiento a una audiencia de pago el 1 de noviembre de 1895 en Berlín, pero carecían de la calidad, el respaldo financiero, resistencia o la suerte de encontrar el impulso que impulsó al cinematógrafo Lumière a un éxito mundial.

Pronto se establecieron compañías y estudios de producción cinematográfica en todo el mundo. La primera década del cine vio cómo el cine pasaba de ser una novedad a convertirse en una industria de entretenimiento de masas establecida. Las primeras películas eran en blanco y negro, de menos de un minuto de duración, sin sonido grabado y consistían en una sola toma con una cámara fija.

Las convenciones hacia un lenguaje cinematográfico general se desarrollaron a lo largo de los años con la edición, los movimientos de cámara y otras técnicas cinematográficas que aportaron roles específicos en la narrativa de las películas.

Los efectos especiales se convirtieron en una característica de las películas desde finales de la década de 1890, popularizados por las películas de fantasía de Georges Méliès. Muchos efectos eran imposibles o poco prácticos de realizar en obras de teatro y, por lo tanto, añadían más magia a la experiencia de las películas.

Las mejoras técnicas agregaron duración (alcanzando los 60 minutos para un largometraje en 1906), grabación de sonido sincronizada (general desde finales de la década de 1920), color (general desde la década de 1930) y 3D (temporalmente popular a principios de la década de 1950 y general desde la década de 2000)). El sonido terminó con la necesidad de interrupciones en las tarjetas de título, revolucionó las posibilidades narrativas de los cineastas y se convirtió en una parte integral de la realización de películas.

Los nuevos medios populares, incluida la televisión (principal desde la década de 1950), el video doméstico (principal desde la década de 1980) e Internet (principal desde la década de 1990) influyeron en la distribución y el consumo de películas. La producción cinematográfica generalmente respondió con contenido para adaptarse a los nuevos medios y con innovaciones técnicas (incluidas películas de pantalla ancha (convencionales desde la década de 1950), 3D y 4D) y películas más espectaculares para mantener atractivas las proyecciones teatrales.

Los sistemas que eran más baratos y más fáciles de manejar (incluidas las cámaras de película, video y teléfono inteligente de 8 mm) permitieron que un número cada vez mayor de personas crearan películas de diferentes calidades, para cualquier propósito (incluidas películas caseras y videoarte). La calidad técnica solía ser inferior a la de las películas profesionales, pero mejoraba con el vídeo digital y las cámaras digitales asequibles de alta calidad.

Mejorando con el tiempo, los métodos de producción digital se hicieron cada vez más populares durante la década de 1990, lo que resultó en efectos visuales cada vez más realistas y populares animaciones por computadora de largometraje.

Diferentes géneros cinematográficos surgieron y disfrutaron de grados variables de éxito a lo largo del tiempo, con grandes diferencias entre, por ejemplo, películas de terror (populares desde la década de 1890), noticieros (predominantes en los cines de EE.) y películas pornográficas (viviendo una Edad de Oro durante la década de 1970).

Antes de 1890

El cine como forma de arte tiene sus orígenes en varias tradiciones anteriores en las artes, como la narración (oral), la literatura, el teatro y las artes visuales. Las formas de arte y entretenimiento que ya presentaban imágenes en movimiento y/o proyectadas antes del advenimiento de la tecnología cinematográfica incluían la sombragrafía, los títeres de sombras, la cámara oscura, la linterna mágica y varios dispositivos de animación estroboscópicos de "persistencia de la visión".

Se cree que se originó en el Lejano Oriente, la sombragrafía (y los desarrollos posteriores en los títeres de sombras) usaban sombras proyectadas por manos u objetos para contar historias. Los títeres de sombras gozaron de popularidad durante siglos en Asia, especialmente en Java, y finalmente se extendieron a Europa durante el Siglo de las Luces.

La cámara oscura rara vez se usaba para contar historias debido a la proyección de una imagen al revés cuando se veía y la cantidad de preparación logística (de manera similar a las obras de teatro) que se tenía que realizar para una actuación. El historiador de la linterna mágica Richard Crangle teorizó que las limitaciones de la cámara oscura, junto con el costo asociado con las producciones teatrales del dispositivo, pueden haber servido como catalizador para la invención y la aplicación más amplia de la linterna mágica para el entretenimiento. Algunos avistamientos antiguos de dioses y espíritus pueden haber sido evocados por medio de espejos (cóncavos), cámaras oscuras o proyectores desconocidos. En el siglo XVI, las ceremonias nigrománticas y la invocación de apariciones fantasmales por parte de "magos" y "brujas" charlatanes parecían algo común.Los primeros espectáculos de linterna mágica parecen haber continuado esta tradición con imágenes de muerte, monstruos y otras figuras aterradoras. Alrededor de 1790, esta práctica se convirtió en un tipo de espectáculo de fantasmas multimedia conocido como fantasmagoría. Estos populares espectáculos entretenían al público mediante diapositivas mecánicas, retroproyección, proyectores móviles, superposición, disueltos, actores en vivo, humo (sobre el que se podían haber proyectado proyecciones), olores, sonidos e incluso descargas eléctricas.

Si bien los primeros espectáculos de la linterna mágica estaban destinados principalmente a asustar a los espectadores, los avances de los proyeccionistas permitieron narraciones creativas e incluso educativas que podrían atraer a audiencias familiares más amplias. Las técnicas recientemente pioneras, como el uso de vistas en disolución y el cromatropo, permitieron transiciones más suaves entre dos imágenes proyectadas y ayudaron a proporcionar narrativas más sólidas.

Los dispositivos de animación estroboscópica mostraban un movimiento de bucle corto y, por lo general, estaban destinados al entretenimiento, con dibujos sorprendentes y, a menudo, cómicos. Ocasionalmente, la técnica se utilizó para demostraciones científicas, por ejemplo, por el fisiólogo Jan Purkyně para mostrar el latido de un corazón y por el físico Johann Heinrich Jakob Müller, quien publicó un conjunto de 8 discos que representan varios movimientos ondulatorios (de sonido, aire, agua, etcétera).). El inventor Joseph Plateau supuso que podría adaptarse para su uso en Phantasmagoria y en 1847 el mago Ludwig Döbler usó su Phantaskop para proyectar acróbatas, malabaristas y bailarines animados para un segmento de su espectáculo que recorrió con mucho éxito varias ciudades europeas.

1878–1887 Cronofotografía y primeras grabaciones animadas

La mayoría de las primeras secuencias fotográficas, conocidas como cronofotografía, inicialmente no estaban destinadas a verse en movimiento y, por lo general, se presentaban como un método serio, incluso científico, para estudiar el movimiento. Las secuencias involucraron casi exclusivamente a humanos o animales realizando un simple movimiento frente a la cámara. A partir de 1878 con la publicación de El caballo en movimientotarjetas de gabinete, el fotógrafo Eadweard Muybridge comenzó a realizar cientos de estudios cronofotográficos del movimiento de animales y humanos en tiempo real. Pronto le siguieron otros cronofotógrafos como Étienne-Jules Marey, Georges Demenÿ, Albert Londe y Ottomar Anschütz. En 1879, Muybridge comenzó a dar conferencias sobre la locomoción animal y usó su zoopraxiscopio para proyectar animaciones de los contornos de sus grabaciones, trazadas en discos de vidrio. Mucho después de la introducción del cine, las grabaciones de Muybridge ocasionalmente se animaban en películas muy cortas con movimiento fluido (relativamente a menudo, el metraje se puede presentar como un bucle que repite el movimiento sin problemas).

En 1887, el inventor y fotógrafo alemán Ottomar Anschütz comenzó las presentaciones de sus grabaciones cronofotográficas en movimiento usando un dispositivo que llamó Elektrischen Schnellseher (también conocido como Electrotachyscope), que mostraba las imágenes usando una pequeña pantalla de vidrio opaco. Para 1891, había desarrollado y comenzado la producción en masa de un dispositivo de visualización de peep-box más portátil y económico del mismo nombre. Para las presentaciones públicas de los bucles cortos, comenzó a grabar y agregar temas que eran más divertidos que los estudios de movimiento habituales, como luchadores, bailarines, acróbatas y escenas de la vida cotidiana. Aunque queda poca evidencia de la mayoría de estas grabaciones, algunas escenas probablemente representan escenas cómicas escenificadas y los registros existentes sugieren que pueden haber influido directamente en trabajos posteriores de Edison Company, como la película de 1894,El estornudo de Fred Ott.

1888–1895: Primeras películas y proyección de películas tempranas

Limitadas en parte por las tecnologías de la época, las películas de finales del siglo XIX solían ser breves y poco sofisticadas en su forma narrativa. En cambio, los cineastas se centraron en gran medida en mostrar el papel objetivo de la cámara como un "ojo humano que no parpadea" con el que registrar la realidad a través de la producción de películas de actualidad.

El 10 de enero de 1888, el artista e inventor francés Louis Le Prince registró la primera patente británica de una cámara capaz de filmar el movimiento. Grabó la primera película conocida existente el 14 de octubre de 1888. La película, más tarde conocida como Roundhay Garden Scene, fue una película de actualidad que duró 1,66 segundos y mostraba brevemente a la familia de Le Prince en movimiento. Al año siguiente, Le Prince filmó una breve secuencia de tráfico en el puente de Leeds en Inglaterra y creó con éxito un dispositivo que podía proyectar imágenes en rápida sucesión utilizando una unidad de disco de Ginebra. Le Prince desapareció misteriosamente el 16 de septiembre de 1890 de camino a París para presentar su invento.

En junio de 1889, el inventor estadounidense Thomas Edison asignó a un asistente de laboratorio, William Kennedy Dickson, para ayudar a desarrollar un dispositivo que pudiera producir imágenes para acompañar los sonidos producidos por el fonógrafo. Sobre la base de las contribuciones de Muybridge, Marey y otros predecesores, Dickson y su equipo crearon el Kinetoscopio. El dispositivo permitía que un observador singular mirara a través de una mirilla para ver un bucle de imágenes en movimiento que podía presentarse durante aproximadamente medio minuto antes de comenzar de nuevo. El 20 de mayo de 1891, Edison presentó el dispositivo a una audiencia por primera vez. Muchas de las películas presentadas en el kinetoscopio mostraban conocidos actos de vodevil realizando movimientos simples en el estudio Black Maria de Edison.El kinetoscopio se convirtió rápidamente en una sensación mundial con múltiples salas de visualización en las principales ciudades en 1895. A medida que la novedad inicial de las imágenes se desvaneció y Edison Company no pudo diversificar su repertorio de películas, la falta de interés público hizo que el negocio se desacelerara en la primavera de 1895. Para remediar la disminución de las ganancias, se llevaron a cabo experimentos, como The Dickson Experimental Sound Film, en un intento de lograr el objetivo original del dispositivo de proporcionar un acompañamiento visual para las grabaciones de sonido. Sin embargo, las limitaciones en la sincronización del sonido con las imágenes impidieron una aplicación generalizada.Durante ese mismo período, los inventores (sobre la base del éxito de los espectáculos de linternas mágicas anteriores) comenzaron a avanzar en tecnologías hacia la proyección de películas que eventualmente superarían el formato de peep-box de Edison.

Década de 1890

Los avances hacia las tecnologías de proyección de imágenes en movimiento evolucionaron a partir de la popularidad de las linternas mágicas, las demostraciones cronofotográficas y otras formas estrechamente relacionadas de entretenimiento proyectado, como las canciones ilustradas. Desde octubre de 1892 hasta marzo de 1900, el inventor Émile Reynaud exhibió su sistema de cine Théâtre Optique ("Teatro óptico") en el Musée Grévin de París. El dispositivo de Reynaud, que proyectó una serie de historias animadas como Pauvre Pierrot y Autour d'une cabine, se mostró a más de 500.000 visitantes en el transcurso de 12.800 espectáculos.Los días 25, 29 y 30 de noviembre de 1894, Ottomar Anschütz proyectó imágenes en movimiento de discos de electrotaquiscopio en una gran pantalla en el gran auditorio a oscuras de un edificio de correos en Berlín. Del 22 de febrero al 30 de marzo de 1895, se proyectó un programa comercial de una hora y media con 40 escenas diferentes para un público de 300 personas en el antiguo Reichstag y recibió alrededor de 4.000 visitantes.

Las canciones ilustradas fueron una tendencia que comenzó en 1894 en los teatros de vodevil y persistió hasta fines de la década de 1930 en las salas de cine. Las presentaciones en vivo o las grabaciones de sonido se combinaron con diapositivas de vidrio coloreadas a mano proyectadas a través de estereópticos y dispositivos similares. De esta forma, la narrativa de la canción se ilustraba a través de una serie de diapositivas cuyos cambios eran simultáneos con el desarrollo narrativo. Más tarde, con el nacimiento del cine, las canciones ilustradas se utilizaron como material de relleno antes de las películas y durante los cambios de rollo.

El teatro Wintergarten de Berlín acogió una de las primeras presentaciones cinematográficas de los hermanos Skladanowsky durante el mes de noviembre de 1895. Su espectáculo de imágenes, que duró aproximadamente 15 minutos, fue parte de un programa vespertino de más de tres horas, que además incluyó todo tipo de variedad. hechos. Los Skladanowsky mostraron ocho cortometrajes (alrededor de 6 a 11 segundos si se reproducen a 16 fps), repetidos en bucle, mientras que una partitura especialmente compuesta se reprodujo especialmente alta para ahogar el ruido de la maquinaria.

El 28 de diciembre de 1895, los hermanos Lumière realizaron su primera proyección comercial con el Cinematógrafo de París. La proyección consistió en diez películas y duró aproximadamente 20 minutos. La demostración más avanzada de proyección de películas hasta el momento, el Cinematógrafo fue un éxito instantáneo, generando un promedio de 2.500 a 3.000 francos diarios a fines de enero de 1896. Después de la primera proyección, el orden y la selección de películas se cambiaron con frecuencia. Los hermanos preferían películas de actualidad como Workers Leaving the Lumière Factory como documentos veraces del mundo en el que vivían, pero su programa también incluía la comedia teatral L'Arroseur Arrosé.

1896-1900: atracción novedosa, entretenimiento barato, narraciones tempranas

Tras la exitosa exhibición del Cinematógrafo, el desarrollo de una industria cinematográfica se aceleró rápidamente. Esta era del cine, apodada por el historiador de cine Tom Gunning como "el cine de las atracciones", ofrecía una forma relativamente barata y sencilla de proporcionar entretenimiento a las masas. En lugar de centrarse en las historias, argumenta Gunning, los cineastas se basaron principalmente en la capacidad de deleitar al público a través del "poder ilusorio" de ver secuencias en movimiento. Las películas se proyectaron principalmente dentro de espacios temporales de escaparates, en tiendas de campaña de expositores itinerantes en ferias o como actos "tontos" en programas de vodevil.Durante este período, antes de que el proceso de postproducción estuviera claramente definido, los expositores podían ejercer su libertad creativa en sus presentaciones. Para mejorar la experiencia de los espectadores, algunas funciones estuvieron acompañadas por músicos en vivo en una orquesta, un órgano de teatro, efectos de sonido en vivo y comentarios del showman o proyeccionista.

Las realidades y los actos de vodevil comprendían la mayoría de las películas de la industria temprana y, por lo general, carecían de narrativas. En 1896, se lanzó por primera vez La Fée aux Choux (El hada de las coles). Dirigida y editada por Alice Guy, la historia es posiblemente la película narrativa más antigua de la historia, así como la primera película dirigida por una mujer. Ese mismo año, Edison Manufacturing Company lanzó The May Irwin Kiss en mayo con un éxito financiero generalizado. La película, que presentó el primer beso en la historia del cine, dio lugar a las primeras llamadas conocidas a la censura cinematográfica.

Fortalecida por el desarrollo de una cámara portátil en mayo de 1896, Edison Manufacturing Company se convirtió en una de las principales productoras de las primeras películas en los Estados Unidos. Inspirándose en películas anteriores de los hermanos Lumière, el equipo de Edison creó realidades, diarios de viaje y comedias cortas. Según el historiador de cine Charles Musser, la compañía mantuvo un "monopolio virtual sobre los temas estadounidenses" durante el verano de 1896. Las primeras películas de Edison se proyectaron utilizando Vitascope, un dispositivo del que Edison había obtenido los derechos de uso en asociación con la distribución de películas. empresa Raff & Gammon. Creado por Thomas Armat y Charles Francis Jenkins, el Vitascope fue uno de los primeros dispositivos de proyección de películas en utilizar el bucle Latham, que permitía tiempos de ejecución más prolongados.A finales de año, se habían presentado exposiciones del Cinematógrafo, el Biograph y el Vitascope en todo el país. The Biograph, con su calidad de imagen superior, superó rápidamente la popularidad de sus competidores en los Estados Unidos y contribuyó al final prematuro de la asociación entre The Edison Company y Raff & Gammon.

Avance del lenguaje cinematográfico.

El desarrollo de técnicas de edición y efectos especiales, junto con la capacidad de aumentar los tiempos de ejecución proporcionados por el bucle Latham, permitió que floreciera el avance de las narrativas a medida que el público se familiarizaba más con la novedad de ver el movimiento capturado en la pantalla y los inventores de la competencia buscaban material más nuevo.

The Execution of Mary Stuart, producida por Edison Company para su visualización con el kinetoscopio, mostró a Mary Queen of Scots siendo ejecutada a la vista de la cámara. El efecto se logró reemplazando al actor con un maniquí para el plano final. La técnica utilizada en la película se considera uno de los primeros usos conocidos de los efectos especiales en el cine. Georges Méliès también utilizó esta técnica en la realización de Escamotage d'un dame chez Robert-Houdin (La dama que se desvanece). Se ve a la mujer desaparecer mediante el uso de técnicas de parada de trucos.

La otra técnica básica para la cinematografía trucada era la doble exposición de la película en la cámara. Esto fue iniciado por George Albert Smith en julio de 1898 en Inglaterra. El decorado se cubrió de negro y, después de la toma principal, el negativo se volvió a exponer a la escena superpuesta. Su The Corsican Brothers se describió en el catálogo de Warwick Trading Company en 1900: "Mediante una fotografía extremadamente cuidadosa, el fantasma aparece *bastante transparente*. Después de indicar que ha sido asesinado por una estocada de espada y apelando a la venganza, desaparece. Entonces aparece una 'visión' que muestra el duelo fatal en la nieve".Smith también inició la técnica de efectos especiales de movimiento inverso. Lo hizo repitiendo la acción por segunda vez, filmándola con cámara invertida, y luego uniendo la cola del segundo negativo con la del primero. Las primeras películas realizadas con este dispositivo fueron Tipsy, Topsy, Turvy y The Awkward Sign Painter. El ejemplo más antiguo que se conserva de esta técnica es The House That Jack Built de Smith, realizado antes de septiembre de 1900.

Cecil Hepworth llevó esta técnica más allá, al imprimir el negativo del movimiento de avance hacia atrás cuadro por cuadro, produciendo así una impresión en la que la acción original se invirtió exactamente. Para hacer esto, construyó una impresora especial en la que el negativo que pasaba por un proyector se proyectaba en la puerta de una cámara a través de una lente especial dando una imagen del mismo tamaño. Este arreglo llegó a llamarse "impresora de proyección" y, finalmente, "impresora óptica".

El uso de diferentes velocidades de cámara también apareció alrededor de 1900 en las películas de Robert W. Paul y Hepworth. Paul filmó escenas de On a Runaway Motor Car a través de Piccadilly Circus (1899) con la cámara girando muy lentamente. Cuando la película se proyectó a los habituales 16 fotogramas por segundo, el paisaje parecía pasar a gran velocidad. Hepworth utilizó el efecto contrario en El jefe indio y el polvo de Seidlitz (1901). Los movimientos del Jefe se aceleran girando la cámara mucho más rápido que 16 fotogramas por segundo. Esto da lo que llamaríamos un efecto de "cámara lenta".

A fines de 1896, el mago francés Georges Méliès estableció Star Film Company y comenzó a producir, dirigir y distribuir una obra que eventualmente contendría más de 500 cortometrajes. Habiendo utilizado previamente el cine como una ilusión en sus actos de magia, Méliès se dio cuenta de que el cine le brindaba la capacidad de "producir espectáculos visuales que no se pueden lograr en el teatro". A menudo se le considera "el padrino de los efectos especiales" por su avance en técnicas como el truco de parada y las exposiciones dobles. El uso de estas técnicas permitió la creación de narrativas más imaginativas, como la película de 1896 Le Manoir du Diable (La casa del diablo), considerada una primicia en el género cinematográfico de terror, y la película de 1899 Cendrillon (Cenicienta).

Montaje cinematográfico y narrativa continua

Las primeras películas que constaban de más de un plano aparecieron a finales del siglo XIX. Un ejemplo notable fue la película francesa sobre la vida de Jesucristo, La vie du Christ (El nacimiento, la vida y la muerte de Cristo), de Alice Guy. Estos no se representaron como una película continua, las escenas separadas se intercalaron con diapositivas de linterna, una conferencia y números corales en vivo, para aumentar el tiempo de ejecución del espectáculo a unos 90 minutos. Otro ejemplo de ello son las reproducciones de escenas de la guerra greco-turca, realizadas por Georges Méliès en 1897. Aunque cada escena se vendía por separado, los expositores las mostraban una tras otra. Incluso el Cendrillon (Cenicienta) de Mélièsde 1899 no contenía ninguna acción que pasara de un plano al siguiente. Para entender lo que estaba pasando en la película, la audiencia tenía que conocer sus historias de antemano, o ser contadas por un presentador.

Las dos escenas que componen

Come Along, Do!

La continuidad real de la película, que involucra la acción que se mueve de una secuencia a otra, se atribuye al pionero del cine británico Robert W. Paul's Come Along, Do! , realizada en 1898 y una de las primeras películas en presentar más de un plano. En la primera toma, una pareja de ancianos está afuera de una exhibición de arte almorzando y luego siguen a otras personas adentro a través de la puerta. La segunda toma muestra lo que hacen adentro. La 'Cámara Cinematográfica No. 1' de Paul de 1895 fue la primera cámara en contar con giro inverso, lo que permitió que el mismo metraje de película se expusiera varias veces y, por lo tanto, creara superposiciones y exposiciones múltiples. Esta técnica se utilizó por primera vez en su película de 1901 Scrooge, o Marley's Ghost.

El mayor desarrollo de la continuidad de la acción en películas de tomas múltiples continuó en 1899 en la Brighton School de Inglaterra. En la última parte de ese año, George Albert Smith hizo El beso en el túnel. Esta película comenzaba con un plano de un "viaje fantasma" en el punto en que el tren entra en un túnel, y continuaba con la acción en un plató que representaba el interior de un vagón de tren, donde un hombre le roba un beso a una mujer, y luego vuelve a la toma del viaje fantasma cuando el tren sale del túnel.Un mes después, la compañía Bamforth de Yorkshire realizó una versión reescenificada de esta película bajo el mismo título, y en este caso filmaron planos de un tren entrando y saliendo de un túnel junto a las vías, al que unieron antes y después de su versión de el beso dentro del compartimiento del tren.

Explotación temprana

En Francia, la compañía Lumière envió camarógrafos por todo el mundo a partir de 1896 para filmar películas, que los camarógrafos exhibieron localmente y luego enviaron de regreso a la fábrica de la compañía en Lyon para hacer copias para venderlas a quien las quisiera. Hasta 1901 se hicieron cerca de un millar de estas películas, casi todas de actualidad.

En el Reino Unido, Birt Acres fue una de las primeras en producir películas, además de ser la primera reportera itinerante de noticieros. En 1894 creó un formato de 70 mm y filmó la regata Henley Royal. Luego hizo algunas de las primeras películas británicas con Robert W. Paul con una cámara de cine de 35 mm, la Kineopticon, incluyendo Incident at Clovelly Cottage, The Oxford and Cambridge University Boat Race y Rough Sea at Dover. Birt Acres diseñó la primera cámara para uso amateur en 1898. La llamó 'Birtac Home Cinema' y usaba un calibre de 17,5 mm. Su finalidad, en sus palabras, era 'poner la fotografía animada al alcance de todos'.

En 1898, Georges Méliès era el mayor productor de películas de ficción en Francia y, a partir de ese momento, su producción se componía casi en su totalidad de películas con efectos engañosos, que tuvieron mucho éxito en todos los mercados. La especial popularidad de sus películas más largas, que duraron varios minutos a partir de 1899 (mientras que la mayoría de las otras películas todavía duraban solo un minuto), llevó a otros realizadores a comenzar a producir películas más largas.

Charles Urban se convirtió en director gerente de Warwick Trading Company en 1897, donde se especializó en películas de actualidad, incluidas las noticias de la guerra anglo-bóer. En julio de 1903 formó su propia compañía, Charles Urban Trading Company, mudándose a Wardour Street de Londres en 1908, el primer negocio cinematográfico ubicado en lo que se convirtió en el hogar de la industria cinematográfica británica. Mitchell and Kenyon fue fundada por Sagar Mitchell y James Kenyon en 1897, y pronto se convirtió en uno de los productores de cine más grandes del Reino Unido. Otros pioneros incluyen a James Williamson, GA Smith y Cecil Hepworth, quien en 1899 comenzó a producir 100 películas al año y su compañía se convirtió en la más grande de la escena británica.

La compañía cinematográfica de mayor éxito en los Estados Unidos, con la mayor producción hasta 1900, fue la compañía estadounidense Mutoscope. Esto se configuró inicialmente para explotar películas cortas de tipo peep-show que se mostraban con el mutoscopio de WKL Dickson, después de que dejó la compañía Edison en 1895. Su equipo usaba película de 70 mm de ancho y cada cuadro se imprimía por separado en hojas de papel para insertarlo en su visualización. máquina. Las hojas de imágenes sobresalían de la periferia de un tambor giratorio y se abrían paso a paso en sucesión.

1900

Maduración y negocio cinematográfico.

En 1900, Charles Pathé comenzó la producción de películas bajo la marca Pathé-Frères, con Ferdinand Zecca contratado para hacer las películas. En 1905, Pathé era la compañía cinematográfica más grande del mundo, posición que mantuvo hasta la Primera Guerra Mundial. Léon Gaumont comenzó la producción cinematográfica en 1896, supervisado por Alice Guy.

Además de American Mutoscope, también había numerosos productores más pequeños en los Estados Unidos, y algunos de ellos establecieron una presencia a largo plazo en el nuevo siglo. American Vitagraph, uno de estos productores menores, construyó estudios en Brooklyn y amplió sus operaciones en 1905.

El primer teatro permanente exitoso que mostró solo películas fue "The Nickelodeon", que se inauguró en Pittsburgh en 1905. Para entonces, había suficientes películas de varios minutos disponibles para llenar un programa que duraba al menos media hora, y que podía cambiarse. semanalmente cuando la audiencia local se aburría de él. Otros expositores en los Estados Unidos rápidamente siguieron su ejemplo y, en dos años, había 8.000 de estos nickelodeons en funcionamiento en todo Estados Unidos. La experiencia estadounidense condujo a un auge mundial en la producción y exhibición de películas a partir de 1906.

Las salas de cine se convirtieron en lugares de entretenimiento populares y centros sociales a principios del siglo XX, al igual que los cabarets y otros teatros.

En 1907, se abrieron cines especialmente diseñados para películas en los Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia. Las películas a menudo se mostraban con el acompañamiento de música proporcionada por un pianista, aunque podría haber más músicos. También había muy pocos cines más grandes en algunas de las ciudades más grandes. Inicialmente, la mayoría de las películas en los programas eran películas de Pathé, pero esto cambió con bastante rapidez a medida que las empresas estadounidenses aumentaron la producción. El programa estuvo compuesto por unas pocas películas y el espectáculo duró alrededor de 30 minutos. El carrete de película, de una longitud máxima de 1000 pies (300 m), que generalmente contenía una película individual, se convirtió en la unidad estándar de producción y exhibición de películas en este período. El programa se cambiaba dos o más veces por semana, pero aumentó a cinco cambios de programa por semana después de un par de años. En general, Se instalaron cines en los distritos de entretenimiento establecidos de las ciudades. En 1907, Pathé comenzó a alquilar sus películas a los cines a través de intercambios de películas en lugar de venderlas directamente.

El litigio sobre patentes entre todas las principales compañías cinematográficas estadounidenses había continuado y, a fines de 1908, decidieron unir sus patentes y formar un fideicomiso para usarlas para controlar el negocio cinematográfico estadounidense. Las empresas en cuestión eran Pathé, Edison, Biograph, Vitagraph, Lubin, Selig, Essanay, Kalem y Kleine Optical Company, un importante importador de películas europeas. La compañía George Eastman, el único fabricante de películas en los Estados Unidos, también formaba parte de la combinación, que se llamó Motion Picture Patents Company (MPPC), y Eastman Kodak acordó suministrar solo películas a los miembros. Los derechos de licencia para distribuir y proyectar películas se extrajeron de todos los distribuidores y exhibidores. A las productoras que formaban parte del fideicomiso se les asignaron cuotas de producción (dos rollos, es decir películas, una semana para los más grandes, un carrete a la semana para los más pequeños), que se suponía que serían suficientes para llenar los programas de los expositores autorizados. Pero el mercado era más grande que eso, ya que aunque 6000 expositores firmaron con el MPPC, otros 2000 no lo hicieron. Una minoría de los intercambios (es decir, los distribuidores) permanecieron fuera de la MPPC y, en 1909, estos intercambios independientes comenzaron de inmediato a financiar nuevas empresas productoras de películas. Para 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todos los espectáculos de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. El MPPC había sido efectivamente derrotado en su plan para controlar todo el mercado de los Estados Unidos, y la acción antimonopolio del gobierno, que solo ahora comenzó contra el MPPC, no era realmente necesaria para derrotarlo. un carrete a la semana para los más pequeños), que se suponía que serían suficientes para llenar los programas de los expositores autorizados. Pero el mercado era más grande que eso, ya que aunque 6000 expositores firmaron con el MPPC, otros 2000 no lo hicieron. Una minoría de los intercambios (es decir, los distribuidores) permanecieron fuera de la MPPC y, en 1909, estos intercambios independientes comenzaron de inmediato a financiar nuevas empresas productoras de películas. Para 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todos los espectáculos de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. El MPPC había sido efectivamente derrotado en su plan para controlar todo el mercado de los Estados Unidos, y la acción antimonopolio del gobierno, que solo ahora comenzó contra el MPPC, no era realmente necesaria para derrotarlo. un carrete a la semana para los más pequeños), que se suponía que serían suficientes para llenar los programas de los expositores autorizados. Pero el mercado era más grande que eso, ya que aunque 6000 expositores firmaron con el MPPC, otros 2000 no lo hicieron. Una minoría de los intercambios (es decir, los distribuidores) permanecieron fuera de la MPPC y, en 1909, estos intercambios independientes comenzaron de inmediato a financiar nuevas empresas productoras de películas. Para 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todos los espectáculos de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. El MPPC había sido efectivamente derrotado en su plan para controlar todo el mercado de los Estados Unidos, y la acción antimonopolio del gobierno, que solo ahora comenzó contra el MPPC, no era realmente necesaria para derrotarlo. que se suponía que serían suficientes para llenar los programas de los expositores autorizados. Pero el mercado era más grande que eso, ya que aunque 6000 expositores firmaron con el MPPC, otros 2000 no lo hicieron. Una minoría de los intercambios (es decir, los distribuidores) permanecieron fuera de la MPPC y, en 1909, estos intercambios independientes comenzaron de inmediato a financiar nuevas empresas productoras de películas. Para 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todos los espectáculos de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. El MPPC había sido efectivamente derrotado en su plan para controlar todo el mercado de los Estados Unidos, y la acción antimonopolio del gobierno, que solo ahora comenzó contra el MPPC, no era realmente necesaria para derrotarlo. que se suponía que serían suficientes para llenar los programas de los expositores autorizados. Pero el mercado era más grande que eso, ya que aunque 6000 expositores firmaron con el MPPC, otros 2000 no lo hicieron. Una minoría de los intercambios (es decir, los distribuidores) permanecieron fuera de la MPPC y, en 1909, estos intercambios independientes comenzaron de inmediato a financiar nuevas empresas productoras de películas. Para 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todos los espectáculos de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. El MPPC había sido efectivamente derrotado en su plan para controlar todo el mercado de los Estados Unidos, y la acción antimonopolio del gobierno, que solo ahora comenzó contra el MPPC, no era realmente necesaria para derrotarlo. 000 expositores firmaron con el MPPC, otros 2000 no lo hicieron. Una minoría de los intercambios (es decir, los distribuidores) permanecieron fuera de la MPPC y, en 1909, estos intercambios independientes comenzaron de inmediato a financiar nuevas empresas productoras de películas. Para 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todos los espectáculos de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. El MPPC había sido efectivamente derrotado en su plan para controlar todo el mercado de los Estados Unidos, y la acción antimonopolio del gobierno, que solo ahora comenzó contra el MPPC, no era realmente necesaria para derrotarlo. 000 expositores firmaron con el MPPC, otros 2000 no lo hicieron. Una minoría de los intercambios (es decir, los distribuidores) permanecieron fuera de la MPPC y, en 1909, estos intercambios independientes comenzaron de inmediato a financiar nuevas empresas productoras de películas. Para 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todos los espectáculos de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. El MPPC había sido efectivamente derrotado en su plan para controlar todo el mercado de los Estados Unidos, y la acción antimonopolio del gobierno, que solo ahora comenzó contra el MPPC, no era realmente necesaria para derrotarlo. Para 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todos los espectáculos de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. El MPPC había sido efectivamente derrotado en su plan para controlar todo el mercado de los Estados Unidos, y la acción antimonopolio del gobierno, que solo ahora comenzó contra el MPPC, no era realmente necesaria para derrotarlo. Para 1911 había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todos los espectáculos de los exhibidores independientes, y en 1912 los independientes tenían casi la mitad del mercado. El MPPC había sido efectivamente derrotado en su plan para controlar todo el mercado de los Estados Unidos, y la acción antimonopolio del gobierno, que solo ahora comenzó contra el MPPC, no era realmente necesaria para derrotarlo.

A principios del siglo XX, antes de Hollywood, la industria cinematográfica de los Estados Unidos se basaba principalmente en Fort Lee, Nueva Jersey, al otro lado del río Hudson desde la ciudad de Nueva York. Con la necesidad de una sede de invierno, los cineastas se sintieron atraídos por Jacksonville, Florida, debido a su clima cálido, ubicaciones exóticas, excelente acceso ferroviario y mano de obra más barata, lo que le valió a la ciudad el título de "La capital mundial del cine de invierno". Kalem Studios, con sede en Nueva York, fue el primero en abrir un estudio permanente en Jacksonville en 1908. En el transcurso de la próxima década, más de 30 compañías de cine mudo establecieron estudios en la ciudad, incluidas Metro Pictures (luego MGM), Edison Studios, Majestic Films, King-Bee Film Company, Vim Comedy Company, Norman Studios, Gaumont Studios y Lubin Manufacturing Company.La primera película realizada en Technicolor y el primer largometraje en color producido en los Estados Unidos, The Gulf Between, también se filmó en Jacksonville en 1917.

Jacksonville fue especialmente importante para la industria cinematográfica afroamericana. Un individuo notable en este sentido es el productor europeo-estadounidense Richard Norman, quien creó una serie de películas protagonizadas por actores negros en la línea de Oscar Micheaux y la Lincoln Motion Picture Company. En contraste con las partes degradantes que se ofrecen en ciertas películas blancas como El nacimiento de una nación, Norman y sus contemporáneos buscaron crear historias positivas que presentaran a los afroamericanos en lo que denominó "asumiendo espléndidamente diferentes roles".

Sin embargo, los residentes en su mayoría conservadores de Jacksonville se opusieron a las características de la industria cinematográfica temprana, como persecuciones de automóviles en las calles, robos de bancos simulados y alarmas contra incendios en lugares públicos, e incluso disturbios ocasionales. En 1917, el demócrata conservador John W. Martin fue elegido alcalde con la plataforma de domar la industria cinematográfica de la ciudad. En ese momento, el sur de California estaba emergiendo como el principal centro de producción de películas, gracias en gran parte a la mudanza de pioneros del cine como William Selig y DW Griffith al área. Estos factores sellaron rápidamente la desaparición de Jacksonville como un importante destino cinematográfico.

Otro factor para el movimiento de la industria hacia el oeste fue que hasta 1913, la mayor parte de la producción cinematográfica estadounidense todavía se realizaba en Nueva York, pero debido al monopolio de las patentes cinematográficas de Thomas A. Edison, Inc. y sus intentos litigiosos de preservarlo, muchos cineastas se mudaron al sur de California, comenzando con Selig en 1909. La luz del sol y el paisaje fueron importantes para la producción de westerns, que llegaron a formar un importante género cinematográfico estadounidense con las primeras estrellas de vaqueros, GM Anderson ("Broncho Billy") y Tom Mezcla. Selig fue pionero en el uso de animales (bastante) salvajes de un zoológico para una serie de aventuras exóticas, con los actores amenazados o salvados por los animales. Kalem Company envió equipos de filmación a lugares de Estados Unidos y el extranjero para filmar historias en los lugares reales en los que se suponía que habían sucedido.Kalem también fue pionera en la heroína de acción femenina de 1912, con Ruth Roland interpretando papeles protagónicos en sus westerns.

En Francia, Pathé conservó su posición dominante, seguida aún por Gaumont, y luego por otras nuevas empresas que aparecieron para satisfacer el auge del cine. Una compañía cinematográfica con un enfoque diferente fue Film d'Art. Film d'Art se creó a principios de 1908 para realizar películas de carácter artístico serio. Su programa declarado era hacer películas utilizando solo a los mejores dramaturgos, artistas y actores. El primero de ellos fue L'Assassinat du Duc de Guise (El asesinato del duque de Guise), un tema histórico ambientado en la corte de Enrique III. Esta película utilizó actores principales de la Comédie-Française y tuvo una partitura especial de acompañamiento escrita por Camille Saint-Saëns. Las otras majors francesas siguieron su ejemplo, y esta ola dio lugar a la descripción en inglés de películas con pretensiones artísticas dirigidas a una audiencia sofisticada como "películas de arte". Para 1910, las compañías cinematográficas francesas estaban comenzando a hacer películas de dos o incluso tres carretes, aunque la mayoría todavía tenía un carrete. Esta tendencia fue seguida en Italia, Dinamarca y Suecia.

En Gran Bretaña, la Ley Cinematográfica de 1909 fue la primera legislación primaria para regular específicamente la industria cinematográfica. Las exhibiciones de películas a menudo tenían lugar en lugares temporales y el uso de nitrato de celulosa altamente inflamable para películas, combinado con iluminación de foco, creaba un riesgo de incendio significativo. La ley especificaba un estricto código de construcción que requería, entre otras cosas, que el proyector estuviera encerrado dentro de un recinto resistente al fuego.

El estudio Babelsberg cerca de Berlín en Alemania fue el primer estudio cinematográfico a gran escala del mundo, fundado en 1912, y el precursor de Hollywood con sus varios establecimientos de grandes estudios a principios del siglo XX.

Innovación y narración temprana

En la mayoría de los países, los intertítulos se utilizaron para proporcionar diálogo y narración para la película, prescindiendo así de los narradores, pero en el cine japonés, los narradores humanos conocidos como benshi siguieron siendo populares durante la era del cine mudo. Los problemas técnicos se resolvieron en 1923.

Las dos primeras tomas de

Visto a través de un telescopio (1900), con el POV del telescopio simulado por la máscara circular.

En 1900, George Albert Smith y James Williamson, quienes también trabajaron en Brighton, establecieron definitivamente la continuidad de la acción a través de planos sucesivos. En ese año, Smith realiza As Seen Through a Telescope, en el que el plano principal muestra una escena callejera con un joven atándose los cordones de los zapatos y luego acariciando el pie de su novia, mientras un anciano observa esto a través de un telescopio. Luego hay un corte a primer plano de las manos en el pie de la niña que se muestran dentro de una máscara circular negra, y luego un corte de regreso a la continuación de la escena original. Aún más notable es la película de 1900 de James Williamson, Attack on a China Mission.. La película, que el historiador de cine John Barnes describió más tarde como "la narrativa más desarrollada de todas las películas realizadas en Inglaterra hasta ese momento", comienza con la primera toma que muestra a los boxeadores chinos rebeldes en la puerta; luego corta a la familia misionera en el jardín, donde se produce una pelea. La esposa hace señas a los marineros británicos desde el balcón, quienes vienen a rescatarlos. La película también utilizó el primer corte de "ángulo inverso" en la historia del cine.

GA Smith fue pionero en el uso de primeros planos en sus películas de 1900, As Seen Through a Telescope y Grandma's Reading Glass. Desarrolló aún más las ideas de dividir una escena filmada en un lugar en una serie de tomas tomadas desde diferentes posiciones de cámara durante los dos años siguientes, comenzando con The Little Doctors de 1901 (la película, que ahora se creía perdida, fue rehecha como The Sick Gatito en 1903). En una serie de películas que produjo en este momento, también introdujo el uso de tomas de puntos de vista subjetivos y objetivos, la creación de tiempo de sueño y el uso de la inversión. Resumió su trabajo en Mary Jane's Mishapde 1903, con cortes repetidos a un primer plano de una criada jugando. Combinó estos efectos, junto con superposiciones, el uso de transiciones de barrido para indicar un cambio de escena y otros dispositivos, antes de inventar el sistema Kinemacolor de cinematografía en color. Sus películas fueron las primeras en establecer las bases de una narrativa coherente y lo que se conoció como lenguaje cinematográfico o "gramática cinematográfica".

James Williamson fue pionero en hacer películas que tuvieran acción continua de plano a plano, como en su película de 1901 Stop Thief! . Las películas de este género se denominaron más tarde "películas de persecución". ¡ Estos fueron inspirados por Stop Thief de James Williamson! de 1901, que mostraba a un vagabundo robando una pierna de cordero de un carnicero en el primer disparo, luego siendo perseguido en el segundo disparo por el carnicero y varios perros, y finalmente siendo atrapado por los perros en el tercer disparo. Varias películas británicas realizadas en la primera mitad de 1903 ampliaron el método de persecución de la construcción de películas. Estos incluyeron An Elopement à la Mode y The Pickpocket: A Chase Through London, realizado por Alf Collins para la sucursal británica de la compañía francesa Gaumont, A Daring Daylight Burglary, realizado por Frank Mottershaw en Sheffield Photographic Company, y Desperate Poaching Affray, realizado por William Haggar. Haggar, en particular, innovó las primeras tomas panorámicas existentes; los cazadores furtivos son perseguidos por guardabosques y agentes de policía y la cámara avanza, creando una sensación de urgencia y velocidad. Sus películas también fueron reconocidas por su uso inteligente de la profundidad del escenario y los bordes de la pantalla, mientras que el académico de cine Noël Burch elogió el uso eficaz del espacio fuera de la pantalla por parte de Haggar. También fue uno de los primeros cineastas en introducir deliberadamente la violencia como entretenimiento; en una pelea de caza furtiva desesperada, se ve a los villanos disparando armas a sus perseguidores.

Otros cineastas retomaron todas estas ideas, incluido el estadounidense Edwin S. Porter, que comenzó a hacer películas para Edison Company en 1901. Porter, un proyeccionista, fue contratado por Thomas Edison para desarrollar su nuevo modelo de proyección conocido como Vitascope. Cuando comenzó a hacer películas más largas en 1902, colocó una disolución entre cada toma, tal como lo estaba haciendo Georges Méliès, y con frecuencia repetía la misma acción en las fusiones. Su película, The Great Train Robbery (1903), tuvo una duración de doce minutos, con veinte tomas separadas y diez locaciones interiores y exteriores diferentes. Usó el método de edición transversal para mostrar acciones simultáneas en diferentes lugares. La continuidad temporal en El gran robo del trenen realidad fue más confuso que en las películas en las que se inspiró, pero sin embargo fue un éxito mayor que ellos debido a su violencia del Salvaje Oeste. The Great Train Robbery sirvió como uno de los vehículos que lanzaría el medio cinematográfico a la popularidad masiva.

La compañía Pathé en Francia también hizo imitaciones y variaciones de las películas de Smith y Williamson a partir de 1902 utilizando cortes entre tomas, lo que ayudó a estandarizar los conceptos básicos de la construcción de películas. El gran volumen de la producción de Pathé llevó a sus cineastas a dar más precisión y pulir los detalles de la continuidad de la película. Una película francesa influyente de la época fue A Trip to the Moon de Méliès, de 14 minutos de duración. Fue extremadamente popular en el momento de su estreno y es la más conocida de los cientos de películas realizadas por Méliès. Fue una de las primeras películas de ciencia ficción conocidas y utilizó animaciones y efectos especiales innovadores, incluida la conocida imagen de la nave espacial aterrizando en el ojo de la Luna.

Los noticieros regulares se exhibieron desde 1910 y pronto se convirtieron en una forma popular de enterarse de las noticias: la Expedición Antártica Británica al Polo Sur se filmó para los noticieros, al igual que las manifestaciones de sufragistas que estaban ocurriendo al mismo tiempo. F. Percy Smith fue uno de los pioneros de los documentales sobre la naturaleza que trabajó para Charles Urban y fue pionero en el uso del lapso de tiempo y la micro cinematografía en su documental de 1910 sobre el crecimiento de las flores.

Animación temprana

Cuando se introdujo la cinematografía, la animación era familiar a partir de varios juguetes ópticos (en forma estroboscópica), espectáculos de linterna mágica (en forma mecánica) y de Pantomimes Lumineuses de Emile Reynaud. Pasó más de una década antes de que la animación comenzara a desempeñar un papel en los cines con cortometrajes stop motion como Le théâtre de Bob (1906) de Segundo de Chomón y The Haunted Hotel (1907) de J. Stuart Blackton, así como cortometrajes de animación dibujados a mano. como la película Humorous Phases of Funny Faces de Blackton de 1906 (con algunas animaciones recortadas) y Fantasmagorie de Émile Cohl (1908).

El primer largometraje animado del mundo fue El Apóstol (1917), realizado por el dibujante ítalo-argentino Quirino Cristiani utilizando animación recortada. Cristiani también dirigió el primer largometraje de animación con sonido, Peludópolis, estrenado con banda sonora de sistema de sincronización de sonido en disco de vitáfono. Desafortunadamente, un incendio que destruyó el estudio de cine del productor Federico Valle incineró las únicas copias conocidas de las películas, y ahora se consideran películas perdidas.

Largometraje

Durante un tiempo, las películas no tenían más de una bobina, aunque en los primeros años del cine se habían hecho algunas películas de varias bobinas sobre la vida de Cristo. El primer largometraje de varios carretes del mundo fue la producción australiana de 1906 llamada The Story of the Kelly Gang. Trazó la vida del legendario forajido infame y bushranger Ned Kelly (1855-1880) y funcionó durante más de una hora con una longitud de carrete de aproximadamente 4000 pies (1200 m). Se mostró por primera vez en el Athenaeum Hall en Collins Street, Melbourne, Australia el 26 de diciembre de 1906 y en el Reino Unido en enero de 1908.

1910s

Nuevos países productores de cine

Con el boom cinematográfico mundial, más países ahora se unieron a Gran Bretaña, Francia, Alemania y los Estados Unidos en la producción cinematográfica seria. En Italia, la producción se distribuyó en varios centros, siendo Turín el primer y mayor centro de actividad cinematográfica. Allí, Ambrosio fue la primera empresa en el campo en 1905 y siguió siendo la más grande del país durante este período. Su rival más sustancial fue Cines in Rome, que comenzó a producir en 1906. La gran fortaleza de la industria italiana eran las epopeyas históricas, con grandes elencos y escenarios masivos. Ya en 1911, La Caduta di Troia (La Caída de Troya) de Giovanni Pastrone causó una gran impresión en todo el mundo, y fue seguido por vasos aún más grandes como Quo Vadis? (1912), que duró 90 minutos, y el de PastroneCabiria de 1914, que duró dos horas y media.

Las compañías italianas también tenían una línea fuerte en la comedia bufonesca, con actores como André Deed, conocido localmente como "Cretinetti", y en otros lugares como "Foolshead" y "Gribouille", alcanzando fama mundial con sus bromas casi surrealistas.

El país productor de cine más importante del norte de Europa hasta la Primera Guerra Mundial fue Dinamarca. La compañía Nordisk fue fundada allí en 1906 por Ole Olsen, un showman de feria, y tras un breve período imitando los éxitos de cineastas franceses y británicos, en 1907 produjo 67 películas, la mayoría dirigidas por Viggo Larsen, con temas sensacionales como Den hvide Slavinde (La esclava blanca), Isbjørnejagt (Caza del oso polar) y Løvejagten (La caza del león). En 1910, nuevas empresas danesas más pequeñas comenzaron a unirse al negocio y, además de hacer más películas sobre la trata de blancas, contribuyeron con otros temas nuevos. El más importante de estos hallazgos fue Asta Nielsen en Afgrunden (El Abismo), dirigida por Urban Gad para Kosmorama, combinó el circo, el sexo, los celos y el asesinato, todo superado con gran convicción, y empujó a los demás cineastas daneses en esta dirección. En 1912, las compañías cinematográficas danesas se multiplicaban rápidamente.

La industria cinematográfica sueca fue más pequeña y más lenta para comenzar que la industria danesa. Aquí, Charles Magnusson, camarógrafo de noticieros de la cadena de cines Svenskabiografteatern, comenzó la producción de películas de ficción para ellos en 1909, dirigiendo él mismo varias de las películas. La producción aumentó en 1912, cuando la empresa contrató a Victor Sjöström y Mauritz Stiller como directores. Comenzaron imitando los temas favorecidos por la industria cinematográfica danesa, pero en 1913 estaban produciendo su propio trabajo sorprendentemente original, que se vendió muy bien.

Rusia comenzó su industria cinematográfica en 1908 con Pathé filmando allí algunos temas de ficción, y luego con la creación de compañías cinematográficas rusas reales por parte de Aleksandr Drankov y Aleksandr Khanzhonkov. La compañía Khanzhonkov se convirtió rápidamente en la compañía cinematográfica más grande de Rusia y permaneció así hasta 1918.

En Alemania, Oskar Messter había estado involucrado en la realización de películas desde 1896, pero no hizo una cantidad significativa de películas por año hasta 1910. Cuando comenzó el auge cinematográfico mundial, él y las pocas otras personas en el negocio cinematográfico alemán continuaron. vender directamente copias de sus propias películas, lo que los pone en desventaja. Fue solo cuando Paul Davidson, el dueño de una cadena de cines, trajo a Asta Nielsen y Urban Gad a Alemania desde Dinamarca en 1911, y estableció una productora, Projektions-AG "Union" (PAGU), que un cambio comenzó el alquiler de copias. Messter respondió con una serie de películas más largas protagonizadas por Henny Porten, pero aunque a estas les fue bien en el mundo de habla alemana, no fueron particularmente exitosas a nivel internacional, a diferencia de las películas de Asta Nielsen. Otro de los productores de cine alemanes en crecimiento justo antes de la Primera Guerra Mundial fue la sucursal alemana de la compañía francesa Éclair, Deutsche Éclair. Este fue expropiado por el gobierno alemán y convertido en DECLA cuando comenzó la guerra. Pero en conjunto, los productores alemanes solo tenían una pequeña parte del mercado alemán en 1914.

En general, desde aproximadamente 1910, las películas estadounidenses tenían la mayor parte del mercado en todos los países europeos excepto Francia, e incluso en Francia, las películas estadounidenses acababan de desplazar a la producción local del primer lugar en vísperas de la Primera Guerra Mundial. La guerra obstaculizó a los productores europeos, las cualidades técnicas de las películas estadounidenses las hicieron cada vez más atractivas para el público en todas partes.

Técnica de la película

Las nuevas técnicas cinematográficas que se introdujeron en este período incluyen el uso de iluminación artificial, efectos de fuego e iluminación de bajo perfil (es decir, iluminación en la que la mayor parte del cuadro está oscuro) para mejorar la atmósfera durante las escenas siniestras.

También se perfeccionó la continuidad de la acción de un plano a otro, como en Le Cheval emballé (El caballo desbocado) (1907) de Pathé, donde se utiliza el corte transversal entre acciones paralelas. DW Griffith también comenzó a usar cortes transversales en la película The Fatal Hour, realizada en julio de 1908. Otro desarrollo fue el uso de la toma Point of View, utilizada por primera vez en 1910 en Back to Nature de Vitagraph. Las tomas de inserción también se utilizaron con fines artísticos; la película italiana La mala planta (The Evil Plant), dirigida por Mario Caserini, tenía un inserto de una serpiente deslizándose sobre la "Evil Plant".

A medida que las películas se hicieron más largas, se contrató a escritores especializados para simplificar historias más complejas derivadas de novelas u obras de teatro en una forma que pudiera estar contenida en un carrete. Los géneros comenzaron a usarse como categorías; la división principal estaba en comedia y drama, pero estas categorías se subdividieron aún más.

Los intertítulos que contenían líneas de diálogo comenzaron a usarse de manera constante a partir de 1908, como en An Auto Heroine de Vitagraph; o La carrera por la Copa Vitagraph y cómo se ganó. El diálogo finalmente se insertó en el medio de la escena y se convirtió en un lugar común en 1912. La introducción de títulos de diálogo transformó la naturaleza de la narrativa cinematográfica. Cuando los títulos de los diálogos siempre se cortaban en una escena justo después de que un personaje comenzara a hablar, y luego se dejaban con un corte en el personaje justo antes de que terminara de hablar, entonces uno tenía algo que era efectivamente el equivalente de una película sonora actual.

Durante la Primera Guerra Mundial y la industria

Los años de la Primera Guerra Mundial fueron un período de transición complejo para la industria cinematográfica. La exhibición de películas pasó de programas cortos de un rollo a largometrajes. Los lugares de exhibición se hicieron más grandes y comenzaron a cobrar precios más altos.

En los Estados Unidos, estos cambios provocaron la destrucción de muchas compañías cinematográficas, siendo la compañía Vitagraph una excepción. La producción cinematográfica comenzó a trasladarse a Los Ángeles durante la Primera Guerra Mundial. Universal Film Manufacturing Company se formó en 1912 como una empresa paraguas. Los nuevos participantes incluyeron Jesse Lasky Feature Play Company y Famous Players, ambos formados en 1913 y luego fusionados en Famous Players-Lasky. El mayor éxito de estos años fue El nacimiento de una nación (1915) de David Wark Griffith. Griffith siguió con Intolerance (1916), aún más grande, pero, debido a la alta calidad de la película producida en los EE. UU., el mercado para sus películas era alto.

En Francia, la producción cinematográfica se paralizó debido a la movilización militar general del país al comienzo de la guerra. Aunque la producción cinematográfica se reanudó en 1915, fue a una escala reducida y las compañías más grandes se retiraron gradualmente de la producción. La producción cinematográfica italiana se mantuvo mejor, aunque las llamadas "películas de divas", protagonizadas por protagonistas femeninas angustiadas, fueron un fracaso comercial. En Dinamarca, la empresa Nordisk incrementó tanto su producción en 1915 y 1916 que no pudo vender todas sus películas, lo que supuso un descenso muy fuerte de la producción danesa, y el fin de la importancia de Dinamarca en el panorama cinematográfico mundial.

La industria cinematográfica alemana se vio seriamente debilitada por la guerra. El más importante de los nuevos productores de cine en ese momento fue Joe May, quien hizo una serie de películas de suspenso y aventuras durante los años de la guerra, pero Ernst Lubitsch también se destacó con una serie de comedias y dramas de gran éxito.

Nuevas técnicas

En ese momento, los estudios se apagaron para permitir que la filmación no se viera afectada por el cambio de la luz del sol. Esto fue reemplazado por reflectores y focos. La adopción generalizada de las escenas de entrada y salida del iris para comenzar y terminar se popularizó en este período. Esta es la revelación de una película rodada en una máscara circular, que se agranda gradualmente hasta expandirse más allá del marco. Se utilizaron rendijas de otras formas, incluidas aberturas verticales y diagonales.

Una nueva idea tomada de la fotografía fija fue el "enfoque suave". Esto comenzó en 1915, con algunas tomas intencionalmente desenfocadas para lograr un efecto expresivo, como en Mary Pickford, protagonizada por Fanchon the Cricket.

Fue durante este período cuando realmente comenzaron a establecerse los efectos de cámara destinados a transmitir los sentimientos subjetivos de los personajes de una película. Estos ahora podrían hacerse como tomas de punto de vista (POV), como en The Story of the Glove (1915) de Sidney Drew, donde una toma de mano tambaleante de una puerta y su ojo de cerradura representa el POV de un hombre borracho. El uso de imágenes anamórficas (en el sentido general de forma distorsionada) aparece por primera vez en estos años cuando Abel Gance dirigió la Folie du Docteur Tube (La locura del Dr. Tube). En esta película se sugería el efecto de una droga administrada a un grupo de personas rodando las escenas reflejadas en un espejo deformante tipo feria.

Efectos simbólicos tomados de la tradición literaria y artística convencional continuaron haciendo algunas apariciones en el cine durante estos años. En The Avenging Conscience (1914) de DW Griffith, el título "El nacimiento del mal pensamiento" precede a una serie de tres tomas del protagonista mirando una araña y hormigas comiendo un insecto. El arte y la literatura simbolistas de principios de siglo también tuvieron un efecto más general en un pequeño número de películas realizadas en Italia y Rusia. La aceptación supina de la muerte como resultado de la pasión y los anhelos prohibidos era una característica principal de este arte, y los estados de delirio en los que se detenía extensamente también eran importantes.

El uso de tomas insertadas, es decir, primeros planos de objetos que no sean rostros, ya había sido establecido por la escuela de Brighton, pero se usaba con poca frecuencia antes de 1914. Realmente es solo con The Avenging Conscience de Griffith que una nueva fase en el uso de la Se inicia Insertar tiro. Además de las inserciones simbólicas ya mencionadas, la película también hizo un uso extensivo de un gran número de primeros planos grandes de manos agarradas y zapateados como un medio para enfatizar esas partes del cuerpo como indicadores de tensión psicológica.

Los insertos atmosféricos se desarrollaron en Europa a fines de la década de 1910. Este tipo de plano es uno en una escena que no contiene a ninguno de los personajes de la historia, ni es un plano de Punto de Vista visto por uno de ellos. Un ejemplo temprano es cuando Maurice Tourneur dirigió The Pride of the Clan (1917), en el que hay una serie de tomas de olas golpeando en una costa rocosa para demostrar la dura vida de los pescadores. Nelson de Maurice Elvey; The Story of England's Immortal Naval Hero (1919) tiene una secuencia simbólica que se disuelve de una imagen del Kaiser Wilhelm II a un pavo real y luego a un acorazado.

En 1914, el cine de continuidad era el modo establecido de cine comercial. Una de las técnicas avanzadas de continuidad involucraba una transición precisa y suave de un plano a otro. Cortar en diferentes ángulos dentro de una escena también se estableció como una técnica para diseccionar una escena en tomas en películas estadounidenses. Si la dirección del disparo cambia en más de noventa grados, se denomina corte de ángulo inverso. La figura principal en el pleno desarrollo del corte de ángulo inverso fue Ralph Ince en sus películas, como The Right Girl y His Phantom Sweetheart.

El uso de estructuras de flash-back continuó desarrollándose en este período, siendo la forma habitual de entrar y salir de un flash-back a través de una disolución. Más complejo aún es El hombre que pudo haber sido (William J. Humphrey, 1914), de la compañía Vitagraph, con una serie de ensoñaciones y flash-backs que contrastan el paso real por la vida del protagonista con lo que podría haber sido, si su hijo hubiera no murió.

Después de 1914, se empezó a utilizar el corte transversal entre acciones paralelas, más en las películas americanas que en las europeas. El corte transversal se usaba a menudo para obtener nuevos efectos de contraste, como la secuencia transversal en The Whispering Chorus (1918) de Cecil B. DeMille, en la que un marido supuestamente muerto tiene una relación con una prostituta china en un fumadero de opio., mientras que simultáneamente su esposa desconocida se vuelve a casar en la iglesia.

El teñido de películas mudas también ganó popularidad durante estos períodos. El tinte ámbar significaba el día o la noche intensamente iluminada, los tintes azules significaban el amanecer o la noche con poca luz, los tintes rojos representaban escenas de fuego, los tintes verdes significaban una atmósfera misteriosa y los tintes marrones (también conocidos como tonos sepia) se usaban generalmente para largometrajes. en lugar de escenas individuales. La epopeya innovadora de DW Griffiths, El nacimiento de una nación, la famosa película de 1920 Dr. Jekyll y Mr. Hyde, y la epopeya de Robert Wiene del mismo año, El gabinete del Dr. Caligari, son algunos ejemplos notables de películas mudas teñidas.

El Foto-Drama de la Creación, mostrado por primera vez al público en 1914, fue el primer guión importante que incorporó sonido sincronizado, película en movimiento y diapositivas en color. Hasta 1927, la mayoría de las películas se producían sin sonido. Este período se conoce comúnmente como la era muda del cine.

Arte cinematográfico

La tendencia general en el desarrollo del cine, liderado desde los Estados Unidos, fue hacia el uso de dispositivos específicamente fílmicos recientemente desarrollados para la expresión del contenido narrativo de las historias cinematográficas, y combinándolos con las estructuras dramáticas estándar que ya se usaban en el teatro comercial. DW Griffith tenía la posición más alta entre los directores estadounidenses de la industria, debido a la emoción dramática que transmitía a la audiencia a través de sus películas. El truco de Cecil B. DeMille(1915), sacó a relucir los dilemas morales que enfrentan sus personajes de una manera más sutil que Griffith. DeMille también estuvo en contacto más cercano con la realidad de la vida americana contemporánea. Maurice Tourneur también fue muy valorado por la belleza pictórica de sus películas, junto con la sutileza de su manejo de la fantasía, a la vez que fue capaz de conseguir un mayor naturalismo de sus actores en los momentos oportunos, como en A Girl's Folly (1917).).

Sidney Drew fue el líder en el desarrollo de la "comedia educada", mientras que Fatty Arbuckle y Charles Chaplin, quienes comenzaron con la compañía Keystone de Mack Sennett, refinaron las bufonadas. Redujeron el ritmo frenético habitual de las películas de Sennett para darle al público la oportunidad de apreciar la sutileza y delicadeza de sus movimientos y la astucia de sus bromas. Para 1917, Chaplin también estaba introduciendo una trama más dramática en sus películas y mezclando la comedia con el sentimiento.

En Rusia, Yevgeni Bauer puso una intensidad lenta de actuación combinada con matices simbolistas en la película de una manera única.

En Suecia, Victor Sjöström realizó una serie de películas que combinaban las realidades de la vida de las personas con su entorno de manera impactante, mientras que Mauritz Stiller llevó la comedia sofisticada a un nuevo nivel.

En Alemania, Ernst Lubitsch se inspiró en el trabajo escénico de Max Reinhardt, tanto en la comedia burguesa como en el espectáculo, y lo aplicó a sus películas, culminando en die Puppe (La muñeca), die Austernprinzessin (La princesa ostra) y Madame DuBarry.

1920

Años dorados del cine alemán, Hollywood triunfante

Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, el cine francés e italiano había sido el más popular a nivel mundial. La guerra llegó como una interrupción devastadora para las industrias cinematográficas europeas.

El cine alemán, marcado por esos tiempos, vio la era del movimiento cinematográfico expresionista alemán. Berlín fue su centro con Filmstudio Babelsberg, que es el estudio de cine a gran escala más antiguo del mundo. Las primeras películas expresionistas compensaron la falta de presupuestos generosos mediante el uso de diseños de escenarios con ángulos geométricamente absurdos y tremendamente irreales, junto con diseños pintados en paredes y pisos para representar luces, sombras y objetos. Las tramas e historias de las películas expresionistas a menudo trataban sobre la locura, la locura, la traición y otros temas "intelectuales" desencadenados por las experiencias de la Primera Guerra Mundial. Películas como El gabinete del Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922) y M(1931), similar al movimiento del que formaron parte, tuvo un impacto histórico en el cine mismo. Películas como Metropolis (1927) y Woman in the Moon (1929) crearon en parte el género de las películas de ciencia ficción.

Muchos directores, actores, escritores y otros alemanes y radicados en Alemania emigraron a los EE. UU. cuando los nazis ganaron el poder, lo que le dio a Hollywood y a la industria cinematográfica estadounidense la ventaja final en su competencia con otros países productores de películas.

La industria americana, o "Hollywood", como se la estaba conociendo tras su nuevo centro geográfico en California, ganó la posición que ha ocupado, más o menos, desde entonces: fábrica de películas para el mundo y exportando su producto a la mayoría de los países del planeta..

Para la década de 1920, Estados Unidos alcanzó lo que sigue siendo su era de mayor producción, produciendo un promedio de 800 largometrajes al año, o el 82% del total mundial (Eyman, 1997). Las comedias de Charlie Chaplin y Buster Keaton, las aventuras de capa y espada de Douglas Fairbanks o los romances de Clara Bow, por citar sólo algunos ejemplos, dieron a conocer los rostros de estos intérpretes en todos los continentes. La norma visual occidental que se convertiría en la edición de continuidad clásica se desarrolló y exportó, aunque su adopción fue más lenta en algunos países no occidentales sin fuertes tradiciones realistas en el arte y el teatro, como Japón.

Este desarrollo fue contemporáneo con el crecimiento del sistema de estudios y su mayor método de publicidad, el sistema de estrellas, que caracterizó el cine estadounidense durante las próximas décadas y proporcionó modelos para otras industrias cinematográficas. El control eficiente y de arriba hacia abajo de los estudios sobre todas las etapas de su producto permitió un nivel nuevo y cada vez mayor de producción lujosa y sofisticación técnica. Al mismo tiempo, la reglamentación comercial del sistema y el enfoque en el escapismo glamoroso desalentaron el atrevimiento y la ambición más allá de cierto grado, un excelente ejemplo es la breve pero aún legendaria carrera como director del iconoclasta Erich von Stroheim a fines de la adolescencia y la década de 1920.

1930

Era del sonido

A fines de 1927, Warner lanzó The Jazz Singer, que era en su mayoría muda pero contenía lo que generalmente se considera el primer diálogo sincronizado (y canto) en una película; pero este proceso fue realizado por primera vez por Charles Taze Russell en 1914 con el largometraje The Photo-Drama of Creation. Este drama consistía en diapositivas e imágenes en movimiento sincronizadas con discos fonográficos de charlas y música. Los primeros procesos de sonido en disco como Vitaphone pronto fueron reemplazados por métodos de sonido en película como Fox Movietone, DeForest Phonofilm y RCA Photophone. La tendencia convenció a los industriales, en gran parte reacios, de que las "imágenes sonoras" o "sonoras" eran el futuro. Se hicieron muchos intentos antes del éxito de The Jazz Singer, que se puede ver en la Lista de sistemas de sonido de cine.

El cambio fue notablemente rápido. A fines de 1929, Hollywood era casi totalmente sonoro, con varios sistemas de sonido en competencia (que pronto se estandarizarían). El cambio total fue ligeramente más lento en el resto del mundo, principalmente por razones económicas. Las razones culturales también fueron un factor en países como China y Japón, donde los mudos coexistieron con éxito con el sonido hasta bien entrada la década de 1930, produciendo de hecho algunos de los clásicos más venerados en esos países, como The Goddess (China, 1934) de Wu Yonggang.) y Nací, pero... de Yasujirō Ozu (Japón, 1932). Pero incluso en Japón, una figura como el benshi, el narrador en vivo que era una parte importante del cine mudo japonés, descubrió que su carrera como actor estaba llegando a su fin.

El sonido reforzó aún más el control de los principales estudios en numerosos países: el gran gasto de la transición abrumó a los competidores más pequeños, mientras que la novedad del sonido atrajo audiencias mucho más grandes para los productores que se quedaron. En el caso de los Estados Unidos, algunos historiadores atribuyen al sonido la salvación del sistema de estudios de Hollywood frente a la Gran Depresión (Parkinson, 1995). Así comenzó lo que ahora a menudo se llama "La edad de oro de Hollywood", que se refiere aproximadamente al período que comienza con la introducción del sonido hasta finales de la década de 1940. El cine estadounidense alcanzó su punto máximo de glamour fabricado de manera eficiente y atractivo mundial durante este período. Los principales actores de la época ahora se consideran estrellas de cine clásicas, como Clark Gable, Katharine Hepburn, Humphrey Bogart, Greta Garbo y la mayor atracción de taquilla de la década de 1930,

Impacto creativo del sonido.

Sin embargo, desde el punto de vista creativo, la rápida transición fue difícil y, en cierto modo, el cine volvió brevemente a las condiciones de sus primeros días. Los últimos años de la década de 1920 estuvieron llenos de cine sonoro estático y escénico, ya que los artistas delante y detrás de la cámara luchaban con las estrictas limitaciones de los primeros equipos de sonido y su propia incertidumbre sobre cómo utilizar el nuevo medio. Muchos actores de teatro, directores y escritores conocieron el cine cuando los productores buscaban personal con experiencia en la narración basada en diálogos. Muchos de los principales cineastas y actores del cine mudo no pudieron adaptarse y vieron que sus carreras se redujeron severamente o incluso terminaron.

Este incómodo período duró bastante poco. 1929 fue un año decisivo: William Wellman con Chinatown Nights y The Man I Love, Rouben Mamoulian con Applause, Alfred Hitchcock con Blackmail (el primer largometraje sonoro de Gran Bretaña), estuvieron entre los directores que aportaron mayor fluidez a las películas sonoras y experimentaron con el uso expresivo de sonido (Eyman, 1997). En esto, ambos se beneficiaron e impulsaron aún más los avances técnicos en micrófonos y cámaras, y las capacidades para editar y possincronizar el sonido (en lugar de grabar todo el sonido directamente en el momento de la filmación).

Las películas sonoras enfatizaron la historia negra y beneficiaron a diferentes géneros más que el cine mudo. Lo más obvio es que nació la película musical; el primer musical de Hollywood de estilo clásico fue The Broadway Melody (1929) y la forma encontraría su primer gran creador en el coreógrafo/director Busby Berkeley (42nd Street, 1933, Dames, 1934). En Francia, el director de vanguardia René Clair hizo un uso surrealista del canto y la danza en comedias como Bajo los techos de París (1930) y Le Million (1931). Universal Pictures comenzó a lanzar películas de terror gótico como Drácula y Frankenstein (ambas de 1931). En 1933, RKO Pictures estrenó la clásica película "monstruo gigante" de Merian C. Cooper.Rey Kong. La tendencia prosperó mejor en India, donde la influencia del drama tradicional de canto y baile del país convirtió al musical en la forma básica de la mayoría de las películas sonoras (Cook, 1990); Prácticamente desapercibido por el mundo occidental durante décadas, este cine popular indio se convertiría, sin embargo, en el más prolífico del mundo. (Véase también Bollywood.)

En este momento, las películas de gánsteres estadounidenses como Little Caesar y The Public Enemy de Wellman (ambas de 1931) se hicieron populares. El diálogo ahora tenía prioridad sobre las payasadas en las comedias de Hollywood: las bromas ingeniosas y de ritmo rápido de The Front Page (1931) o It Happened One Night (1934), el doble sentido sexual de Mae West (She Done Him Wrong, 1933) o la charla sin sentido, a menudo subversivamente anárquica, de los hermanos Marx (Sopa de pato, 1933). Walt Disney, que anteriormente había estado en el negocio de los dibujos animados cortos, ingresó a los largometrajes con la primera película animada de habla inglesa Blancanieves y los siete enanitos.; estrenada por RKO Pictures en 1937. 1939, un año importante para el cine estadounidense, trajo películas como El mago de Oz y Lo que el viento se llevó.

Color en el cine

Anteriormente, se creía que las películas en color se proyectaron por primera vez en 1909 en el Palace Theatre de Londres (el principal problema con el color era que la técnica, creada por George Smith, (Kinemacolor) solo usaba dos colores: verde y rojo, que eran mezclado de forma aditiva). Pero, de hecho, fue en 1901 cuando se creó la primera película en color de la historia. Esta película sin título fue dirigida por el fotógrafo Edward Raymond Turner y su mecenas Frederick Marshall Lee. La forma en que lo hicieron fue usar rollos de película en blanco y negro, pero con filtros verde, rojo y azul que pasaban sobre la cámara individualmente mientras disparaba. Para completar la película, unieron el metraje original y los filtros en un proyector especial. Sin embargo, tanto el rodaje de la película como su proyección adolecieron de importantes problemas ajenos que, finalmente, hundieron la idea.

Posteriormente, en 1916, llegó la técnica del tecnicolor (procedimiento tricromático (verde, rojo, azul). Su uso requería una triple impresión fotográfica, incorporación de filtros cromáticos y cámaras de enormes dimensiones). La primera pieza audiovisual que se realizó íntegramente con esta técnica fue el cortometraje de Walt Disney "Flowers and Trees", dirigido por Burt Gillett en 1932. Aun así, la primera película que se realizará con esta técnica será "La feria de las vanidades" (1935) de Rouben Mamoulian. Posteriormente, el tecnicolor se extendió principalmente en el campo musical como "El mago de Oz" o "Cantando bajo la lluvia", en películas como "Las aventuras de Robin Hood" o la película de animación "Blancanieves y los siete enanos".

1940

La Segunda Guerra Mundial y sus secuelas

El deseo de propaganda en tiempos de guerra contra la oposición creó un renacimiento en la industria cinematográfica en Gran Bretaña, con dramas de guerra realistas como 49th Parallel (1941), Went the Day Well? (1942), The Way Ahead (1944) y la célebre película naval de Noël Coward y David Lean In Which We Serve en 1942, que ganó un premio especial de la Academia. Estos existieron junto con películas más extravagantes como Michael Powell y Emeric Pressburger's The Life and Death of Colonel Blimp (1943), A Canterbury Tale (1944) y A Matter of Life and Death (1946), así como la película Henry V de Laurence Olivier de 1944. basado en la historia de Shakespeare Enrique V. El éxito de Blancanieves y los siete enanitos permitió a Disney realizar más películas animadas como Pinocho (1940), Fantasía (1940), Dumbo (1941) y Bambi (1942).

El inicio de la participación de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial también trajo una proliferación de películas tanto de patriotismo como de propaganda. Las películas de propaganda estadounidenses incluyeron Desperate Journey (1942), Mrs. Miniver (1942), Forever and a Day (1943) y Objective, Burma! (1945). Las películas estadounidenses notables de los años de la guerra incluyen Watch on the Rhine (1943), con guión de Dashiell Hammett; Shadow of a Doubt (1943), dirección de Hitchcock de un guión de Thornton Wilder; la película biográfica de George M. Cohan, Yankee Doodle Dandy (1942), protagonizada por James Cagney, y la inmensamente popular Casablanca, con Humphrey Bogart. Bogart protagonizaría 36 películas entre 1934 y 1942, incluida The Maltese Falcon (1941) de John Huston, una de las primeras películas que ahora se considera un clásico del cine negro. En 1941, RKO Pictures lanzó Citizen Kane, realizada por Orson Welles. A menudo se considera la mejor película de todos los tiempos. Prepararía el escenario para el cine moderno, ya que revolucionó la narración cinematográfica.

Las restricciones de la época de guerra también generaron un interés en temas más fantásticos. Estos incluyeron los melodramas británicos de Gainsborough (incluidos The Man in Grey y The Wicked Lady), y películas como Here Comes Mr. Jordan, Heaven Can Wait, I Married a Witch y Blithe Spirit. Val Lewton también produjo una serie de películas de terror atmosféricas e influyentes de bajo presupuesto, algunos de los ejemplos más famosos son Cat People, Isle of the Dead y The Body Snatcher. La década probablemente también vio las llamadas "fotos de mujeres", como Now, Voyager, Random Harvest yMildred Pierce en la cima de su popularidad.

En 1946, RKO Radio lanzó It's a Wonderful Life, dirigida por el cineasta de origen italiano Frank Capra. Los soldados que regresaban de la guerra proporcionarían la inspiración para películas como Los mejores años de nuestras vidas, y muchos de los que estaban en la industria cinematográfica habían servido de alguna manera durante la guerra. Las experiencias de Samuel Fuller en la Segunda Guerra Mundial influirían en sus películas en gran parte autobiográficas de décadas posteriores, como The Big Red One. The Actors Studio fue fundado en octubre de 1947 por Elia Kazan, Robert Lewis y Cheryl Crawford, y el mismo año Oskar Fischinger filmó Motion Painting No. 1.

En 1943, Ossessione se proyectó en Italia, marcando el comienzo del neorrealismo italiano. Las principales películas de este tipo durante la década de 1940 incluyeron Bicycle Thieves, Rome, Open City y La Terra Trema. En 1952 se estrenó Umberto D, usualmente considerada la última película de este tipo.

A fines de la década de 1940, en Gran Bretaña, Ealing Studios se embarcó en su serie de célebres comedias, ¡incluyendo Whiskey Galore! , Passport to Pimlico, Kind Hearts and Coronets y The Man in the White Suit, y Carol Reed dirigió sus influyentes thrillers Odd Man Out, The Fallen Idol y The Third Man. David Lean también se estaba convirtiendo rápidamente en una fuerza en el cine mundial con Brief Encounter y sus adaptaciones de Dickens Great Expectations y Oliver Twist, y Michael Powell y Emeric Pressburger experimentarían lo mejor de su asociación creativa con películas como Black Narcissus.y Los zapatos rojos.

1950

El Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara investigó Hollywood a principios de la década de 1950. Protestadas por los Diez de Hollywood ante el comité, las audiencias dieron como resultado la inclusión en la lista negra de muchos actores, escritores y directores, incluidos Chayefsky, Charlie Chaplin y Dalton Trumbo, y muchos de ellos huyeron a Europa, especialmente al Reino Unido.

El espíritu de la era de la Guerra Fría se tradujo en un tipo de casi paranoia manifestada en temas como ejércitos invasores de extraterrestres malvados (La invasión de los ladrones de cuerpos, La guerra de los mundos) y quintacolumnistas comunistas (El candidato de Manchuria).

Durante los años inmediatamente posteriores a la guerra, la industria cinematográfica también se vio amenazada por la televisión, y la creciente popularidad del medio significó que algunas salas de cine quebraran y cerraran. La desaparición del "sistema de estudio" estimuló el autocomentario de películas como Sunset Boulevard (1950) y The Bad and the Beautiful (1952).

En 1950, las vanguardias letristas provocaron disturbios en el Festival de Cine de Cannes, cuando se proyectó Tratado sobre el limo y la eternidad de Isidore Isou. Tras sus críticas a Charlie Chaplin y su ruptura con el movimiento, los ultraletristas siguieron causando estragos al mostrar sus nuevas técnicas hipergráficas. La película más notoria es Howls for Sade de Guy Debord de 1952. Angustiados por el creciente número de teatros cerrados, los estudios y las compañías buscaron formas nuevas e innovadoras de atraer al público. Estos incluyeron intentos de ampliar su atractivo con nuevos formatos de pantalla. Cinemascope, que seguiría siendo una distinción de 20th Century Fox hasta 1967, se anunció con The Robe de 1953.. VistaVision, Cinerama y Todd-AO se jactaron de un enfoque de "cuanto más grande, mejor" para comercializar películas para una audiencia estadounidense cada vez más reducida. Esto resultó en el resurgimiento de películas épicas para aprovechar los nuevos formatos de pantalla grande. Algunos de los ejemplos más exitosos de estos espectáculos bíblicos e históricos incluyen Los diez mandamientos (1956), Los vikingos (1958), Ben-Hur (1959), Espartaco (1960) y El Cid (1961). También durante este período, se produjeron otras películas importantes en Todd-AO, desarrolladas por Mike Todd poco antes de su muerte, ¡incluida Oklahoma! (1955), La vuelta al mundo en 80 días (1956), Pacífico Sur (1958) yCleopatra (1963) y muchos más.

Los trucos también proliferaron para atraer al público. La moda de las películas en 3-D duraría solo dos años, 1952-1954, y ayudó a vender House of Wax y Creature from the Black Lagoon. El productor William Castle promocionaría películas con "Emergo" "Percepto", la primera de una serie de trucos que seguirían siendo herramientas de marketing populares para Castle y otros durante la década de 1960.

En los EE. UU., una tendencia posterior a la Segunda Guerra Mundial de cuestionar el establecimiento y las normas sociales y el activismo temprano del movimiento de derechos civiles se reflejó en películas de Hollywood como Blackboard Jungle (1955), On the Waterfront (1954), Marty and Reginald de Paddy Chayefsky. Los 12 hombres enojados de Rose (1957). Disney continuó haciendo películas animadas, en particular; Cenicienta (1950), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955) y La bella durmiente (1959). Sin embargo, comenzó a involucrarse más en películas de acción real, produciendo clásicos como 20,000 leguas de viaje submarino (1954) y Old Yeller.(1957). La televisión comenzó a competir seriamente con las películas proyectadas en los cines, pero, sorprendentemente, promovió más la asistencia al cine en lugar de restringirla.

Limelight es probablemente una película única en al menos un aspecto interesante. Sus dos protagonistas, Charlie Chaplin y Claire Bloom, estuvieron en la industria en no menos de tres siglos diferentes. En el siglo XIX, Chaplin hizo su debut teatral a la edad de ocho años, en 1897, en una compañía de baile de zuecos, The Eight Lancaster Lads. En el siglo XXI, Bloom sigue disfrutando de una carrera plena y productiva, habiendo aparecido en docenas de películas y series de televisión producidas hasta 2019 inclusive. Recibió especial reconocimiento por su papel en The King's Speech (2010).

Edad de oro del cine asiático

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial en la década de 1940, la década siguiente, la década de 1950, marcó una "edad de oro" para el cine mundial no inglés, especialmente para el cine asiático. Muchas de las películas asiáticas más aclamadas por la crítica de todos los tiempos se produjeron durante esta década, incluidas Tokyo Story (1953) de Yasujirō Ozu, The Apu Trilogy (1955–1959) y Jalsaghar (1958) de Satyajit Ray, Ugetsu (1954) de Kenji Mizoguchi y Sansho the Bailiff (1954), Awaara de Raj Kapoor (1951), Nubes flotantes de Mikio Naruse (1955), Pyaasa de Guru Dutt (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959), y las películas de Akira KurosawaRashomon (1950), Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) y Throne of Blood (1957).

Durante la 'Edad de Oro' del cine japonés de la década de 1950, las películas exitosas incluyeron Rashomon (1950), Seven Samurai (1954) y The Hidden Fortress (1958) de Akira Kurosawa, así como Tokyo Story de Yasujirō Ozu (1953) y Godzilla de Ishirō Honda (1954). Estas películas han tenido una profunda influencia en el cine mundial. En particular, Seven Samurai de Kurosawa se ha rehecho varias veces como películas occidentales, como The Magnificent Seven (1960) y Battle Beyond the Stars (1980), y también ha inspirado varias películas de Bollywood, como Sholay (1975) y China Gate (1998).Rashomon también se rehizo como The Outrage (1964) e inspiró películas con métodos narrativos del "efecto Rashomon", como Andha Naal (1954), The Usual Suspects (1995) y Hero (2002). La Fortaleza Oculta también fue la inspiración detrás de Star Wars (1977) de George Lucas. Otros cineastas japoneses famosos de este período incluyen a Kenji Mizoguchi, Mikio Naruse, Hiroshi Inagaki y Nagisa Oshima. El cine japonés se convirtió más tarde en una de las principales inspiraciones detrás del movimiento New Hollywood de las décadas de 1960 a 1980.

Durante la 'Edad de Oro' del cine indio de la década de 1950, producía 200 películas al año, mientras que las películas independientes indias obtuvieron un mayor reconocimiento a través de los festivales internacionales de cine. Una de las más famosas fue The Apu Trilogy (1955–1959) del director de cine bengalí aclamado por la crítica Satyajit Ray, cuyas películas tuvieron una profunda influencia en el cine mundial, con directores como Akira Kurosawa, Martin Scorsese, James Ivory, Abbas Kiarostami, Elia Kazan, François Truffaut, Steven Spielberg, Carlos Saura, Jean-Luc Godard, Isao Takahata, Gregory Nava, Ira Sachs, Wes Anderson y Danny Boyle fueron influenciados por su estilo cinematográfico. Según Michael Sragow de The Atlantic Monthly, los "dramas juveniles sobre la mayoría de edad que han inundado las casas de arte desde mediados de los años cincuenta tienen una tremenda deuda con la trilogía Apu". La técnica cinematográfica de iluminación de rebote de Subrata Mitra también se origina en The Apu Trilogy. Otros cineastas indios famosos de este período incluyen a Guru Dutt, Ritwik Ghatak, Mrinal Sen, Raj Kapoor, Bimal Roy, K. Asif y Mehboob Khan.

El cine de Corea del Sur también experimentó una 'Edad de Oro' en la década de 1950, comenzando con la nueva versión tremendamente exitosa del director Lee Kyu-hwan de Chunhyang-jon (1955). Ese año también vio el lanzamiento de la Provincia de Yangsan por el renombrado director Kim Ki-young, marcando el comienzo de su productiva carrera. Tanto la calidad como la cantidad de películas habían aumentado rápidamente a fines de la década de 1950. Películas surcoreanas, como la comedia Sijibganeun nal (El día de la boda) de Lee Byeong-il de 1956, habían comenzado a ganar premios internacionales. A diferencia de principios de la década de 1950, cuando solo se hacían 5 películas por año, en 1959 se produjeron 111 películas en Corea del Sur.

La década de 1950 también fue una "Edad de oro" para el cine filipino, con el surgimiento de películas más artísticas y maduras, y una mejora significativa en las técnicas cinematográficas entre los cineastas. El sistema de estudios produjo una actividad frenética en la industria cinematográfica local, ya que se realizaban muchas películas anualmente y varios talentos locales comenzaron a ganar reconocimiento en el extranjero. Los principales directores filipinos de la época incluyeron a Gerardo de León, Gregorio Fernández, Eddie Romero, Lamberto Avellana y Cirio Santiago.

1960

Durante la década de 1960, el sistema de estudios en Hollywood decayó, porque muchas películas ahora se estaban haciendo en locaciones de otros países o utilizando instalaciones de estudios en el extranjero, como Pinewood en el Reino Unido y Cinecittà en Roma. Las películas de "Hollywood" todavía estaban dirigidas en gran medida al público familiar y, a menudo, eran las películas más antiguas las que producían los mayores éxitos de los estudios. Producciones como Mary Poppins (1964), My Fair Lady (1964) y The Sound of Music (1965) estuvieron entre las más rentables de la década. El crecimiento de los productores independientes y las productoras, y el aumento del poder de los actores individuales también contribuyeron al declive de la producción tradicional de los estudios de Hollywood.

También hubo una mayor conciencia del cine en lengua extranjera en Estados Unidos durante este período. A finales de los años 50 y 60, los directores de la Nueva Ola francesa como François Truffaut y Jean-Luc Godard produjeron películas como Les quatre cents coups, Breathless y Jules et Jim que rompieron las reglas de la estructura narrativa del cine de Hollywood. Además, el público se estaba dando cuenta de películas italianas como La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini, 8½ (1963) y los dramas descarnados del sueco Ingmar Bergman.

En Gran Bretaña, el "cine libre" de Lindsay Anderson, Tony Richardson y otros conduce a un grupo de dramas realistas e innovadores que incluyen Saturday Night and Sunday Morning, A Kind of Loving y This Sporting Life. Otras películas británicas como Repulsion, Darling, Alfie, Blowup y Georgy Girl (todas entre 1965 y 1966) ayudaron a reducir las prohibiciones del sexo y la desnudez en la pantalla, mientras que el sexo casual y la violencia de las películas de James Bond, comenzando con Dr. No en 1962 haría que la serie fuera popular en todo el mundo.

Durante la década de 1960, Ousmane Sembène produjo varias películas en francés y wolof y se convirtió en el "padre" del cine africano. En Latinoamérica, el predominio del modelo "Hollywood" fue desafiado por muchos cineastas. Fernando Solanas y Octavio Getino abogaron por un Tercer Cine políticamente comprometido frente a Hollywood y el cine de autor europeo.

En Egipto, la edad de oro del cine egipcio continuó en la década de 1960 de la mano de muchos directores, y el cine egipcio apreciaba mucho a las mujeres de ese momento, como Soad Hosny. los hermanos Zulfikar; Ezz El-Dine Zulfikar, Salah Zulfikar y Mahmoud Zulfikar estaban en una cita con muchas producciones, incluyendo The River of Love (1960) de Ezz El Dine Zulfikar, Soft Hands (1964) de Mahmoud Zulfikar y Dearer Than My Life (1965) protagonizada por Salah la producción de Zulfikar y Salah Zulfikar; My Wife, the Director General (1966) así como Saladin (1963) de Youssef Chahine.

Además, la paranoia nuclear de la época y la amenaza de un intercambio nuclear apocalíptico (como el encuentro cercano con la URSS de 1962 durante la crisis de los misiles en Cuba) también provocó una reacción dentro de la comunidad cinematográfica. Películas como Dr. Strangelove de Stanley Kubrick y Fail Safe con Henry Fonda se produjeron en un Hollywood que alguna vez fue conocido por su patriotismo manifiesto y su propaganda en tiempos de guerra.

En el cine documental, los años sesenta vieron el florecimiento del cine directo, un estilo de observación de la realización de películas, así como el advenimiento de películas más abiertamente partidistas como En el año del cerdo sobre la guerra de Vietnam de Emile de Antonio. Sin embargo, a fines de la década de 1960, los cineastas de Hollywood comenzaron a crear películas más innovadoras y revolucionarias que reflejaban la revolución social que se había apoderado de gran parte del mundo occidental, como Bonnie and Clyde (1967), The Graduate (1967), 2001: A Space Odyssey (1968), Rosemary's Baby (1968), Midnight Cowboy (1969), Easy Rider (1969) y The Wild Bunch (1969). Bonnie y Clydea menudo se considera el comienzo del llamado Nuevo Hollywood.

En el cine japonés, el director ganador del Premio de la Academia Akira Kurosawa produjo Yojimbo (1961), que al igual que sus películas anteriores también tuvo una profunda influencia en todo el mundo. La influencia de esta película es más evidente en Por un puñado de dólares (1964) de Sergio Leone y El último hombre en pie (1996) de Walter Hill. Yojimbo también fue el origen de la tendencia "Hombre sin nombre".

1970

El Nuevo Hollywood fue el período que siguió al declive del sistema de estudios durante las décadas de 1950 y 1960 y el final del código de producción (que fue reemplazado en 1968 por el sistema de clasificación de películas de la MPAA). Durante la década de 1970, los cineastas mostraban cada vez más contenido sexual explícito y mostraban tiroteos y escenas de batalla que incluían imágenes gráficas de muertes sangrientas; un buen ejemplo de esto es The Last House on the Left (1972) de Wes Craven.

El cine posclásico son los métodos cambiantes de narración de historias de los productores del Nuevo Hollywood. Los nuevos métodos de drama y caracterización jugaron con las expectativas de la audiencia adquiridas durante el período clásico/Edad de Oro: la cronología de la historia puede estar revuelta, las líneas argumentales pueden presentar "finales inesperados" inquietantes, los personajes principales pueden comportarse de una manera moralmente ambigua y las líneas entre los el antagonista y el protagonista pueden desdibujarse. Los comienzos de la narración posclásica se pueden ver en las películas de cine negro de las décadas de 1940 y 1950, en películas como Rebelde sin causa (1955) y en Psycho de Hitchcock. 1971 marcó el lanzamiento de películas controvertidas como Straw Dogs, A Clockwork Orange, The French Connection yHarry el sucio. Esto provocó una acalorada controversia sobre la percepción de una escalada de violencia en el cine.

Durante la década de 1970, surgió un nuevo grupo de cineastas estadounidenses, como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, George Lucas, Woody Allen, Terrence Malick y Robert Altman. Esto coincidió con la creciente popularidad de la teoría del autor en la literatura cinematográfica y los medios, que postulaba que las películas de un director de cine expresan su visión personal y sus ideas creativas. El desarrollo del estilo cinematográfico de autor ayudó a dar a estos directores un control mucho mayor sobre sus proyectos de lo que hubiera sido posible en épocas anteriores. Esto condujo a algunos grandes éxitos comerciales y de crítica, como Taxi Driver de Scorsese, El padrino de Coppola, El exorcista de William Friedkin, Nashville de Altman, Annie Hall de Allen.y Manhattan, Badlands y Days of Heaven de Malick, y Chinatown del inmigrante polaco Roman Polanski. Sin embargo, también resultó en algunos fracasos, incluyendo At Long Last Love de Peter Bogdanovich y Heaven's Gate, la épica occidental enormemente cara de Michael Cimino, que ayudó a provocar la desaparición de su patrocinador, United Artists.

El desastre financiero de Heaven's Gate marcó el final de los visionarios directores de "autor" del "Nuevo Hollywood", que tenían libertad creativa y financiera sin restricciones para desarrollar películas. El éxito fenomenal en la década de 1970 de Tiburón de Spielberg originó el concepto de "éxito de taquilla" moderno. Sin embargo, el enorme éxito de la película Star Wars de George Lucas de 1977condujo a mucho más que la popularización de la realización de películas de gran éxito. El uso revolucionario de la película de efectos especiales, edición de sonido y música la llevó a ser ampliamente considerada como una de las películas más importantes en la historia del medio, así como la película más influyente de la década de 1970. Los estudios de Hollywood se centraron cada vez más en producir un número menor de películas de gran presupuesto con campañas masivas de marketing y promoción. Esta tendencia ya había sido presagiada por el éxito comercial de películas de desastres como The Poseidon Adventure y The Towering Inferno.

A mediados de la década de 1970, se establecieron más teatros pornográficos, eufemísticamente llamados "cines para adultos", y comenzó la producción legal de películas pornográficas hardcore. Películas porno como Deep Throat y su estrella Linda Lovelace se convirtieron en un fenómeno de la cultura popular y dieron lugar a una serie de películas de sexo similares. Los cines porno finalmente se extinguieron durante la década de 1980, cuando la popularización de las videograbadoras domésticas y las cintas de video pornográficas permitieron al público ver películas de sexo en casa. A principios de la década de 1970, el público de habla inglesa se volvió más consciente del nuevo cine de Alemania Occidental, con Werner Herzog, Rainer Werner Fassbinder y Wim Wenders entre sus principales exponentes.

En el cine mundial, la década de 1970 vio un aumento dramático en la popularidad de las películas de artes marciales, en gran parte debido a su reinvención por parte de Bruce Lee, quien se apartó del estilo artístico de las películas tradicionales chinas de artes marciales y les agregó un sentido mucho mayor de realismo con su estilo Jeet Kune Do. Esto comenzó con The Big Boss (1971), que fue un gran éxito en toda Asia. Sin embargo, no ganó fama en el mundo occidental hasta poco después de su muerte en 1973, cuando Enter the Dragon.fue lanzado. La película se convirtió en la película de artes marciales más exitosa en la historia del cine, popularizó el género cinematográfico de artes marciales en todo el mundo y consolidó el estatus de Bruce Lee como un ícono cultural. Sin embargo, el cine de acción de Hong Kong estaba en declive debido a una ola de películas de "Bruceploitation". Esta tendencia finalmente llegó a su fin en 1978 con las comedias de artes marciales Snake in the Eagle's Shadow y Drunken Master, dirigidas por Yuen Woo-ping y protagonizadas por Jackie Chan, que sentaron las bases para el auge del cine de acción de Hong Kong en la década de 1980..

Si bien el género cinematográfico musical había disminuido en Hollywood en ese momento, las películas musicales estaban ganando popularidad rápidamente en el cine de la India, donde se acuñó el término "Bollywood" para la creciente industria cinematográfica hindi en Bombay (ahora Mumbai) que terminó dominando el sur. Cine asiático, superando en popularidad a la industria cinematográfica bengalí más aclamada por la crítica. Los cineastas hindi combinaron la fórmula musical de Hollywood con las convenciones del antiguo teatro indio para crear un nuevo género cinematográfico llamado "Masala", que dominó el cine indio a finales del siglo XX.Estas películas de "Masala" retrataban acción, comedia, drama, romance y melodrama, todo a la vez, con canciones y rutinas de baile "filmi". Esta tendencia comenzó con películas dirigidas por Manmohan Desai y protagonizadas por Amitabh Bachchan, quien sigue siendo uno de los más estrellas de cine populares en el sur de Asia. La película india más popular de todos los tiempos fue Sholay (1975), una película de "Masala" inspirada en un dacoit de la vida real, así como en Seven Samurai y Spaghetti Westerns de Kurosawa.

El final de la década vio la primera comercialización internacional importante del cine australiano, ya que las películas Picnic at Hanging Rock y The Last Wave de Peter Weir y The Chant of Jimmie Blacksmith de Fred Schepisi ganaron elogios de la crítica. En 1979, el cineasta australiano George Miller también atrajo la atención internacional por su película de acción violenta y de bajo presupuesto Mad Max.

1980

Durante la década de 1980, el público comenzó a ver cada vez más películas en sus VCR domésticos. En la primera parte de esa década, los estudios de cine intentaron acciones legales para prohibir la propiedad de VCR en el hogar como una violación de los derechos de autor, lo que resultó infructuoso. Finalmente, la venta y el alquiler de películas en video doméstico se convirtió en un "segundo lugar" importante para la exhibición de películas y en una fuente adicional de ingresos para las industrias cinematográficas. Los mercados directos a video (nicho) generalmente ofrecían producciones baratas y de menor calidad que no se consideraban muy adecuadas para el público general de los estrenos de televisión y teatro.

La combinación Lucas-Spielberg dominaría el cine de "Hollywood" durante gran parte de la década de 1980 y daría lugar a muchas imitaciones. Dos secuelas de Star Wars, tres de Tiburón y tres películas de Indiana Jones ayudaron a que las secuelas de películas exitosas fueran más esperadas que nunca. Lucas también lanzó THX Ltd, una división de Lucasfilm en 1982, mientras que Spielberg disfrutó de uno de los mayores éxitos de la década en ET the Extra-Terrestrial el mismo año. 1982 también vio el lanzamiento de Disney's Tron, que fue una de las primeras películas de un estudio importante en usar gráficos de computadora de manera extensiva. El cine independiente estadounidense luchó más durante la década, aunque Raging Bull de Martin Scorsese(1980), After Hours (1985) y The King of Comedy (1983) ayudaron a establecerlo como uno de los cineastas estadounidenses más aclamados por la crítica de la época. También durante 1983 se estrenó Scarface, que fue muy rentable y resultó en una fama aún mayor para su actor principal Al Pacino. Probablemente la película de mayor éxito comercial fue la versión de Tim Burton de 1989 de la creación de Bob Kane, Batman, que batió récords de taquilla. La interpretación de Jack Nicholson del Joker demente le valió un total de $ 60,000,000 después de calcular su porcentaje del bruto.

El cine británico recibió un impulso a principios de la década de 1980 con la llegada de la compañía Goldcrest Films de David Puttnam. Las películas Chariots of Fire, Gandhi, The Killing Fields y A Room with a Viewatrajo a una audiencia de "cultura media" que los principales estudios de Hollywood ignoraban cada vez más. Si bien las películas de la década de 1970 ayudaron a definir las películas modernas de gran éxito, la forma en que "Hollywood" estrenó sus películas ahora cambiaría. Las películas, en su mayor parte, se estrenarían en un mayor número de salas, aunque, hasta el día de hoy, algunas películas todavía se estrenan utilizando la ruta del sistema de estreno limitado/roadshow. En contra de algunas expectativas, el auge de los cines multiplex no permitió que se mostraran películas menos convencionales, sino que simplemente permitió que los grandes éxitos de taquilla tuvieran un número aún mayor de proyecciones. Sin embargo, a las películas que se habían pasado por alto en los cines se les estaba dando cada vez más una segunda oportunidad en los videos caseros.

Durante la década de 1980, el cine japonés experimentó un renacimiento, en gran parte debido al éxito de las películas de anime. A principios de la década de 1980, Space Battleship Yamato (1973) y Mobile Suit Gundam (1979), que no tuvieron éxito como series de televisión, se rehicieron como películas y tuvieron un gran éxito en Japón. En particular, Mobile Suit Gundam provocó la franquicia Gundam del anime mecha Real Robot. El éxito de Macross: ¿Recuerdas el amor? también provocó una franquicia de Macross de mecha anime. Esta fue también la década en que se fundó Studio Ghibli. El estudio produjo las primeras películas de fantasía de Hayao Miyazaki, Nausicaä of the Valley of the Wind (1984) y Castle in the Sky.(1986), así como La tumba de las luciérnagas (1988) de Isao Takahata, todos los cuales tuvieron mucho éxito en Japón y recibieron elogios de la crítica mundial. Las películas de video animación original (OVA) también comenzaron durante esta década; la más influyente de estas primeras películas OVA fue la película cyberpunk Megazone 23 (1985) de Noboru Ishiguro. La película de anime más famosa de esta década fue la película cyberpunk Akira (1988) de Katsuhiro Otomo, que aunque inicialmente no tuvo éxito en los cines japoneses, se convirtió en un éxito internacional.

El cine de acción de Hong Kong, que estaba en declive debido a las interminables películas de Bruceploitation después de la muerte de Bruce Lee, también experimentó un renacimiento en la década de 1980, en gran parte debido a la reinvención del género cinematográfico de acción por parte de Jackie Chan. Anteriormente había combinado con éxito los géneros cinematográfico de comedia y cinematográfico de artes marciales en las películas de 1978 Snake in the Eagle's Shadow y Drunken Master. El siguiente paso que dio fue combinar este género de comedia de artes marciales con un nuevo énfasis en acrobacias elaboradas y altamente peligrosas, que recuerdan la era del cine mudo. La primera película de este nuevo estilo de cine de acción fue Project A.(1983), que vio la formación del Jackie Chan Stunt Team, así como los "Tres hermanos" (Chan, Sammo Hung y Yuen Biao). La película agregó acrobacias elaboradas y peligrosas a las peleas y el humor slapstick, y se convirtió en un gran éxito en todo el Lejano Oriente. Como resultado, Chan continuó esta tendencia con películas de acción de artes marciales que contenían acrobacias aún más elaboradas y peligrosas, como Wheels on Meals (1984), Police Story (1985), Armor of God (1986), Project A Part II (1987), Police Story 2 (1988) y Dragones para siempre(1988). Otras nuevas tendencias que comenzaron en la década de 1980 fueron el subgénero "girls with guns", por el que Michelle Yeoh saltó a la fama; y especialmente el género del "derramamiento de sangre heroico", que gira en torno a las tríadas, en gran parte iniciado por John Woo y por el que Chow Yun-fat se hizo famoso. Estas tendencias de acción de Hong Kong fueron adoptadas posteriormente por muchas películas de acción de Hollywood en las décadas de 1990 y 2000.

En el cine indio, otro actor estrella, considerado por muchos como el actor más natural del cine indio, Mohanlal actuó en su primera película. Durante los años 80 ascendió hasta convertirse en una súper estrella del cine indio. El cine indio en su conjunto estaba cambiando en una nueva ola de películas y directores.

1990

Los primeros años de la década de 1990 vieron el desarrollo de un cine independiente comercialmente exitoso en los Estados Unidos. Aunque el cine estuvo cada vez más dominado por películas de efectos especiales como Terminator 2: Judgment Day (1991), Jurassic Park (1993) y Titanic (1997), la última de las cuales se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos en ese momento hasta Avatar (2009), también dirigida por James Cameron, películas independientes como Sex, Lies, and Videotape (1989) de Steven Soderbergh y Reservoir Dogs (1992) de Quentin Tarantino tuvieron un éxito comercial significativo tanto en el cine como en videos caseros.

Los cineastas asociados con el movimiento cinematográfico danés Dogme 95 introdujeron un manifiesto destinado a purificar el cine. Sus primeras películas obtuvieron elogios de la crítica mundial, después de lo cual el movimiento se desvaneció lentamente.

Goodfellas de Scorsese se estrenó en 1990. Muchos la consideran una de las mejores películas que se han hecho, particularmente en el género de gánsteres. Se dice que es el punto más alto de la carrera de Scorsese.

Los principales estudios estadounidenses comenzaron a crear sus propias compañías de producción "independientes" para financiar y producir tarifas no convencionales. Una de las películas independientes más exitosas de la década de 1990, Miramax Films, fue comprada por Disney el año anterior al lanzamiento del gran éxito de Tarantino Pulp Fiction en 1994. El mismo año marcó el comienzo de la distribución de películas y videos en línea. Las películas animadas dirigidas al público familiar también recuperaron su popularidad, con La bella y la bestia de Disney (1991), Aladino (1992) y El rey león (1994). Durante 1995, el primer largometraje animado por computadora, Toy Story, fue producido por Pixar Animation Studios y lanzado por Disney. Después del éxito de Toy Story, la animación por computadora crecería hasta convertirse en la técnica dominante para la animación de largometraje, lo que permitiría a compañías cinematográficas competidoras como DreamWorks Animation y 20th Century Fox competir efectivamente con Disney con sus propias películas exitosas. A fines de la década de 1990, comenzó otra transición cinematográfica, del stock de películas físicas a la tecnología de cine digital. Mientras tanto, los DVD se convirtieron en el nuevo estándar para el video de consumo, reemplazando las cintas VHS.

Años 2000

Desde finales de la década de 2000, las plataformas de transmisión de medios como YouTube proporcionaron medios para que cualquier persona con acceso a Internet y cámaras (una característica estándar de los teléfonos inteligentes) publique videos para el mundo. Compitiendo también con la creciente popularidad de los videojuegos y otras formas de entretenimiento en el hogar, la industria una vez más comenzó a hacer más atractivos los estrenos en cines, con nuevas tecnologías 3D y películas épicas (fantasía y superhéroes) que se convirtieron en un pilar en los cines.

El cine documental también surgió como género comercial quizás por primera vez, con el éxito de películas como March of the Penguins y Bowling for Columbine de Michael Moore y Fahrenheit 9/11. Se creó un nuevo género con Voices of Iraq de Martin Kunert y Eric Manes, cuando se distribuyeron 150 cámaras DV de bajo costo en Irak, transformando a la gente común en cineastas colaborativos. El éxito de Gladiator condujo a un resurgimiento del interés por el cine épico y el Moulin Rouge. renovado interés por el cine musical. Los sistemas de cine en casa se volvieron cada vez más sofisticados, al igual que algunos de los DVD de edición especial diseñados para mostrarse en ellos. Trilogía El Señor de los Anillosfue lanzado en DVD tanto en la versión teatral como en una versión extendida especial destinada solo a audiencias de cine en casa.

En 2001, comenzó la serie de películas de Harry Potter, y para su final en 2011, se había convertido en la franquicia cinematográfica más taquillera de todos los tiempos hasta que Marvel Cinematic Universe la superó en 2015.

También se estrenaron más películas simultáneamente en el cine IMAX, la primera fue en la animación de Disney Treasure Planet de 2002; y la primera acción en vivo fue en The Matrix Revolutions de 2003 y un relanzamiento de The Matrix Reloaded. Más adelante en la década, The Dark Knight fue el primer largometraje importante que se filmó, al menos parcialmente, en tecnología IMAX.

Ha habido una creciente globalización del cine durante esta década, con películas en idiomas extranjeros ganando popularidad en los mercados de habla inglesa. Ejemplos de tales películas incluyen Crouching Tiger, Hidden Dragon (mandarín), Amélie (francés), Lagaan (hindi), Spirited Away (japonés), City of God (portugués brasileño), The Passion of the Christ (arameo), Apocalypto (maya).) e Inglourious Basterds (múltiples idiomas europeos). Italia es el país más premiado en el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera, con 14 premios ganados, 3 Premios Especiales y 31 nominaciones.

En 2003, hubo un renacimiento en la popularidad de las películas en 3D, siendo la primera Ghosts of the Abyss de James Cameron, que se estrenó como el primer largometraje IMAX en 3-D de larga duración filmado con el Reality Camera System. Este sistema de cámara utilizó las últimas cámaras de video HD, no película, y fue construido para Cameron por el director de fotografía nominado al Emmy Vince Pace, según sus especificaciones. El mismo sistema de cámara se utilizó para filmar Spy Kids 3D: Game Over (2003), Aliens of the Deep IMAX (2005) y The Adventures of Sharkboy and Lavagirl in 3-D (2005).

Después de que la película en 3D de James Cameron, Avatar, se convirtiera en la película más taquillera de todos los tiempos, las películas en 3D ganaron breve popularidad y muchas otras películas se estrenaron en 3D, y los mayores éxitos financieros y de crítica se dieron en el campo de la animación cinematográfica, como Universal Pictures/ Despicable Me de Illumination Entertainment y Cómo entrenar a tu dragón de DreamWorks Animation, Shrek Forever After y Megamind. Avatar también es digno de mención por ser pionero en el uso altamente sofisticado de la tecnología de captura de movimiento e influir en varias otras películas como Rise of the Planet of the Apes.

2010s

A partir de 2011, las industrias cinematográficas más grandes por número de largometrajes producidos fueron las de India, Estados Unidos, China, Nigeria y Japón.

En Hollywood, las películas de superhéroes han aumentado considerablemente en popularidad y éxito financiero, con películas basadas en cómics de Marvel y DC que se estrenan regularmente todos los años hasta el presente. A partir de 2019, el género de superhéroes ha sido el género más dominante en lo que respecta a los ingresos de taquilla estadounidenses. La película de superhéroes de 2019 Avengers: Endgame fue la película más exitosa de todos los tiempos en la taquilla.

2020

Pandemia de COVID-19

La pandemia de COVID-19 provocó el cierre de salas de cine en todo el mundo en respuesta a los bloqueos regionales y nacionales. Muchas películas programadas para estrenarse a principios de la década de 2020 enfrentaron retrasos en el desarrollo, la producción y la distribución, y otras se estrenaron en servicios de transmisión con poca o ninguna ventana de cine.