Historia del arte

La historia del arte se enfoca en los objetos hechos por humanos para una variedad de propósitos espirituales, narrativos, filosóficos, simbólicos, conceptuales, documentales, decorativos e incluso funcionales y otros, pero con un énfasis principal en su forma visual estética. El arte visual se puede clasificar de diversas maneras, como separar las bellas artes de las artes aplicadas; centrándose inclusivamente en la creatividad humana; o centrándose en diferentes medios como la arquitectura, la escultura, la pintura, el cine, la fotografía y las artes gráficas. En los últimos años, los avances tecnológicos han dado lugar al videoarte, el arte por ordenador, las artes escénicas, la animación, la televisión y los videojuegos.

La historia del arte a menudo se cuenta como una cronología de obras maestras creadas durante cada civilización. Por lo tanto, se puede enmarcar como una historia de alta cultura, personificada por las Maravillas del Mundo. Por otro lado, las expresiones artísticas vernáculas también pueden integrarse en las narrativas históricas del arte, denominadas artes populares o artesanía. Cuanto más se relaciona un historiador del arte con estas últimas formas de baja cultura, más probable es que identifique su trabajo como un examen de la cultura visual o la cultura material, o como una contribución a campos relacionados con la historia del arte, como la antropología o la arqueología.. En estos últimos casos, los objetos de arte pueden denominarse artefactos arqueológicos.

Prehistoria

El arte prehistórico incluye una amplia gama de obras de arte realizadas por culturas analfabetas, incluidos algunos de los primeros artefactos humanos. Entre los primeros objetos de arte se encuentran artefactos decorativos de la Edad de Piedra Media de África. También se han encontrado contenedores de ese período en Sudáfrica que pueden haber sido utilizados para contener pinturas que datan de hace 100.000 años. Las obras de arte prehistóricas más conocidas son las grandes pinturas rupestres paleolíticas que representan animales en Europa continental, particularmente las de Lascaux en la región de Dordoña en Francia. Se conocen varios cientos de cuevas decoradas, que abarcan el período Paleolítico Superior (c.38.000–12.000 a.C.). Hay ejemplos en Ucrania, Italia y Gran Bretaña, pero la mayoría están en Francia y España. Se han sugerido muchas teorías sobre el propósito del arte, siendo la más aceptada que formaba parte de los rituales religiosos, posiblemente para evocar el éxito de la caza.

Además de la pintura rupestre, en varias partes del mundo, especialmente en Europa, se realizaron pequeñas estatuillas prehistóricas conocidas como figurillas de Venus con senos y vientres exagerados, siendo la famosa Venus de Willendorf, encontrada en Austria. La mayoría tiene cabezas pequeñas, caderas anchas y piernas que se estrechan en punta. Los brazos y los pies suelen estar ausentes, y la cabeza suele ser pequeña y sin rostro.

• pintura de rinocerontes; C. 32.000-14.000 a. C.; carbón sobre roca; longitud: C. 2m; Cueva de Chauvet (Ardèche, Francia)
• Venus de Willendorf; C. 25.000 aC; caliza de color ocre; altura: 11 cm; Museo de Historia Natural (Viena, Austria)
• Venus de Brassempouy; C. 23.000 aC; marfil de mamut; altura: 3,5 cm; Museo Arqueológico Nacional de Francia (Castillo de Saint-Germain-en-Laye)
• Detalle en el Salón de los Toros; C. 18.000-15.000 a. C.; pigmentos sobre roca; Cuevas de Lascaux (Montignac, Dordoña, Francia)
• Picadura de bisonte lamiendo insectos; C. 15.000-13.000 a. C.; cuerno; largo: 10,5 cm; Museo Nacional de Prehistoria [ fr ] (Les Eyzies-de-Tayac-Sireuil, Francia)

Antigüedad

Antiguo Cercano Oriente

El antiguo Cercano Oriente se extendía desde Turquía y la costa mediterránea en el oeste hasta Irán y la península arábiga en el este. Con el tiempo, aquí aparecieron, vivieron y desaparecieron múltiples civilizaciones. Una de las regiones clave fue Mesopotamia, que presenció durante el cuarto milenio antes de Cristo el surgimiento de las primeras ciudades y la primera forma de escritura. La antigua Mesopotamia cubre el actual Irak y partes de Siria y Turquía. Su mitad norte forma parte del llamado Creciente Fértil, donde aparecieron por primera vez importantes desarrollos neolíticos, como la agricultura temprana y el establecimiento de asentamientos permanentes de aldeas. Debido a que la región está situada dentro del delta del río Tigris-Éufrates, numerosas civilizaciones vivieron aquí, en particular Sumer, Akkad, Asiria y Babilonia. La arquitectura mesopotámica se caracterizó por el uso de ladrillos, dinteles, y mosaico cónico. Ejemplos notables son los zigurats, grandes templos en forma de pirámides escalonadas.

Las tradiciones políticas, económicas, artísticas y arquitectónicas de los sumerios conducen a la fundación de la civilización occidental. Múltiples cosas aparecieron por primera vez en Sumer: la primera ciudad-estado (Uruk), gobernada por el rey Gilgamesh; la primera religión organizada, basada en una estructura jerárquica de dioses, personas y rituales; la primera escritura conocida, la cuneiforme; el primer sistema de riego y los primeros vehículos con ruedas. Aquí también aparecieron sellos cilíndricos, grabados con pequeñas inscripciones e ilustraciones. Otra civilización que se desarrolló aquí fue el Imperio Acadio, el primer gran imperio del mundo.

Durante el primer milenio antes de Cristo, después de los acadios, un imperio llamado Asiria llegó a dominar todo el Medio Oriente, extendiéndose desde el Golfo Pérsico hasta el Mar Mediterráneo. Sus ciudades estaban llenas de impresionantes edificios y arte. El arte asirio es mejor conocido por sus detallados relieves en piedra, que representan escenas de la vida de la corte, prácticas religiosas, caza y batallas épicas. Estos relieves fueron inicialmente pintados en colores vivos y colocados en palacios. Además de su belleza, también nos muestran la vida asiria y la visión del mundo, incluida la ropa y los muebles asirios.

Más tarde, los babilonios conquistaron el Imperio Asirio. Durante el siglo VI a. C., Babilonia se convirtió en la ciudad más grande del mundo. Al entrar en Babilonia, los visitantes eran recibidos con la impresionante Puerta de Ishtar, con sus paredes cubiertas de ladrillos vidriados de color azul vivo y relieves que mostraban dragones, toros y leones. Esta puerta lleva el nombre de Ishtar, la diosa de la guerra y el amor.

A mediados del siglo VI a. C., después de una serie de campañas militares, el Imperio babilónico cayó ante el Imperio aqueménida, gobernado por el rey Ciro II, que se extendía por Oriente Medio y Asia central, desde Egipto hasta el valle del Indo. Su arte incorpora elementos de todo el imperio, celebrando su riqueza y poder. Persépolis (Irán) fue la capital del imperio, y está repleta de impresionantes esculturas que muestran imágenes religiosas y personajes del imperio. Aquí también se encuentran las ruinas de un palacio, con una gran sala de audiencias para recibir invitados.

Además de Mesopotamia e Irán, hubo civilizaciones antiguas que también produjeron arte y arquitectura en otras regiones. En Anatolia (actual Turquía), apareció el Imperio hitita. Durante la Antigüedad, el sur de Arabia fue importante en la producción y comercio de aromáticos, aportando riqueza a los reinos que se encontraban en esta región. Antes de alrededor del 4000 a. C., el clima de Arabia era más húmedo que en la actualidad. En el suroeste aparecieron varios reinos, como Saba'. La figura humana del sur de Arabia suele ser estilizada, basada en formas rectangulares, pero con finos detalles.

• estatuillas votivas (sumerias); C. 2600 aC; yeso, concha incrustada, caliza negra y pintura bituminosa; alturas: 73 cm (derecha) y 59 cm (izquierda); Museo de Irak (Bagdad, Irak)
• Estandarte de Ur (sumerio); C. 2600-2400 aC; concha, caliza roja y lapislázuli sobre madera; longitud: 49,5 cm; Museo Británico (Londres)
• Rey de Akkad (acadio); C. 2250 aC; aleación de cobre; altura: 30cm; Museo de Irak
• Sello cilíndrico de Hash-hamer, que muestra al rey entronizado Ur-Nammu, con impresión moderna (sumerio); C. 2100 aC; diorita; altura: 5,3 cm; Museo Británico (Londres)
• Stag rhyton (hitita); C. 1400-1200 aC; plata con incrustaciones de oro; altura: 13 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• el rey Ashurnasirpal II (asirio); 883-859 aC; yeso; C. 2,4 x 6 m; Museo Británico
• Toros alados (neoasirios); C. 710 aC; alabastro; altura (máx.): 4,2 m; Lumbrera
• Reconstrucción de la Puerta de Ishtar (Babilónica); C. 605-539 aC; ladrillos vidriados; Museo de Pérgamo (Berlín, Alemania)
• Quemador de incienso (preislámico del sur de Arabia); C. mediados del primer milenio antes de Cristo; bronce; altura: 27,6 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Delegación con regalos (persa aqueménida); C. 490 aC; caliza; C. 260 x 150 cm; in situ, Persépolis (Irán)

Egipto

Una de las primeras grandes civilizaciones surgió en Egipto, que tenía obras de arte elaboradas y complejas producidas por artistas y artesanos profesionales. El arte de Egipto era religioso y simbólico. Dado que la cultura tenía una estructura de poder y una jerarquía altamente centralizadas, se creó una gran cantidad de arte para honrar al faraón, incluidos grandes monumentos. El arte y la cultura egipcios enfatizaron el concepto religioso de la inmortalidad. El arte egipcio posterior incluye arte copto y bizantino.

La arquitectura se caracteriza por estructuras monumentales, construidas con grandes bloques de piedra, dinteles y sólidas columnas. Los monumentos funerarios incluían mastaba, tumbas de forma rectangular; pirámides, que incluían pirámides escalonadas (Saqqarah) o pirámides de lados lisos (Giza); y el hipogeo, tumbas subterráneas (Valle de los Reyes). Otros grandes edificios fueron el templo, que solían ser conjuntos monumentales precedidos por una avenida de esfinges y obeliscos. Los templos usaban pilones y paredes trapezoidales con hipaethros y salas y santuarios hipóstilos. Los templos de Karnak, Luxor, Philae y Edfu son buenos ejemplos. Otro tipo de templo es el templo de roca, en forma de hipogeo, que se encuentra en Abu Simbel y Deir el-Bahari.

La pintura de la era egipcia utilizó una yuxtaposición de planos superpuestos. Las imágenes se representaban jerárquicamente, es decir, el faraón es más grande que los súbditos comunes o enemigos representados a su lado. Los egipcios pintaban el contorno de la cabeza y las extremidades de perfil, mientras que el torso, las manos y los ojos se pintaban de frente. Las artes aplicadas se desarrollaron en Egipto, en particular la carpintería y la metalurgia. Hay magníficos ejemplos, como muebles de cedro con incrustaciones de ébano y marfil, que se pueden ver en las tumbas del Museo Egipcio. Otros ejemplos son las piezas encontradas en la tumba de Tutankamón, de gran valor artístico.

• Nebamun cazando en los pantanos; C. 1380 aC; pintura sobre yeso; 98 × 83 cm; Museo Británico (Londres)
• Akhenaton y Nefertiti con Hijas; C. 1345 aC; piedra caliza pintada; 32,5 x 39 cm; Museo Egipcio de Berlín (Alemania)
• Máscara de Tutankamón; C.  1327 aC; oro, vidrio y piedras semipreciosas; altura: 54cm; Museo Egipcio (El Cairo)
• Busto de Nefertiti; 1352-1336 a. C.; piedra caliza pintada; altura: 50cm; Neues Museum (Berlín, Alemania)
• Templo de Philae (Egipto), 380 aC-117 dC

La civilización del valle del Indo

Descubierta en 1922, mucho después de las culturas contemporáneas de Mesopotamia y Egipto, la Civilización del Valle del Indo, también conocida como la Civilización Harappa (c.2400-1900 aC) ahora se reconoce como extraordinariamente avanzada, comparable en algunos aspectos con esas culturas. Sus sitios abarcan un área que se extiende desde el actual noreste de Afganistán, a través de gran parte de Pakistán y hacia el oeste y el noroeste de la India. Las principales ciudades de la cultura incluyen Harappa y Mohenjo-daro, ubicadas respectivamente en Punjab y en la provincia de Sindh en el norte de Pakistán, y la ciudad portuaria de Lothal, en el estado de Gujarat (India). Los artefactos más numerosos son sellos de sellos cuadrados y rectangulares e impresiones de sellos, con animales, generalmente toros, textos muy cortos de Harappan. También se han encontrado muchas figurillas de terracota estilizadas en los sitios de Harappan, y algunas esculturas de piedra y bronce, más naturalistas que las de cerámica.

• la bailarina; C. 2400-1900 a. C.; bronce; altura: 10,8 cm; Museo Nacional (Nueva Delhi, India)
• Sello de sello Proto-Shiva; C. 2400-1900 aC; esteatita; altura: 3,6 cm; Museo Nacional (Nueva Delhi)
• El Sacerdote-Rey; C. 2400-1900 a. C.; esteatita; altura: 17,5 cm; Museo Nacional de Pakistán (Karachi)
• Sello con toro de dos cuernos e inscripción; C. 2010 aC; esteatita; total: 3,2 × 3,2 cm; Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)

Porcelana

Los primeros objetos de metal producidos en China se fabricaron hace casi 4000 años, durante la dinastía Xia (c. 2100–1700 a. C.). Durante la Edad del Bronce de China (las dinastías Shang y Zhou), las intercesiones de la corte y la comunicación con el mundo de los espíritus estaban a cargo de un chamán (posiblemente el propio rey). En la dinastía Shang (c.1600-1050 aC), la deidad suprema era Shangdi, pero las familias aristocráticas preferían contactar con los espíritus de sus antepasados. Preparaban elaborados banquetes de comida y bebida para ellos, calentados y servidos en vasijas rituales de bronce. Estas vasijas de bronce tenían muchas formas, según su finalidad: para vino, agua, cereales o carne, y algunas de ellas estaban marcadas con caracteres legibles, lo que demuestra el desarrollo de la escritura. Este tipo de embarcaciones, de altísima calidad y complejidad, fueron descubiertas en el Valle del Río Amarillo en la provincia de Henan, en yacimientos como Erlitou, Anyang o Zhengzhou. Fueron utilizados en rituales religiosos para cimentar la autoridad Dhang, y cuando cayó la capital Shang, alrededor del 1050 a. C., sus conquistadores, los Zhou (c.1050-156 a. C.), continuó usando estos recipientes en rituales religiosos, pero principalmente para comer más que para beber. La corte Shang había sido acusada de embriaguez excesiva, y los Zhou, promoviendo el imperial Tian ("Cielo") como la principal fuerza espiritual, en lugar de los antepasados, limitaron el vino en los ritos religiosos, en favor de la comida. El uso de bronces rituales continuó hasta principios de la dinastía Han (206 a. C.-220 d. C.).

Uno de los motivos más utilizados fue el taotie, un rostro estilizado dividido centralmente en dos mitades casi especulares, con fosas nasales, ojos, cejas, mandíbulas, mejillas y cuernos, rodeados de patrones incisos. No se puede determinar si taotie representaba criaturas reales, mitológicas o totalmente imaginarias.

Los enigmáticos bronces de Sanxingdui, cerca de Guanghan (en la provincia de Sichuan), son evidencia de un misterioso sistema religioso de sacrificios diferente a cualquier otro lugar en la antigua China y muy diferente del arte del contemporáneo Shang en Anyang. Las excavaciones en Sanxingdui desde 1986 han revelado cuatro pozos que contienen artefactos de bronce, jade y oro. Allí se encontró una gran estatua de bronce de una figura humana que se encuentra sobre un pedestal decorado con cabezas de elefantes abstractas. Además de la figura de pie, los dos primeros pozos contenían más de 50 cabezas de bronce, algunas con tocados y tres con una cubierta frontal de pan de oro. Aquí también se descubrieron fragmentos tubulares de bronce con ramitas, que probablemente representan árboles, y también hojas de bronce, frutas y pájaros. Más de 4000 objetos fueron encontrados en Sanxingdui en 1986.

Después de la dinastía Shang, Zhou (1050–221 a. C.) gobernó más que cualquier otro en la historia de China. Sus últimos siglos se caracterizaron por la violencia, siendo conocida la era como el período de los Reinos Combatientes. Durante esta época convulsa, aparecieron algunos movimientos filosóficos: el confucianismo, el taoísmo y el legalismo.

El período de los Reinos Combatientes terminó con Qinshi Huangdi, quien unió a China en el 221 a. Ordenó una tumba enorme, custodiada por el Ejército de Terracota. Otro gran proyecto fue un predecesor de la Gran Muralla, erigida para rechazar a las tribus saqueadoras del norte. Después de la muerte del emperador, su dinastía, la Qin (221-206 a. C.), duró solo tres años. A Qinshi Huangdi le siguió la dinastía Han (202 a. C.-220 d. C.), durante la cual la Ruta de la Seda se desarrolló considerablemente, trayendo nuevas influencias culturales a China.

• Timbre; C.  1384-1050 aC; bronce; altura: 22,9 cm; Museo de Shanghái (Shanghái, China)
• figura de tamaño natural; C.  1200–1000 a. C.; bronce; altura: 2,62 m; Museo Sanxingdui (Guanghan, Sichuan, China)
• Colmillo Lei; C.  925–875 a. C.; bronce; altura: 22,8 cm; Museo Nacional de China (Beijing, China)
• estandarte funerario; C. 180 aC; seda; 205 x 92 cm (parte superior); Museo de Hunan (Changsha, Hunan, China)
• Mango ornamental con disco bi; C. 100 aC; jade; 18 x 14 cm; Museo del Mausoleo del Rey Nanyue (Guangzhou, Guangdong, China)

Griego

A través de proporciones armoniosas y un enfoque en la estética, el arte griego y romano antiguo se convirtió en la base e inspiración de todo el arte occidental. Incluso en la antigüedad, las artes de Grecia fueron reconocidas por otras culturas como preeminentes. El poeta latino Horacio, escribiendo en la era del emperador romano Augusto (siglo I a. C. al siglo I d. C.), comentó que aunque fue conquistada en el campo de batalla, "la cautiva Grecia venció a su conquistador salvaje y llevó las artes a la Roma rústica". El poder del arte griego radica en su representación de la figura humana y su enfoque en los seres humanos y los dioses antropomórficos como sujetos principales.

Aunque no hubo una transición definitiva, el arte generalmente se divide estilísticamente en los cuatro períodos de Geométrico, Arcaico, Clásico y Helenístico. Durante el período clásico (siglos V y IV aC), el realismo y el idealismo estaban delicadamente equilibrados. En comparación, el trabajo de las edades geométricas anteriores (siglos IX al VIII a. C.) y arcaico (siglos VII al VI a. C.) a veces parece primitivo, pero estos artistas tenían objetivos diferentes: la representación naturalista no era necesariamente su objetivo. Los artistas griegos construyeron sobre los cimientos artísticos de Egipto, desarrollando aún más las artes de la escultura, la pintura, la arquitectura y la cerámica. Entre las técnicas que perfeccionaron se incluyen métodos de tallado y fundición de esculturas, pintura al fresco y construcción de magníficos edificios.

Los amantes del arte romano coleccionaron originales griegos antiguos, réplicas romanas del arte griego, o pinturas y esculturas recién creadas en una variedad de estilos griegos, preservando así para la posteridad obras de arte que de otro modo se perderían. Pinturas murales y de paneles, esculturas y mosaicos decoraban espacios públicos y casas privadas acomodadas. La imaginería griega también apareció en joyas romanas, vasijas de oro, plata, bronce y terracota, e incluso en armas y pesas comerciales. Desde el Renacimiento, las artes de la antigua Grecia, transmitidas a través del Imperio Romano, han servido como base del arte occidental.

Desde el advenimiento de la Edad Clásica en Atenas, en el siglo V a. C., la forma clásica de construir se ha entretejido profundamente en la comprensión occidental de la arquitectura y, de hecho, de la civilización misma.Desde alrededor del 850 a. C. hasta alrededor del 300 d. C., la antigua cultura griega floreció en el continente griego, en el Peloponeso y en las islas del Egeo. Cinco de las Maravillas del Mundo eran griegas: el Templo de Artemisa en Éfeso, la Estatua de Zeus en Olimpia, el Mausoleo de Halicarnaso, el Coloso de Rodas y el Faro de Alejandría. Sin embargo, la arquitectura griega antigua es mejor conocida por sus templos, muchos de los cuales se encuentran en toda la región, y el Partenón es un excelente ejemplo de esto. Posteriormente, servirán de inspiración a los arquitectos neoclásicos de finales del siglo XVIII y XIX. Los templos más conocidos son el Partenón y el Erecteion, ambos en la Acrópolis de Atenas. Otro tipo de importantes edificios griegos antiguos fueron los teatros.

Mirando los restos arqueológicos de edificios antiguos, es fácil percibirlos como piedra caliza y hormigón en un tono gris pardo y suponer que los edificios antiguos eran monocromáticos. Sin embargo, la arquitectura fue policromada en gran parte del mundo antiguo. Uno de los edificios antiguos más icónicos, el Partenón (c. 447–432 a. C.) en Atenas, tenía detalles pintados con rojos, azules y verdes vibrantes. Además de los templos antiguos, las catedrales medievales nunca fueron completamente blancas. La mayoría tenía reflejos de colores en capiteles y columnas.Esta práctica de colorear edificios y obras de arte se abandonó a principios del Renacimiento. Esto se debe a que Leonardo da Vinci y otros artistas del Renacimiento, incluido Miguel Ángel, promovieron una paleta de colores inspirada en las antiguas ruinas grecorromanas, que debido al abandono y el deterioro constante durante la Edad Media, se volvieron blancas a pesar de ser inicialmente coloridas. Los pigmentos utilizados en el mundo antiguo eran delicados y especialmente susceptibles a la intemperie. Sin el cuidado necesario, los colores expuestos a la lluvia, la nieve, la suciedad y otros factores, se desvanecieron con el tiempo, y así los edificios y obras de arte antiguos se volvieron blancos, como lo son hoy y durante el Renacimiento.

• estatuilla de caballo (geométrica); C.  800-700 aC; bronce; altura: 17,6 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Crátera con pedestal (Geométrica); C.  750 aC; terracota; altura: 108,3 cm, diámetro: 72,4 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Kouros de Nueva York (arcaico); C.  600 aC; mármol y pigmento; altura: 1,95 m; Museo Metropolitano de Arte
• ánfora panatenaica (arcaica); C.  530 aC; cerámico; altura: 62,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Kylix de figuras rojas (Clásico); C.  480 aC; cerámico; altura: 12,7 cm, diámetro: 27,2 cm; Museo de Arte Kimbell (Fort Worth, Texas, EE. UU.)
• Zeus de Artemision (clásico); C.  460 aC; bronce; altura: 209 cm; Museo Arqueológico Nacional (Atenas, Grecia)
• Templo de Segesta (Calatafimi-Segesta, actual Italia), siglo V a.C.
• Erecteion (Atenas), con sus columnas jónicas y pórtico de cariátides, 421-405 a.C.
• Venus de Milo (helenística); C.  150 aC; mármol; altura: 202 cm; Lumbrera
• Laocoonte y sus hijos (helenístico); principios del siglo I a. C.; mármol; altura: 208 cm; Museos Vaticanos (Ciudad del Vaticano)

Roma

Ninguna civilización ha tenido un impacto tan duradero y poderoso en el arte occidental como el Imperio Romano. El legado de la antigua Roma es evidente a través de los períodos medieval y moderno temprano, y el arte romano continúa siendo reutilizado en la era moderna en obras de arte tanto tradicionales como posmodernas. A veces se considera que se deriva de los precedentes griegos, pero también tiene sus propios rasgos distintivos, algunos de ellos heredados del arte etrusco. La escultura romana suele estar menos idealizada que sus precedentes griegas, siendo muy realista. La arquitectura romana a menudo usaba hormigón y se inventaron características como el arco de medio punto y la cúpula. Los objetos de lujo en trabajos en metal, grabados de gemas, tallas de marfil y vidrio a veces se consideran en términos modernos como formas menores de arte romano.aunque este no habría sido necesariamente el caso para los contemporáneos. Una innovación que fue posible gracias al desarrollo romano del soplado de vidrio fue el camafeo de vidrio. Primero se creó una 'cáscara' blanca, en la que luego se insufló vidrio coloreado para producir un revestimiento interior. A continuación, se recortó la concha blanca para crear patrones en relieve de color blanco sobre un fondo más oscuro. También hicieron mosaicos, produciendo así un arte pictórico duradero con cubos de piedra tallada (tesserae) y/o virutas de terracota y vidrio coloreados. Algunas villas de romanos adinerados tenían sus paredes cubiertas con frescos, destinados a deslumbrar y entretener a los invitados. Gran parte de la pintura mural romana que sobrevive proviene de sitios alrededor de la Bahía de Nápoles, en particular Pompeya y Herculano, ciudades prósperas que se preservaron bajo metros de escombros volcánicos cuando el Monte Vesubio entró en erupción en el año 79 d.C. Como resultado, la pintura mural romana a menudo se analiza en términos de cuatro "estilos pompeyanos".

Los romanos estaban profundamente influenciados por todos los aspectos de la cultura helenística. En arquitectura, al igual que en otros medios artísticos, adoptaron esencialmente el lenguaje clásico y lo adaptaron a nuevas situaciones y usos. Los romanos también trajeron sus propias innovaciones a la arquitectura clásica. Usaron los órdenes dórico, jónico y corintio de una manera mucho más libre que los griegos, creando su propia versión del dórico y usando el corintio con mucha más frecuencia. También agregaron dos nuevos órdenes al repertorio: el toscano, una versión más simple y masiva del dórico derivado de la arquitectura etrusca; y el compuesto, una combinación de las volutas en forma de voluta del jónico con las hojas de acanto del corintio. Otras innovaciones importantes incluyen el arco y la cúpula. Usando arcos, construyeron acueductos y monumentales arcos triunfales. Los emperadores romanos estaban orgullosos de sus conquistas, y las conmemoraban en casa y en los territorios conquistados a través de arcos triunfales, siendo un buen ejemplo de ello el Arco de Constantino en Roma. Entre el 30 y el 15 a. C., el arquitecto e ingeniero civil y militar Marcus Vitruvius Pollio publicó un tratado importante,De Architectura, que influenció a los arquitectos de todo el mundo durante siglos.

Después de la Edad Media, con el Renacimiento que se inició en Florencia (Italia), comenzó un creciente interés por la antigua Roma. Durante él, por primera vez desde la Antigüedad clásica, el arte se volvió convincentemente realista. El Renacimiento también despertó el interés por la literatura griega y romana antigua, no solo por el arte y la arquitectura.

• Misterios Fresco; mediados del siglo I aC; fresco; altura: 1,62 m; Villa de los Misterios (Pompeya, Italia)
• jarrón de Portland; finales del siglo I a. C.; Copa; altura: 24 cm; Museo Británico (Londres)
• La Maison Carrée (Nîmes, Francia), uno de los templos romanos mejor conservados, c.  2 d.C.
• mosaico marino (panel central de tres paneles de un piso); 200–230; mosaico (teselas de piedra y vidrio); 2915 mm x 2870 mm; Museo de Bellas Artes (Boston, EE. UU.)
• Arco de Constantino (Roma), que conmemora el triunfo de Constantino el Grande tras su victoria sobre Majencio en la Batalla del Puente Milvio, 316

Islámico

El arte islámico es bien conocido desde la Edad Media por el uso de patrones geométricos elaborados, azulejos coloridos, motivos naturales estilizados y caligrafía detallada. Rara vez las letras han tenido un impacto tan profundo en las artes aplicadas y la arquitectura. El Islam apareció en el oeste de Arabia en el siglo VII dC a través de las revelaciones entregadas al profeta Mahoma en La Meca. Un siglo después de la muerte de Mahoma, los imperios islámicos controlaban el Medio Oriente, España y partes de Asia y África. Por eso, al igual que el arte romano, el arte y la arquitectura islámicos tenían versiones regionales. A medida que el mundo islámico se extendía hacia los centros de la cultura antigua tardía, se enriquecía con movimientos filosóficos e intelectuales. Los primeros califatos alentaron la traducción de obras griegas al árabe y los avances en matemáticas y ciencias. Esto contrasta con la percepción moderna de que el arte islámico es dogmático e inmutable. La representación humana y animal no era rara. Solo ciertos períodos lo restringieron (similar a la iconoclasia bizantina).

• caja de perfumes; 950–975; Marfil; altura: 11,7 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• mihrab; 961–976; estuco y mosaico de vidrio; diámetro (arco interno): c.  2,3 metros; Mezquita-Catedral de Córdoba (Córdoba, España)
• lámpara de mezquita; C.  1285; vidrio, esmaltes y oro; altura: 26,4 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Patio de los Leones (Alhambra, Granada, España), 1362-1391
• Alfombra Ardabil; 1539-1540; pelo de lana sobre seda; longitud: 10,51 m; Museo Victoria and Albert (Londres)

Américas

Mesoamérica

Algunas de las primeras grandes civilizaciones de las Américas se desarrollaron en Mesoamérica (que significa "América central"), siendo las más conocidas los mayas y los aztecas.

Los olmecas (c. 1400–400 a. C.) fueron la primera civilización importante en el México actual. Muchos elementos de las civilizaciones mesoamericanas, como la práctica de la construcción de pirámides, el calendario complejo, el panteón de dioses y la escritura jeroglífica tienen su origen en la cultura olmeca. Produjeron figurillas de jade y cerámica, cabezas colosales y pirámides con templos en la parte superior, todo sin la ventaja de las herramientas de metal. Para ellos, la jadeíta era una piedra más preciosa que el oro y simbolizaba los poderes divinos y la fertilidad. Se han descubierto 17 cabezas colosales olmecas, cada una con un peso de algunas toneladas. Cada cabeza, de nariz chata y labios gruesos, porta un casco, similar a los que se usan en los juegos de pelota oficiales, posiblemente representando a los reyes de los oficiales.

La civilización maya comenzó alrededor de 1800 aC y creció hasta la llegada de los colonizadores españoles en el siglo XVI. Ocuparon el sureste de México, Guatemala, Belice y partes de Honduras y El Salvador. Los mayas comerciaban con ciudades, como Teotihuacán, pero también con muchas civilizaciones mesoamericanas, como los zapotecas u otros grupos del centro o de la costa de México, y también con poblaciones que no habitaban territorios mesoamericanos, como los taínos del Caribe.. Produjeron impresionantes retratos de reyes, vasijas de cerámica policromadas, figuras de barro, esculturas de madera, estelas y construyeron ciudades complejas con pirámides. La mayoría de las vasijas de cerámica policromada bien conservadas se descubrieron en las tumbas de los nobles.

Surgiendo de humildes comienzos como un grupo nómada, los aztecas crearon el imperio más grande en la historia de Mesoamérica, que duró desde 1427 hasta 1521. No se llamaban a sí mismos 'aztecas', sino mexicas. El término aztecas fue asignado por los historiadores. Transformaron la capital de su imperio, Tenochtitlán, en un lugar donde los artistas de Mesoamérica crearon impresionantes obras de arte para sus nuevos maestros. La actual Ciudad de México se construyó sobre la capital azteca, Tenochtitlan.

• cabeza colosal; C. 1050 aC; esteatita; altura: 2,2 m; Museo de Antropología de Xalapa (Xalapa, México)
• Chamán sentado en colgante en forma de pose ritual (olmeca); Siglo IX-V a.C.; serpentina y cinabrio; altura: 18,5 cm; Museo de Arte de Dallas (Dallas, Texas, EE. UU.)
• Efigie de murciélago (zapoteco); C. 50 aC; jadeíta y concha; altura: 28 cm; Museo Nacional de Antropología (Ciudad de México)
• Retrato de K'inich Janaab Pakal I (Maya; 615–683; estuco; altura 43 cm; Museo Nacional de Antropología
• Vasija con escena de trono (Maya); finales del siglo VII-VIII; cerámico; 21,59cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Yaxchilán Dintel 24 (Maya); 702; caliza; 109 x 74 cm; Museo Británico (Londres)
• Columnas guerreras (toltecas); C. 1000; basalto; altura: c. 460 cm; Tula de Allende (México)
• serpiente bicéfala (azteca); C. 1450-1521; cedro, turquesa, concha y restos de dorado; longitud: 43,3 cm; Museo Británico
• Piedra Coyolxauhqui (Azteca); C. 1469–1481; Roca; diámetro: 3m; Museo del Templo Mayor (Ciudad de México)
• Vasija efigie de Tlāloc (azteca); C. 1440-1469; loza pintada; altura: 35cm; Museo del Templo Mayor

Colombia

De manera similar a Mesoamérica, el territorio actual de Colombia es un área donde se desarrollaron múltiples culturas antes de la llegada de los colonizadores españoles. Aquí se producían accesorios de oro para el cuerpo, muchos dorados, pero también muchos otros hechos de tumbaga, una aleación no específica de oro y cobre dada por los conquistadores españoles a los metales compuestos por estos elementos que se encuentran en uso generalizado en la Mesoamérica precolombina en América del Norte y América del Sur.

• colgante de figura con cabeza de animal (Yotoco); siglo I-VII; oro; altura: 6,35 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Contenedor de cal (Quimbaya); siglo V-IX; oro; altura: 23 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Figura masculina/ tunjo (Muisca); siglo X-mediados del siglo XVI; oro; altura: 14,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Colgante (Tairona); siglo X-XVI; oro; altura: 14 cm; Museo Metropolitano de Arte

Regiones andinas

Las antiguas civilizaciones de Perú y Bolivia fomentaron tradiciones artísticas únicas, incluida una de las tradiciones de arte en fibra más estéticamente impresionantes del mundo. Dos de las primeras culturas importantes de esta tierra son la cultura Chavín y la Paracas.

La cultura Paracas de la costa sur de Perú es mejor conocida por sus complejos tejidos estampados, en particular las repisas de las chimeneas. Los Moche controlaban los valles de los ríos de la costa norte, mientras que los Nazca del sur de Perú dominaban los desiertos costeros y las montañas contiguas. Los Nazca son mejor conocidos por las famosas Líneas de Nazca, un grupo de geoglifos en un desierto en el sur de Perú. También produjeron cerámica policromada y textiles influenciados por los Paracas, y utilizaron una paleta de al menos 10 colores para su cerámica. Ambas culturas florecieron alrededor del 100 al 800 d.C. La cerámica Moche es una de las más variadas del mundo. En el norte, el Imperio Wari (o Huari) se destaca por su arquitectura de piedra y sus logros escultóricos.

Los Chimú fueron precedidos por un estilo cerámico simple conocido como Sicán (700–900 d. C.). Los Chimú produjeron excelentes trabajos de retratos y decoración en metal, especialmente en oro pero especialmente en plata. Más tarde, el Imperio Inca (1100-1533) se extendió por la Cordillera de los Andes. Elaboraron figurillas de metales preciosos y, al igual que otras civilizaciones de la misma zona, textiles complejos. Las llamas eran animales importantes, por su lana y para llevar cargas.

• El Colibrí, una de las Líneas de Nazca (Nazca); C. 200 aC-600 dC; rocas, grava y tierra; longitud: 50 m; Provincias de Nasca y Palpa (Perú)
• Botella con cabeza de retrato (Moche); Siglo III-VI; cerámica pintada; total: 26,35 x 16,21 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Figurilla de mosaico de un hombre noble (Wari); siglo VII-IX; madera, concha, piedra y plata; altura: 10,2 cm; Museo de Arte Kimbell (Fort Worth, Texas, EE. UU.)
• cuchillo ceremonial/ tumi (Sican); siglos X-XIII; oro, turquesa, piedra verde y concha; altura: 33cm; Museo Metropolitano de Arte
• Túnica real (Inca); 1476-1534; fibra de camélido y algodón; altura: 91 cm; Dumbarton Oaks (Washington, DC, EE. UU.)

Asiático

La civilización oriental incluye ampliamente Asia, y también incluye una compleja tradición de creación de arte. Un enfoque de la historia del arte oriental divide el campo por nación, centrándose en el arte indio, el arte chino y el arte japonés. Debido al tamaño del continente, se puede ver claramente la distinción entre el este de Asia y el sur de Asia en el contexto de las artes. En la mayor parte de Asia, la cerámica era una forma de arte predominante. La cerámica suele estar decorada con patrones geométricos o representaciones abstractas de animales, personas o plantas. Otras formas de arte muy extendidas fueron, y son, la escultura y la pintura.

Asia Central

El arte de Asia Central se desarrolló en Asia Central, en áreas correspondientes a los modernos Kirguistán, Kazajstán, Uzbekistán, Turkmenistán, Azerbaiyán, Tayikistán, Afganistán, Pakistán y partes de los modernos Mongolia, China y Rusia.El arte de Asia Central antigua y medieval refleja la rica historia de esta vasta área, hogar de una gran variedad de pueblos, religiones y formas de vida. Los restos artísticos de la región muestran una notable combinación de influencias que ejemplifican la naturaleza multicultural de la sociedad de Asia Central. La transmisión del arte de la Ruta de la Seda, el arte escita, el arte greco-budista, el arte serindio y, más recientemente, la cultura persa, forman parte de esta complicada historia. Asia Central siempre ha sido una encrucijada de intercambio cultural, el centro de la llamada Ruta de la Seda, ese complejo sistema de rutas comerciales que se extiende desde China hasta el Mediterráneo. Ya en la Edad del Bronce (tercer y segundo milenio a. C.), los crecientes asentamientos formaban parte de una extensa red de comercio que unía Asia Central con el valle del Indo, Mesopotamia y Egipto.

• Figurilla sentada (bactriana); 3er-2do milenio antes de Cristo; clorita y caliza; altura: 9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Hebilla del cinturón; siglos III-I aC; oro; altura: 7,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Cáliz que muestra La violación de Europa y de Ganímedes, parte del Tesoro de Bagram; siglo I d.C.; vidrio pintado; altura: 16 cm, diámetro: 10 cm; Museo Guimet (París)
• Diosa y músico celestial (budista); siglo VII; pigmentos sobre yeso; altura: 2,03 m; Museo de Arte Asiático (Berlín, Alemania)
• Mausoleo de Gur-i Amir (Samarcanda, Uzbekistán), siglo XV

Indio

Los primeros budistas de la India desarrollaron símbolos relacionados con Buda. Las principales supervivencias del arte budista comienzan en el período posterior a los Maurya, dentro del arte Kushan del norte de la India, el arte greco-budista de Gandhara y, finalmente, el período "clásico" del arte Gupta. Además, estaba la escuela Andhra que apareció antes que la escuela Gandhara y que tenía su sede en el sur de la India. Buenas cantidades de escultura sobreviven de algunos sitios clave como Sanchi, Bharhut y Amaravati, algunos de los cuales permanecen in situ., con otros en museos de la India o de todo el mundo. Las estupas estaban rodeadas por cercas ceremoniales con cuatro toranas profusamente talladas o puertas ornamentales que miraban hacia los puntos cardinales. Son de piedra, aunque adoptando claramente formas desarrolladas en madera. Ellos y las paredes de la estupa en sí pueden estar fuertemente decorados con relieves, que en su mayoría ilustran la vida de Buda. Gradualmente se esculpieron figuras de tamaño natural, inicialmente en relieve profundo, pero luego independientes. El arte de Mathura fue el centro más importante de este desarrollo, que se aplicó tanto al arte hindú y jainista como al budista. Las fachadas y los interiores de las salas de oración chaitya excavadas en la roca y viharas monásticashan sobrevivido mejor que estructuras independientes similares en otros lugares, que durante mucho tiempo fueron principalmente de madera. Las cuevas de Ajanta, Karle, Bhaja y otros lugares contienen esculturas tempranas, a menudo superadas en número por obras posteriores, como figuras icónicas de Buda y bodhisattvas, que no se encuentran antes del año 100 d.C. como mínimo.

• La Gran Stupa de Sanchi (Madhya Pradesh, India), siglo III- c. 100 aC
• Capital del León de Ashoka; C. 250 aC; arenisca pulida; altura: 2,2 m; Museo Sarnath (India)
• Buda sentado; C. 475; arenisca; altura: 1,6 m; Museo Sarnath
• Bodhisattva Padmapani; C. 450–490; pigmentos sobre roca; altura: c. 1,2m; Cuevas de Ajanta (India)
• Shiva como señor de la danza; C. Siglo 11; bronce; altura: 96 cm; Museo Guimet (París)
• Templo Kandariya Mahadeva (Khajuraho, India), c. 1030
• Durga matando al demonio búfalo; C. 1150; argilita; altura: 13,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Ganesha; C. siglo XIV-XV; Marfil; altura: 18,4 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Basawan Akbarnama; C. 1590; acuarela sobre papel; 33 x 20 cm; Museo Victoria and Albert (Londres)
• Taj Mahal (Agra, India), un ejemplo icónico de la arquitectura mogol, 1632-1648

Chino

En el este de Asia, la pintura se derivó de la práctica de la caligrafía, y los retratos y paisajes se pintaron sobre tela de seda. La mayoría de las pinturas representan paisajes o retratos. Las esculturas más espectaculares son los bronces rituales y las esculturas de bronce de Sanxingdui. Un ejemplo muy conocido del arte chino es el Ejército de terracota, que representa los ejércitos de Qin Shi Huang, el primer emperador de China. Es una forma de arte funerario enterrado con el emperador en 210-209 a. C. cuyo propósito era proteger al emperador en su otra vida.

El arte chino es una de las artes tradicionales continuas más antiguas del mundo y está marcado por un grado inusual de continuidad dentro de esa tradición y de conciencia de ella, que carece de un equivalente al colapso occidental y la recuperación gradual de los estilos clásicos. Los medios que generalmente se han clasificado en Occidente desde el Renacimiento como artes decorativas son extremadamente importantes en el arte chino, y gran parte del mejor trabajo fue producido en grandes talleres o fábricas por artistas esencialmente desconocidos, especialmente en cerámica china. La variedad y calidad de los bienes que decoraban los palacios y hogares chinos y sus habitantes es deslumbrante. Los materiales procedían de toda China y de mucho más allá: oro y plata, nácar, marfil y cuerno de rinoceronte, madera y laca, jade y esteatita, seda y papel.

• Pagoda de Buda (Monasterio de Fogong, Yingxian, China), 1056
• Inicio de la primavera; por Guo Xi; 1072; pergamino colgante, tinta sobre seda; 1,58 x 1,08 m; Museo del Palacio Nacional (Taipei, Taiwán)
• Guanyin de los Mares del Sur; siglo XI-XII; madera pintada y dorada; altura: 2,41 m; Museo de Arte Nelson-Atkins (Kansas City, Misuri, EE. UU.)
• señoras preparando seda; después de Zhang Xuan; principios del siglo XII; tinta y colores sobre seda; 0,37 x 1,47 m; Museo de Bellas Artes (Boston, EE. UU.)
• Colores de otoño en las montañas Qiao y Hua; por Zhao Mengfu; 1296; pergaminos (detalle), tinta y colores sobre papel; 28,4 x 93,2 cm; Museo del Palacio Nacional (Taipei, Taiwán)
• Plato de laca con escena de jardín; finales del siglo XIV; laca roja tallada; diámetro: 19,7 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• David jarrones; 1351; porcelana vidriada; altura: 63,5 cm; Museo Británico (Londres)
• Asistente de un juez del infierno; C. 1522-1620; gres; altura: 137 cm; Museo Británico
• Salón de Oración por las Buenas Cosechas, Templo del Cielo (Beijing), 1545, reconstruido en 1890
• Caja de cloisonné; siglo 18; esmaltes cloisonné sobre cobre con bronce dorado; 20,5 × 19,8 cm; Museo de Arte Walters (Baltimore, Maryland, EE. UU.)

Japonés

El arte japonés cubre una amplia gama de estilos y medios artísticos, incluida la cerámica antigua, la escultura, la pintura con tinta y la caligrafía sobre seda y papel, las pinturas ukiyo-e y los grabados en madera, la cerámica, el origami y, más recientemente, el manga (dibujos animados y cómics japoneses modernos). junto con una miríada de otros tipos.

Los primeros pobladores de Japón, el pueblo Jōmon (c. 11 000-300 a. C.). Elaboraron recipientes de almacenamiento de cerámica lujosamente decorados, figurillas de arcilla llamadas dogū. Japón ha sido objeto de invasiones repentinas de nuevas ideas seguidas de largos períodos de contacto mínimo con el mundo exterior. Con el tiempo, los japoneses desarrollaron la capacidad de absorber, imitar y finalmente asimilar aquellos elementos de la cultura extranjera que complementaron sus preferencias estéticas. El arte complejo más antiguo de Japón se produjo en los siglos VII y VIII en relación con el budismo. En el siglo IX, cuando los japoneses comenzaron a alejarse de China y desarrollaron formas de expresión indígenas, las artes seculares se volvieron cada vez más importantes; hasta finales del siglo XV, florecieron tanto las artes religiosas como las seculares. Después de la Guerra de Ōnin (1467-1477), Japón entró en un período de perturbación política, social y económica que duró más de un siglo. En el estado que surgió bajo el liderazgo del shogunato Tokugawa,

• Templo del Pabellón Dorado (Kitayama, Kioto), un templo budista zen en Kioto, 1398
• figura femenina; C. 1670-1690; porcelana con esmaltes policromados overglaze; altura: 39,7 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• túnica Noh; 1750–1800; bordados de seda y pan de oro sobre raso de seda; longitud: 1,66 m; Museo Metropolitano de Arte
• La Gran Ola de Kanagawa; por Katsushika Hokusai; C. 1830–1832; grabado en madera a todo color; 25,7 x 37,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Plum Park en Kameido; por Hiroshige; 1857; grabado en madera a todo color; 36,4 x 24,4 cm; Rijksmuseum (Ámsterdam, Países Bajos)

Africa Sub-sahariana

El arte del África subsahariana incluye tanto la escultura, tipificada por las piezas fundidas de latón del pueblo de Benin, Igbo Ukwu y el Reino de Ifẹ, como las terracotas de Djenne-Jeno, Ife y la cultura Nok más antigua, así como el arte popular. Simultáneamente con la Edad Media europea, en el siglo XI d. C. se fundó en Gran Zimbabue una nación que hizo una gran arquitectura, esculturas de oro y joyas intrincadas. Al mismo tiempo, el pueblo yoruba de lo que ahora es Nigeria estaba moldeando una impresionante escultura de latón. En el Reino de Benin, también del sur de Nigeria, que comenzó aproximadamente al mismo tiempo, se crearon elegantes colmillos de altar, cabezas de latón, placas de latón y arquitectura palaciega. Los británicos terminaron con el Reino de Benin en 1897, y ahora queda poco del arte de la cultura en Nigeria. Hoy dia,

El África subsahariana se caracteriza por una alta densidad de culturas. Son notables el pueblo Dogon de Malí; Edo, Yoruba, Igbo y la civilización Nok de Nigeria; los kuba y luba de África Central; pueblo Ashanti de Ghana; zulúes del sur de África; y Fang de Guinea Ecuatorial (85%), Camerún y Gabón; la gente de la civilización Sao de Chad; Pueblo kwele del este de Gabón, República del Congo y Camerún.

Las innumerables formas de arte africano son componentes de algunas de las tradiciones artísticas más vibrantes y receptivas del mundo y son parte integral de la vida de los africanos. Creadas para propósitos específicos, las obras de arte pueden revelar su importancia constante a través de transformaciones físicas que mejoran tanto su apariencia como su potencia. Muchas formas de arte africanas tradicionales se crean como conductos hacia el mundo de los espíritus y cambian de apariencia a medida que se agregan materiales para realzar su belleza y potencia. Cuanto más se usa y se bendice una obra, más abstracta se vuelve con la acumulación de materia sacrificada y el desgaste de los detalles originales.

• figura sentada; por la cultura Nok; siglo V a. C.-siglo V d. C.; loza (Nigeria central); altura: 38 cm; Museo del Quai Branly (París)
• Maceta; de Igbo-Ukwu (Nigeria); siglo IX; bronce; dimensiones desconocidas; Museo Nacional de Nigeria (Lagos)
• Cabeza de un rey o dignatario; por el pueblo yoruba; siglo XII-XV; terracota; 19 cm; descubierto en Ife (Nigeria); Museo Etnológico de Berlín (Alemania)
• figura sentada; por la cultura Djenné-Djenno (Malí); siglo 13; loza de barro; ancho: 29,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Máscara colgante; por el pueblo Edo (Nigeria); siglo 16 (?); marfil y hierro; altura: 24,5 cm; Museo Británico (Londres)
• Placa con guerreros y asistentes; por la gente de Edo; Siglo XVI-XVII (Nigeria); latón; altura: 47,6 cm; Museo Metropolitano de Arte
• N'dop, rey Mishe miShyaang maMbul; del Reino de Kuba (República Democrática del Congo); siglo 18; madera; 49,5cm; Museo de Brooklyn (Nueva York)
• máscara real; por el pueblo Bamum (Camerún); antes de 1880; madera, cobre, perlas de vidrio, rafia y conchas; altura: 66 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Mascarilla Ngaad-A-Mwash; por el pueblo Kuba; finales del siglo XIX y principios del XX; madera, conchas, perlas de vidrio, rafia y pigmento; altura: 82 cm; Instituto de Artes de Detroit (Detroit, Michigan, EE. UU.)
• Reposacabezas; por el pueblo luba; Siglo 19; madera; altura: 18,5 cm; Musée du quai Branly (París)

Oceanía

El Arte de Oceanía incluye las áreas geográficas de Micronesia, Polinesia, Australia, Nueva Zelanda y Melanesia. Un enfoque trata el área temáticamente, centrándose en la ascendencia, la guerra, el cuerpo, el género, el comercio, la religión y el turismo. Desafortunadamente, poco arte antiguo sobrevive de Oceanía. Los estudiosos creen que esto probablemente se deba a que los artistas usaron materiales perecederos, como madera y plumas, que no sobrevivieron en el clima tropical, y no hay registros históricos para referirse a la mayor parte de este material. Así, la comprensión de las culturas artísticas de Oceanía comienza con la documentación de las mismas por parte de occidentales, como el capitán James Cook, en el siglo XVIII. A principios del siglo XX, el artista francés Paul Gauguin pasó mucho tiempo en Tahití,El arte indígena de Australia a menudo se parece al arte moderno abstracto, pero tiene profundas raíces en la cultura local.

El arte de Oceanía es la última gran tradición de arte apreciada por el mundo en general. A pesar de ser una de las tradiciones artísticas continuas más largas del mundo, que data de al menos cincuenta milenios, permaneció relativamente desconocida hasta la segunda mitad del siglo XX.

Los materiales a menudo efímeros del arte aborigen de Australia dificultan determinar la antigüedad de la mayoría de las formas de arte que se practican en la actualidad. Las formas más duraderas son las multitudes de grabados y pinturas rupestres que se encuentran en todo el continente. En la escarpa de Arnhem Land, la evidencia sugiere que las pinturas se hicieron hace cincuenta mil años, antes de las pinturas rupestres paleolíticas de Altamira y Lascaux en Europa.

• Hoa Hakananai'a, un ejemplo de moai; C. 1200 dC; flujo de lava; altura: 242 cm; Museo Británico (Londres)
• Estatua de A'a de Rurutu; probablemente del siglo XVIII; madera; altura: 117 cm; Museo Británico
• Taurapa (poste de popa de canoa maorí); finales del siglo XVIII-principios del XIX; madera y chapa; altura: 148 cm; Museo del Quai Branly (París)
• Pintura australiana de un antepasado totémico canguro; C. 1915; pintura sobre corteza; 92,5 × 35,5 cm; Museo del Quai Branly

Europeo

Medieval

Con la caída del Imperio Romano en c. 300 dC, comenzó la era medieval, que duró aproximadamente un milenio, hasta el comienzo del Renacimiento en c. 1400. El arte cristiano primitivo comienza el período, seguido por el arte bizantino, el arte anglosajón, el arte vikingo, el arte otoniano, el arte románico y el arte gótico, con el arte islámico dominando el Mediterráneo oriental. El arte medieval surgió de la herencia artística del Imperio Romano y Bizancio, mezclada con la cultura artística 'bárbara' del norte de Europa.

En el arte bizantino y gótico de la Edad Media, el predominio de la iglesia dio lugar a una gran cantidad de arte religioso. Hubo un uso extensivo del oro en las pinturas, que presentaban figuras en formas simplificadas.

Bizantino

El arte bizantino se refiere al cuerpo de productos artísticos griegos cristianos del Imperio Romano Oriental (Bizantino), así como a las naciones y estados que heredaron culturalmente del imperio. Aunque el imperio en sí surgió del declive de Roma y duró hasta la caída de Constantinopla en 1453, la fecha de inicio del período bizantino es bastante más clara en la historia del arte que en la historia política, aunque sigue siendo imprecisa. Muchos estados ortodoxos orientales de Europa del Este, así como hasta cierto punto los estados musulmanes del Mediterráneo oriental, conservaron muchos aspectos de la cultura y el arte del imperio durante los siglos posteriores.

El arte bizantino sobreviviente es principalmente religioso y, con excepciones en ciertos períodos, está muy convencionalizado, siguiendo modelos tradicionales que traducen la teología eclesiástica cuidadosamente controlada en términos artísticos. La pintura al fresco, los manuscritos iluminados y sobre tabla de madera y, especialmente en períodos anteriores, el mosaico fueron los medios principales, y la escultura figurativa fue muy rara, excepto por pequeños marfiles tallados. La pintura manuscrita conservó hasta el final algo de la tradición realista clásica que faltaba en obras más grandes.El arte bizantino fue muy prestigioso y buscado en Europa occidental, donde mantuvo una influencia continua en el arte medieval hasta casi el final del período. Esto fue especialmente así en Italia, donde los estilos bizantinos persistieron en forma modificada durante el siglo XII y se convirtieron en influencias formativas en el arte renacentista italiano. Pero pocas influencias entrantes afectaron el estilo bizantino. Con la expansión de la iglesia ortodoxa oriental, las formas y estilos bizantinos se extendieron por todo el mundo ortodoxo y más allá. Las influencias de la arquitectura bizantina, particularmente en los edificios religiosos, se pueden encontrar en diversas regiones desde Egipto y Arabia hasta Rusia y Rumania.

La arquitectura bizantina es conocida por el uso de cúpulas. También presentaba a menudo columnas de mármol, techos artesonados y una decoración suntuosa, incluido el uso extensivo de mosaicos con fondos dorados. El material de construcción utilizado por los arquitectos bizantinos ya no era el mármol, muy apreciado por los antiguos griegos. Utilizaron principalmente piedra y ladrillo, y también finas láminas de alabastro para las ventanas. Los mosaicos se usaron para cubrir paredes de ladrillo y cualquier otra superficie donde el fresco no resistiría. Buenos ejemplos de mosaicos de la era proto-bizantina son Hagios Demetrios en Thessaloniki (Grecia), la Basílica de Sant'Apollinare Nuovo y la Basílica de San Vitale, ambas en Rávena (Italia), y Hagia Sophia en Estambul. Los templos grecorromanos y las iglesias bizantinas difieren sustancialmente en cuanto a su aspecto exterior e interior. En la antigüedad, el exterior era la parte más importante del templo, pues en el interior, donde se guardaba la estatua de culto de la deidad a la que se construía el templo, sólo tenía acceso el sacerdote. Las ceremonias aquí se celebran al aire libre, y lo que los fieles ven es la fachada del templo, formada por columnas, con un entablamento y dos frontones. Mientras tanto, las liturgias cristianas se llevaban a cabo en el interior de las iglesias, el exterior por lo general tenía poca o ninguna ornamentación.

• Chris como el Buen Pastor; C. 425-430; mosaico; ancho: c. 3 metros; Mausoleo de Galla Placidia (Ravenna, Italia)
• Hoja de díptico con una emperatriz bizantina; siglo VI; marfil con restos de dorado y hoja; altura: 26,5 cm; Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)
• Minero; finales del siglo VI-VII; oro, una esmeralda, un zafiro, amatistas y perlas; diámetro: 23 cm; de un taller de Constantinopla; Antikensammlung Berlín (Berlín, Alemania)
• Página del Libro del Evangelio con Comentarios: Retrato de Marcos; 1000–1100; encuadernación en tinta, témpera, oro, vitela y cuero; hoja: 28 × 23 cm; Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)
• Icono de la Trinidad del Nuevo Testamento; C. 1450; témpera y oro sobre panel de madera (álamo); Museo de Arte de Cleveland

Románico

El románico fue el primer estilo paneuropeo que surgió después del Imperio Romano y se extendió desde mediados del siglo X hasta el XIII. El período vio un resurgimiento de estructuras monumentales de piedra con programas estructurales complejos.

Las iglesias románicas se caracterizan por una articulación rígida y una claridad geométrica, incorporadas a un conjunto volumétrico unificado. La arquitectura es austera pero animada por esculturas decorativas de capiteles y portales, así como interiores con frescos. Los patrones geométricos y foliados dan paso a una escultura figurativa cada vez más tridimensional.

Desde mediados del siglo XI hasta principios del siglo XIII, las pinturas románicas eran bidimensionales, definidas por contornos y geometría audaces y lineales, particularmente en el manejo de las cortinas; se enfatizaba la simetría y la frontalidad. Prácticamente todas las iglesias occidentales estaban pintadas, pero probablemente solo unos pocos pintores de paredes eran monjes; en cambio, los artistas itinerantes llevaron a cabo la mayor parte de este trabajo. El tapado básico se realizó sobre yeso húmedo con colores tierra. Se empleó una paleta limitada, dominada por el blanco, el rojo, el amarillo, los ocres y el azul, para lograr el máximo efecto visual, con una densa coloración formando un fondo de bandas, una práctica que se originó en el arte clásico tardío como un intento de distinguir la tierra y el cielo.

Durante los últimos siglos XI y XII, la gran era del monacato occidental, Europa experimentó un cambio económico, social y político sin precedentes, lo que llevó a una creciente riqueza entre los terratenientes, incluidos los monasterios. Había una demanda creciente de libros y la riqueza económica permitió que muchos manuscritos estuvieran ricamente iluminados.

Uno de los artefactos destacados de la época es el Tapiz de Bayeux de 70 m de largo. Describe los eventos que llevaron a la conquista normanda de Inglaterra con los protagonistas William, duque de Normandía y Harold, conde de Wessex, más tarde rey de Inglaterra, y que culminó en la batalla de Hastings. Se cree que data del siglo XI. Cuenta la historia desde el punto de vista de los conquistadores normandos, pero ahora se acepta que fue hecho en Inglaterra muy probablemente por mujeres, aunque se desconoce el diseñador. Se encuentra en Francia.

• 'Santo Rostro'; 904-1018; madera con policromía; altura: 2,9 m; Catedral de Sansepolcro (Sansepolcro, Italia)
• Abadía de Maria Laach (Renania-Palatinado, Alemania), 1093-1230
• Cabeza del papa Alejandro; 1145; madera, plata, bronce dorado, gemas, perlas y esmalte champlevé; altura: c. 45 cm; Museo de Arte e Historia (Bruselas, Bélgica)
• La lapidación de San Esteban; 1160s; fresco; altura: 1,3 m; Abadía de San Juan (Val Müstair, Cantón de los Grisones, Suiza)
• Iluminación manuscrita con inicial V, de una Biblia; C. 1175–1195; témpera sobre pergamino; 27,5 x 15,2 cm; Museo Metropolitano de Arte

Gótico

El arte gótico se desarrolló en el norte de Francia a partir del románico en el siglo XII d.C. y fue liderado por el desarrollo simultáneo de la arquitectura gótica. Se extendió a toda Europa occidental y gran parte del sur y centro de Europa, y nunca borró por completo los estilos más clásicos en Italia. A finales del siglo XIV se desarrolló el sofisticado estilo cortesano del gótico internacional, que siguió evolucionando hasta finales del siglo XV.

Las imponentes catedrales góticas, con sus programas escultóricos y vidrieras, personifican el estilo gótico. Se diferencia del románico por sus bóvedas de crucería y el uso de ojivas. En lugar de los gruesos muros románicos, los edificios góticos son delgados y altos. Las escaleras de caracol en las torres son propias de la arquitectura gótica.

La pintura gótica, en gran parte ejecutada al temple y, más tarde, al óleo sobre tabla, así como al fresco, y con una paleta cada vez más amplia de colores secundarios, se considera generalmente más "naturalista" que románica. Se destacó la humanidad de la narrativa religiosa y se individualizó el estado emocional de los personajes. El aumento de la urbanidad de la economía medieval y el surgimiento del mecenas clerical y laico vieron un cambio en la naturaleza del mercado del arte, que se puede ver en la evolución de la iluminación de manuscritos góticos. Los talleres emplearon especialistas para diferentes elementos de la página, como figuras o motivos marginales de vid.

• Ventanas del crucero norte; C. 1230-1235; Vitral; diámetro (rosetón): 10,2 m; Catedral de Chartres (Chartres, Francia)
• La Sainte-Chapelle (París), 1243-1248, de Pierre de Montreuil
• Ekkehard y Uta; atribuido al Maestro de Namburg; 1245-1260; caliza y policromía; altura: c. 1,9m; Catedral de Naumburg (Naumburg, Alemania)
• Arresto de Cristo y Anunciación de la Virgen; de Jean Pucelle; 1324–1328; grisalla y temprea sobre papel vitela; 8,9 x 12,4 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• El díptico de Wilton; C. 1395-1459; témpera y oro sobre tabla; 53 × 37 cm; Galería Nacional (Londres)

Renacimiento

Abarcando el Renacimiento Temprano, del Norte y Alto, el término Renacimiento describe el 'renacimiento' en Europa de un nuevo interés por la antigüedad clásica. Por primera vez desde la antigüedad, el arte se volvió convincentemente realista. Además del pasado antiguo, los artistas del Renacimiento también estudiaron la naturaleza, comprendiendo el cuerpo humano, los animales, las plantas, el espacio, la perspectiva y las cualidades de la luz. El tema más común fueron los temas religiosos, pero también se produjeron representaciones de historias mitológicas. Además, no había un estilo renacentista uniforme. Cada artista desarrolló su propio lenguaje visual distintivo, influenciado por sus predecesores y contemporáneos.

El Renacimiento temprano fue un período de gran actividad creativa e intelectual en el que los artistas rompieron por completo con los parámetros del arte bizantino. En general, se acepta que comenzó en Florencia, en la actual Italia, a principios del siglo XV. Se caracteriza por un aumento del interés por la literatura clásica, la filosofía y el arte, el crecimiento del comercio, el descubrimiento de nuevos continentes y nuevos inventos. Hubo un resurgimiento del interés por el arte y la literatura de la antigua Roma, y ​​el estudio de los textos griegos y latinos antiguos instigó conceptos de individualismo y razón, que se conocieron como humanismo. Los humanistas consideraron la vida en el presente y enfatizaron la importancia del pensamiento individual, lo que influyó en los enfoques de los artistas.

A pesar de estar muy asociado con Italia, particularmente con Florencia, Roma y Venecia, el resto de Europa occidental también participó en el Renacimiento.El Renacimiento del Norte ocurrió en Europa al norte de los Alpes desde principios del siglo XV, luego de un período de fertilización artística cruzada entre el norte y el sur conocido como 'Gótico Internacional'. Había una gran diferencia entre el Renacimiento del Norte y el italiano. Los artistas del norte no buscaron revivir los valores de la antigua Grecia y Roma como los italianos, mientras que en el sur los artistas y mecenas italianos quedaron asombrados por el estudio empírico de la naturaleza y la sociedad humana, y por los colores profundos que los artistas del norte podían lograr. en el nuevo medio desarrollado de pintura al óleo. La Reforma protestante aumentó el interés del norte por la pintura secular, como retratos o paisajes. Dos artistas clave del norte son Hieronymus Bosch, conocido por sus pinturas surrealistas llenas de criaturas híbridas como El jardín de las delicias,

El Alto Renacimiento tuvo lugar a fines del siglo XV y principios del XVI y estuvo influenciado por el hecho de que, cuando el poder papal se estabilizó en Roma, varios papas encargaron obras de arte y arquitectura, decididos a recrear la antigua gloria de la ciudad. Rafael y Miguel Ángel produjeron vastos y grandiosos proyectos para los papas. La obra de arte más famosa de esta parte del Renacimiento es probablemente el techo de la Capilla Sixtina.

El manierismo rompió con los ideales de armonía del Alto Renacimiento y un enfoque racional del arte, para adoptar formas exageradas, proporciones alargadas y colores más vibrantes. Se desarrolló en Italia entre 1510 y 1520, entre artistas que valoraban la originalidad por encima de todo. El nombre de este movimiento proviene del italiano maniera, que significa 'estilo o 'modo'. La palabra pretendía describir el estándar de excelencia alcanzado durante el Alto Renacimiento, al que todo el arte debería adherirse ahora, pero en la práctica condujo a la estilización y al arte 'para mostrar arte', a veces con gran éxito, un ejemplo de ello es el alumno de Rafael, Giulio. Romano. El manierismo también se ha utilizado de manera más general para describir un período posterior al Renacimiento y anterior al Barroco.

• La Catedral de Florencia (Florencia, Italia), 1294–1436, por Arnolfo di Cambio, Filippo Brunelleschi y Emilio De Fabris
• Crucifijo; por Giotto; C. 1300; temple sobre tabla; 5,78 x 4,06 m; Santa María Novella (Florencia, Italia)
• Retrato de Arnolfini; de Jan van Eyck; 1434; óleo sobre tabla; 82,2 x 60 cm; Galería Nacional (Londres)
• David; de Donatello; C. 1460; bronce; altura: 1,6 m; Bargello (Florencia)
• San Jorge y el Dragón; de Paolo Uccello; C. 1470; óleo sobre lienzo; 55,6 x 74,2 cm; Galería Nacional (Londres)
• Primavera (Botticelli); de Sandro Botticelli; C. 1478; temple sobre tabla; 2x3,1m; Galería Uffizi (Florencia)
• El Tempietto (San Pietro in Montorio, Roma), 1502, de Donato Bramante
• Mona Lisa; de Leonardo da Vinci; C. 1503-1519; óleo sobre panel de álamo; 77 × 53 cm; Lumbrera
• El Jardín de las Delicias; de Jerónimo El Bosco; C. 1504; óleo sobre tabla; 2,2 x 1,95 m; Museo del Prado (Madrid, España)
• techo de la Capilla Sixtina; de Miguel Ángel; 1508-1512; fresco; 13,7 x 39 m; Capilla Sixtina (Ciudad del Vaticano)
• La Escuela de Atenas; por Rafael; 1509-1510; fresco; 5,8 x 8,2 m; Palacio Apostólico (Ciudad del Vaticano)
• el rinoceronte; de Alberto Durero; 1515; xilografía; 23,5 × 29,8 cm; Galería Nacional de Arte (Washington, DC, EE. UU.)
• Castillo de Azay-le-Rideau (Loira, Francia), 1518-1527
• La Torre de Babel; de Pieter Brueghel el Viejo; 1563; óleo sobre tabla; 1,14 x 1,55 m; Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)
• Alacena; C. 1580; nogal y roble, parcialmente dorados y pintados; alto: 2,06 m, ancho: 1,50 m; Lumbrera

Barroco

El siglo XVII fue un período de cambios volátiles, tanto en la ciencia, a través de inventos y desarrollos, como el telescopio o el microscopio, como en la religión, ya que la Contrarreforma católica impugnó la creciente popularidad de la fe protestante. Después de la Reforma protestante, la Iglesia católica reaccionó con la Contrarreforma, decretando que debería inspirar a los espectadores con temas religiosos apasionantes.

Sucediendo al manierismo y desarrollándose como resultado de las tensiones religiosas en toda Europa, el arte barroco surgió a fines del siglo XVI. El nombre puede derivar de 'barocco', la palabra portuguesa para perla deformada, y describe el arte que combina emoción, dinamismo y dramatismo con colores poderosos, realismo y fuertes contrastes tonales. Entre 1545 y 1563, en el Concilio de Trento, se decidió que el arte religioso debía fomentar la piedad, el realismo y la precisión y, al atraer la atención y la empatía de los espectadores, glorificar a la Iglesia católica y fortalecer la imagen del catolicismo. En el siglo siguiente, los nuevos estilos radicales del arte barroco adoptaron y desarrollaron modelos del Alto Renacimiento y abrieron nuevos caminos tanto en el arte religioso como en nuevas variedades de arte secular, sobre todo el paisaje. El barroco y su variante tardía, el rococó, fueron los primeros estilos verdaderamente globales en las artes, dominando más de dos siglos de arte y arquitectura en Europa, América Latina y más allá desde alrededor de 1580 hasta alrededor de 1750. Nacido en los estudios de pintura de Bolonia y Roma. en las décadas de 1580 y 1590, y en los talleres escultóricos y arquitectónicos romanos en la segunda y tercera décadas del siglo XVII, el barroco se extendió rápidamente por Italia, España y Portugal, Flandes, Francia, los Países Bajos, Inglaterra, Escandinavia y Rusia, así como así como a centros de Europa central y oriental desde Munich (Alemania) hasta Vilnius (Lituania). Los imperios portugués, español y francés y la red de pisadas holandesa tuvieron un papel destacado en la difusión de los dos estilos en las Américas y el África y Asia coloniales, a lugares como Lima, Mozambique, Goa y Filipinas. dominando más de dos siglos de arte y arquitectura en Europa, América Latina y más allá desde alrededor de 1580 hasta alrededor de 1750. Nacido en los estudios de pintura de Bolonia y Roma en las décadas de 1580 y 1590, y en los talleres escultóricos y arquitectónicos romanos en el segundo y tercer décadas del siglo XVII, el barroco se extendió rápidamente por Italia, España y Portugal, Flandes, Francia, los Países Bajos, Inglaterra, Escandinavia y Rusia, así como a los centros de Europa central y oriental desde Múnich (Alemania) hasta Vilnius (Lituania).. Los imperios portugués, español y francés y la red de pisadas holandesa tuvieron un papel destacado en la difusión de los dos estilos en las Américas y el África y Asia coloniales, a lugares como Lima, Mozambique, Goa y Filipinas. dominando más de dos siglos de arte y arquitectura en Europa, América Latina y más allá desde alrededor de 1580 hasta alrededor de 1750. Nacido en los estudios de pintura de Bolonia y Roma en las décadas de 1580 y 1590, y en los talleres escultóricos y arquitectónicos romanos en el segundo y tercer décadas del siglo XVII, el barroco se extendió rápidamente por Italia, España y Portugal, Flandes, Francia, los Países Bajos, Inglaterra, Escandinavia y Rusia, así como a los centros de Europa central y oriental desde Múnich (Alemania) hasta Vilnius (Lituania).. Los imperios portugués, español y francés y la red de pisadas holandesa tuvieron un papel destacado en la difusión de los dos estilos en las Américas y el África y Asia coloniales, a lugares como Lima, Mozambique, Goa y Filipinas. Nacido en los estudios de pintura de Bolonia y Roma en las décadas de 1580 y 1590, y en los talleres escultóricos y arquitectónicos romanos en la segunda y tercera décadas del siglo XVII, el barroco se extendió rápidamente por Italia, España y Portugal, Flandes, Francia, los Países Bajos., Inglaterra, Escandinavia y Rusia, así como a centros de Europa central y oriental desde Múnich (Alemania) hasta Vilnius (Lituania). Los imperios portugués, español y francés y la red de pisadas holandesa tuvieron un papel destacado en la difusión de los dos estilos en las Américas y el África y Asia coloniales, a lugares como Lima, Mozambique, Goa y Filipinas. Nacido en los estudios de pintura de Bolonia y Roma en las décadas de 1580 y 1590, y en los talleres escultóricos y arquitectónicos romanos en la segunda y tercera décadas del siglo XVII, el barroco se extendió rápidamente por Italia, España y Portugal, Flandes, Francia, los Países Bajos., Inglaterra, Escandinavia y Rusia, así como a centros de Europa central y oriental desde Múnich (Alemania) hasta Vilnius (Lituania). Los imperios portugués, español y francés y la red de pisadas holandesa tuvieron un papel destacado en la difusión de los dos estilos en las Américas y el África y Asia coloniales, a lugares como Lima, Mozambique, Goa y Filipinas. España y Portugal, Flandes, Francia, Países Bajos, Inglaterra, Escandinavia y Rusia, así como a centros de Europa central y oriental desde Múnich (Alemania) hasta Vilnius (Lituania). Los imperios portugués, español y francés y la red de pisadas holandesa tuvieron un papel destacado en la difusión de los dos estilos en las Américas y el África y Asia coloniales, a lugares como Lima, Mozambique, Goa y Filipinas. España y Portugal, Flandes, Francia, Países Bajos, Inglaterra, Escandinavia y Rusia, así como a centros de Europa central y oriental desde Múnich (Alemania) hasta Vilnius (Lituania). Los imperios portugués, español y francés y la red de pisadas holandesa tuvieron un papel destacado en la difusión de los dos estilos en las Américas y el África y Asia coloniales, a lugares como Lima, Mozambique, Goa y Filipinas.

Al igual que las pinturas y las esculturas, las catedrales y los palacios barrocos se caracterizan también por el uso de la ilusión y el dramatismo. También utilizan con frecuencia efectos dramáticos de luz y sombra, y tienen interiores suntuosos y muy decorados que desdibujan los límites entre la arquitectura, la pintura y la escultura. Otra característica importante de la arquitectura barroca fue la presencia de dinamismo, realizado a través de curvas, columnas salomónicas y óvalos. En Francia, el barroco es sinónimo del reinado de Luis XIV entre 1643 y 1715, ya que durante su gobierno se construyeron múltiples edificios monumentales en París, Versalles y otras partes de Francia, como el Palacio de Versalles, el Château de Maisons, el Château de Vaux-le-Vicomte, la columnata del Louvre o el Dôme des Invalides. Además del edificio en sí, el espacio donde se colocó también tiene un papel. Los edificios barrocos intentan captar la atención del espectador y dominar su entorno, ya sea a pequeña escala, como San Carlo alle Quattro Fontane en Roma, o a gran escala, como la nueva fachada de la Catedral de Santiago de Compostela, diseñada para elevarse sobre la ciudad. Las artes aplicadas también prosperaron durante este período. Los muebles barrocos podían ser tan grandilocuentes como las habitaciones que debían adornar, y sus motivos y técnicas se calibraron cuidadosamente para coordinarlos con el programa decorativo general del arquitecto. Uno de los más prestigiosos mueblistas fue André Charles Boulle, conocido por su técnica de marquetería, realizada al pegar láminas de carey y latón y cortarlas para formar el diseño. Sus obras también estaban adornadas con monturas de bronce dorado. Los complejos tapices Gobelinos presentaban escenas inspiradas en la antigüedad clásica, y la fábrica de Savonnerie produjo grandes alfombras muy detalladas para el Louvre. Estas alfombras con fondos negros o amarillos tenían un motivo central o un medallón. La porcelana china, la cerámica de Delft y los espejos fabricados en Saint-Gobain (Francia) se difundieron rápidamente en todos los palacios principescos y residencias aristocráticas de Francia. Durante el reinado de Luis XIV, se colocaron grandes espejos sobre las repisas de las chimeneas, y esta tendencia perdurará mucho después del período barroco.

• Los Cuatro Continentes; de Peter Paul Rubens; C. 1615; óleo sobre lienzo; 209 x 284 cm; Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)
• Castillo de Maisons (Francia), de François Mansart, 1630-1651
• El rapto de las sabinas; de Nicolás Poussin; 1634-1635; óleo sobre lienzo; 1,55 × 2,1 m; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• la ronda de noche; por Rembrandt; 1642; óleo sobre lienzo; 3,63 × 4,37 m; Rijksmuseum (Ámsterdam, Países Bajos)
• Éxtasis de Santa Teresa; de Gian Lorenzo Bernini; 1647–1652; mármol; altura: 3,5 m; Santa María della Vittoria (Roma)
• Las Meninas; de Diego Velázquez; 1656; óleo sobre lienzo; 3,18 cm × 2,76 m; Museo del Prado (Madrid, España)
• Bodegón de vanitas; de María van Oosterwijck; 1668; óleo sobre lienzo; 73 x 88,5 cm; Museo Kunsthistorisches
• Alfombra con fama y fortaleza; por la fábrica Savonnerie; 1668–1685; pelo de lana anudado y cortado, tejido con unos 90 nudos por pulgada cuadrada; 909,3 x 459,7 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Dôme des Invalides (París), 1677–1706, de Jules Hardouin-Mansart
• Cómoda; de André Charles Boulle; C. 1710-1732; nogal chapado en ébano y marquetería de latón grabado y carey, monturas de bronce dorado, tapa de mármol envejecido; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Museo Metropolitano de Arte

Rococó

Originario de c. 1720 París, el rococó se caracteriza por motivos naturales, colores suaves, líneas curvas, asimetría y temas que incluyen el amor, la naturaleza y el entretenimiento alegre. Sus ideales eran la delicadeza, la alegría, la juventud y la sensualidad.

Comenzando en Francia como una reacción contra la grandeza barroca de la corte de Luis XIV en el Palacio de Versalles, el movimiento rococó se asoció particularmente con la poderosa Madame de Pompadour (1721–1764), la amante del nuevo rey Luis XV (1710– 1774). Debido a esto, el estilo también se conocía como 'Pompadour'. El nombre del movimiento deriva del francés 'rocaille', o guijarro, y se refiere a las piedras y conchas que decoran el interior de las cuevas, ya que las formas de conchas similares se convirtieron en una característica común en el diseño rococó. Comenzó como un estilo de diseño y artes decorativas, y se caracterizó por formas elegantes y fluidas. Siguió la arquitectura y luego la pintura y la escultura. El pintor francés con el que se asocia más a menudo el término rococó es Jean-Antoine Watteau, cuyas escenas pastoriles,, dominan la primera parte del siglo XVIII.

Aunque hay algunas iglesias bávaras importantes en este estilo, como la Wieskirche, el rococó se asocia con mayor frecuencia con edificios seculares, principalmente grandes palacios y salones donde las élites cultas se reunían para discutir ideas literarias y filosóficas. En París, su popularidad coincidió con el surgimiento del salón como un nuevo tipo de reunión social, cuyos lugares a menudo estaban decorados en estilo rococó. Entre los ejemplos más característicamente elegantes y refinados se encuentra el Salón Oval de la Princesa del Hôtel de Soubise, una de las mansiones más hermosas del siglo XVIII en París. El rococó introdujo cambios dramáticos en el mobiliario de élite, ya que favoreció piezas más pequeñas con marcos estrechos y fibrosos y una decoración más delicada, a menudo asimétrica, que a menudo incluía elementos de chinoiserie.

El movimiento se extendió rápidamente por toda Europa y llegó hasta la Turquía otomana y China gracias a los libros de adornos con cartuchos, arabescos y conchas, así como diseños para paneles de pared y chimeneas. Los más populares fueron realizados por Juste-Aurèle Meissonnier (1695–1750), Jacques-François Blondel (1705–1774), Pierre-Edmé Babel (1720–1775) y François de Cuvilliés (1695–1768).

• El Embarque para Cythera; de Jean-Antoine Watteau; 1718; óleo sobre lienzo; 1,29 x 1,94 m; Palacio de Charlottenburg
• El Salón Oval de la Princesa del Hôtel de Soubise (París), 1737-1739, por Germain Boffrand, Charles-Joseph Natoire y Jean-Baptiste Lemoyne
• Candelabro; de Jean Joseph de Saint-Germain; C. 1750; bronce dorado; total: 72,4 x 49,3 x 39,7 cm; Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)
• fuego; de Jean-Pierre Defrance; C. 1750-1760; caliza; altura: 223 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Mesa auxiliar (cómoda en consola); por Bernard II van Risamburgh; C. 1755-1760; laca japonesa, monturas de bronce dorado y tapa de mármol Sarrancolin; altura: 90,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Madame de Pompadour; de François Boucher; 1756; óleo sobre lienzo; 2,01 x 1,57 m; Alte Pinakothek (Múnich, Alemania)
• Cafetera; 1757; plata; altura: 29,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
• sopera cubierta (terrine du roi); por la Manufacture nationale de Sèvres 1756; porcelana de pasta blanda con esmalte y decoración dorada; total: 24,2 cm; Museo de Arte de Cleveland
• el columpio; de Jean-Honoré Fragonard; 1767; óleo sobre lienzo; 81 x 64 cm; Colección Wallace (Londres)
• María Antonieta con la Rosa; de Élisabeth Vigée Le Brun; 1783; óleo sobre lienzo; 130 x 87 cm; Palacio de Versalles (Versalles, Francia)

Neoclasicismo

Inspirado por las excavaciones de las antiguas ciudades romanas de Pompeya y Herculano de 1748, se produjo un renovado interés por las artes de la antigüedad. El neoclasicismo domina el arte occidental desde mediados hasta finales del siglo XVIII hasta la década de 1830. Abrazando el orden y la moderación, se desarrolló como reacción a la frivolidad percibida, el hedonismo y la decadencia del rococó y ejemplificó el pensamiento racional de la 'Edad de la Ilustración' (también conocida como la 'Edad de la razón'). Inicialmente, el movimiento no fue desarrollado por artistas, sino por filósofos de la Ilustración. Pidieron sustituir el rococó por un estilo de arte racional, moral y dedicado al alma.Esto encajaba bien con la percepción del arte clásico como la encarnación del realismo, la moderación y el orden. Inspiradas en el arte griego y romano antiguo, las pinturas de historia clásica del artista francés Nicolas Poussin (1594–1665) y las ideas del escritor alemán Anton Raphael Mengs (1728–1779) y el arqueólogo e historiador del arte Johann Joachim Winckelmann (1717– 1768), el neoclasicismo comenzó en Roma, pero pronto se extendió por toda Europa. Roma se había convertido en el foco principal del Grand Tour a mediados del siglo XVIII, y los viajeros aristocráticos iban allí en busca de visiones clásicas para recrear en sus fincas, extendiendo así el estilo por toda Europa, particularmente en Inglaterra y Francia. El recorrido también fue una oportunidad para coleccionar antigüedades clásicas. Las pinturas neoclásicas tendían a estar pobladas de figuras que posaban como estatuas o relieves clásicos, ambientadas en lugares llenos de detalles arqueológicos. El estilo favoreció el arte griego sobre el romano, considerándolo más puro y auténticamente clásico en su objetivo estético.

En 1789, Francia estaba al borde de su primera revolución y el Neoclasicismo buscaba expresar sus sentimientos patrióticos. La política y el arte estuvieron estrechamente entrelazados durante este período. Creían que el arte debía ser serio y valoraban el dibujo por encima de la pintura; los contornos suaves y la pintura sin pinceladas perceptibles eran el objetivo final. Tanto la pintura como la escultura ejercieron calma y moderación y se centraron en temas heroicos, expresando nociones tan nobles como el autosacrificio y el nacionalismo.

Este movimiento allanó el camino para el romanticismo, que apareció cuando el idealismo de la revolución se desvanecía y después de que el período napoleónico llegara a su fin a principios del siglo XIX. Sin embargo, el neoclasicismo no debe verse como lo opuesto al romanticismo, sino como una manifestación temprana de este.

• Vista de Fantasía con el Panteón y otros Monumentos de la Antigua Roma; de Giovanni Paolo Panini; 1737; óleo sobre lienzo; 98,9 x 137,49 cm; Museo de Bellas Artes (Houston, EE. UU.)
• El antiguo Capitolio ascendía por aproximadamente cien escalones... ; de Giovanni Battista Piranesi; C. 1750; grabando; tamaño de toda la hoja: 33,5 × 49,4 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Hôtel de la Marine (París), 1761-1770, de Ange-Jacques Gabriel
• El Petit Trianon (Versalles, Francia), 1764, de Ange-Jacques Gabriel
• un filósofo dando una conferencia sobre el Orrery; por Joseph Wright de Derby; C. 1766; óleo sobre lienzo; 1,47 x 2,03 m; Derby Museum and Art Gallery (Derby, Inglaterra)
• The Hall (Osterley Park, Londres), 1767, de Robert Adam
• Lavabo (athénienne o lavabo); 1800–1814; patas, base y estante de madera de tejo, monturas de bronce dorado, placa de hierro debajo del estante; altura: 92,4 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Retrato de Charlotte du Val d'Ognes; de Marie-Denise Villers; 1801; óleo sobre lienzo; 161,3 x 128,6 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Napoleón I en su trono imperial; de Jean-Auguste-Dominique Ingres; 1806; óleo sobre lienzo; 2,62 x 1,62 m; Museo del Ejército (París)
• Las Tres Gracias; de Antonio Canova; 1813–1816; mármol; altura: 1,82 m; Museo del Hermitage (San Petersburgo, Rusia)

Arte occidental después de 1770

Muchos historiadores del arte sitúan los orígenes del arte moderno a finales del siglo XVIII, otros a mediados del siglo XIX. El historiador de arte H. Harvard Arnason afirmó que "se produjo una metamorfosis gradual en el transcurso de cien años".Acontecimientos como la era de la ilustración, las revoluciones y democracias en Estados Unidos y Francia, y la Revolución Industrial tuvieron efectos de largo alcance en la cultura occidental. Las personas, las mercancías, las ideas y la información podían viajar entre países y continentes a una velocidad sin precedentes y estos cambios se reflejaron en las artes. La invención de la fotografía en la década de 1830 alteró aún más ciertos aspectos del arte, en particular la pintura. A principios del siglo XIX, se completó un largo y gradual cambio de paradigma, desde el gótico, cuando los artistas eran vistos como artesanos al servicio de la iglesia y las monarquías, hasta la idea del arte por el arte, donde las ideas y visiones de el artista individual fue tenido en alta estima, con el patrocinio de un cada vez más alfabetizado, rico, y población urbana de clase media y alta que había estado emergiendo durante 200 años (particularmente en París y Londres). Una dicotomía comenzó a fines del siglo XVIII entre el neoclasicismo y el romanticismo que subdividió y continuó atravesando prácticamente todos los nuevos movimientos en el arte moderno: "Extendiéndose como olas, estos 'ismos' desafían las fronteras nacionales, étnicas y cronológicas; nunca dominan en ningún lugar por mucho tiempo"., compiten o se fusionan entre sí en patrones que cambian sin cesar".

El arte moderno se ha movido constantemente hacia influencias e intercambios internacionales, desde la curiosidad exótica del orientalismo, la influencia más profunda del japonismo, hasta las artes de Oceanía, África y las Américas. Por el contrario, el arte moderno se ha extendido cada vez más más allá de Europa occidental. En Rusia y EE. UU., las artes se estaban desarrollando a un grado que rivalizaba con los principales países europeos a fines del siglo XIX. Muchos de los principales movimientos aparecieron también en América Latina, Australia y Asia, y la geografía y la nacionalidad se volvieron cada vez más insignificantes con cada década que pasaba. En el siglo XX estaban surgiendo artistas importantes e influyentes en todo el mundo: por ejemplo, Foujita (Japón), Arshile Gorky (Armenia), Diego Rivera y Frida Kahlo (México), Wifredo Lam (Cuba), Edvard Munch (noruego), Roberto Matta (chileno), Mark Rothko (lituano-estadounidense),

• Cenotafio de Newton, exterior por la noche; de Étienne-Louis Boullée; 1784; tinta y aguada, 40,2 × 63,3 cm.; Biblioteca Nacional
• el perro; Francisco de Goya; California. 1819–1823; mural transferido a lienzo, 131,5 × 79,3 cm.; Museo del Prado
• Muerte sobre un caballo pálido; JMW Turner; C. 1830; óleo sobre lienzo, 60 × 76 cm.; tate gran bretaña
• Toothless Man Laughing, Charles Philipon de Célébrités du Juste milieu; Honoré Daumier; 1832-1833; barro pintado, 6,12 de altura; Museo de Orsay
• Bodegón con estatua de Júpiter Tonans; de Louis Jacques Daguerre; C. 1839; daguerrotipo

Siglo 19

Romanticismo (c. 1790–1880)

El romanticismo surgió a fines del siglo XVIII y floreció en la primera mitad del siglo XIX con manifestaciones significativas e internacionales en la música, la literatura y la arquitectura, así como en las artes visuales. Surgió de una desilusión con el racionalismo de la Ilustración del siglo XVIII. A pesar de que a menudo se lo considera lo opuesto al neoclasicismo, hubo cierta superposición estilística con ambos movimientos, y muchos artistas románticos estaban entusiasmados con el clasicismo. El movimiento se centró en las emociones intensas, la imaginación y en el poder impresionante de la naturaleza, una fuerza más grande y poderosa que la de los hombres, con su potencial de desastre. "El neoclasicismo es un nuevo renacimiento de la antigüedad clásica... mientras que el romanticismo no se refiere a un estilo específico sino a una actitud mental que puede revelarse de muchas maneras".

Una de las primeras expresiones del romanticismo fue el jardín paisajista inglés, cuidadosamente diseñado para parecer natural y contrastar dramáticamente con los jardines formales de la época. El concepto de jardín inglés "natural" fue adoptado en toda Europa y América en las décadas siguientes. En arquitectura, los románticos recurrieron con frecuencia a fuentes alternativas distintas de los ejemplos griegos y romanos admirados por el neoclasicista. La arquitectura romántica revivió a menudo las formas góticas y otros estilos, como los exóticos modelos orientales. El Palacio de Westminster (Casas del Parlamento), Londres, es un ejemplo de arquitectura romántica que también se conoce como Renacimiento gótico.En pintura, el romanticismo se ejemplifica con las pinturas de Francisco Goya en España, Eugène Delacroix y Théodore Géricault en Francia, William Blake, Henry Fuseli, Samuel Palmer y William Turner en Inglaterra, Caspar David Friedrich y Philipp Otto Runge en Alemania, Francesco Hayez en Italia, Johan Christian Claussen Dahl en Noruega y Thomas Cole en Estados Unidos. Ejemplos de escultores del período romántico incluyen a Antoine-Louis Barye, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Préault y François Rude. A medida que el romanticismo siguió su curso, algunos aspectos del movimiento evolucionaron hacia el simbolismo.

• Elohim creando a Adán; de William Blake; 1795; impresión en color acabada en tinta y acuarela sobre papel; 43,1 × 53,6 cm; Tate Gran Bretaña (Londres)
• el tres de mayo de 1808; de Francisco Goya; 1814; óleo sobre lienzo; 2,68 × 3,47 m; Museo del Prado (Madrid, España)
• La Balsa de la Medusa; de Théodore Géricault; 1819; óleo sobre lienzo; 4,91 × 7,16 m; Lumbrera
• La muerte de Sardanápalo; de Eugène Delacroix; 1827; óleo sobre lienzo; 3,92 × 4,96 m; Lumbrera
• Palacio de Westminster (Londres), 1840–1870, por Sir Charles Barry y A. Welby Pugin

Academicismo

El academicismo es la codificación del arte en reglas que se pueden aprender en las academias de arte. Promueve los ideales clásicos de belleza y perfección artística. También había una jerarquía muy estricta de temas. En la parte superior, había pinturas que representaban hechos históricos, incluidos los bíblicos y clásicos, seguidos por el retrato y el paisaje. En la parte inferior de la jerarquía estaban la naturaleza muerta y la pintura de género. Nicolas Poussin fue el artista cuyas obras y teorías desempeñaron el papel más significativo en el desarrollo del academicismo. Los valles del academicismo estaban situados en el centro del proyecto de la Ilustración de descubrir los principios e ideales básicos del arte.

Durante el siglo XVIII, en toda Europa, se fundaron muchas academias, que luego dominarán el arte del siglo XIX. Para poder estudiar en una academia de arte, el joven artista tenía que hacer un examen de admisión y, después de ser admitido, estudiaría allí durante varios años. La mayoría de los movimientos artísticos franceses del siglo XIX fueron exteriores o incluso opuestos a los valores del academicismo.

Algunos de los artistas más importantes de la academia francesa fueron William Bouguereau (1825-1905), Jean-Léon Gérôme (1824-1904), Alexandre Cabanel (1823-1889) y Thomas Couture (1815-1879). El arte académico está estrechamente relacionado con la arquitectura Beaux-Arts, que se desarrolló en el mismo lugar y mantiene un ideal clasicista similar. El estilo Beaux-Arts toma su nombre de la École des Beaux-Arts de París, donde se desarrolló y donde estudiaron muchos de los principales exponentes del estilo.

• Palais Garnier (París), 1860–1875, de Charles Garnier
• Pollice Verso (pulgares hacia abajo); de Jean-Léon Gérôme; 1872; óleo sobre lienzo; altura: 96,5 cm; Museo de Arte de Phoenix (Phoenix, Arizona, EE. UU.)
• El nacimiento de Venus; de William-Adolphe Bouguereau; 1879; óleo sobre lienzo; 300 x 215 cm; Museo de Orsay (París)
• fedra; de Alexandre Cabanel; 1880; óleo sobre lienzo; 194 x 286 cm; Museo Fabre (Montpellier, Francia)
• Las rosas de Heliogábalo; de Lawrence Alma-Tadema; 1888; óleo sobre lienzo; 1,3 x 2,1 m; colección privada de Juan Antonio Pérez Simón

Realismo (c. 1830-1890)

El realismo surge a mediados del siglo XIX, c. 1840, y tuvo contrapartes en la escultura, la literatura y el teatro, a menudo denominados Naturalismo en la literatura. En la pintura del siglo XIX, el término Realismo se refiere más al tema representado que al estilo o la técnica. Las pinturas realistas suelen representar lugares ordinarios y personas involucradas en actividades cotidianas, a diferencia de grandes paisajes idealizados, dioses mitológicos, temas bíblicos y figuras y eventos históricos que a menudo habían dominado la pintura en la cultura occidental. Courbet dijo: "No puedo pintar un ángel porque nunca he visto uno".

El realismo también fue en parte una reacción a la obra del romanticismo, a menudo dramática, exótica y cargada de emociones. El término realismo se aplica en relación con las imágenes idealizadas del neoclasicismo y las imágenes románticas del romanticismo. Artistas como Jean-Baptiste-Camille Corot y Honoré Daumier tenían asociaciones vagas con el realismo, al igual que los miembros de la Escuela de Barbizon, particularmente Jean-François Millet, pero quizás fue Gustave Courbet la figura central del movimiento, identificándose a sí mismo como un realista, que aboga por el realismo e influye en artistas más jóvenes como Édouard Manet. Un aspecto significativo del realismo fue la práctica de pintar paisajes al aire libre y su posterior influencia en el impresionismo.

Más allá de Francia, el realismo es ejemplificado por artistas como Wilhelm Leibl en Alemania, Ford Madox Brown en Inglaterra y Winslow Homer en los Estados Unidos. El historiador de arte HH Arnason escribió: "La secuencia cronológica del neoclasicismo, el romanticismo y el realismo es, por supuesto, solo una estratificación conveniente de movimientos o tendencias tan inextricablemente ligados entre sí y con los movimientos precedentes que es imposible distinguirlos". donde terminaba uno y empezaba otro", y esto se vuelve aún más pertinente y complejo a medida que uno sigue todos los movimientos e "ismos" hasta finales del siglo XIX y principios del XX.

• El estudio del pintor; de Gustave Courbet; 1854-1855; óleo sobre lienzo; 3,59 x 5,98 m; Museo de Orsay (París)
• los recolectores; de Jean-François Millet; 1857; óleo sobre lienzo; 0,84 x 1,12 m; Museo de Orsay
• El vagón de tercera clase; de Honoré Daumier; C. 1862–1864; óleo sobre lienzo; 65,4 x 90,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• El Laminador de Hierro; por Adolfo von Menzel; 1875; óleo sobre lienzo; 153 x 253 cm; Alte Nationalgalerie (Berlín, Alemania)
• Los pobres, recogiendo pedazos de carbón; de Nikolái Kasatkin; 1894; óleo sobre lienzo; 80 x 107 cm; Museo Ruso (San Petersburgo, Rusia)

Impresionismo (c. 1865-1885)

El impresionismo surgió en Francia, bajo la influencia del realismo, la escuela de Barbizon y pintores al aire libre como Eugène Boudin, Camille Corot, Charles-Francois Daubigny y Johan Barthold Jongkind. A partir de finales de la década de 1850, varios de los impresionistas habían hecho amistades y amistades como estudiantes en París, en particular en la Académie Suisse libre y en el estudio de Charles Gleyre. Su trabajo progresista fue rechazado con frecuencia por los jurados conservadores de los prestigiosos salones de la Académie des Beaux Arts, un foro al que acudieron muchos artistas para establecer su reputación, y muchos de los jóvenes artistas fueron incluidos en un Salon des Refusés muy publicitado, pero muy ridiculizado. 1863. En 1874 formaron la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, independiente de la academia, y montó la primera de varias exposiciones impresionistas en París, hasta 1886, cuando se llevó a cabo su octava y última exposición. Figuras importantes en el movimiento incluyeron a Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte, Mary Cassatt, Paul Cézanne, Edgar Degas, Armand Guillaumin, Édouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir y Alfred Sisley. Aunque el impresionismo fue principalmente un movimiento de pintores, Degas y Renoir también produjeron esculturas y otros como Auguste Rodin y Medardo Rosso a veces se vinculan con el impresionismo. Para 1885, el impresionismo había alcanzado cierta prominencia y, sin embargo, una generación más joven ya estaba empujando los límites más allá del impresionismo. Artista de Rusia, Australia, América y América Latina pronto adoptó estilos impresionistas.

Aunque no sin precedentes, muchas de las técnicas utilizadas contrastaban con los métodos tradicionales. Las pinturas a menudo se completaron en horas o días con pintura húmeda aplicada sobre pintura húmeda (a diferencia de la pintura húmeda sobre pintura seca, completada en semanas y meses). En lugar de aplicar veladuras y colores mixtos, los colores puros se aplicaban a menudo uno al lado del otro, en trazos gruesos, opacos y de empaste; mezclándose en el ojo del espectador cuando se observa desde la distancia. El negro se usó con mucha moderación, o no se usó en absoluto, y las líneas de definición se reemplazaron con trazos matizados de color que formaban los sujetos, los contornos y las formas. El historiador de arte HW Janson dijo que "en lugar de aumentar la ilusión del espacio real, fortalece la unidad de la superficie pintada real".Las pinturas impresionistas suelen representar paisajes, retratos, naturalezas muertas, escenas domésticas, ocio diario y vida nocturna, todo tratado de manera realista. Las composiciones a menudo se basaban en perspectivas inusuales, apareciendo espontáneas y sinceras. Las pinturas generalmente carecían de significados didácticos, simbólicos o metafóricos, y rara vez abordaban los temas bíblicos, mitológicos e históricos que tanto consideraban las academias o el interés más oscuro y psicológico explorado por el simbolista. Se examinaron los matices de la luz, la sombra, la atmósfera y los reflejos de los colores de las superficies, a veces enfatizando los cambios de estos elementos en el tiempo. La pintura en sí era el tema de la pintura. Era arte por el arte,

• En las Carreras en el Campo; de Edgar Degas; 1869; óleo sobre lienzo; 36,5 x 56 cm; Museo de Bellas Artes (Boston, EE. UU.)
• Bulevar des Capucines; de Claude Monet; 1873; óleo sobre lienzo; 80,5 x 60,2 cm; Museo de Arte Nelson-Atkins (Kansas City, Misuri, EE. UU.)
• Escarcha: Camino Viejo a Ennery, Pontoise; de Camille Pissarro; 1873; óleo sobre lienzo; 64,7 x 92,6 cm; Museo de Orsay (París)
• Orillas del Sena cerca de Bougival; de Alfred Sisley; 1873; óleo sobre lienzo; 46,2 x 62,1 cm; Museo de Bellas Artes de Montreal (Montreal, Canadá)
• La Loge; Pierre-Auguste Renoir; 1874; óleo sobre lienzo; 80 x 63,4 cm; Galería Courtauld (Londres)
• Los raspadores de suelo; de Gustave Caillebotte; 1875; óleo sobre lienzo; 1 x 1,54 m; Museo de Orsay
• Calle París; día lluvioso; de Gustave Caillebotte; 1877; óleo sobre lienzo; 2,12 x 2,76 cm; Instituto de Arte de Chicago (Chicago, EE. UU.)
• día de verano; de Berthe Morisot; 1879; óleo sobre lienzo; 45,7 cm × 75,2 cm; Galería Nacional de Retratos (Londres)
• Un bar en el Folies-Bergère; de Édouard Manet; 1881–1882; óleo sobre lienzo; 0,96 × 1,30 cm.; Instituto de Arte Courtauld (Londres)
• carro tirado por bueyes; de Nicolae Grigorescu; 1899; óleo sobre lienzo; 66 x 81 cm; Museo Nacional de Arte de Rumania (Bucarest, Rumania)

Simbolismo (c. 1860-1915)

El simbolismo surgió en Francia y Bélgica en el tercer cuarto del siglo XIX y se extendió por Europa en la década de 1870, y más tarde a América en menor medida. Evolucionó del romanticismo sin un punto de demarcación claro o definitorio, aunque la poesía, la literatura y, en concreto, la publicación de Les Fleurs du mal (Las flores del mal) de Charles Baudelaire) en 1857 fueron significativos en el desarrollo del simbolismo. Tuvo expresión internacional en la poesía, la literatura, el teatro y la música. En arquitectura, las artes aplicadas y el simbolismo de las artes decorativas fueron estrechamente paralelos y se superpusieron con el Art Nouveau. El simbolismo a menudo está indisolublemente ligado a otros movimientos artísticos contemporáneos, emergiendo y encontrando expresión dentro de otros estilos como el Post-Impresionismo, Les Nabis, el Movimiento Decadente, el Fin-de Siecle, el Art Nouveau, la Secesión de Munich, la Secesión de Viena, el Expresionismo y incluso los prerrafaelitas, que se habían formado antes e influyeron también en el simbolismo. Artistas tan diversos como James McNeill Whistler, Eugène Carrière, Ferdinand Hodler, Fernand Khnopff, Giovanni Segantini, Lucien Lévy-Dhurmer, Jean Delville y James Ensor tenían diversos grados de asociación con el simbolismo.Rápidamente comenzó a desvanecerse con la aparición del fauvismo, el cubismo, el futurismo y se había disipado en gran medida con el estallido de la Primera Guerra Mundial, sin embargo, encontró cierto desarrollo sostenido y relevancia en la escuela metafísica, que a su vez tuvo una profunda influencia en el surrealismo..

Los sujetos, los temas y los significados del arte simbolista son frecuentemente velados y oscuros, pero en el mejor de los casos aún logran resonar profundamente en niveles psicológicos o emocionales. Los temas a menudo se presentan como metáforas o alegorías, con el objetivo de evocar emociones e ideas altamente subjetivas, personales e introspectivas en el espectador, sin definir claramente o abordar el tema directamente. El poeta Stéphane Mallarmé escribió "representar no la cosa sino el efecto que produce" y "Nombrar un objeto es suprimir las tres cuartas partes del placer del poema que se hace comprender poco a poco". El pintor inglés George Frederic Watts afirmó: "Yo pinto ideas, no cosas".

• Niña tracia con cabeza de Orfeo en su lira; de Gustave Moreau; 1865; petróleo; 154 × 99,5 cm; Museo de Orsay (París)
• Visión después del sermón (Jacob luchando con el ángel); 1888; óleo sobre lienzo; 73 x 92 cm; Galería Nacional Escocesa (Edimburgo, Escocia)
• el grito; por Edvard Munch; 1893; témpera y crayón sobre cartón; 91 x 73,5 cm; Galería Nacional (Oslo, Noruega)
• muerte verde; de Odilón Redón; C. 1905; óleo sobre lienzo; 54,9 x 46,3 cm; Museo de Arte Moderno
• El Cíclope; de Odilón Redón; C. 1914; óleo sobre cartón sobre tabla; 64 x 51 cm; Museo Kröller-Müller (Otterlo, Países Bajos)

Postimpresionismo (c. 1885-1910)

Postimpresionismo es un término bastante impreciso que se aplica a una generación diversa de artistas. En su sentido más estricto, pertenece a cuatro artistas muy influyentes: Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat y Vincent van Gogh.Cada uno pasó por una fase impresionista, pero finalmente surgió con cuatro estilos muy originales pero diferentes. Colectivamente, su trabajo anticipó y, a menudo, influyó directamente en gran parte del arte de vanguardia que apareció antes de la Primera Guerra Mundial, incluido el fauvismo, el cubismo, el expresionismo y la abstracción temprana. Cézanne (particularmente influyente en el cubismo) y Van Gogh trabajaron en relativo aislamiento, lejos de París, en puntos críticos de sus carreras, mientras que Seurat y Gauguin trabajaron en grupos, más en colaboración, en puntos clave de su desarrollo. Otro artista importante de la época es Toulouse-Lautrec, un pintor influyente y artista gráfico.En un sentido más amplio, el postimpresionismo incluye una generación de artistas predominantemente franceses y belgas que trabajaron en una variedad de estilos y grupos. La mayoría había estado bajo la influencia del impresionismo en algún momento, pero llevó su trabajo más allá de él en varias facciones a mediados de la década de 1880, a veces como un desarrollo lógico del impresionismo, otras veces como una reacción contra él. Los postimpresionistas generalmente representaban temas impresionistas, pero el trabajo, particularmente el sintetismo, a menudo contenía simbolismo, espiritualismo y atmósferas cambiantes que rara vez aparecían en el impresionismo. Los colores antinaturales, los patrones, las llanuras planas, las perspectivas extrañas y los puntos de vista llevados a los extremos, todo movió el centro del modernismo un paso más cerca de la abstracción con un estándar para la experimentación.

El neoimpresionismo (divisionismo o puntillismo, c. 1884–1894) exploró la luz y el color basándose en teorías científicas del color, creando mosaicos de pinceladas en colores puros, a veces dispuestos en patrones rítmicos con líneas influenciadas por el Art Nouveau. Los artistas principales fueron Georges Seurat y Paul Signac, otros incluyen a Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, Albert Dubois-Pillet y, durante un período, Pissarro y Van Gogh. Influyó en el fauvismo y elementos del estilo aparecieron en el expresionismo, el cubismo y la abstracción temprana. sintetismo(Cloisonnismo c. 1888–1903) El cloisonnismo fue concebido por Émile Bernard e inmediatamente adoptado y desarrollado por Paul Gauguin y otros mientras se encontraban en una colonia de artistas en Pont-Aven (Bretaña, Francia). El estilo se parecía al esmalte cloisonné o a las vidrieras, con colores planos y llamativos delineados en negro u oscuro. El sintetismo, ejemplificado en el trabajo de Gauguin y Paul Sérusier, es un término un poco más amplio con menos énfasis en los contornos oscuros y las cualidades del cloisonné. Otros artistas incluyen a Cuno Amiet, Louis Anquetin, Charles Filiger, Jacob Meyer de Haan, Charles Laval y Armand Seguin. Su obra influyó mucho en el fauvismo y el expresionismo. Les Nabis(c. 1890-1905: hebreo para profetas o illuminati) fue un movimiento más grande en Francia y Bélgica que se inspiró eclécticamente en elementos progresistas del sintetismo, el neoimpresionismo, el simbolismo y el Art Nouveau. Quizás más influyentes que el arte fueron las numerosas teorías, los manifiestos y el contagioso entusiasmo por la vanguardia, que marcaron la pauta para la proliferación de movimientos e "ismos" en el primer cuarto del siglo XX. La Revue Blanche publicó a menudo Les Nabis y contenido simbolista. El trabajo de Édouard Vuillard y Pierre Bonnard,California. 1890-1910 es un ejemplo de Les Nabis, aunque ambos evolucionaron en sus estilos y produjeron un trabajo significativo en la década de 1940. Otros artistas incluyen a Maurice Denis, Maxime Dethomas, Meyer de Haan, Henri-Gabriel Ibels, Georges Lacombe, Aristide Maillol, Paul Ranson, Ker-Xavier Roussel, Armand Séguin, Paul Sérusier, Félix Vallotton, Jan Verkade y otros.

• la noche estrellada; de Vincent van Gogh; 1889; óleo sobre lienzo; altura: 73,7 cm; Museo de Arte Moderno (Nueva York)
• Félix Fénéon; de Paul Signac; 1890; óleo sobre lienzo; 73,5 x 92,5 cm; Museo de Arte Moderno (Nueva York)
• Ajá Oe Feii? (¿Estás celoso?); de Paul Gauguin; 1892; óleo sobre lienzo; 68 x 92 cm; Museo Pushkin (Moscú, Rusia)
• En el Moulin Rouge; de Henri de Toulouse-Lautrec; 1892/1895; óleo sobre lienzo, 1,23 × 1,41 m; Instituto de Arte de Chicago (Chicago, EE. UU.)
• los bañistas; de Paul Cézanne; 1898–1905; óleo sobre lienzo; 210,5 cm × 250,8 cm; Museo de Arte de Filadelfia (Filadelfia, EE. UU.)

Principios del siglo 20

La historia del arte del siglo XX es una narración de infinitas posibilidades y la búsqueda de nuevos estándares, cada uno de los cuales es derribado sucesivamente por el siguiente. Los movimientos artísticos del fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el arte abstracto, el dadaísmo y el surrealismo llevaron a nuevas exploraciones de nuevos estilos creativos y formas de expresión. La creciente interacción global durante este tiempo vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental, como la influencia de Pablo Picasso por la escultura ibérica, la escultura africana y el primitivismo. El japonismo y los grabados en madera japoneses (que habían sido influenciados por el dibujo del Renacimiento occidental) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y los desarrollos artísticos posteriores. El influyente ejemplo de Paul Gauguin' El interés de Picasso por el arte oceánico y la repentina popularidad entre los eruditos a principios del siglo XX en París de las esculturas fetiches africanas recién descubiertas y otras obras de culturas no europeas fueron asumidos por Picasso, Henri Matisse y muchos de sus colegas. Más tarde, en el siglo XX, el arte pop y el expresionismo abstracto cobraron importancia.

Art Nouveau (c. 1890-1914)

Art Nouveau (francés: nuevo arte) fue un movimiento de arte y diseño internacional y generalizado que surgió en las últimas décadas del siglo XIX hasta la Primera Guerra Mundial en 1914. Fue catapultado a la prominencia internacional con la Exposición Universal de 1900 en París. Con un desarrollo casi simultáneo en partes de Europa y EE. UU., fue un intento de crear una forma de expresión única y moderna que evocara el espíritu del nuevo siglo. Se manifestó en pintura, ilustración, escultura, joyería, orfebrería, vidrio, cerámica, textil, diseño gráfico, mobiliario, arquitectura, vestuario y moda. Los artistas del Art Nouveau pretendían elevar el estatus de la artesanía y el diseño al nivel de las bellas artes.

El movimiento está muy asociado con formas orgánicas sinuosas, como flores, vides y hojas, pero también insectos y animales, a través de las obras de artistas como Alphonse Mucha, Victor Horta, Hector Guimard, Antoni Gaudí, René Lalique o Émile Gallé. Los diseños y edificios Art Nouveau a menudo pueden ser asimétricos. Aunque hay características de identificación, el estilo también mostró muchas interpretaciones regionales y nacionales.

A pesar de ser una moda efímera, allanó el camino para la arquitectura y el diseño modernos del siglo XX. Fue el primer estilo arquitectónico sin precedentes históricos, siendo el siglo XIX conocido por una práctica conocida como historicismo, que es el uso de estilos visuales que conscientemente hacen eco del estilo de una era artística anterior. entre c.1870 y 1900, se produjo una crisis del historicismo, durante la cual se criticó la cultura historicista, una de las voces fue Friedrich Nietzsche en 1874, quien diagnosticó 'un fervor histórico maligno' como uno de los síntomas paralizantes de una cultura moderna agobiada por el estudio arqueológico. y la fe en las leyes de la progresión histórica. A pesar de esto, el Art Nouveau también estuvo fuertemente influenciado por estilos del pasado como el arte celta, gótico y rococó, y también por el movimiento Arts and Crafts, el esteticismo, el simbolismo y especialmente por el arte japonés.

• The Climax, ilustración para Salome de Oscar Wilde; por Aubrey Vincent Beardsley; 1893; impresión de bloque de línea; 34 × 27 cm; Colección privada
• diván japonés; de Henri de Toulouse-Lautrec; C. 1893–1894; litografía; 81 × 62,3 cm; Museo de Bellas Artes (Boston, EE. UU.)
• Le Printemps; de Eugène Grasset (diseñador) y Félix Gaudin (vidriero); 1894; vidrio y plomo; 298 x 136 cm; Musée des Arts Décoratifs (París)
• Casa Batlló (Barcelona, ​​España), una obra maestra icónica del Art Nouveau, 1904–1906, de Antoni Gaudí
• El beso; de Gustav Klimt; 1907-1908; óleo sobre lienzo; 1,8 x 1,8 m; Österreichische Galerie Belvedere (Viena, Austria)
• Galletas Lefèvre-Utile, publicidad; de Alfons Mucha; 1897; litografía; 62 × 43,5 cm; Colección privada
• El broche Libélula; de René Lalique; C. 1897–1898; oro, esmalte vítreo, crisoprasa, calcedonia, piedra luna y diamante; alto: 23 cm, ancho: 26,5 cm; Museo Calouste Gulbenkian (Lisboa, Portugal)
• Escritorio (Art Nouveau), presentado en la Exposición de París de 1900; de Émile Gallé; 1900; roble moldurado y tallado, con bronce cincelado y patinado; altura: 108,5 cm; Museo de Orsay (París)
• Alegoría de un arte aplicado; de Georges de Feure; 1900; óleo sobre lienzo; 277 x 103 cm; Museo de Orsay
• Mița the Cyclist House (Bucarest, Rumania), 1910, de Nicolae C. Mihăescu

Fauvismo (c. 1898-1909)

El fauvismo surgió del postimpresionismo y se convirtió gradualmente en el primer gran movimiento del siglo XX. Su génesis fue en 1895 cuando Henri Matisse, la figura más antigua y central, ingresó al estudio de Gustave Moreau en la Ecole des Beaux-Arts. Allí conoció a Georges Rouault, Charles Camoin, Henri Manguin y Albert Marquet. Marquet dijo: "Ya en 1898, Matisse y yo trabajábamos en lo que más tarde se llamaría la manera Fauve. Las primeras exposiciones en los Indepéndants en las que éramos, creo, los únicos que pintamos en tonos puros, se remontan a 1901."Entre 1902 y 1903, el círculo de artistas afines había crecido hasta incluir a Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Othon Friesz, Jean Metzinger, Jean Puy, Louis Valtat, Kees van Dongen y Maurice de Vlaminck. Durante este período se realizaron en París una serie de influyentes exposiciones retrospectivas: Seurat (1900, 1905), Van Gogh (1901, 1905), Toulouse-Lautrec (1902), Gauguin (1906), Cézanne (1907), todas relativamente desconocidas para el público en ese momento. Matisse y Derain coleccionaron tallas africanas, una curiosidad novedosa pero creciente de la época. Matisse pasó el verano de 1904 pintando en Saint-Tropez con el neoimpresionista Paul Signac y Henri-Edmond Cross, seguido en 1905 por Camoin, Manguin y Marquet. El artista expuso con regularidad en el Salon des Indepéndants y el Salon d' Automne 1903-1908 y en 1905 su trabajo causó sensación y escándalo. Matisse declaró: "Estábamos exhibiendo en el Salon d'Automne, Derain, Manguin, Marquet, Puy, y algunos otros estaban colgados juntos en una de las galerías más grandes. En el centro de esta sala, el escultor Marque exhibió un busto de un niño muy al estilo italiano. Vauxcelles [crítico de arte de Gil Blas] entró en la habitación y dijo: ¡Bien! ¡Bien! ¡Donatello en la niebla de las fieras! [Donatello chez les fauves]". ¡Donatello en la niebla de las fieras! [Donatello chez les fauves]". ¡Donatello en la niebla de las fieras! [Donatello chez les fauves]".El movimiento no había sido percibido como una entidad por el público, pero una vez que se publicó, el nombre se quedó. A diferencia de los impresionistas y su larga lucha por la aceptación, la vanguardia tenía una audiencia entusiasta en 1906-1907 y los fauvistas atraían a coleccionistas de Estados Unidos a Rusia. Sin embargo, el fauvismo se disolvió en gran medida en 1908, cuando apareció el cubismo, la mayoría de los artistas comenzaron a explorar otros estilos y se movieron en diferentes direcciones. Solo Matisse y Dufy continuaron explorando el fauvismo en la década de 1950.

Los fauvistas pintaron paisajes al aire libre, interiores, figuras y naturalezas muertas, siguiendo ejemplos del realismo, el impresionismo y el postimpresionismo. Aplicaron pintura con pinceladas sueltas, en colores gruesos, antinaturales, a menudo contrastantes y vibrantes, a veces directamente del tubo. La influencia de Gauguin, con su exploración de los valores expresivos y los aspectos espaciales de los patrones con colores planos y puros, así como su interés por el primitivismo fueron significativos, al igual que el neoimpresionismo. Matisse explicó –durante mucho tiempo el color sirvió como complemento del diseño, los pintores del Renacimiento construían el cuadro por línea, añadiendo después el color local– escribiendo: “De Delacroix a Van Gogh y principalmente a Gauguin, pasando por el impresionista, que despejó el terreno, y Cézanne, que dio el impulso final e introdujo los volúmenes coloreados,El fauvismo fue la culminación de un cambio, del dibujo y la línea como bases fundamentales del diseño en la pintura al color, y representaron a sus sujetos al borde de la abstracción.

• Casas en Chatou; de Maurice de Vlaminck; C. 1905; óleo sobre lienzo, 81 × 101 cm; Instituto de Arte de Chicago (Chicago, EE. UU.)
• mujer con sombrero; de Henri Matisse; 1905; óleo sobre lienzo; 80,7 x 59,7 cm; Museo de Arte Moderno de San Francisco (San Francisco, EE. UU.)
• Paisaje fauvista; de Louis Valtat; 1905–1906; óleo sobre lienzo; Museo de Arte Speed ​​(Louisville, Kentucky, EE. UU.)
• Puente de Charing Cross, Londres; de André Derain; 1906; óleo sobre lienzo, 80,3 × 100,3 cm.; Galería Nacional de Arte (Washington, DC, EE. UU.)
• La Ciotat; por Othon Friesz; 1907; óleo sobre lienzo, 65,7 por 81 cm.; colección desconocida

Expresionismo (c. 1905-1930)

El expresionismo fue un movimiento internacional en pintura, escultura, artes gráficas, poesía, literatura, teatro, cine y arquitectura. Algunos asocian la Segunda Escuela Vienesa y otra música de la época con el movimiento. La mayoría de los historiadores sitúan el comienzo del expresionismo en 1905 con la fundación de Die Brücke. Sin embargo, varios artistas estaban produciendo obras influyentes que tenían el espíritu del expresionismo c. 1885-1905, incluidos Lovis Corinth, James Ensor, Käthe Kollwitz, Paula Modersohn-Becker, Edvard Munch, Emil Nolde y Christian Rohlfs, entre otros. Muchos de estos artistas luego expusieron y se asociaron con varios grupos expresionistas. La pintura expresionista se caracteriza por una pincelada empastada suelta, espontánea, frecuentemente espesa. A menudo transmitía cómo se sentía el artista sobre su tema, en oposición a cómo se veía, anteponiendo la intuición y las corazonadas a las representaciones realistas o las teorías del arte. El expresionismo estaba frecuentemente infundido con angustia o alegría, y un compromiso general con la vida contemporánea y los problemas sociales que a menudo estaba ausente del enfoque del fauvismo en el diseño y el color aplicado a temas neutrales. Las xilografías son particularmente notables en el expresionismo. El expresionismo a veces puede superponerse e integrarse con otros estilos y movimientos, como el simbolismo, el fauvismo, el cubismo, el futurismo, la abstracción y el dadaísmo. Varios grupos y facciones de expresionistas aparecieron en varios momentos y lugares. s se centran en el diseño y el color aplicado a sujetos neutros. Las xilografías son particularmente notables en el expresionismo. El expresionismo a veces puede superponerse e integrarse con otros estilos y movimientos, como el simbolismo, el fauvismo, el cubismo, el futurismo, la abstracción y el dadaísmo. Varios grupos y facciones de expresionistas aparecieron en varios momentos y lugares. s se centran en el diseño y el color aplicado a sujetos neutros. Las xilografías son particularmente notables en el expresionismo. El expresionismo a veces puede superponerse e integrarse con otros estilos y movimientos, como el simbolismo, el fauvismo, el cubismo, el futurismo, la abstracción y el dadaísmo. Varios grupos y facciones de expresionistas aparecieron en varios momentos y lugares.

Die Brücke (El puente: 1905 -1913) aspiraba a conectar "todos los elementos revolucionarios y emergentes". Fue fundado por cuatro estudiantes de arquitectura Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl. Compartiendo un estudio en Dresde produjeron pinturas, tallas, grabados y exhibiciones organizadas, separándose en el verano para trabajar de forma independiente. Su primera exhibición fue en 1905, luego se unieron Emil Nolde y Max Pechstein en 1906, y Otto Mueller en 1910, entre otros. Las influencias incluyeron el arte gótico, el primitivismo, el Art Nouveau y los desarrollos en París, particularmente Van Gogh y el fauvismo. El grupo se mudó a Berlín en 1911 y luego se disolvió en 1913. Der Blaue Reiter (The Blue Rider: 1911–1914), fundado por Wassily Kandinsky y Franz Marc, era un grupo relativamente informal que organizaba exposiciones de arte de París y Europa, así como las propias. Fue uno de una serie de grupos cada vez más progresistas que se separaron de la Academia de Arte de Munich, incluida The Munich Secession en 1892 (realista e impresionista), Phalanx en 1901 (postimpresionista), Neue Kunstler Vereiningung en 1909 y The Blue Rider en 1911. Artista asociados con los dos últimos grupos incluían a los hermanos Burliuk, Heinrich Campendonk, Alexej von Jawlensky, Paul Klee, August Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. El eufónico almanaque Der Blaue Reiter, una colección de ensayos influyentes, y De lo espiritual en el arte de Kandinskycon sus ideas sobre el arte no objetivo se publicaron en 1912. The Blue Rider terminó con el estallido de la Primera Guerra Mundial en la que murieron Macke y Marc.

Otros artistas como Oskar Kokoschka, Egon Schiele y Richard Gerstl surgieron en Austria. El artista francés Georges Rouault y Chaïm Soutine tenían afinidades con el movimiento. Los escultores incluyen a Ernst Barlach, Wilhelm Lehmbruck, Gerhard Marcks y William Wauer. Los arquitectos asociados con el expresionismo incluyen a Max Berg, Hermann Finsterlin, Johann Friedrich Höger, Michel de Klerk, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hans Scharoun, Rudolf Steiner y Bruno Taut. Der Sturm (La tormenta 1910-1932) fue una revista con mucho contenido expresionista fundada por Herwarth Walden, con una galería asociada en Berlín inaugurada en 1912 y una compañía de teatro y una escuela inauguradas en 1918. Películas consideradas expresionistas, algunas consideradas clásicas. incluyen El gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene, 1920), Nosferatu(FW Murnau, 1922) y Metrópolis (Fritz Lang, 1927).

Después de la Primera Guerra Mundial, se produjo una tendencia a retirarse de la vanguardia por parte de muchos artistas, que se ve en el trabajo de los fauvistas originales durante la década de 1920, los períodos neoclásicos de Picasso y Stravinsky y el trabajo tardío de De Chirico. Esta tendencia se denominó Nueva Objetividad (ca. 1919-1933) en Alemania y, en contraste con la naturaleza nostálgica de este trabajo en otros lugares, se caracterizó por la desilusión y la crítica social despiadada. Los artistas de la nueva objetividad surgieron principalmente de entornos expresionistas y dadaístas, incluidos Otto Dix, Christian Schad, Rudolf Schlichter, Georg Scholz y Jeanne Mammen. Max Beckmann y George Grosz también estuvieron asociados con la nueva objetividad durante un tiempo. Aunque no es intrínsecamente expresionista, la Staatliches Bauhaus (Escuela de Construcción: 1919-1933)fue una influyente escuela alemana que fusionó la artesanía, la decoración y las bellas artes. Pasando de Weimar a Dessau, a Berlín, cambió y evolucionó en enfoque con el tiempo. Los directores incluyeron a los arquitectos Walter Gropius (1919–1928), Hannes Meyer (1928–1930) y Ludwig Mies van der Rohe (1930–1933). En varios puntos, la facultad incluyó a Josef Albers, Theo van Doesburg, Lyonel Feininger, Johannes Itten, Paul Klee, Wassily Kandinsky, El Lissitzky, Gerhard Marcks, László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer. Los arquitectos de la Bauhaus influyeron mucho en el estilo internacional, que se caracterizaba por formas simplificadas, falta de ornamentación, unión de diseño y función, y la idea de que la producción en masa podía ser compatible con la visión artística personal. Cuando el Partido Nazi subió al poder, el arte moderno se denominó "arte degenerado" y la Bauhaus se cerró en 1933.

• El grito; por Edvard Munch; 1893; témpera y crayón sobre cartón; 91 x 73,5 cm; Galería Nacional de Noruega (Oslo)
• Torre de los Caballos Azules; de Franz Marc; 1912; tinta y guache sobre cartulina; 14,3 x 9,4 cm; Colecciones de pintura del estado bávaro (Munich, Alemania)
• Composición VII; de Wassily Kandinsky; 1913; óleo sobre lienzo; 2x3m; Galería Tretyakov (Moscú, Rusia)
• La Torre Einstein (Potsdam, cerca de Berlín, Alemania), 1920–1924, por Erich Mendelsohn
• máscara de actor; de Paul Klee; 1924; óleo sobre lienzo montado sobre tabla; 36,7 x 33,8 cm; Museo de Arte Moderno (Nueva York)

Cubismo (c. 1907-1914)

El cubismo consistió en el rechazo de la perspectiva, lo que conduce a una nueva organización del espacio donde los puntos de vista se multiplican produciendo una fragmentación del objeto que hace evidente la predilección por la forma sobre el contenido de la representación. Pablo Picasso, Georges Braque y otros artistas cubistas se inspiraron en las esculturas de Iberia, África y Oceanía expuestas en el Louvre y el museo etnográfico del Trocadéro, y que se ofrecían en mercadillos y salas de venta.

'Un Picasso estudia un objeto como un cirujano disecciona un cadáver', escribió el crítico y poeta Guillaume Apollinaire en 1913. Cinco años antes, Pablo Picasso y Georges Braque -amigos, colegas y rivales- habían comenzado a rechazar el realismo perspectivo por una forma de autopsia artística: un estilo de pintura completamente revolucionario que miraba dentro y alrededor de los objetos, presentándolos de forma analítica, objetiva y completamente impersonal.

• Les Demoiselles d'Avignon; de Pablo Picasso; 1907; óleo sobre lienzo; 2,43 × 2,3 m; Museo de Arte Moderno
• violín y cántaro; de Georges Braque; 1909-1910; óleo sobre lienzo; 1,17 x 0,73 cm; Kunstmuseum Basel (Basilea, Suiza)
• La torre Eiffel; de Robert Delaunay; 1911; óleo sobre lienzo; 2,02 x 1,38 m; Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York)
• Desayuno; de Juan Gris; 1914; gouache, óleo y crayón sobre papel impreso cortado y pegado sobre lienzo; 80,9 x 59,7 cm; Museo de Arte Moderno (Nueva York)

Art Déco (hacia 1920-1940)

Art Deco apareció en Francia como un estilo de lujo y modernidad. Pronto, se extendió rápidamente por todo el mundo, más dramáticamente en Estados Unidos, y se hizo más eficiente durante la década de 1930. El estilo recibió su nombre de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925. Su exuberancia y fantasía capturaron el espíritu de los "locos años 20" y proporcionaron un escape de las realidades de la Gran Depresión durante la década de 1930. Tuvo influencias griegas, romanas, africanas, aztecas y japonesas antiguas, pero también futuristas, cubistas y Bauhaus. A veces se mezcló con el estilo del Renacimiento egipcio, debido al descubrimiento en 1922 de la Tumba de Tutankamón y la egiptomanía que provocó. Dos ejemplos de ello son el Cine Le Louxor de París, 1919-1921, de Henri Zipcy, y el Teatro Egipcio de DeKalb (Illinois, EE. UU.), 1929-1930, por Elmer F. Behrns. En las artes decorativas, incluida la arquitectura, se utilizaron diseños en bajorrelieve y patrones y formas angulares. Los materiales predominantes incluyen cromo, latón, acero pulido y aluminio, madera con incrustaciones, piedra y vidrieras.

Algunos de los artistas art déco más importantes son la pintora polaca residente en París Tamara de Lempicka, el cartelista francés nacido en Ucrania Adolphe Jean-Marie Mouron, conocido como Cassandre, y el diseñador de muebles y decorador de interiores francés Émile-Jacques Ruhlmann.

• Gabinete de esquina; de Emile-Jacques Ruhlmann; C. 1923; chapa de kingwood (amaranto) sobre caoba e incrustaciones de marfil; 126,7 x 80,6 x 59,7 cm; Museo de Brooklyn (Nueva York)
• Fortissimo; de Séraphin Soudbinine; 1925–1926; madera lacada, cáscara de huevo, nácar y oro; 248,9 x 88,9 x 3,8 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• La Samaritaine (París), 1926-1928, de Henri Sauvage
• Edificio Chrysler (Nueva York), 1930, por William Van Allen
• Musée de la Mer (Biarritz, Francia), 1933, de Joseph Hiriart

Surrealismo (c. 1924-1966)

El surrealismo surgió como una facción de Dada, anunciando formalmente su inicio en 1924 con el Manifiesto del Surrealismo de André Breton. Originalmente un grupo literario de poetas y escritores en París, pronto se convirtió en un movimiento internacional que incluía pintores, escultores, fotógrafos y cineastas. A Second Manifeste du Surréalisme se publicó en 1929.El surrealismo no tuvo una expresión significativa en las artes aplicadas o decorativas, la arquitectura o la música, aunque se pueden identificar algunos ejemplos aislados (por ejemplo, juegos de ajedrez, muebles y Las Pozas). La pequeña y efímera Escuela Metafísica (c. 1910-1921), con Giorgio de Chirico como figura principal, fue muy influyente en el surrealismo. El surrealista exploró una miríada de técnicas innovadoras, algunas recién desarrolladas en el cubismo y el dadá, otras eran nuevas, como el collage, los objetos encontrados, el ensamblaje, el azar, las rayografías (fotogramas), la pintura sobre arena, la pintura que gotea y arroja, la decalcomanía, frottage, fumage y raclage. Dos enfoques fundamentales predominan en el arte surrealista. El automatismo dominó en los primeros años, lo que se puede ver en el trabajo de artistas como André Masson y Joan Miró. otro artista, influido por el trabajo de Giorgio de Chirico, utilizó métodos y medios más tradicionales para ilustrar pensamientos sin filtrar y yuxtaposiciones incongruentes, incluidos Salvador Dalí y René Magritte. Artistas importantes incluyen a Jean Arp, Hans Bellmer, Victor Brauner, Luis Buñuel, Joseph Cornell, Óscar Domínguez, Max Ernst, Wifredo Lam, Yves Tanguy, Man Ray, Alberto Giacometti, Méret Oppenheim y Roberto Matta. Otros artistas importantes abordados informalmente con el surrealismo incluyen a Marcel Duchamp, Pablo Picasso y Frida Kahlo. Las ideas y teorías surrealistas se discutieron en una serie sucesiva de revistas, Joseph Cornell, Óscar Domínguez, Max Ernst, Wifredo Lam, Yves Tanguy, Man Ray, Alberto Giacometti, Méret Oppenheim y Roberto Matta. Otros artistas importantes abordados informalmente con el surrealismo incluyen a Marcel Duchamp, Pablo Picasso y Frida Kahlo. Las ideas y teorías surrealistas se discutieron en una serie sucesiva de revistas, Joseph Cornell, Óscar Domínguez, Max Ernst, Wifredo Lam, Yves Tanguy, Man Ray, Alberto Giacometti, Méret Oppenheim y Roberto Matta. Otros artistas importantes abordados informalmente con el surrealismo incluyen a Marcel Duchamp, Pablo Picasso y Frida Kahlo. Las ideas y teorías surrealistas se discutieron en una serie sucesiva de revistas,La Révolution Surréaliste (1924–1929), Le Surrealisme au service de la revolution (1930–1933), Minotaure (1933–1939), VVV (1942–1944). Las pinturas automáticas realizadas por André Masson y Joan Miró, así como los recién llegados al surrealismo como Roberto Matta y Arshile Gorky, tuvieron una influencia considerable en el expresionismo abstracto de finales de la década de 1940.

Con una medida de la irreverencia y el desprecio de Dada por los valores políticos, religiosos y burgueses tradicionales de la cultura occidental que creían que habían llevado al mundo a la Primera Guerra Mundial (Breton y otros miembros fundadores eran veteranos); el surrealista exploró las posibilidades que había abierto Sigmund Freud respecto a la mente subconsciente: “Automatismo psíquico puro, por el cual se pretende expresar verbalmente, por escrito o por cualquier otro medio, el funcionamiento real de la mente. Dictado por el pensamiento, en ausencia de cualquier control ejercido por la razón, y más allá de cualquier preocupación estética o moral”. El surrealismo buscó expresar el pensamiento puro, sin filtrar ni censurar por principios políticos, religiosos, morales o racionales.

• La Canción de Amor; de Giorgio de Chirico; 1914; óleo sobre lienzo; 73 x 59,1 cm; Museo de Arte Moderno (Nueva York)
• El Elefante Célebes; por Max Ernst; 1921; óleo sobre lienzo; 125,4 × 107,9 cm; Tate Modern (Londres)
• el tiempo traspasado; de René Magritte; 1938; óleo sobre lienzo; 1,47 × 0,99 cm.; Instituto de Arte de Chicago

Mediados y finales del siglo XX

Mientras Europa luchaba por recuperarse de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos pasó a una posición de fortaleza política, económica y cultural. Durante las décadas de 1940 y 1950, el expresionismo abstracto surgió como el primer movimiento artístico específicamente estadounidense en tener un impacto internacional. En consecuencia, el enfoque del mundo del arte se desplazó de Europa a Nueva York. Los expresionistas abstractos eran un pequeño grupo de artistas vagamente asociados que tenían perspectivas similares pero enfoques diferentes. Estaban influenciados por el surrealismo y creían en la espontaneidad, la libertad de expresión y el abandono de los temas de la vida americana que habían caracterizado el arte nacional de las últimas décadas. Uno de los representantes más famosos de este movimiento fue Jackson Pollock, conocido por su pintura realizada al verter, sacudir y gotear pintura sobre enormes lienzos en el suelo.

Después de la Segunda Guerra Mundial, surgieron el consumismo y los medios de comunicación y, como resultado, el arte pop se desarrolló tanto en Londres como en Nueva York. En una exposición de Londres en 1956, la palabra 'Pop' se utilizó en un collage creado por Richard Hamilton (1922-2011) a partir de revistas estadounidenses. El arte pop fue una reacción contra el expresionismo abstracto e interpretó ideas de la cultura pop. Al celebrar y comentar sobre el consumismo, los artistas pop, como se los conoció, produjeron imágenes coloridas basadas en la publicidad, los medios y las compras, con estrellas de cine, tiras cómicas, banderas, empaques y alimentos, cosas que todos, en lugar de solo unos pocos intelectuales., podría relacionarse con.

El término Minimalismo no era nuevo, pero cobró impulso en la década de 1960, describiendo específicamente un estilo de arte caracterizado por la moderación desapegada. Con origen en Nueva York, fue una reacción contra el expresionismo abstracto, pero también adoptó las ideas constructivistas de que el arte debe estar hecho de materiales modernos. Por lo tanto, los artistas minimalistas, principalmente escultores, a menudo usaban materiales y métodos de producción no tradicionales, a menudo empleando fabricantes industriales o especializados para producir obras según sus especificaciones. El término se usó principalmente para describir a un grupo de escultores estadounidenses que reevaluaron el espacio que los rodeaba, con el objetivo de desafiar las suposiciones y presentar objetos familiares de formas nuevas. Sus obras de arte no tienen ningún simbolismo o significado oculto, ya que intentan que los espectadores reevalúen el arte y el espacio en torno a las formas. A diferencia de una escultura figurativa en la que el espectador se enfoca excluyendo la habitación en la que se encuentra, el arte minimalista se vuelve uno con su espacio. Al centrarse en los efectos del contexto y la teatralidad de la experiencia visual, el minimalismo ejerció una influencia indirecta pero poderosa en los desarrollos posteriores del arte conceptual y de performance, además de proporcionar un contraste para el surgimiento del posmodernismo.

A pesar de desarrollarse casi 50 años después de las ideas de Marcel Duchamp, el arte conceptual demostró que el arte no siempre tiene que ser juzgado estéticamente. Nunca fue un movimiento único y cohesivo, sino un término general que ahora cubre varios tipos de arte y surgió más o menos al mismo tiempo en América y Europa, definido por primera vez en Nueva York. Los artistas conceptuales promueven el arte de las ideas o conceptos, sugiriendo que pueden ser más válidos en el mundo moderno que la habilidad técnica o la estética. No importa el medio artístico de una obra de arte, se considera que no es más que un vehículo para presentar el concepto. En su forma más extrema, el arte conceptual renuncia por completo al objeto físico y utiliza mensajes verbales o escritos para transmitir la idea.

• Arte pop: ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?; de Richard Hamilton; 1956; collage; 26 × 26 cm; Kunsthalle Tübingen (Tubinga, Alemania)
• Minimalismo: Sin título; por Donald Judd; 1982-1986; aluminio molido; ancho: 1,83 m; Fundación Chinati (Marfa, Texas, EE. UU.)