Historia del anime

La historia del anime se remonta a principios del siglo XX, con las primeras películas verificables que datan de 1907. Antes del advenimiento del cine, Japón ya tenía una rica tradición de entretenimiento con figuras pintadas de colores moviéndose a través de la pantalla de proyección en utsushi. -e (写し絵), un tipo japonés particular de espectáculo de linterna mágica popular en el siglo XIX. Posiblemente inspirados en los espectáculos de fantasmagoría europeos, los artistas utsushi-e utilizaron diapositivas mecánicas y desarrollaron proyectores de madera livianos (furo) que eran portátiles para que varios artistas pudieran controlar los movimientos de diferentes figuras proyectadas.

La segunda generación de animadores a fines de la década de 1910 incluía a Ōten Shimokawa, Jun'ichi Kōuchi y Seitaro Kitayama, comúnmente conocidos como los "padres" del anime. Las películas de propaganda, como Momotarō no Umiwashi (1943) y Momotarō: Umi no Shinpei (1945), siendo esta última el primer largometraje de anime, se realizaron durante la Segunda Guerra Mundial. Durante la década de 1970, el anime se desarrolló aún más, con la inspiración de los animadores de Disney, separándose de sus raíces occidentales y desarrollando distintos géneros como el mecha y su subgénero de superrobot. Los espectáculos típicos de este período incluyen Astro Boy, Lupin III y Mazinger Z.. Durante este período, varios cineastas se hicieron famosos, especialmente Hayao Miyazaki y Mamoru Oshii.

En la década de 1980, el anime se generalizó en Japón, experimentando un auge en la producción con el aumento de la popularidad de anime como Gundam, Macross, Dragon Ball y géneros como robot real, space opera y cyberpunk. Space Battleship Yamato y The Super Dimension Fortress Macross también lograron éxito mundial después de ser adaptados respectivamente como Star Blazers y Robotech.

La película Akira estableció récords en 1988 por los costos de producción de una película de anime y se convirtió en un éxito internacional. Más tarde, en 2004, los mismos creadores produjeron Steamboy, que se convirtió en la película de anime más cara. Spirited Away compartió el primer premio en el Festival de Cine de Berlín de 2002 y ganó el Premio de la Academia de 2003 a la Mejor Película de Animación, mientras que Innocence: Ghost in the Shell se presentó en el Festival de Cine de Cannes de 2004.

Precursores

Antes del cine, Japón ya contaba con varias formas de entretenimiento basadas en narraciones e imágenes. Emakimono y kagee se consideran precursores de la animación japonesa. Emakimono era común en el siglo XI. Cuentacuentos ambulantes narraban leyendas y anécdotas mientras el emakimono se desenrollaba de derecha a izquierda en orden cronológico, como un panorama en movimiento. Kagee fue popular durante el período Edo y se originó a partir del juego de sombras de China. Las linternas mágicas de los Países Bajos también fueron populares en el siglo XVIII. El juego de papel llamado Kamishibai surgió en el siglo XII y siguió siendo popular en el teatro de calle hasta la década de 1930. Los títeres del teatro bunraku y las estampas ukiyo-e se consideran ancestros de los personajes de la mayoría de las animaciones japonesas. Finalmente, el manga fue una gran inspiración para la animación japonesa. Los dibujantes Kitzawa Rakuten y Okamoto Ippei utilizaron elementos cinematográficos en sus tiras a principios del siglo XX.

Orígenes del anime (principios de 1900 - 1922)

Según Natsuki Matsumoto, la primera película animada producida en Japón puede haber surgido ya en 1907. Conocida como Katsudō Shashin (活動写真, "Foto de actividad"), por su representación de un niño con traje de marinero dibujando los personajes de katsudō. shashin, la película se encontró por primera vez en 2005. Consta de cincuenta fotogramas grabados directamente sobre una tira de celuloide.Sin embargo, esta afirmación no se ha verificado y es anterior a la primera proyección conocida de películas animadas en Japón. La fecha y la primera película exhibida públicamente es otra fuente de controversia: si bien no se conoce definitivamente ninguna animación producida en Japón hasta la fecha antes de 1916, existe la posibilidad de que otras películas ingresaron a Japón y que no surgieron registros conocidos para probar una exhibición anterior a 1912. Los títulos de las películas han aparecido a lo largo de los años, pero no se ha demostrado que ninguno sea anterior a este año. Se sabe que la primera animación extranjera se encontró en Japón en 1910, pero no está claro si la película se proyectó alguna vez en un cine o se exhibió públicamente. Yasushi Watanabe encontró una película conocida como Fushigi no Bōrudo (不思議のボールド, "Miracle Board") en los registros de laCompañía Yoshizawa Shōten (吉沢商店). La descripción coincide con Humorous Phases of Funny Faces de James Blackton, aunque se discute el consenso académico sobre si se trata o no de una verdadera película animada. Según Kyokko Yoshiyama, la primera película animada llamada Nippāru no Henkei (ニッパールの変形, "La transformación de Nippāru") se proyectó en Japón en el Asakusa Teikokukan (浅草帝国館) en Tokio en algún momento de 1912. Sin embargo, Yoshiyama no se refirió a la película como "animación". La primera película animada confirmada proyectada en Japón fue Les Exploits de Feu Follet.por Émile Cohl el 15 de mayo de 1912. Si bien se han encontrado especulaciones y otras "películas engañosas" en Japón, es el primer relato registrado de una exhibición pública de una película animada bidimensional en el cine japonés. Durante este tiempo, las animaciones alemanas comercializadas para su estreno en el hogar se distribuyeron en Japón. En 1914, los dibujos animados estadounidenses y europeos se introdujeron en Japón, inspirando a creadores japoneses como Junichi Kouchi y Seitaro Kitayama, ambos considerados los "padres del anime".

Han sobrevivido pocas animaciones completas realizadas durante los inicios de la animación japonesa. Las razones varían, pero muchas son de naturaleza comercial. Una vez que se habían ejecutado los clips, los carretes (que eran propiedad de los cines) se vendían a cines más pequeños del país y luego se desarmaban y vendían como tiras o fotogramas individuales. El primer anime que se produjo en Japón, Namakura Gatana (Blunt Sword), se realizó en algún momento de 1917, pero allí se discute qué título fue el primero en obtener ese honor. Se ha confirmado que Dekobō Shingachō: Meian no Shippai (凸坊新画帳・名案の失敗, "Bumpy New Picture Book: Failure of a Great Plan") se realizó en algún momento durante febrero de 1917. Se informó que al menos dos títulos no confirmados se han realizado el mes anterior.

Los primeros cortometrajes de anime fueron realizados por tres figuras destacadas de la industria. Ōten Shimokawa fue un caricaturista político y dibujante que trabajó para la revista Tokyo Puck. Fue contratado por Tenkatsu para hacer una animación para ellos. Por razones médicas, solo pudo hacer cinco películas, incluida Imokawa Mukuzo Genkanban no Maki.(1917), antes de volver a su trabajo anterior como dibujante. Otro animador destacado en este período fue Jun'ichi Kōuchi. Era caricaturista y pintor, que también había estudiado pintura a la acuarela. En 1912, también ingresó al sector de los dibujantes y Kobayashi Shokai lo contrató para una animación más tarde en 1916. Se lo considera el animador japonés técnicamente más avanzado de la década de 1910. Sus obras incluyen alrededor de 15 películas. El tercero fue Seitaro Kitayama, uno de los primeros animadores que hacía animaciones por su cuenta y no era contratado por corporaciones más grandes. Eventualmente fundó su propio estudio de animación, el Kitayama Eiga Seisakujo, que luego fue cerrado debido a la falta de éxito comercial. Utilizó la técnica de la pizarra, y más tarde la animación en papel, con y sin fondos preimpresos. Sin embargo,Las obras de estos dos últimos pioneros incluyen Namakura Gatana ("Una espada obtusa", 1917) y una película de 1918, Urashima Tarō, que se cree que se descubrieron juntas en un mercado de antigüedades en 2007. Sin embargo, este Urashima Tarō se demostró más tarde a la mayoría. probablemente sea una película diferente de la misma historia que la de 1918 de Kitayama, que, a partir de octubre de 2017, permanece sin descubrir.

Producciones de antes de la guerra (1923-1939)

Yasuji Murata, Hakuzan Kimura, Sanae Yamamoto y Noburō Ōfuji fueron alumnos de Kitayama Seitaro y trabajaron en su estudio de cine. Kenzō Masaoka, otro animador importante, trabajaba en un estudio de animación más pequeño. Muchas de las primeras películas animadas japonesas se perdieron después del terremoto de Tokio de 1923, incluida la destrucción de la mayor parte del estudio Kitayama, y ​​los artistas intentaron incorporar motivos e historias tradicionales en una nueva forma.

Los animadores de antes de la guerra se enfrentaron a varias dificultades. Primero, tenían que competir con productores extranjeros como Disney, que eran influyentes tanto en el público como en los productores. Las películas extranjeras ya habían obtenido ganancias en el extranjero y podrían venderse por debajo del precio en el mercado japonés, con un precio más bajo que el que los productores nacionales necesitaban para cubrir los gastos. Los animadores japoneses tenían entonces que trabajar barato, en pequeñas empresas con pocos empleados, lo que hacía difícil competir en calidad con productos extranjeros a color, con sonido y promocionados por empresas mucho más grandes. Hasta mediados de la década de 1930, la animación japonesa generalmente usaba animación recortada en lugar de animación cel porque el celuloide era demasiado caro.Esto dio como resultado una animación que podría parecer derivada, plana (ya que el movimiento hacia adelante y hacia atrás era difícil) y sin detalles. Pero así como los animadores japoneses de la posguerra pudieron convertir la animación limitada en una ventaja, maestros como Yasuji Murata y Noburō Ōfuji pudieron realizar maravillas que hicieron con la animación recortada.

Sin embargo, animadores como Kenzo Masaoka y Mitsuyo Seo intentaron llevar la animación japonesa al nivel del trabajo extranjero mediante la introducción de animación cel, sonido y tecnología como la cámara multiplano. Masaoka creó el primer anime sonoro, Chikara to Onna no Yo no Naka, lanzado en 1933, y el primer anime realizado completamente con animación cel, The Dance of the Chagamas (1934). Seo fue el primero en usar la cámara multiplano en Ari-chan en 1941.

Sin embargo, tales innovaciones eran difíciles de apoyar puramente comercialmente, por lo que la animación de antes de la guerra dependía considerablemente del patrocinio, ya que los animadores a menudo se concentraban en hacer películas de relaciones públicas para empresas, películas educativas para el gobierno y, finalmente, obras de propaganda para el ejército. Durante este tiempo, la censura y las normas escolares desalentaron a los niños a ver películas, por lo que Monbusho (el Ministerio de Educación) apoyó y alentó el anime que podía tener un valor educativo. Esto resultó importante para los productores que habían experimentado obstáculos al presentar su trabajo en los cines habituales. La animación había encontrado un lugar en el uso escolar, político e industrial.

Durante la Segunda Guerra Mundial

En la década de 1930, el gobierno japonés comenzó a imponer el nacionalismo cultural. Esto también conduce a una estricta censura y control de los medios publicados. Se instó a muchos animadores a producir animaciones que reforzaran el espíritu japonés y la afiliación nacional. Algunas películas se exhibieron en salas de noticieros, especialmente después de que la Ley de Cine de 1939 promoviera documentales y otras películas educativas. Tal apoyo ayudó a impulsar la industria, ya que se formaron compañías más grandes a través de fusiones y llevó a los principales estudios de acción en vivo como Shochiku a comenzar a producir animación. Fue en Shochiku donde se produjeron obras maestras como Kumo to Chūrippu de Kenzō Masaoka. Sin embargo, la reorganización de la industria durante la guerra fusionó los estudios de largometrajes en tres grandes empresas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el Ejército Imperial Japonés encargó más películas animadas, que mostraban a los japoneses astutos y rápidos ganando contra las fuerzas enemigas. Esto incluyó películas como Momotarō: Umi no Shinpei de Maysuyo Seo o Divine Sea Warriors de Momotarō, que se centró en la ocupación japonesa de Asia.

Ambiente de posguerra

En los años de la posguerra, los medios japoneses a menudo estaban influenciados por los Estados Unidos, lo que llevó a algunos a definir el anime como cualquier animación que emanara de Japón después de 1945. Mientras que el anime y el manga comenzaron a florecer en las décadas de 1940 y 1950, con películas (y diseños) extranjeros. por caricaturistas estadounidenses), que influyeron en personas como Osamu Tezuka,

En la década de 1950, comenzaron a aparecer estudios de anime en todo Japón. Hiroshi Takahata compró un estudio llamado Japan Animated Films en 1948, renombrándolo Tōei Dōga, con la ambición de convertirse en "el Disney de Oriente". Mientras estuvo allí, Takahata conoció a otros animadores como Yasuji Mori, quien dirigió Doodling Kitty, en mayo de 1957. Sin embargo, para el público japonés, no fue hasta el lanzamiento de Panda and the Magic Serpent en octubre de 1958 que Japón entró de lleno en el mundo. de animación profesional. Mientras los animadores comenzaban a experimentar con sus propios estilos, usando técnicas occidentales, Tezuka Osamu comenzó a dibujar manga shonen como Rob no Kishi (Knight of the Ribbon), que luego se convirtió en Princess Knight., tratando de atraer a las lectoras, mientras también es pionera en el manga shoujo.

Toei Animation y Mushi Production

Toei Animation and Mushi Production fue fundada y produjo el primer largometraje de anime en color en 1958, Hakujaden (El cuento de la serpiente blanca, 1958). Fue lanzado en los Estados Unidos en 1961, al igual que Panda and the Magic Serpent. Después del éxito del proyecto, Toei lanzó anualmente un nuevo largometraje de animación.

El estilo de Toei se caracterizó por un énfasis en que cada animador aportara sus propias ideas a la producción. El ejemplo más extremo de esto es la película Horus: Prince of the Sun (1968) de Isao Takahata. Horus a menudo se ve como la primera gran ruptura con el estilo de anime normal y el comienzo de un movimiento posterior de "anime autoritario" o "progresivo" que eventualmente involucraría a directores como Hayao Miyazaki (creador de El viaje de Chihiro) y Mamoru Oshii.

Una importante contribución del estilo de Toei al anime moderno fue el desarrollo del "money shot". Este método de animación de reducción de costos permite poner énfasis en las tomas importantes al animarlas con más detalle que el resto del trabajo (que a menudo sería una animación limitada). El animador de Toei, Yasuo Ōtsuka, comenzó a experimentar con este estilo y lo desarrolló aún más cuando entró en la televisión. En la década de 1980, Toei luego prestaría su talento a compañías como Sunbow Productions, Marvel Productions, DiC Entertainment, Murakami-Wolf-Swenson, Ruby Spears y Hanna Barbera, produciendo varios dibujos animados para Estados Unidos durante este período. Otros estudios como TMS Entertainment también se estaban utilizando en la década de 1980, lo que llevó a que los estudios asiáticos se usaran con más frecuencia para animar producciones extranjeras.

Osamu Tezuka estableció Mushi Production en 1961, después de que expirara el contrato de Tezuka con Toei Animation. El estudio fue pionero en la animación televisiva en Japón y fue responsable de series de televisión tan exitosas como Astro Boy, Kimba the White Lion, Gokū no Daibōken y Princess Knight.

Mushi Production también produjo el primer anime que se transmitió en los Estados Unidos (en NBC en 1963), aunque Osamu Tezuka se quejaría de las restricciones en la televisión estadounidense y las alteraciones necesarias para la transmisión.

1960

En la década de 1960, comenzó a formarse el estilo único del anime japonés, con personajes de ojos grandes, bocas grandes y cabezas grandes. La primera película de anime que se transmitió fue Imágenes en movimiento en 1960. 1961 vio el estreno de la primera serie de televisión animada de Japón, Historia instantánea, aunque no consistía completamente en animación. Astro Boy, creado por Osamu Tezuka, se estrenó en Fuji TV el 1 de enero de 1963. Se convirtió en el primer anime que se mostró ampliamente al público occidental, especialmente a los de los Estados Unidos, y se volvió relativamente popular e influyó en la cultura popular de los EE. varios títulos de productores japoneses. Astro Boy fue muy influyente para otros animes en la década de 1960 y fue seguido por una gran cantidad de animes sobre robots o el espacio. Si bien Tezuka lanzó muchos otros programas animados, como Jungle Emperor Leo, el anime despegó, los estudios lo vieron como un éxito comercial, aunque no se mostraron nuevos programas de Japón en los principales medios de transmisión de EE. UU. desde finales de la década de 1960 hasta finales de la década de 1970. La década de 1960 también trajo el anime a la televisión y en Estados Unidos.

1963 presentó a Sennin Buraku como el primer anime "a altas horas de la noche" y la primera serie de televisión de anime de Toei Doga, Wolf Boy Ken. Mushi Pro continuó produciendo más anime para televisión y tuvo éxito con títulos como Kimba the White Lion en 1965. Lo que se destaca como el primer anime de chicas mágicas, Sally the Witch, comenzó a transmitirse en 1966. El anime para televisión Speed ​​Racer original comenzó en 1967. y fue llevado a Occidente con gran éxito. Al mismo tiempo, se emitió una adaptación de anime de Princess Knight de Tezuka, lo que lo convierte en uno de los pocos animes shoujo de la década. La primera adaptación al anime del manga Cyborg 009 de Shotaro Ishinomorifue creado en 1968, siguiendo la adaptación cinematográfica dos años antes. "Attack no.1" de 1969, el primer anime de deportes shoujo fue uno de los primeros en tener éxito en el horario estelar japonés y también fue popular en toda Europa, particularmente en Alemania bajo el nombre de "Mila Superstar".

El anime Sazae-san de larga duración también comenzó en 1969 y continúa hoy con más de 6500 episodios transmitidos a partir de 2014. Con una participación de audiencia del 25%, la serie sigue siendo la transmisión de anime más popular.

1970

Durante la década de 1970, el mercado cinematográfico japonés se contrajo debido a la competencia de la televisión. Esto redujo el personal de Toei Animation y muchos animadores se fueron a estudios como A Pro y Telecom Animation. Mushi Production quebró (aunque el estudio fue revivido 4 años después), sus ex empleados fundaron estudios como Madhouse y Sunrise. Muchos animadores jóvenes fueron empujados a la posición de director, y la inyección de talento joven permitió una amplia variedad de experimentación. Una de las primeras producciones televisivas exitosas a principios de la década de 1970 fue Tomorrow's Joe (1970), un anime de boxeo que se ha vuelto icónico en Japón. 1971 vio la primera entrega de Lupin IIIanimé Contrariamente a la popularidad actual de la franquicia, la primera serie duró 23 episodios antes de ser cancelada. La segunda serie (a partir de 1977) tuvo un éxito considerablemente mayor, con 155 episodios durante tres años.

Otro ejemplo de esta experimentación es la serie de televisión Heidi, Girl of the Alps de Isao Takahata de 1974. Originalmente, este programa fue difícil de vender porque era un drama realista simple dirigido a niños, y la mayoría de las cadenas de televisión pensaban que los niños necesitaban algo más fantástico para atraerlos. Heidi fue un éxito internacional, popular en muchos países europeos y muy exitoso en Japón. que permitió a Hayao Miyazaki y Takahata iniciar una serie de anime de base literaria (World Masterpiece Theatre). Miyazaki y Takahata dejaron Nippon Animation a fines de la década de 1970. Dos de las producciones aclamadas por la crítica de Miyazaki durante la década de 1970 fueron Future Boy Conan (1978) y Lupin III: The Castle of Cagliostro (1979).

Durante este período, la animación japonesa llegó a Europa continental con producciones dirigidas a los niños europeos y japoneses, siendo los ejemplos más destacados la mencionada Heidi pero también Barbapapa y Vicky the Viking. Italia, España y Francia se interesaron por la producción de Japón, que se ofrecía a bajo precio. En la década de 1970, la televisión estadounidense mostró animaciones japonesas censuradas. Un ejemplo de esta censura fueron los personajes transgénero en Gatchaman ("La batalla de los planetas").

Otro género conocido como mecha surgió en este momento. Algunos de sus primeros trabajos incluyen Mazinger Z (1972–1974), Science Ninja Team Gatchaman (1972–1974), Space Battleship Yamato (1974–75) y Mobile Suit Gundam (1979–80).

En contraste con los programas orientados a la acción, los programas para una audiencia femenina como Candy Candy y The Rose of Versailles obtuvieron una gran popularidad en la televisión japonesa y más tarde en otras partes del mundo.

En 1978, se emitieron más de cincuenta programas en televisión.

1980

En la década de 1980, el anime comenzó a experimentar una "renovación de la calidad visual" gracias a nuevos directores como Hayao Miyazaki, quien fundó Studio Ghibli en 1985, Isao Takahata y Katsuhiro Ōtomo. El anime comenzó a lidiar con historias más matizadas y complejas, mientras que Boy's Love continuó impactando las normas culturales, echando raíces en todo el este de Asia, ya que países como Corea del Sur, Tailandia y China ingirieron estas exportaciones de la cultura pop japonesa. El cambio hacia las óperas espaciales se hizo más pronunciado con el éxito comercial de Star Wars (1977). Esto permitió que la ópera espacial Space Battleship Yamato (1974) reviviera como una película teatral. Traje móvil Gundam(1979) también tuvo éxito y revivió como película teatral en 1982. El éxito de las versiones teatrales de Yamato y Gundam se considera el comienzo del auge del anime de la década de 1980 y de la "Segunda edad de oro del cine japonés".

Una subcultura en Japón, cuyos miembros más tarde se autodenominaron otaku, comenzó a desarrollarse en torno a revistas de animación como Animage y Newtype. Estas revistas se formaron en respuesta al abrumador fanatismo que se desarrolló en torno a programas como Yamato y Gundam a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980.

En los Estados Unidos, la popularidad de Star Wars tuvo un efecto similar, aunque mucho menor, en el desarrollo del anime. Gatchaman fue reelaborado y editado en Battle of the Planets en 1978 y nuevamente como G-Force en 1986. Space Battleship Yamato fue reelaborado y editado en Star Blazers en 1979. La serie Macross comenzó con The Super Dimension Fortress Macross (1982), que fue adaptado al inglés como el primer arco de Robotech (1985), que se creó a partir de tres títulos de anime separados: The Super Dimension Fortress Macross, Super Dimension Cavalry Southern Cross y Génesis Climber Mospeada. La secuela de Mobile Suit Gundam, Mobile Suit Zeta Gundam (1985), se convirtió en la ópera espacial real de robots más exitosa en Japón, donde logró una audiencia televisiva promedio de 6,6% y un máximo de 11,7%.

La subcultura otaku se hizo más pronunciada con la adaptación de Mamoru Oshii del popular manga Urusei Yatsura de Rumiko Takahashi (1981). Yatsura convirtió a Takahashi en un nombre familiar y Oshii rompería con la cultura de los fanáticos y adoptaría un enfoque más autorístico con su película de 1984 Urusei Yatsura 2: Beautiful Dreamer. Esta ruptura con la subcultura otaku le permitiría a Oshii experimentar más.

La subcultura otaku tuvo cierto efecto en las personas que ingresaban a la industria en esta época. La más famosa de estas personas fue el grupo de producción amateur Daicon Films, que se convertiría en Gainax. Gainax comenzó haciendo películas para las convenciones de ciencia ficción de Daicon y fueron tan populares en la comunidad otaku que se les dio la oportunidad de dirigir la película de anime de mayor presupuesto (en ese momento), Royal Space Force: The Wings of Honnêamise (1987)..

Uno de los animes más influyentes de todos los tiempos, Nausicaä of the Valley of the Wind (1984), se realizó durante este período. La película le dio un prestigio adicional al anime, lo que permitió que se financiaran muchos proyectos experimentales y ambiciosos poco después de su lanzamiento. También permitió que el director Hayao Miyazaki y su antiguo colega Isao Takahata crearan su propio estudio bajo la supervisión del exeditor de Animage, Toshio Suzuki. Este estudio se conocería como Studio Ghibli y su primera película fue Laputa: Castle in the Sky (1986), una de las películas más ambiciosas de Miyazaki.

El éxito de Dragon Ball (1986) introdujo el género de las artes marciales y se volvió increíblemente influyente en la industria de la animación japonesa. Influyó en muchas más series de anime y manga de artes marciales, incluidas Hajime no Ippo (1989), Baki the Grappler (1991), Naruto (2002) y The God of Highschool (2020).

La década de 1980 trajo el anime al mercado de videos domésticos en forma de animación de video original (OVA), ya que los programas estaban cambiando de un enfoque en superhéroes a robots y óperas espaciales, con la animación de video original (OVA u OAV) llegando al mercado en 1984, con un rango de longitud. Los videos caseros abrieron las compuertas, presentando a los espectadores, especialmente a los occidentales, las películas de anime. Aunque el anime se distribuyó ampliamente a través de la piratería internacional en las décadas de 1980 y 1990, antes de los días de la piratería en línea, continuó sobreviviendo. El anime se recuperó en los EE. UU. y se convirtió en una de las exportaciones de televisión de Japón a medida que el país se convirtió en la "autoridad líder mundial" en entretenimiento. El primer OVA fue Dallos de Mamoru Oshii (1983-1984). espectáculos comoPatlabor tuvo sus inicios en este mercado y resultó ser una forma de probar la animación menos comercializable frente al público. El OVA permitió el lanzamiento de anime pornográfico como Cream Lemon (1984); el primer hentai OVA fue en realidad el poco conocido Lolita Anime del estudio Wonder Kids, también lanzado en 1984.

La década de 1980 también vio la fusión del anime con los videojuegos. Se considera que la emisión de Red Photon Zillion (1987) y el posterior lanzamiento de su juego complementario fue una estrategia de marketing de Sega para promover las ventas de su Master System recién lanzado en Japón.

El anime deportivo, como se le conoce ahora, hizo su debut en 1983 con una adaptación al anime del manga de fútbol de Yoichi Takahashi, Captain Tsubasa, que se convirtió en el primer anime deportivo de éxito mundial. Sus temas e historias fueron una fórmula que se usaría en muchas series deportivas que siguieron, como Slam Dunk, Prince of Tennis y Eyeshield 21.

A fines de la década de 1980 se produjo un número cada vez mayor de películas experimentales y de alto presupuesto. En 1985, Toshio Suzuki ayudó a reunir fondos para la película experimental Angel's Egg (1985) de Oshii. Los estrenos en cines se volvieron más ambiciosos, cada película intentaba superar o gastar más que sus predecesoras, siguiendo el ejemplo del éxito popular y crítico de Nausicaä. Night on the Galactic Railroad (1985), Tale of Genji (1986) y Grave of the Fireflies (1988) fueron películas ambiciosas basadas en importantes obras literarias de Japón. Películas como Char's Counterattack (1988) y Arion(1986) fueron espectáculos generosamente presupuestados. Este período de abundante presupuesto y experimentación alcanzaría su cenit con dos de las producciones cinematográficas de anime más caras de la historia: Royal Space Force: The Wings of Honneamise (1987) y Akira (1988). El servicio de entrega de Kiki de Studio Ghibli (1989) fue la película más taquillera de 1989, ganando más de $ 40 millones en taquilla.

A pesar del fracaso comercial de Akira en Japón, trajo consigo una base de fans internacional mucho más grande para el anime. Cuando se proyectó en el extranjero, la película se convirtió en un éxito de culto y, eventualmente, en un símbolo del medio para Occidente. El fracaso doméstico y el éxito internacional de Akira, combinados con el estallido de la burbuja económica y la muerte de Osamu Tezuka en 1989, marcaron el final de la era del anime de la década de 1980.

1990

Neon Genesis Evangelion

En 1995, Hideaki Anno escribió y dirigió el controvertido anime Neon Genesis Evangelion. Este programa se hizo popular en Japón entre los fanáticos del anime y se dio a conocer al público en general a través de la atención de los principales medios. Se cree que Anno originalmente quería que el programa fuera el mejor anime otaku, diseñado para revivir la industria del anime en declive, pero a mitad de la producción también lo convirtió en una fuerte crítica de la subcultura. Culminó con la exitosa pero controvertida película The End of Evangelion, que recaudó más de $10 millones en 1997. Las muchas escenas violentas y sexuales en Evangelion hicieron que TV Tokyo aumentara la censura del contenido de anime. Como resultado, cuando Cowboy Bebopse emitió por primera vez en 1998, se mostró muy editado y solo se emitieron la mitad de los episodios; también ganó gran popularidad tanto dentro como fuera de Japón.

Evangelion comenzó una serie de los llamados espectáculos de mechas "post- Evangelion " u "orgánicos". La mayoría de estos eran espectáculos de robots gigantes con algún tipo de trama religiosa o compleja. Estos incluyen RahXephon, Brain Powerd y Gasaraki. También condujo a espectáculos de anime experimentales nocturnos. Comenzando con Serial Experiments Lain (1998), el late night se convirtió en un foro para el anime experimental como Boogiepop Phantom (2000), Texhnolyze (2003) y Paranoia Agent (2004). También se lanzaron películas de anime experimentales en la década de 1990, sobre todo el thriller cyberpunk Ghost in the Shell (1995),que tuvo una fuerte influencia en Matrix. Ghost in the Shell, junto con Evangelion y el espacio neo-noir Western Cowboy Bebop, ayudó a aumentar aún más la conciencia del anime en los mercados internacionales.

A finales de la década de 1990 también se produjo un breve resurgimiento del género de los superrobots, cuya popularidad había disminuido debido al auge de programas de robots reales y mechas psicológicos como Gundam, Macross y Evangelion. El renacimiento del género de los súper robots comenzó con Brave Exkaiser en 1990 y condujo a remakes y secuelas de programas de súper robots de la década de 1970 como Getter Robo Go y Tetsujin-28 go FX. Hubo muy pocos programas populares de súper robots producidos después de esto, hasta Tengen Toppa Gurren Lagann en 2007.

Gundam

Junto con su homólogo de superrobot, el género de los robots reales también estaba en declive durante la década de 1990. Aunque se produjeron varios programas de Gundam durante esta década, muy pocos de ellos tuvieron éxito. Los únicos programas de Gundam en la década de 1990 que lograron una calificación televisiva promedio superior al 4% en Japón fueron Mobile Fighter G Gundam (1994) y New Mobile Report Gundam Wing (1995). No fue hasta Mobile Suit Gundam SEED en 2002 que el género de robots reales recuperó su popularidad.

La princesa Mononoke

En 1997, La princesa Mononoke de Hayao Miyazaki se convirtió en la película de anime más cara hasta ese momento, con un costo de producción de 20 millones de dólares. Miyazaki revisó personalmente cada una de las 144.000 celdas de la película y se estima que volvió a dibujar partes de 80.000 de ellas. 1997 fue también el año del debut de Satoshi Kon, Perfect Blue, que ganó los premios "Mejor Película" y "Mejor Animación" en el Festival Fantasia de 1997 en Montreal. También ganó premios en el Festival de Cine Fantasporto de Portugal.

Fin de la década

Para 1998, más de cien programas de anime se transmitían por televisión en Japón, incluida una serie popular basada en la franquicia de videojuegos Pokémon. Otras series de anime de la década de 1990 que obtuvieron éxito internacional fueron Dragon Ball Z, Sailor Moon y Digimon; el éxito de estos espectáculos trajo reconocimiento internacional al género de superhéroes de artes marciales, el género de chicas mágicas y el género de acción y aventuras, respectivamente. En particular, Dragon Ball Z y Sailor Moon fueron dobladas a más de una docena de idiomas en todo el mundo. Otro gran éxito fue el anime One Piece, basado en el manga más vendido de todos los tiempos, que aún sigue en curso.

Años 2000

La tendencia de la era " Evangelion " continuó en la década de 2000 con el anime de mecha inspirado en Evangelion, como RahXephon (2002) y Zegapain (2006). RahXephon también tenía la intención de ayudar a revivir los diseños de mecha al estilo de la década de 1970. La cantidad de producciones de anime comenzó a disminuir después de alcanzar su punto máximo en 2006 debido a formas alternativas de entretenimiento, menos ingresos publicitarios y otras razones, y TV Tokyo sigue siendo uno de los únicos canales que transmite programas de anime. Aun así, el anime comenzó a ingresar a los hogares de los EE. UU. como nunca antes, y los fanáticos pudieron obtener los originales en japonés del anime que vieron, gracias a Internet.

El género de los robots reales (incluidas las franquicias Gundam y Macross), que había declinado durante la década de 1990, revivió a principios de la década de 2000 con el éxito de programas como FLCL (2000), Mobile Suit Gundam SEED (2002), Eureka Seven (2005), Code Geass: Lelouch of the Rebellion (2006), Mobile Suit Gundam 00 (2007) y Macross Frontier (2008).

El renacimiento del género de súper robots al estilo de la década de 1970 comenzó con GaoGaiGar en 1997 y continuó en la década de 2000, con varios remakes de series clásicas como Getter Robo y Dancougar, así como títulos originales creados en el molde de los súper robots como Godannar y Gurren Lagann. Gurren Lagann, en particular, combinó el género de los súper robots con elementos de programas de robots reales de la década de 1980, así como programas "post- Evangelion " de la década de 1990. Gurren Lagann recibió los premios "mejor producción televisiva" y "mejor diseño de personajes" de la Feria Internacional del Anime de Tokio en 2008. Esto finalmente culminó con el lanzamiento de Shin Mazinger.en 2009, un renacimiento completo de la primera serie de superrobots, Mazinger Z.

Un movimiento artístico iniciado por Takashi Murakami que combinó la cultura pop japonesa con el arte posmoderno llamado Superflat comenzó en esta época. Murakami afirma que el movimiento es un análisis de la cultura japonesa de posguerra a través de los ojos de la subcultura otaku. Su deseo es también deshacerse de las categorías de arte 'alto' y 'bajo' haciendo un continuo plano, de ahí el término 'superplano'. Sus exhibiciones de arte han ganado popularidad en el extranjero y han influenciado a un puñado de creadores de anime, particularmente a los de Studio 4 °C.

La tendencia del anime nocturno experimental popularizado por Serial Experiments Lain también continuó en la década de 2000 con anime experimental como Boogiepop Phantom (2000), Texhnolyze (2003), Paranoia Agent (2004), Gantz (2004) y Ergo Proxy (2006).

Antes del auge masivo de compañías como Funimation y Adult Swim, ver o incluso obtener anime en los Estados Unidos era bastante difícil. dado que el valor de mercado y el interés en los estados son bastante bajos, muchas compañías de radiodifusión no se molestarían en transmitir los programas. Esto se debió a una serie de factores, uno de los cuales fue traducir el programa. En el moderno tenemos anime que está doblado con voces en inglés para que sea más fácil para el público occidental. Sin embargo, a principios de los 90, cuando el anime comenzó a afirmar que se volvería grande, eso no estaba disponible. Muchos fanáticos del género traducirían el programa ellos mismos y los publicarían en línea para que otros los vieran. Esta tendencia continuaría hasta el 2 de septiembre de 2001. Fue entonces cuando el programa Cowboy Bebopse emitió por primera vez en la cadena de transmisión de adultos Swim y fue el primer anime que se transmitió por televisión en vivo. El programa como un éxito instantáneo, el único problema es que el tiempo de transmisión era tarde y de noche, lo que significaba que la audiencia estaba sujeta a una pequeña cantidad de personas.

Además de estas tendencias experimentales, la década de 2000 también se caracterizó por un aumento del arte de estilo moe y el diseño de personajes bishōjo y bishōnen. Hubo una creciente presencia y popularidad de géneros como el romance, el harén y el trozo de vida.

El anime basado en eroge y novelas visuales aumentó en popularidad en la década de 2000, basándose en una tendencia iniciada a fines de la década de 1990 por obras como Sentimental Journey (1998) y To Heart (1999). Ejemplos de tales trabajos incluyen Green Green (2003), SHUFFLE! (2006), Kanon (2002 y 2006), Fate/Stay Night (2006), Higurashi no Naku Koro ni (2006), Ef: A Tale of Memories (2007), True Tears (2008) y Clannad (2008 y 2009)).

Muchos programas se han adaptado de manga y novelas ligeras, incluidos títulos populares como Yu-Gi-Oh! (2000), Inuyasha (2000), Naruto y su serie secuela Naruto Shippuden (2002 y 2007), Fullmetal Alchemist y su fiel adaptación al manga Fullmetal Alchemist: Brotherhood (2003 y 2009), Monster (2004), Bleach (2004), Rozen Maiden (2005), Aria the Animation (2005), Shakugan no Shana (2005), Pani Poni Dash! (2005), Nota de muerte (2006), Mushishi (2006), Sola(2007), La melancolía de Haruhi Suzumiya (2006), Lucky Star (2007), Toradora! (2008), K-On! (2009), Bakemonogatari (2009) y Fairy Tail (2009); estos programas suelen durar varios años y logran una gran base de fans. Sin embargo, los títulos originales de anime continúan produciéndose con el mismo éxito.

La década de 2000 marcó una tendencia de énfasis de la subcultura otaku. Una crítica notable de esta subcultura otaku se encuentra en el anime de 2006 Welcome to the NHK, que presenta a un protagonista hikikomori (retraído socialmente) y explora los efectos y consecuencias de varias subculturas japonesas, como otaku, lolicon, suicidio en Internet, masivamente. juegos multijugador en línea y marketing multinivel.

En contraste con el fenómeno mencionado anteriormente, también ha habido más producciones de anime nocturno para una audiencia que no es otaku. El primer esfuerzo concentrado provino del bloque Noitamina de Fuji TV. El marco de tiempo de 30 minutos del jueves por la noche se creó para mostrar producciones para mujeres jóvenes en edad universitaria, un grupo demográfico que ve muy poco anime. La primera producción, Honey and Clover, fue un éxito particular, alcanzando un índice de audiencia televisivo del 5% en Kantou, muy fuerte para el anime nocturno. El bloque se ha estado ejecutando ininterrumpidamente desde abril de 2005 y ha producido muchas producciones exitosas únicas en el mercado del anime moderno.

Ha habido resurgimientos de dibujos animados estadounidenses como Transformers, que generó cuatro nuevas series, Transformers: Car Robots en 2000, Transformers: Micron Legend en 2003, Transformers: Superlink en 2004 y Transformers: Galaxy Force en 2005. Además, una adaptación de anime de la serie GI Joe fue producido titulado GI Joe: Sigma 6.

El renacimiento de series de anime anteriores se vio en las formas de Fist of the North Star: The Legends of the True Savior (2006) y Dragon Ball Z Kai (2009). Las series posteriores también comenzaron a recibir avivamientos a fines de la década de 2000 y principios de la de 2010, como con la tetralogía Rebuild of Evangelion de Studio Khara (2007-2021) y nuevas adaptaciones del manga Appleseed XIII (2011) de Masamune Shirow y Ghost in the Shell: Arise (2013). –2016).

La década también amaneció con un resurgimiento de largometrajes de anime de alto presupuesto, como Millennium Actress (2001), Metropolis (2001), Appleseed (2001), Paprika (2006) y el más caro de todos, Steamboy (2004). cuya producción costó 26 millones de dólares. Satoshi Kon se estableció junto a Otomo y Oshii como uno de los principales directores de cine de anime, antes de su muerte prematura a la edad de 46 años. Otros directores de cine más jóvenes, como Mamoru Hosoda, director de The Girl Who Leapt Through Time (2006) y Summer Wars (2009), también comenzaba a alcanzar protagonismo.

Durante esta década, los largometrajes de anime fueron nominados y ganaron importantes premios cinematográficos internacionales por primera vez en la historia de la industria. En 2002, Spirited Away, una producción de Studio Ghibli dirigida por Hayao Miyazaki, ganó el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín y en 2003 en la 75ª edición de los Premios de la Academia ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. Fue la primera película no estadounidense en ganar el premio y es una de las dos únicas en hacerlo. También se ha convertido en la película de anime más taquillera, con una taquilla mundial de 274 millones de dólares.

Tras el lanzamiento del bloque de programación Toonami en Cartoon Network en los Estados Unidos en marzo de 1997, el anime experimentó un gran aumento en el mercado norteamericano. Anime para niños como Pokémon, Yu-Gi-Oh! , Digimon, Doraemon, Bakugan, Beyblade, Sonic X y la adaptación de 4Kids Entertainment de One Piece han recibido diferentes niveles de éxito. Esta era también vio el surgimiento de la animación influenciada por el anime, sobre todo Avatar: the Last Airbender y su secuela The Legend of Korra, Megas XLR, Code Lyoko, Ben 10., Chaotic, Samurai Jack, The Boondocks, RWBY y Teen Titans. Como tal, el anime se afianzó aún más en los hogares de los EE. UU. con el lanzamiento de Adult Swim por Cartoon Network en 2001, dirigido a aquellos en la "gente mayor de intercambio de OVA y cintas", con la formación de un nuevo fandom. Sin embargo, este fandom era exclusivo y elitista y se esperaba que los recién llegados supieran cómo usar IRC, algo de japonés básico, etc.

En el Festival de Cine de Cannes de 2004, Ghost in the Shell 2: Innocence, dirigida por Mamoru Oshii, compitió por la Palma de Oro y en 2006, en la 78.ª edición de los Premios de la Academia, Howl's Moving Castle, otra película producida por Studio Ghibli dirigida de Hayao Miyazaki, fue nominada a Mejor Película Animada. 5 Centimeters Per Second, dirigida por Makoto Shinkai, ganó el premio inaugural Asia Pacific Screen a la mejor película animada en 2007 y, hasta ahora, las películas de anime han sido nominadas para el premio todos los años.

Para 2004, se emitieron más de doscientos programas en televisión.

En 2006, los graduados de la Universidad de California, Berkeley, lanzaron Crunchyroll en 2006, convirtiéndose en el primer "servicio de transmisión de anime", un modelo que luego usaron Netflix, Funimation y Amazon.com a fines de la década de 2010.

2010s

En mayo de 2012, el bloque de programación Toonami en los Estados Unidos se relanzó como un bloque de acción nocturno orientado a adultos en Adult Swim, lo que devolvió más anime popular sin cortes a una audiencia más amplia en la televisión por cable. Además de transmitir o retransmitir anime doblado lanzado anteriormente, el bloque (así como el propio Adult Swim) ha supervisado el estreno mundial de lanzamientos doblados al inglés para varios anime, incluidos, entre otros: ¡Durarara! (2010), Deadman Wonderland (2011), Hunter x Hunter (2011), Sword Art Online (2012), JoJo's Bizarre Adventure (2012), Attack on Titan (2013), Kill la Kill (2013), Space Dandy(2014), Akame ga Kill! (2014), Parasyte -la máxima- (2014), One-Punch Man (2015), Dragon Ball Super (2015), Boruto: Naruto Next Generations (2017) y Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba (2019).

El 6 de septiembre de 2013, Hayao Miyazaki anunció que The Wind Rises (2013) sería su última película, y el 3 de agosto de 2014 se anunció que Studio Ghibli "detendría temporalmente la producción" tras el estreno de When Marnie Was There (2014)., lo que corrobora aún más la finalidad del retiro de Miyazaki. Las ventas decepcionantes de la película de regreso de Isao Takahata, The Tale of Princess Kaguya (2013), también se han citado como un factor. Varios miembros destacados del personal, incluido el productor Yoshiaki Nishimura y el director Hiromasa Yonebayashi, se fueron para formar su propio Studio Ponoc, que se estrenó con Mary and the Witch's Flower (2017). Tanto Ghibli como Miyazaki regresaron posteriormente a la producción de la próxima película.¿Como vives? , mientras que Takahata murió el 5 de abril de 2018 de cáncer de pulmón.

Varias empresas internacionales de distribución de anime, como ADV Films, Bandai Entertainment y Geneon Entertainment, cerraron debido a los bajos ingresos, y sus activos se transfirieron a nuevas empresas como Sentai Filmworks o se entregaron a otras empresas.

En 2011, Puella Magi Madoka Magica se emitió en Japón. El anime fue un cambio del anime normal de chicas mágicas, ya que este anime contenía temas más oscuros, complejos y más sangrientos de lo que normalmente haría el anime mágico. El anime tuvo una gran acogida por parte de los críticos, ya que Andy Hanley de Anime Network del Reino Unido lo calificó con un 10 sobre 10 por su contenido emocional y su evocadora banda sonora.

Tanto Attack on Titan como The Wind Rises reflejan un debate nacional en torno a la reinterpretación del artículo 9 de la Constitución de Japón, con el pacifismo de Miyazaki en la película bajo el fuego de la derecha política, mientras que Attack on Titan ha sido acusado de promover el militarismo por parte de la gente. en los países asiáticos vecinos, a pesar de tener la intención de mostrar los aspectos inquietantes y sin esperanza del conflicto. El género de anime mecha (así como las películas japonesas de kaiju) recibió un homenaje occidental con la película Pacific Rim de 2013 dirigida por Guillermo del Toro.

Los servicios de transmisión occidentales como Netflix y Amazon Prime se involucran cada vez más en la producción y concesión de licencias de anime para los mercados internacionales.

En 2015, se emitió en televisión un récord de trescientas cuarenta series de anime.

2020

La popularidad internacional y la demanda de anime aumentaron considerablemente durante la pandemia de Covid-19 debido a la mayor disponibilidad del medio en los servicios de transmisión.

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba the Movie: Mugen Train se convirtió en la película japonesa más taquillera y en las películas más taquilleras del mundo de 2020. También se convirtió en la película más taquillera del cine japonés, porque en 10 días recaudó 10.000 millones de yenes (95,3 USD). m; 72 millones de libras esterlinas). Batió el récord anterior de Spirited Away, que tomó 25 días.

En 2021, las adaptaciones de anime de Jujutsu Kaisen, Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba y Tokyo Revengers estuvieron entre los 10 programas de televisión más discutidos en todo el mundo en Twitter.

En 2022, Attack on Titan ganó el premio a la "Serie de TV más solicitada del mundo 2021" en los Global TV Demand Awards. Attack on Titan se convirtió en la primera serie en un idioma no inglés en ganar el título de programa de televisión más solicitado del mundo, que anteriormente solo estaba en manos de The Walking Dead y Game of Thrones.

Primicias

Primero...	Nombre del idioma nativo	nombre inglés	Publicado	Tipo
Anime (más antiguo conocido)	活動写真	Katsudo Shashin	Desconocido; se cree que es alrededor de 1911	Cortometraje
Estreno de película confirmado	凸坊新画帳・名案の失敗	Nuevo libro lleno de baches: el fracaso de un gran plan	febrero de 1917	Cortometraje
Anime mostrado públicamente en un teatro	芋川椋三玄関番の巻o芋川椋三玄関番之巻	La historia del conserje Mukuzo Imokawa	abril de 1917	Cortometraje
Película sonora	力と女の世の中	Dentro del mundo del poder y las mujeres	13 de abril de 1933	Película
Anime enteramente animado por celdas	茶釜音頭	La Danza de las Chagamas	1934	Película
Largometraje	桃太郎 海の神兵	Momotaro: marineros sagrados	12 de abril de 1945	Película
Aparición en televisión (no series)	もぐらのアバンチュール	La aventura del topo	14 de julio de 1958	Cortometraje
largometraje en color	白蛇伝	El cuento de la serpiente blanca	22 de octubre de 1958	Película
Series de televisión	インスタントヒストリー	Historial instantáneo	1 de mayo de 1961	Serie
Primera serie de televisión popular en todo el mundo	鉄腕アトム	Astro Boy	1 de enero de 1963	Serie
serie nocturna	仙人部落	Pueblo ermitaño	4 de septiembre de 1963	Serie
serie de robots gigantes	28 años	Tetsujin 28-go	20 de octubre de 1963	Serie
Serie de televisión en color	ジャングル大帝	Kimba el león blanco	6 de octubre de 1965	Serie
Serie de chicas mágicas	魔法使いサリー	sally la bruja	5 de diciembre de 1966	Serie
serie de deportes	巨人の星	estrella de los gigantes	30 de marzo de 1968	Serie
Película (animada) para adultos	千夜一夜物語	Las mil y una noches	14 de junio de 1969	Película
Hentai con una "calificación X"	クレオパトラ	cleopatra	15 de septiembre de 1970	Película
Serie de ópera espacial	宇宙戦艦ヤマト	Acorazado espacial Yamato	6 de octubre de 1974	Serie
serie isekai	聖戦士ダンバイン	Batallador del aura Dunbine	5 de febrero de 1983	Serie
ÓVULO	ダロス	Dallós	12 de diciembre de 1983	ÓVULO
serie ciberpunk	ビデオ戦士レザリオン	Vídeo Guerrero Laserion	4 de marzo de 1984	Serie
Primera película mundial popular	アキラ	akira	16 de julio de 1988	Película
Animación con efectos CGI	こうかくきどうたい	Fantasma en la concha	18 de noviembre de 1995	Película
Anime completamente animado por computadora	ALICIA	ALICIA	5 de febrero de 2000	Película
EN UN	無限のリヴァイアス イリュージョン	Ryvius infinito: ilusión	30 de junio de 2000	EN UN

Registros

Registro...	Nombre del idioma nativo	nombre inglés	Publicado	Tipo
Película de anime más taquillera en Japón	劇場版「鬼滅の刃」 無限列車編	Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba la película: Mugen Train	16 de octubre de 2020	Película
Película de anime más taquillera	劇場版「鬼滅の刃」 無限列車編	Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba la película: Mugen Train	16 de octubre de 2020	Película
La película de anime más taquillera del mundo	劇場版「鬼滅の刃」 無限列車編	Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba la película: Mugen Train	16 de octubre de 2020	Película