Historia de la pintura

La historia de la pintura se remonta a los artefactos y obras de arte creados por artistas prehistóricos y abarca todas las culturas. Representa una tradición continua, aunque interrumpida periódicamente, desde la Antigüedad. A través de culturas, continentes y milenios, la historia de la pintura consiste en un río continuo de creatividad que continúa en el siglo XXI. Hasta principios del siglo XX, se basó principalmente en motivos figurativos, religiosos y clásicos, después de lo cual ganaron adeptos enfoques más puramente abstractos y conceptuales.

Los desarrollos en la pintura oriental históricamente son paralelos a los de la pintura occidental, en general, unos siglos antes. El arte africano, el arte judío, el arte islámico, el arte indonesio, el arte indio, el arte chino y el arte japonés tuvieron una influencia significativa en el arte occidental y viceversa.

Inicialmente con un propósito utilitario, seguido por el patrocinio imperial, privado, cívico y religioso, la pintura oriental y occidental encontró más tarde audiencias en la aristocracia y la clase media. Desde la Edad Moderna, la Edad Media hasta el Renacimiento, los pintores trabajaron para la iglesia y una rica aristocracia. A partir de la era barroca, los artistas recibieron encargos privados de una clase media más educada y próspera. Finalmente, en Occidente, la idea del "arte por el arte" comenzó a encontrar expresión en la obra de pintores románticos como Francisco de Goya, John Constable y JMW Turner. El siglo XIX vio el surgimiento de la galería de arte comercial, que proporcionó patrocinio en el siglo XX.

Prehistoria

Las pinturas más antiguas que se conocen tienen aproximadamente 40.000 años, encontradas tanto en la región franco-cantábrica de Europa occidental como en las cuevas del distrito de Maros (Sulawesi, Indonesia). El tipo más antiguo de pinturas rupestres son las plantillas hechas a mano y las formas geométricas simples; los ejemplos indiscutibles más antiguos de pinturas rupestres figurativas son algo más jóvenes, con una antigüedad cercana a los 35.000 años. En noviembre de 2018, los científicos informaron del descubrimiento de la pintura de arte figurativo más antigua conocida, de más de 40 000 años (quizás hasta 52 000) de antigüedad, de un animal desconocido, en la cueva de Lubang Jeriji Saléh en la isla indonesia de Borneo (Kalimantan).).En diciembre de 2019, sin embargo, se estimó que las pinturas rupestres figurativas que representan la caza de cerdos en el karst Maros-Pangkep en Sulawesi eran aún más antiguas, al menos 43,900 años. Se señaló que el hallazgo era "el registro pictórico más antiguo de narración de cuentos y la obra de arte figurativa más antigua del mundo". Y más recientemente, en 2021, se informó sobre el arte rupestre de un cerdo encontrado en una isla de Indonesia y fechado en más de 45,500 años. Hay ejemplos de pinturas rupestres en todo el mundo: en Indonesia, Francia, India, España, el sur de África, China, Australia, etc.

Se han hecho varias conjeturas sobre el significado que tenían estas pinturas para las personas que las hicieron. Los artistas prehistóricos pueden haber pintado animales para "atrapar" su alma o espíritu para cazarlos más fácilmente o las pinturas pueden representar una visión animista y un homenaje a la naturaleza circundante. Pueden ser el resultado de una necesidad básica de expresión innata al ser humano, o podrían haber sido para la transmisión de información práctica.

• Refugios rocosos de Bhimbetka, pintura rupestre, Edad de Piedra, India
• Eland, pintura rupestre, Drakensberg, Sudáfrica
• Lascaux, toros y caballos
• Pintura rupestre española de Toros
• Petroglifos, de Suecia, Edad de Bronce Nórdica (pintados)
• Lascaux, uros (Bos primigenius primigenius)
• Pictogramas de la Gran Galería, Parque Nacional Canyonlands, Cañón Horseshoe, Utah, c. 1500 a.
• Cueva de las Manos (español para Cueva de las Manos) en la provincia de Santa Cruz en Argentina, c. 7300 aC
• Gwion Pinturas rupestres de Gwion encontradas en la región noroeste de Kimberley en Australia Occidental c. 15.000 aC

En el Paleolítico, la representación de humanos en pinturas rupestres era rara. En su mayoría se pintaban animales, no sólo animales que servían como alimento sino también animales que representaban la fuerza como el rinoceronte o los grandes félidos, como en la cueva de Chauvet. A veces se dibujaban signos como puntos. Las representaciones humanas raras incluyen huellas de manos y plantillas, y figuras que representan híbridos humanos/animales. La cueva de Chauvet en los departamentos de Ardèche de Francia contiene las pinturas rupestres conservadas más importantes de la era paleolítica, pintadas alrededor del 31.000 a. Las pinturas rupestres de Altamira en España se realizaron entre el 14.000 y el 12.000 a. C. y muestran, entre otros, bisontes. La sala de toros en Lascaux, Dordogne, Francia, es una de las pinturas rupestres más conocidas y data de alrededor del 15.000 al 10.000 a.

Si hay un significado para las pinturas, sigue siendo desconocido. Las cuevas no estaban en un área habitada, por lo que pueden haber sido utilizadas para rituales estacionales. Los animales van acompañados de signos que sugieren un posible uso mágico. Los símbolos en forma de flecha en Lascaux a veces se interpretan como calendarios o almanaques, pero la evidencia no es concluyente. La obra más importante de la era mesolítica fueron los guerreros en marcha, una pintura rupestre en Cingle de la Mola, Castellón, España que data de alrededor del 7000 al 4000 a. Probablemente la técnica utilizada fue escupir o soplar los pigmentos sobre la roca. Las pinturas son bastante naturalistas, aunque estilizadas. Las figuras no son tridimensionales, aunque se superponen.

Las pinturas indias más antiguas conocidas fueron las pinturas rupestres de tiempos prehistóricos, los petroglifos que se encuentran en lugares como los refugios rocosos de Bhimbetka, y algunos de ellos son anteriores al 5500 a. Dichos trabajos continuaron y después de varios milenios, en el siglo VII, los pilares tallados de Ajanta, estado de Maharashtra, presentan un excelente ejemplo de pinturas indias. Los colores, en su mayoría varios tonos de rojo y naranja, se derivaron de minerales.

Oriental

La historia de la pintura oriental incluye una amplia gama de influencias de diversas culturas y religiones. Los desarrollos en la pintura oriental históricamente son paralelos a los de la pintura occidental, en general unos pocos siglos antes. El arte africano, el arte judío, el arte islámico, el arte indonesio, el arte indio, el arte chino, el arte coreano y el arte japonés tuvieron una influencia significativa en el arte occidental y viceversa.

La pintura china es una de las tradiciones artísticas continuas más antiguas del mundo. Las primeras pinturas no eran figurativas sino ornamentales; consistían en patrones o diseños en lugar de imágenes. La cerámica primitiva se pintaba con espirales, zigzags, puntos o animales. Fue solo durante el período de los Reinos Combatientes (403-221 a. C.) que los artistas comenzaron a representar el mundo que los rodeaba. La pintura japonesa es una de las artes japonesas más antiguas y refinadas, y abarca una amplia variedad de géneros y estilos. La historia de la pintura japonesa es una larga historia de síntesis y competencia entre la estética nativa japonesa y la adaptación de ideas importadas. La pintura coreana, como forma independiente, comenzó alrededor del año 108 a. C., alrededor de la caída de Gojoseon, lo que la convierte en una de las más antiguas del mundo. Las obras de arte de ese período evolucionaron hacia los diversos estilos que caracterizaron el período de los Tres Reinos de Corea, sobre todo las pinturas y los frescos que adornan las tumbas de la realeza de Goguryeo. Durante el período de los Tres Reinos y durante la dinastía Goryeo, la pintura coreana se caracterizó principalmente por una combinación de paisajes de estilo coreano, rasgos faciales, temas centrados en el budismo y un énfasis en la observación celestial que fue facilitado por el rápido desarrollo de la astronomía coreana.

Asiático del este

Véase también pintura china, pintura japonesa, pintura coreana.

• Una pintura de laca de la tumba de Jingmen (chino: 荊門楚墓; pinyin: Jīngmén chǔ mù) del estado de Chu (704–223 a. C.), que representa a hombres montados en un carro de dos caballos.
• Detalle de un fresco que muestra al filósofo chino Confucio, de una tumba Han Occidental (202 a. C. - 9 d. C.) del condado de Dongping, provincia de Shandong
• Una mujer china, fresco de una tumba Han occidental (202 a. C. - 9 d. C.) de Xi'an (antigua Chang'an), provincia de Shaanxi
• Pinturas sobre azulejos de espíritus guardianes ataviados con túnicas chinas, de la dinastía Han (202 a. C. - 220 d. C.)
• Caballeros en conversación, pintura de tumba que data de la dinastía Han del Este (25-220 d. C.).
• Cesta de laca de la comandancia de Lelang, que muestra a hombres sentados, dinastía Han del Este (25-220 d. C.)
• Asistentes de la corte femenina, un mural de una tumba Han del Este (25-220 d. C.) en Zhengzhou, provincia de Henan
• Asistentes de la corte femenina, un mural de una tumba Han del Este (25-220 d. C.) en Zhengzhou, provincia de Henan
• Figura masculina de una pintura lacada sobre madera, período Wei del Norte, siglo V d.C.
• Arte budista de esculturas en relieve pintadas de las grutas de Yungang, dinastía Wei del Norte (386-535 d. C.)
• El emperador Sun Quan en el rollo de los trece emperadores y los eruditos del norte de Qi recopilando textos clásicos, por Yan Liben (c. 600–673 d. C.), chino
• Ochenta y siete celestiales, de Wu Daozi (685–758), dinastía Tang, chino
• Retrato de Night-Shining White, de Han Gan, siglo VIII, dinastía Tang, China
• Paseo de primavera de la corte Tang, por Zhang Xuan, siglo VIII, dinastía Tang, chino
• Siervo, siglo VIII, dinastía Tang, chino
• Damas haciendo seda, una nueva versión de un original del siglo VIII de Zhang Xuan por el emperador Huizong de Song, principios del siglo XII, chino
• Un sutra ilustrado del período Nara, siglo VIII, japonés
• Ladies Playing Double Sixes, de Zhou Fang (730–800 d.C.), dinastía Tang, China
• Un concierto de palacio, dinastía Tang, chino
• Los ríos Xiao y Xiang, por Dong Yuan (c. 934–962 d. C.), chino
• Night Revels, una nueva versión de la dinastía Song de un original del siglo X de Gu Hongzhong.
• Retrato de corte del emperador Shenzong de Song (r. 1067-1085), chino
• Faisán dorado y rosa de algodón, por el emperador Huizong de Song (r.1100–1126 d. C.), chino
• Escuchar el Guqin, del emperador Huizong de Song (1100–1126 d. C.), chino
• Niños jugando, por Su Han Chen, c. 1150, chino
• Artista anónimo chino de la dinastía Song del siglo XII.
• Retrato del budista zen Wuzhun Shifan, 1238 d.C., chino
• Ma Lin, 1246 d. C., chino
• Un hombre y su caballo en el viento, de Zhao Mengfu (1254–1322 d. C.), chino
• Shukei-sansui (Paisaje otoñal), Sesshu Toyo (1420–1506), japonés
• Kanō Masanobu, fundador de la escuela Kanō en el siglo XV, Zhou Maoshu apreciando los lotos, japonés
• Un Kannon de túnica blanca, bodhisattva de la compasión, por Kanō Motonobu (1476–1559), japonés
• Yi Ahm (1499–?), Mother Dog, siglo XV, Museo Nacional de Corea
• Tang Yin, Un pescador en otoño, (1523), chino
• Barcos Nanban que llegan para el comercio en Japón, siglo XVI, japonés
• Una pintura de pantalla que representa a personas jugando Go, por Kanō Eitoku (1543-1590), japonés
• Panel derecho de la pantalla de pinos (Shōrin-zu byōbu,松林図 屏風) de Hasegawa Tōhaku (1539–1610), japonés
• Pergamino de caligrafía de Bodhidharma, "Zen apunta directamente al corazón humano, ve tu naturaleza y conviértete en Buda", Hakuin Ekaku (1686 a 1769), japonés
• Pergamino colgante de 1672, Kanō Tanyū (1602–1674), japonés
• Peonías, por Yun Shouping (1633–1690), chino
• Genji Monogatari, de Tosa Mitsuoki (1617–1691), japonés
• Vista de Geumgang, Jeong Seon (1676-1759), 1734, coreano
• Ike no Taiga (1723–1776), Pescado en primavera, japonés
• Escuela Maruyama, pino, bambú, ciruela, biombo de seis hojas, Maruyama Ōkyo (1733–1795), japonés
• Un gato y una mariposa, Kim Hong-do (1745–?), siglo XVIII, coreano
• Un paseo en barco, Shin Yun-bok (¿1758–?), 1805, coreano
• Escuela Rimpa, Flores y luna de otoño, Sakai Hoitsu (1761–1828), japonés
• Un tanuki (perro mapache) como tetera, por Katsushika Hokusai (1760–1849), japonés
• Una casa entre albaricoqueros, Jo Hee-ryong (1797–1859), coreano
• Katsushika Hokusai, El dragón de humo escapando del monte Fuji, Japonés
• Miyagawa Isshō, pintura Ukiyo-e sin título, japonés
• Tomioka Tessai (1837–1924), estilo Nihonga, baile de dos divinidades, 1924, japonés

China, Japón y Corea tienen una fuerte tradición en la pintura que también está muy ligada al arte de la caligrafía y el grabado (tanto que comúnmente se lo considera pintura). La pintura tradicional del Lejano Oriente se caracteriza por técnicas a base de agua, menos realismo, temas "elegantes" y estilizados, un enfoque gráfico de la representación, la importancia del espacio en blanco (o espacio negativo) y una preferencia por el paisaje (en lugar de la figura humana) como un Asunto. Más allá de la tinta y el color sobre seda o rollos de papel, el oro sobre laca también era un medio común en las obras de arte pintadas de Asia oriental. Aunque la seda era un medio algo costoso para pintar en el pasado, la invención del papel durante el siglo I d.C. por el eunuco de la corte Han, Cai Lun, proporcionó no solo un medio barato y generalizado para escribir, sino también

Las ideologías del confucianismo, el taoísmo y el budismo desempeñaron un papel importante en el arte de Asia oriental. Los pintores de la dinastía Song medieval como Lin Tinggui y su Luohan Laundering (ubicado en la Smithsonian Freer Gallery of Art) del siglo XII son excelentes ejemplos de ideas budistas fusionadas con obras de arte clásicas chinas. En la última pintura sobre seda (imagen y descripción proporcionadas en el enlace), se representa a Luohan budista calvo en un entorno práctico de lavado de ropa junto a un río. Sin embargo, la pintura en sí es visualmente impresionante, con el Luohan retratado con gran detalle y colores brillantes y opacos en contraste con un entorno boscoso brumoso, marrón y anodino. Además, las copas de los árboles están envueltas en una niebla arremolinada, lo que proporciona el "espacio negativo" común mencionado anteriormente en el arte de Asia oriental.

En el japonismo, postimpresionistas de finales del siglo XIX como Van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec, y tonalistas como James McNeill Whistler, admiraron a artistas japoneses de Ukiyo-e de principios del siglo XIX como Hokusai (1760–1849) e Hiroshige (1797– 1858) y fueron influenciados por ellos.

Panorama de

A lo largo del río durante el Festival Qing Ming, nueva versión del siglo XVIII del original de la dinastía Song del siglo XII por el artista chino Zhang Zeduan. La pintura original de Zhang es venerada por los eruditos como "una de las obras maestras más grandes de la civilización china". Nota: el desplazamiento comienza desde la derecha.

Chino

Los primeros ejemplos sobrevivientes de obras de arte pintadas chinas datan del Período de los Reinos Combatientes (481-221 a. C.), con pinturas en seda o murales de tumbas en roca, ladrillo o piedra. A menudo tenían un formato estilizado simplista y patrones geométricos más o menos rudimentarios. A menudo representaban criaturas mitológicas, escenas domésticas, escenas laborales o escenas palaciegas llenas de funcionarios de la corte. Las obras de arte durante este período y las posteriores dinastía Qin (221–207 a. C.) y dinastía Han (202 a. C. – 220 d. C.) no se hicieron como un medio en sí mismo o para una mayor expresión personal; más bien se crearon obras de arte para simbolizar y honrar ritos funerarios, representaciones de deidades mitológicas o espíritus de antepasados, etc. Durante la dinastía Han se podían encontrar pinturas en seda de funcionarios de la corte y escenas domésticas. junto con escenas de hombres cazando a caballo o participando en un desfile militar. También se pintaron obras de arte tridimensionales como figurillas y estatuas, como los colores originales que cubrían las estatuas de soldados y caballos del Ejército de Terracota. Durante el clima social y cultural de la antigua dinastía Jin del Este (316 - 420 d. C.) con base en Nanjing en el sur, la pintura se convirtió en uno de los pasatiempos oficiales de los funcionarios burocráticos y aristócratas enseñados por Confucio (junto con la música tocada por la cítara guqin, escribir caligrafía fantasiosa y escribir y recitar poesía). La pintura se convirtió en una forma común de autoexpresión artística y, durante este período, los pintores de la corte o de los circuitos sociales de élite eran juzgados y clasificados por sus pares. También se pintaron obras de arte tridimensionales como figurillas y estatuas, como los colores originales que cubrían las estatuas de soldados y caballos del Ejército de Terracota. Durante el clima social y cultural de la antigua dinastía Jin del Este (316 - 420 d. C.) con base en Nanjing en el sur, la pintura se convirtió en uno de los pasatiempos oficiales de los funcionarios burocráticos y aristócratas enseñados por Confucio (junto con la música tocada por la cítara guqin, escribir caligrafía fantasiosa y escribir y recitar poesía). La pintura se convirtió en una forma común de autoexpresión artística y, durante este período, los pintores de la corte o de los circuitos sociales de élite eran juzgados y clasificados por sus pares. También se pintaron obras de arte tridimensionales como figurillas y estatuas, como los colores originales que cubrían las estatuas de soldados y caballos del Ejército de Terracota. Durante el clima social y cultural de la antigua dinastía Jin del Este (316 - 420 d. C.) con base en Nanjing en el sur, la pintura se convirtió en uno de los pasatiempos oficiales de los funcionarios burocráticos y aristócratas enseñados por Confucio (junto con la música tocada por la cítara guqin, escribir caligrafía fantasiosa y escribir y recitar poesía). La pintura se convirtió en una forma común de autoexpresión artística y, durante este período, los pintores de la corte o de los circuitos sociales de élite eran juzgados y clasificados por sus pares. Durante el clima social y cultural de la antigua dinastía Jin del Este (316 - 420 d. C.) con base en Nanjing en el sur, la pintura se convirtió en uno de los pasatiempos oficiales de los funcionarios burocráticos y aristócratas enseñados por Confucio (junto con la música tocada por la cítara guqin, escribir caligrafía fantasiosa y escribir y recitar poesía). La pintura se convirtió en una forma común de autoexpresión artística y, durante este período, los pintores de la corte o de los circuitos sociales de élite eran juzgados y clasificados por sus pares. Durante el clima social y cultural de la antigua dinastía Jin del Este (316 - 420 d. C.) con base en Nanjing en el sur, la pintura se convirtió en uno de los pasatiempos oficiales de los funcionarios burocráticos y aristócratas enseñados por Confucio (junto con la música tocada por la cítara guqin, escribir caligrafía fantasiosa y escribir y recitar poesía). La pintura se convirtió en una forma común de autoexpresión artística y, durante este período, los pintores de la corte o de los circuitos sociales de élite eran juzgados y clasificados por sus pares.

El establecimiento de la pintura paisajística china clásica se atribuye en gran parte al artista de la dinastía Jin del Este, Gu Kaizhi (344 - 406 d. C.), uno de los artistas más famosos de la historia de China. Al igual que las escenas de pergaminos alargados de Kaizhi, la dinastía Tang (618–907 d. C.), artistas chinos como Wu Daozi pintaron obras de arte vívidas y muy detalladas en largos pergaminos horizontales (que fueron muy populares durante la dinastía Tang), como sus Ochenta y siete personas celestiales.. Las obras de arte pintadas durante el período Tang tenían los efectos de un entorno paisajístico idealizado, con un número escaso de objetos, personas o cantidad de actividad, así como de naturaleza monocromática (ejemplo: los murales de la tumba de Price Yide en el Mausoleo de Qianling). También hubo figuras como el pintor temprano de la era Tang Zhan Ziqian, quien pintó magníficas pinturas de paisajes que estaban muy por delante de su época en la representación del realismo. Sin embargo, el arte del paisaje no alcanzó un mayor nivel de madurez y realismo en general hasta el período de las Cinco Dinastías y los Diez Reinos (907-960 d. C.). Durante este tiempo, hubo pintores de paisajes excepcionales como Dong Yuan (consulte este artículo para ver un ejemplo de su obra de arte), y aquellos que pintaron representaciones más vívidas y realistas de escenas domésticas, como Gu Hongzhong y suFiestas nocturnas de Han Xizai.

Durante la dinastía Song china (960–1279 d. C.), no solo se mejoró el arte paisajista, sino que la pintura de retratos se estandarizó y sofisticó más que antes (por ejemplo, refiérase al emperador Huizong de Song), y alcanzó su edad clásica de madurez durante el Dinastía Ming (1368-1644 d. C.). Durante finales del siglo XIII y la primera mitad del siglo XIV, a los chinos bajo la dinastía Yuan controlada por los mongoles no se les permitió ingresar a los puestos más altos del gobierno (reservados para los mongoles u otros grupos étnicos de Asia Central), y el examen imperial se suspendió por el momento. Muchos chinos con educación confuciana que ahora carecían de profesión se volvieron hacia las artes de la pintura y el teatro, ya que el período Yuan se convirtió en una de las épocas más vibrantes y abundantes para el arte chino. Un ejemplo de esto sería Qian Xuan (1235-1305 dC), quien fue funcionario de la dinastía Song, pero por patriotismo, se negó a servir a la corte de Yuan y se dedicó a la pintura. Ejemplos de arte soberbio de este período incluyen los ricos y detallados murales pintados del Palacio Yongle,o "Palacio de la Longevidad de Dachunyang", de 1262 dC, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Dentro del palacio, las pinturas cubren un área de más de 1000 metros cuadrados y tienen en su mayoría temas daoístas. Fue durante la dinastía Song que los pintores también se reunían en clubes sociales o reuniones para hablar sobre su arte o el de otros, cuyas alabanzas a menudo conducían a la persuasión de comerciar y vender obras de arte preciosas. Sin embargo, también hubo muchos críticos duros de otras artes, mostrando la diferencia de estilo y gusto entre los diferentes pintores. En 1088 d.C., el científico polímata y estadista Shen Kuo escribió una vez sobre la obra de arte de un tal Li Cheng, a quien criticó de la siguiente manera:

... Luego estaba Li Cheng, quien cuando representaba pabellones y cabañas en medio de montañas, edificios de varios pisos, pagodas y similares, siempre solía pintar los aleros vistos desde abajo. Su idea era que "uno debe mirar hacia arriba desde abajo, tal como un hombre que está parado en un terreno nivelado y mira hacia el alero de una pagoda puede ver sus vigas y sus vigas en voladizo". Todo esto está mal. En general, la forma correcta de pintar un paisaje es ver lo pequeño desde el punto de vista de lo grande... tal como uno mira las montañas artificiales en los jardines (mientras camina). Si se aplica (método de Li) a la pintura de montañas reales, mirándolas desde abajo, sólo se puede ver un perfil a la vez, y no la riqueza de sus multitudinarios desniveles y perfiles, por no hablar de todo lo que está pasando. en los valles y cañones, y en las callejuelas y patios con sus habitaciones y casas. Si nos paramos al este de una montaña, sus partes occidentales estarían en el límite que se desvanece de la distancia lejana, y viceversa. ¿Seguramente esto no podría llamarse una pintura exitosa? El Sr. Li no entendió el principio de 'ver lo pequeño desde el punto de vista de lo grande'. Sin duda, era maravilloso para disminuir con precisión alturas y distancias, pero ¿debería darse tanta importancia a los ángulos y esquinas de los edificios?

Aunque el alto nivel de estilización, el atractivo místico y la elegancia surrealista a menudo se preferían al realismo (como en el estilo shan shui), a partir de la dinastía Song medieval, hubo muchos pintores chinos que representaron escenas de la naturaleza que eran vívidamente reales. Los artistas posteriores de la dinastía Ming seguirían el énfasis de esta dinastía Song por los detalles intrincados y el realismo en los objetos de la naturaleza, especialmente en las representaciones de animales (como patos, cisnes, gorriones, tigres, etc.) entre parches de flores de colores brillantes y matorrales de maleza. y madera (un buen ejemplo sería la pintura anónima de la dinastía Ming Birds and Plum Blossoms,alojado en la Galería Freer del Museo Smithsonian en Washington, DC). Hubo muchos artistas de renombre de la dinastía Ming; Qiu Ying es un excelente ejemplo de un pintor supremo de la era Ming (famoso incluso en su época), que utiliza en sus obras de arte escenas domésticas, bulliciosas escenas palaciegas y escenas de la naturaleza de valles fluviales y montañas empinadas envueltas en niebla y nubes arremolinadas. Durante la dinastía Ming también hubo escuelas de arte diferentes y rivales asociadas con la pintura, como la Escuela Wu y la Escuela Zhe.

La pintura clásica china continuó hasta principios de la dinastía Qing moderna, con pinturas de retratos muy realistas como las de finales de la dinastía Ming de principios del siglo XVII. Los retratos del Emperador Kangxi, el Emperador Yongzheng y el Emperador Qianlong son excelentes ejemplos de la pintura realista de retratos chinos. Durante el período del reinado de Qianlong y la continuación del siglo XIX, los estilos de pintura barrocos europeos tuvieron una influencia notable en los retratos chinos, especialmente con efectos visuales pintados de iluminación y sombra. Asimismo, las pinturas de Asia oriental y otras obras de arte (como la porcelana y la laca) fueron muy apreciadas en Europa desde el contacto inicial en el siglo XVI.

Pinturas al oleo chinas

Las técnicas occidentales de pintura al óleo comenzaron a ingresar a China en el siglo XIX y se hicieron predominantes entre los artistas y estudiantes de arte chinos a principios del siglo XX, coincidiendo con el creciente compromiso de China con Occidente. Artistas como Li Tiefu, Hong Yi, Xu Beihong, Yan Wenliang, Lin Fengmian, Fang Ganmin, Pang Yuliang viajaron al extranjero, principalmente a París y Tokio, para aprender arte occidental. A través de ellos, movimientos artísticos como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo y el posimpresionismo crecieron y prosperaron en China, solo detenidos por la Segunda Guerra Mundial y el nacimiento de la República Popular China, cuando los estilos artísticos modernistas se consideraban incompatibles con el los ideales politicos imperantes y el realismo era la unica forma artistica aceptable. No obstante, perduró el legado del estrecho compromiso con el arte occidental a principios del siglo XX. Las pinturas al óleo sobrevivieron como un medio importante en las escenas artísticas chinas; Como resultado, también se cambiaron las pinturas tradicionales de tinta china.

• Retrato de Madame Liu, (1942) Li Tiefu óleo sobre lienzo
• Retrato de Kang Youwei (1904) Li Tiefu óleo sobre lienzo
• Retrato de Madam Cheng (1941) Óleo sobre tabla Xu Beihong

Japonés

La pintura japonesa (絵画) es una de las artes japonesas más antiguas y refinadas, y abarca una amplia variedad de géneros y estilos. Al igual que con las artes japonesas en general, la pintura japonesa se desarrolló a través de una larga historia de síntesis y competencia entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas. Ukiyo-e, o "imágenes del mundo flotante", es un género de xilografías japonesas (o "xilografías") y pinturas producidas entre los siglos XVII y XX, con motivos de paisajes, teatros y distritos de cortesanas. Es el principal género artístico de la xilografía japonesa. El grabado japonés, especialmente del período Edo, ejerció una enorme influencia en la pintura francesa del siglo XIX.

Coreano

La pintura coreana, como forma independiente, comenzó alrededor del año 108 a. C., alrededor de la caída de Gojoseon, lo que la convierte en una de las más antiguas del mundo. Las obras de arte de ese período evolucionaron hacia los diversos estilos que caracterizaron el período de los Tres Reinos de Corea, sobre todo las pinturas y los frescos que adornan las tumbas de la realeza de Goguryeo. Durante el período de los Tres Reinos y durante la dinastía Goryeo, la pintura coreana se caracterizó principalmente por una combinación de paisajes de estilo coreano, rasgos faciales, temas centrados en el budismo y un énfasis en la observación celestial que fue facilitado por el rápido desarrollo de la astronomía coreana. No fue hasta la dinastía Joseon que los temas confucianos comenzaron a echar raíces en las pinturas coreanas, utilizadas en armonía con aspectos indígenas.

La historia de la pintura coreana se ha caracterizado por el uso de obras monocromáticas de pincelada negra, a menudo sobre papel de morera o seda. Este estilo es evidente en "Min-Hwa", o arte popular colorido, pinturas de tumbas y artes rituales y festivas, las cuales incorporaron un uso extensivo del color.

Sudasiático

• Figuras flotantes bailando, un mural de c. 850.
• Mughal, Akbar siendo recibido por Khan Kilan, el gobernador de Nagaur, en 1570, Akbarnama
• pintura Deccan; el joven Ibrahim Adil Shah II vendiendo cetrería, c. 1590
• Mughal, Yudishthira luchando con Karna, 1598
• Mughal nilhgai, 1625-1650
• Emperador Shah Jahan e hijos, c. 1628 o posterior. Los retratos de Mughal normalmente usan vistas de perfil.
• Una dama escuchando música, c. 1750.
• Pintura de Bahsoli de Radha y Krishna en discusión, c. 1730.
• Pintura Deccan, Sultán Ibrahim Adil Shah II de Bijapur, c. 1590. Una vista de tres cuartos que da una impresión poderosa y viva del retratado, a pesar de carecer tanto de precisión mogol como de un modelado muy coherente de las superficies.
• Retrato mogol de Raja Jagat Singh de Nurpur (reinó entre 1618 y 1646), probablemente en 1619
• Pintura Pahari, Chamba, c. 1665, un guerrero monta su caballo
• Retrato del Govardhân Chand, estilo de pintura Pahari, c. 1750.
• Pintura Kangra, c. 1775, Krishna toca su flauta a las gopis
• Ravana mata a Jathayu; la cautiva Sita se desespera, por Raja Ravi Varma
• Akbar y Tansen visitan Haridas en Vrindavan, estilo Rajasthan, c. 1750.
• Krishna invocando a las vacas, pintura de Pahari, Bilaspur, siglo XVIII
• Un hombre con niños, estilo de pintura Pahari, 1760.
• Estilo de compañía, década de 1770, faisán cornudo carmesí (Satyr Tragapan)
• Râdhâ arresta a Krishna, estilo de pintura Pahari, 1770.
• Rama y Sita en el bosque, estilo de pintura Pahari, 1780.
• Pintura tardía de Kangra, 1815/1825, Rama, Lakshmana y Sita
• Pintura tardía de Rajput, Kota, c. Década de 1830, caza del tigre Ram Singh II

Indio

Las pinturas indias giraron históricamente en torno a las deidades religiosas y los reyes. El arte indio es un término colectivo para varias escuelas de arte diferentes que existieron en el subcontinente indio. Las pinturas variaban desde grandes frescos de Ajanta hasta las intrincadas pinturas en miniatura de Mughal y las obras adornadas con metal de la escuela Tanjore. Las pinturas de Gandhar-Taxila están influenciadas por las obras persas en el oeste. El estilo de pintura oriental se desarrolló principalmente en torno a la escuela de arte de Nalanda. Las obras están inspiradas en su mayoría en varias escenas de la mitología india.

Historia

Las primeras pinturas indias fueron las pinturas rupestres de tiempos prehistóricos, los petroglifos que se encuentran en lugares como los refugios rocosos de Bhimbetka, y algunos de ellos son anteriores al 5500 a. Dichos trabajos continuaron y después de varios milenios, en el siglo VII, los pilares tallados de Ajanta, estado de Maharashtra, presentan un excelente ejemplo de pinturas indias, y los colores, en su mayoría varios tonos de rojo y naranja, se derivaron de minerales.

Las cuevas de Ajanta en Maharashtra, India, son monumentos excavados en la roca que datan del siglo II a. C. y contienen pinturas y esculturas consideradas obras maestras tanto del arte religioso budista como del arte pictórico universal.pintura madhubani

La pintura Madhubani es un estilo de pintura india, practicada en la región de Mithila del estado de Bihar, India. Los orígenes de la pintura de Madhubani están envueltos en la antigüedad.

Mogol

La pintura mogol es un estilo particular de la pintura india, generalmente limitada a ilustraciones en el libro y realizadas en miniaturas, y que surgió, se desarrolló y tomó forma durante el período del Imperio mogol de los siglos XVI al XIX.

Rajput

La pintura de Rajput evolucionó y floreció durante el siglo XVIII, en las cortes reales de Rajputana, India. Cada reino de Rajput desarrolló un estilo distinto, pero con ciertas características comunes. Las pinturas de Rajput representan una serie de temas, eventos de epopeyas como el Ramayana y el Mahabharata, la vida de Krishna, hermosos paisajes y humanos. Las miniaturas eran el medio preferido de la pintura de Rajput, pero varios manuscritos también contienen pinturas de Rajput, e incluso se realizaron pinturas en las paredes de los palacios, las cámaras interiores de los fuertes, los havelies, en particular, los havelis de Shekhawait.

Se utilizaron los colores extraídos de ciertos minerales, fuentes vegetales, caracoles, e incluso se derivaron del procesamiento de piedras preciosas, oro y plata. La preparación de los colores deseados fue un proceso largo, que a veces tomaba semanas. Los pinceles utilizados eran muy finos.

Tanjore

La pintura de Tanjore es una forma importante de pintura clásica del sur de la India originaria de la ciudad de Tanjore en Tamil Nadu. La forma de arte se remonta a principios del siglo IX, un período dominado por los gobernantes Chola, quienes fomentaron el arte y la literatura. Estas pinturas son conocidas por su elegancia, colores vivos y atención al detalle. Los temas de la mayoría de estas pinturas son dioses y diosas hindúes y escenas de la mitología hindú. En los tiempos modernos, estas pinturas se han convertido en un recuerdo muy buscado durante las ocasiones festivas en el sur de la India.

El proceso de hacer una pintura de Tanjore involucra muchas etapas. La primera etapa consiste en la elaboración del boceto preliminar de la imagen sobre la base. La base consiste en una tela pegada sobre una base de madera. Luego se mezcla polvo de tiza u óxido de zinc con adhesivo soluble en agua y se aplica sobre la base. Para suavizar la base, a veces se usa un abrasivo suave. Después de realizar el dibujo, la decoración de las joyas y las prendas de la imagen se realiza con piedras semipreciosas. También se utilizan cordones o hilos para decorar las joyas. Además de esto, se pegan las láminas de oro. Finalmente, se utilizan tintes para dar color a las figuras de las pinturas.

Escuela de Madrás

Durante el dominio británico en la India, la corona descubrió que Madrás tenía algunas de las mentes artísticas más talentosas e intelectuales del mundo. Como los británicos también habían establecido un gran asentamiento en Madrás y sus alrededores, se eligió Georgetown para establecer un instituto que pudiera satisfacer las expectativas artísticas de la familia real en Londres. Esto ha llegado a ser conocido como la Escuela de Arte de Madrás. Al principio, se emplearon artistas tradicionales para producir exquisitas variedades de muebles, trabajos en metal y curiosidades, y su trabajo se envió a los palacios reales de la Reina.

A diferencia de la Escuela de Bengala, donde 'copiar' es la norma de enseñanza, la Escuela de Madrás prospera al 'crear' nuevos estilos, argumentos y tendencias.

Escuela de bengala

La escuela de arte de Bengala fue un estilo de arte influyente que floreció en la India durante el Raj británico a principios del siglo XX. Se asoció con el nacionalismo indio, pero también fue promovido y apoyado por muchos administradores artísticos británicos.

La Escuela de Bengala surgió como un movimiento de vanguardia y nacionalista que reaccionaba contra los estilos artísticos académicos previamente promovidos en la India, tanto por artistas indios como Raja Ravi Varma como en las escuelas de arte británicas. Tras la influencia generalizada de las ideas espirituales indias en Occidente, el profesor de arte británico Ernest Binfield Havel intentó reformar los métodos de enseñanza en la Escuela de Arte de Calcuta animando a los estudiantes a imitar las miniaturas de Mughal. Esto provocó una gran controversia, lo que provocó una huelga de estudiantes y quejas de la prensa local, incluso de nacionalistas que consideraron que se trataba de un movimiento regresivo. Havel fue apoyado por el artista Abanindranath Tagore, sobrino del poeta Rabindranath Tagore. Tagore pintó una serie de obras influenciadas por el arte mogol, un estilo que él y Havel creían que era expresivo de la India. s distintas cualidades espirituales, en oposición al "materialismo" de Occidente. La pintura más conocida de Tagore,Bharat Mata (Madre India), representó a una mujer joven, retratada con cuatro brazos a la manera de las deidades hindúes, sosteniendo objetos simbólicos de las aspiraciones nacionales de la India. Tagore luego intentó desarrollar vínculos con artistas japoneses como parte de una aspiración de construir un modelo de arte panasiático.

La influencia de la Escuela de Bengala en la India disminuyó con la difusión de las ideas modernistas en la década de 1920. En el período posterior a la independencia, los artistas indios mostraron más adaptabilidad al tomar prestados estilos europeos y fusionarlos libremente con los motivos indios en nuevas formas de arte. Mientras que artistas como Francis Newton Souza y Tyeb Mehta tenían un enfoque más occidental, hubo otros como Ganesh Pyne y Maqbool Fida Husain que desarrollaron estilos de trabajo completamente indígenas. Hoy, después del proceso de liberalización del mercado en la India, los artistas están experimentando una mayor exposición a la escena artística internacional, lo que los está ayudando a emerger con nuevas formas de arte que hasta ahora no se habían visto en la India. Jitish Kallat saltó a la fama a fines de la década de 1990 con sus pinturas que eran modernas y estaban más allá del alcance de la definición genérica. Sin embargo, mientras que los artistas en la India en el nuevo siglo están probando nuevos estilos, temas y metáforas, no hubiera sido posible obtener un reconocimiento tan rápido sin la ayuda de las casas comerciales que ahora están ingresando al campo del arte como nunca antes lo habían hecho..

Indio moderno

Amrita Sher-Gil fue una pintora india, a veces conocida como la Frida Kahlo de la India, y hoy en día se la considera una importante pintora de la India del siglo XX, cuyo legado está a la par con el de los Maestros del Renacimiento de Bengala; también es la pintora 'más cara' de la India.

Hoy, se encuentra entre los Nueve Maestros, cuyo trabajo fue declarado tesoro artístico por The Archaeological Survey of India, en 1976 y 1979, y más de 100 de sus pinturas ahora se exhiben en la Galería Nacional de Arte Moderno de Nueva Delhi.

Durante la era colonial, las influencias occidentales comenzaron a tener un impacto en el arte indio. Algunos artistas desarrollaron un estilo que usaba ideas occidentales de composición, perspectiva y realismo para ilustrar temas indios. Otros, como Jamini Roy, se inspiraron conscientemente en el arte popular.

En el momento de la Independencia en 1947, varias escuelas de arte en la India brindaron acceso a técnicas e ideas modernas. Se establecieron galerías para exhibir a estos artistas. El arte indio moderno generalmente muestra la influencia de los estilos occidentales, pero a menudo se inspira en temas e imágenes indios. Los principales artistas están comenzando a ganar reconocimiento internacional, inicialmente entre la diáspora india, pero también entre audiencias no indias.

El Grupo de Artistas Progresistas, establecido poco después de que India se independizara en 1947, tenía la intención de establecer nuevas formas de expresar India en la era poscolonial. Los fundadores fueron seis artistas eminentes: KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza y FN Souza. Aunque el grupo se disolvió en 1956, influyó profundamente en el cambio del idioma del arte indio. Casi todos los principales artistas de la India en la década de 1950 estaban asociados con el grupo. Algunos de los que son bien conocidos hoy en día son Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, VS Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta y Akbar Padamsee. Otros pintores famosos como Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran y Bijon Choudhuri enriquecieron la cultura artística de la India. Se han convertido en los íconos del arte indio moderno. Historiadores del arte como el Prof. Rai Anand Krishna también se ha referido a aquellas obras de artistas modernos que reflejan el espíritu indio. Geeta Vadhera ha tenido elogios en la traducción de temas espirituales indios complejos en lienzos como el pensamiento sufí, los Upanishads y el Bhagwad Geeta.

El arte indio recibió un impulso con la liberalización económica del país desde principios de la década de 1990. Artistas de varios campos ahora comenzaron a traer estilos variados de trabajo. En la India posterior a la liberalización, muchos artistas se han establecido en el mercado del arte internacional, como el pintor abstracto Natvar Bhavsar, el artista figurativo Devajyoti Ray y el escultor Anish Kapoor, cuyas gigantescas obras de arte posminimalistas han llamado la atención por su gran tamaño. También se han abierto muchas casas de arte y galerías en EE. UU. y Europa para exhibir obras de arte indias.

El sudeste de Asia

Indonesio

Las pinturas rupestres más antiguas que se conocen tienen más de 44.000-50.000 años y se encuentran en las cuevas del distrito de Maros (Sulawesi, Indonesia). El tipo más antiguo de pinturas rupestres son las plantillas hechas a mano y las formas geométricas simples; los ejemplos indiscutibles más antiguos de pinturas rupestres figurativas son algo más jóvenes, con una antigüedad cercana a los 35.000 años.

El descubrimiento de la pintura de arte figurativo más antigua conocida, de más de 40 000 años (quizás hasta 52 000) de antigüedad, de un animal desconocido, en la cueva de Lubang Jeriji Saléh en la isla indonesia de Borneo. Sin embargo, en diciembre de 2019, se estimó que las pinturas rupestres figurativas que representan la caza de cerdos en el karst de Maros-Pangkep en Sulawesi eran aún más antiguas, al menos 43,900 años. Se señaló que el hallazgo era "el registro pictórico más antiguo de narración de cuentos y la obra de arte figurativa más antigua del mundo".

Otros ejemplos de pinturas indonesias son el arte decorativo de Kenyah, basado en motivos naturales endémicos como helechos y cálaos, que se encuentran decorando las paredes de las casas comunales de Kenyah. Otro arte tradicional notable son las tallas geométricas de madera Toraja. Las pinturas balinesas son inicialmente las imágenes narrativas para representar escenas de leyendas balinesas y guiones religiosos. Las pinturas balinesas clásicas a menudo decoran los manuscritos lontar y también los techos de los pabellones de los templos. Los pintores indonesios modernos notables en la tradición europea incluyen a Raden Saleh, Basuki Abdullah y Abdullah Suriosubroto, sus temas exploran la pintura de paisajes y retratos.

• Pintura tradicional balinesa que representa peleas de gallos.
• Captura del príncipe Diponegoro, 1857.
• Paisaje javanés, con tigres escuchando el sonido de un grupo viajero, 1849.
• La rueda de la vida, I Ketut Murtika (n. 1952), Gouache sobre lienzo
• Detalle de pintura Kamasan Palindon anterior a 1920, un ejemplo de pintura clásica de estilo Kamasan.
• Mask Dancer (por AA Gde Anom Sukawati) en el Museo Puri Lukisan.
• Bailarina legong.
• Pintura del templo de Indonesia.

Filipino

La pintura filipina en su conjunto puede verse como una amalgama de muchas influencias culturales, aunque tiende a ser más occidental en su forma actual con raíces orientales.

La pintura filipina temprana se puede encontrar en diseños de engobe rojo (arcilla mezclada con agua) adornados en la cerámica ritual de Filipinas, como el aclamado Manunggul Jar. Se han encontrado evidencias de alfarería filipina que datan del año 6000 a. C. en la cueva Sanga-sanga, Sulu y la cueva Laurente, Cagayán. Se ha comprobado que hacia el año 5000 aC, la alfarería se practicaba en todo el país. Los primeros filipinos comenzaron a hacer cerámica antes que sus vecinos camboyanos y casi al mismo tiempo que los tailandeses como parte de lo que parece ser un desarrollo generalizado de la tecnología de la cerámica en la Edad del Hielo. Otras evidencias de la pintura se manifiestan en la tradición del tatuaje de los primeros filipinos, a quienes el explorador portugués se refirió como Pintados o la 'Gente pintada' de las Visayas.Varios diseños que hacen referencia a la flora y la fauna con cuerpos celestes decoran sus cuerpos con pigmentación de varios colores. Quizás, algunas de las pinturas más elaboradas realizadas por los primeros filipinos que sobreviven hasta el día de hoy se pueden manifestar entre las artes y la arquitectura de Maranao, que son bien conocidos por los Dragones Nāga y el Sarimanok tallados y pintados en el hermoso Panolong de su Torogan. o Casa del Rey.

Los filipinos comenzaron a crear pinturas en la tradición europea durante el período español del siglo XVII.Las primeras de estas pinturas fueron frescos de iglesias, imágenes religiosas de fuentes bíblicas, así como grabados, esculturas y litografías con íconos cristianos y la nobleza europea. La mayoría de las pinturas y esculturas entre los siglos XIX y XX produjeron una mezcla de obras de arte religiosas, políticas y paisajistas, con cualidades de dulzura, oscuridad y luz. Los primeros pintores modernistas como Damián Domingo se asociaron con pinturas religiosas y seculares. El arte de Juan Luna y Félix Hidalgo mostró una tendencia a la declaración política. Artistas como Fernando Amorsolo utilizaron el posmodernismo para producir pinturas que ilustraban la cultura, la naturaleza y la armonía filipinas. Mientras que otros artistas como Fernando Zóbel utilizaron la realidad y la abstracción en su obra.

• Juan Luna, La muerte de Cleopatra, 1881
• Juan Luna, Spoliarium, c. 1884
• Nuestra Señora de la Soledad de Porta Vaga
• Pintura del techo de la iglesia de Lila
• Lorenzo de la Rocha Icaza, Mujer filipina, 1895
• Fabián de la Rosa, Mujeres trabajando en un arrozal, 1902
• Juan Luna, Tampuhan, 1895
• José Honorato Lozano, Indios, 1847

Occidental

Egipto, Grecia y Roma

El antiguo Egipto, una civilización con tradiciones muy fuertes de arquitectura y escultura (ambas pintadas originalmente en colores brillantes), también tenía muchas pinturas murales en templos y edificios, y pintó ilustraciones en manuscritos de papiro. La pintura mural y decorativa egipcia es a menudo gráfica, a veces más simbólica que realista. La pintura egipcia representa figuras con contornos audaces y siluetas planas, en las que la simetría es una característica constante. La pintura egipcia tiene una estrecha relación con su lenguaje escrito, llamado jeroglíficos egipcios. Los símbolos pintados se encuentran entre las primeras formas de lenguaje escrito. Los egipcios también pintaron sobre lino, cuyos restos sobreviven hoy. Las pinturas del antiguo Egipto sobrevivieron debido al clima extremadamente seco. Los antiguos egipcios crearon pinturas para hacer del más allá de los difuntos un lugar agradable. Los temas incluían el viaje a través del más allá o sus deidades protectoras que presentaban al difunto a los dioses del inframundo. Algunos ejemplos de tales pinturas son las pinturas de los dioses y diosas Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris e Isis. Algunas pinturas de tumbas muestran actividades en las que los difuntos estaban involucrados cuando estaban vivos y deseaban continuar haciéndolos por la eternidad. En el Imperio Nuevo y más tarde, el Algunas pinturas de tumbas muestran actividades en las que los difuntos estaban involucrados cuando estaban vivos y deseaban continuar haciéndolos por la eternidad. En el Imperio Nuevo y más tarde, el Algunas pinturas de tumbas muestran actividades en las que los difuntos estaban involucrados cuando estaban vivos y deseaban continuar haciéndolos por la eternidad. En el Imperio Nuevo y más tarde, elEl Libro de los Muertos fue enterrado con la persona sepultada. Se consideró importante para una introducción al más allá.

• Sennedjem ara sus campos con una yunta de bueyes, c. 1200 aC
• Antiguo Egipto, La diosa Isis, pintura mural, c. 1360 aC
• Antiguo Egipto, Reina Nefertari
• Antiguo Egipto, papiro
• Antiguo Egipto
• Antiguo Egipto
• Knossos, civilización minoica, Creta de la Edad del Bronce
• Paneles Pitsa, una de las pocas pinturas sobre paneles supervivientes de la Grecia arcaica, c. 540–530 a. C.
• Escena del simposio en la Tumba del buzo en Paestum, alrededor del 480 a. C. Arte griego
• Mural de soldados de Agios Athanasios, Tesalónica, Antigua Macedonia, siglo IV a.C.
• Un griego luchando contra una amazona. Detalle de sarcófago pintado hallado en Italia, 350-325 a.C.
• Fresco de un antiguo soldado macedonio (thorakitai) con armadura de cota de malla y escudo de thureos, siglo III a.
• Fresco que representa el sacrificio de Ifigenia
• Arte romano que muestra a Hércules y Telephus
• Arte romano que muestra a Meleagro y Atalanta
• Arte romano que muestra el castigo de Dirce
• Arte romano que muestra a Pirithous e Hippodamia
• Arte románico, Pompeya, Villa de los Misterios, c. 60-50 a.C.
• Arte romano, frescos de Villa Boscoreale, c. 40 aC
• Arte romano que muestra Io y Argus
• Arte romano, Pompeya
• Las Tres Gracias, fresco de Pompeya
• La caída de Ícaro, fresco de Pompeya, 40-79 d.C.
• Arte romano, Pompeya
• Arte romano, retratos de momias de Fayum del Egipto romano
• Arte romano de la Casa de los Vettii, Pompeya, siglo I d.C.
• Cupidos jugando con una lira, fresco romano de Herculano
• Fresco romano con una Venus sentada, la llamada "Dea Barberini", siglo IV d.C.

Al norte de Egipto estaba la civilización minoica centrada en la isla de Creta. Las pinturas murales encontradas en el palacio de Knossos son similares a las de los egipcios pero de estilo mucho más libre. La Grecia micénica, que comenzó alrededor del 1600 a. C., produjo un arte similar al de la Creta minoica. El arte griego antiguo durante la Edad Oscura griega se volvió mucho menos complejo, pero la renovación de la civilización griega en todo el Mediterráneo durante la Grecia arcaica trajo nuevas formas de arte griego con el estilo orientalizante.

La antigua Grecia tenía pintores, escultores (aunque ambos esfuerzos se consideraban mero trabajo manual en ese momento) y arquitectos. El Partenón es un ejemplo de su arquitectura que ha perdurado hasta los días modernos. La escultura de mármol griega a menudo se describe como la forma más alta de arte clásico. La pintura sobre cerámica de la Antigua Grecia y la cerámica ofrece una visión particularmente informativa de la forma en que funcionaba la sociedad en la Antigua Grecia. La pintura de jarrones de figuras negras y la pintura de jarrones de figuras rojas brindan muchos ejemplos sobrevivientes de lo que era la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos en paneles de madera que se mencionan en los textos son Apeles, Zeuxis y Parrhasius, sin embargo, no sobreviven ejemplos de pintura en paneles de la Grecia antigua, solo descripciones escritas por sus contemporáneos o romanos posteriores. Zeuxis vivió en 5-6 BC y se dice que fue el primero en usar sfumato. Según Plinio el Viejo, el realismo de sus pinturas era tal que los pájaros intentaban comerse las uvas pintadas. Apelles se describe como el pintor más grande de la Antigüedad por su técnica perfecta en el dibujo, el color brillante y el modelado.

El arte romano fue influenciado por Grecia y en parte puede considerarse descendiente de la pintura griega antigua. Sin embargo, la pintura romana tiene importantes características únicas. Las pinturas romanas sobrevivientes incluyen pinturas murales y frescos, muchos de villas en Campania, en el sur de Italia en sitios como Pompeya y Herculano. Dicha pintura se puede agrupar en cuatro "estilos" o períodos principales y puede contener los primeros ejemplos de trompe-l'œil, pseudo-perspectiva y paisaje puro.Casi los únicos retratos pintados que sobreviven del mundo antiguo son una gran cantidad de retratos de ataúd en forma de busto encontrados en el cementerio de la Antigüedad tardía de Al-Fayum. Aunque estos no fueron de la mejor época ni de la más alta calidad, son impresionantes en sí mismos y dan una idea de la calidad que debe haber tenido la mejor obra antigua. También sobrevive un número muy pequeño de miniaturas de libros ilustrados de la Antigüedad tardía, y un número bastante mayor de copias de ellos del período medieval temprano.

Edad media

• Cotton Genesis Una miniatura de Abraham conociendo ángeles
• Icono bizantino, siglo VI
• Mosaicos de arte bizantino en Rávena
• Bizantino, siglo VI
• Libro de Kells
• Libro de Kells
• Hermanos Limburgo
• Hermanos Limburgo
• Libro de horas
• La captura de Jerusalén durante la Primera Cruzada, c. 1099
• The Morgan Leaf, de la Biblia de Winchester 1160–75, Escenas de la vida de David
• Evangelios de Yaroslavl c. 1220s
• carolingio
• san marcos carolingio
• Retrato de evangelista
• giottino
• Vitale de Bolonia
• simone martini
• simone martini
• Cimabué
• Giotto
• Giotto
• Giotto
• andréi rublev
• andréi rublev
• ambrosio lorenzetti
• Pietro Lorenzetti
• Duccio
• Bonaventura Berlinghieri, San Francisco de Asís, 1235
• Iglesia de Cora
• Catedral del Arcángel
• Rogier van der Weyden, (hacia 1435)
• Rogier van der Weyden, San Ivo (c. 1450)
• Monasterio de Voronet

El surgimiento del cristianismo impartió un espíritu y un objetivo diferentes a los estilos de pintura. El arte bizantino, una vez que se estableció su estilo en el siglo VI, puso gran énfasis en conservar la iconografía y el estilo tradicionales, y evolucionó gradualmente durante los mil años del Imperio bizantino y las tradiciones vivas de la pintura de iconos ortodoxa griega y rusa. La pintura bizantina tiene un sentimiento hierático y los íconos fueron y aún son vistos como una representación de la revelación divina. Había muchos frescos, pero han sobrevivido menos que los mosaicos. El arte bizantino se ha comparado con la abstracción contemporánea, en su planitud y representaciones muy estilizadas de figuras y paisajes. Algunos períodos del arte bizantino, especialmente el llamado arte macedonio de alrededor del siglo X, tienen un enfoque más flexible.

En la Europa católica posterior a la antigüedad, el primer estilo artístico distintivo que surgió que incluía la pintura fue el arte insular de las Islas Británicas, donde los únicos ejemplos sobrevivientes son miniaturas en manuscritos iluminados como el Libro de Kells. Estos son más famosos por su decoración abstracta, aunque también se representaron figuras y, a veces, escenas, especialmente en retratos de evangelistas. El arte carolingio y otoniano también sobrevive principalmente en manuscritos, aunque quedan algunas pinturas murales y hay más documentadas. El arte de este período combina influencias insulares y "bárbaras" con una fuerte influencia bizantina y una aspiración a recuperar la monumentalidad y el equilibrio clásicos.

Las paredes de las iglesias románicas y góticas estaban decoradas con frescos además de esculturas y muchas de las pocas pinturas murales que quedan tienen una gran intensidad y combinan la energía decorativa del arte insular con una nueva monumentalidad en el tratamiento de las figuras. Sobreviven muchas más miniaturas en manuscritos iluminados de la época, que muestran las mismas características, que continúan en la época gótica.

La pintura sobre tabla se vuelve más común durante el período románico, bajo la fuerte influencia de los iconos bizantinos. Hacia mediados del siglo XIII, el arte medieval y la pintura gótica se vuelven más realistas, iniciándose el interés por la representación del volumen y la perspectiva en Italia con Cimabue y luego con su discípulo Giotto. A partir de Giotto, el tratamiento de la composición por parte de los mejores pintores también se hizo mucho más libre e innovador. Se les considera los dos grandes maestros medievales de la pintura en la cultura occidental. Cimabue, dentro de la tradición bizantina, utilizó un enfoque más realista y dramático de su arte. Su alumno, Giotto, llevó estas innovaciones a un nivel superior, lo que a su vez sentó las bases de la tradición de la pintura occidental. Ambos artistas fueron pioneros en el movimiento hacia el naturalismo.

Las iglesias se construyeron con más y más ventanas y el uso de vidrieras de colores se convirtió en un elemento básico en la decoración. Uno de los ejemplos más famosos de esto se encuentra en la catedral de Notre Dame de París. En el siglo XIV, las sociedades occidentales eran más ricas y cultas y los pintores encontraron nuevos mecenas en la nobleza e incluso en la burguesía. Los manuscritos iluminados adquirieron un nuevo carácter y en sus paisajes se mostraban mujeres cortesanas esbeltas y vestidas a la moda. Este estilo pronto se conoció como estilo internacional y las pinturas al temple y los retablos ganaron importancia.

Renacimiento y Manierismo

• Roberto Campín, c. 1425
• Jan van Eyck, 1434
• Rogier van der Weyden, c. 1435
• Hugo van der Goes, c. 1470
• Combates diericos, 1464-1467
• Hans Memling, c. 1466-1473
• Petrus Christus, c. 1470
• Jerónimo El Bosco, c. 1480-1505
• Fra Angélico, 1425-1428
• Paolo Uccello, c. 1470
• Masaccio, 1426-1427
• Filippo Lippi, 1440–1445
• Andrea Mantegna, c. 1458-1460
• Piero della Francesca, 1463–1465
• Sandro Botticelli, 1483–1485
• Leonardo da Vinci, 1503–1506
• Rafael, 1505-1506
• Miguel Ángel, c. 1511
• Lucas Cranach el Viejo, c. 1530
• Alberto Durero, 1500
• Matthias Grünewald, 1512–1516
• Giovanni Bellini, c. 1480
• Giorgione, c. 1505
• Tiziano, 1520-1523
• Pontormo, 1526-1528
• Bronzino, 1540-1545
• Pieter Brueghel, 1565
• Hans Holbein el Joven, 1527
• Jacopo Tintoretto, 1582
• Paolo Veronese, 1562–1563
• Joaquín Wtewael, 1595
• El Greco, 1596-1600

El Renacimiento (en francés, 'renacimiento'), un movimiento cultural que abarca aproximadamente desde el siglo XIV hasta mediados del siglo XVII, anunció el estudio de las fuentes clásicas, así como avances en la ciencia que influyeron profundamente en la vida intelectual y artística europea. En los Países Bajos, especialmente en la actual Flandes, se estableció una nueva forma de pintar a principios del siglo XV. Siguiendo los pasos de los desarrollos realizados en la iluminación de manuscritos, especialmente por los hermanos Limbourg, los artistas quedaron fascinados por lo tangible en el mundo visible y comenzaron a representar objetos de una manera extremadamente naturalista.La adopción de la pintura al óleo, cuya invención se atribuye tradicionalmente, aunque erróneamente, a Jan van Eyck, hizo posible una nueva verosimilitud en la representación de este naturalismo. El medio de la pintura al óleo ya estaba presente en la obra de Melchior Broederlam, pero pintores como Jan van Eyck y Robert Campin llevaron su uso a nuevas alturas y lo emplearon para representar el naturalismo que buscaban. Con este nuevo medio, los pintores de este período fueron capaces de crear colores más ricos con una tonalidad profunda e intensa. La ilusión de luz resplandeciente con un acabado similar a la porcelana caracterizó la pintura holandesa temprana y fue una gran diferencia con respecto a la superficie mate de la pintura al temple utilizada en Italia.A diferencia de los italianos, cuyo trabajo se basó en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y Roma, los norteños conservaron un residuo estilístico de la escultura y los manuscritos iluminados de la Edad Media (especialmente su naturalismo). El artista más importante de esta época fue Jan van Eyck, cuyo trabajo se encuentra entre los mejores realizados por artistas que ahora se conocen como primeros pintores holandeses o primitivos flamencos (ya que la mayoría de los artistas estaban activos en las ciudades de la actual Flandes). El primer pintor de este período fue el Maestro de Flémalle, hoy identificado como Robert Campin, cuya obra sigue el arte del Gótico Internacional. Otro pintor importante de este período fue Rogier van der Weyden, cuyas composiciones enfatizaron la emoción y el drama humano, demostrado por ejemplo en su Descendimiento de la cruz, que se encuentra entre las obras más famosas del siglo XV y fue la pintura holandesa más influyente de la crucifixión de Cristo. Otros artistas importantes de este período son Hugo van der Goes (cuyo trabajo fue muy influyente en Italia), Dieric Bouts (quien fue uno de los primeros pintores del norte en demostrar el uso de un único punto de fuga),Petrus Christus, Hans Memling y Gerard David.

En Italia, el arte de la antigüedad clásica inspiró un estilo de pintura que enfatizaba el ideal. Artistas como Paolo Uccello, Masaccio, Fra Angelico, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Raphael llevaron la pintura a un nivel superior mediante el uso de la perspectiva, el estudio de la anatomía humana. y proporción, y a través de su desarrollo de un refinamiento sin precedentes en técnicas de dibujo y pintura. Un estilo algo más naturalista surgió en Venecia. Los pintores de la escuela veneciana, como Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Tintoretto y Veronese, estaban menos preocupados por la precisión en su dibujo que por la riqueza del color y la unidad de efecto que podía lograrse con un enfoque más espontáneo de la pintura.

Pintores flamencos, holandeses y alemanes del Renacimiento como Hans Holbein el Joven, Alberto Durero, Lucas Cranach, Matthias Grünewald, Hieronymus Bosch y Pieter Bruegel representan un enfoque diferente al de sus colegas italianos, uno que es más realista y menos idealizado. La pintura de género se convirtió en un idioma popular entre los pintores del norte como Pieter Bruegel.

La pintura renacentista refleja la revolución de las ideas y la ciencia (astronomía, geografía) que se produjo en este período, la Reforma y la invención de la imprenta. Durero, considerado uno de los más grandes grabadores, afirma que los pintores no son meros artesanos sino también pensadores. Con el desarrollo de la pintura de caballete en el Renacimiento, la pintura se independizó de la arquitectura. Las pinturas de caballete, imágenes móviles que se podían colgar fácilmente en las paredes, se convirtieron en una alternativa popular a las pinturas fijadas a muebles, paredes u otras estructuras. Después de siglos dominados por la imaginería religiosa, los temas seculares regresaron lentamente a la pintura occidental. Los artistas incluyeron visiones del mundo que los rodeaba o los productos de su propia imaginación en sus pinturas.

El Alto Renacimiento dio lugar a un arte estilizado conocido como Manierismo. En lugar de las composiciones equilibradas y el enfoque racional de la perspectiva que caracterizaron el arte en los albores del siglo XVI, los manieristas buscaron la inestabilidad, el artificio y la duda. Los rostros y gestos imperturbables de Piero della Francesca y las tranquilas Vírgenes de Rafael son sustituidos por las expresiones preocupadas de Pontormo y la intensidad emocional de El Greco. Composiciones inquietas e inestables, a menudo efectos de perspectiva extremos o disyuntivos, y poses estilizadas son características de manieristas italianos como Tintoretto, Pontormo y Bronzino, y aparecieron más tarde en el trabajo de manieristas del norte como Hendrick Goltzius, Bartholomeus Spranger y Joachim Wtewael..

Barroco y rococó

• Caravaggio, 1595-1597
• Artemisa Gentileschi, 1614–1620
• Pedro Pablo Rubens, 1632–1635
• Frans Hals, 1624
• Judith Leyster, 1630
• Rembrandt van Rijn, 1642
• Pieter de Hooch, 1658
• Jan Steen, c. 1665
• Jacob van Ruisdael, 1670
• Willem Claesz. Heda, 1631
• Diego Velázquez, 1656–1657
• José de Ribera, 1620-1624
• Nicolás Poussin, c. 1637-1638
• Georges de La Tour, década de 1640
• Guido Reni, 1625
• Salvador Rosa, c. 1645
• Bartolomé Esteban Murillo, c. 1650-1655
• Claude Lorrain, 1648
• Anthony van Dyck, 1635-1636
• Canaletto, 1723
• Giovanni Battista Tiepolo, c. 1752-1753
• Antoine Watteau, c. 1720
• Jean-Honoré Fragonard, c. 1767-1768
• François Boucher, 1751
• Élisabeth Louise Vigée-Le Brun, después de 1782
• Maurice Quentin de La Tour, c. 1761
• Thomas Gainsborough, c. 1770
• Josué Reynolds, 1769
• Jean-Baptiste-Siméon Chardin, c. 1728
• Guillermo Hogarth, c. 1757
• Angélica Kauffman, c. 1780

La pintura barroca está asociada con el movimiento cultural barroco, un movimiento a menudo identificado con el absolutismo y la Contrarreforma o el Renacimiento católico; Sin embargo, la existencia de una importante pintura barroca en estados no absolutistas y protestantes también subraya su popularidad, ya que el estilo se extendió por toda Europa occidental.

La pintura barroca se caracteriza por un gran dramatismo, un color rico y profundo y una luz intensa y sombras oscuras. El arte barroco estaba destinado a evocar emoción y pasión en lugar de la tranquila racionalidad que se había apreciado durante el Renacimiento. Durante el período que comienza alrededor de 1600 y continúa a lo largo del siglo XVII, la pintura se caracteriza como barroca. Entre los más grandes pintores del barroco se encuentran Caravaggio, Rembrandt, Frans Hals, Rubens, Velázquez, Poussin y Johannes Vermeer. Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su acercamiento realista a la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente sobre un fondo oscuro, conmocionó a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza escenas usando efectos de luz;

En Italia, el estilo barroco se personifica en pinturas religiosas y mitológicas en Grand Manner de artistas como Carracci, Guido Reni y Luca Giordano. Los frescos ilusionistas del techo de la iglesia de Pietro da Cortona parecían abrirse al cielo. Un tipo de barroco mucho más tranquilo surgió en la República Holandesa, donde las pinturas de caballete de temas cotidianos eran populares entre los coleccionistas de clase media, y muchos pintores se especializaron en el género, otros en el paisaje, el paisaje marino o la naturaleza muerta. Vermeer, Gerard ter Borch y Pieter de Hooch aportaron un gran refinamiento técnico a la pintura de escenas domésticas, al igual que Willem Claesz. Heda a la naturaleza muerta. En contraste, Rembrandt se destacó en la pintura de todo tipo de temas,

Durante el siglo XVIII, el rococó siguió como una extensión más ligera del barroco, a menudo frívolo y erótico. El rococó se desarrolló primero en las artes decorativas y el diseño de interiores en Francia. La sucesión de Luis XV trajo un cambio en los artistas de la corte y la moda artística general. La década de 1730 representó el apogeo del desarrollo rococó en Francia, ejemplificado por las obras de Antoine Watteau y François Boucher. El rococó aún mantenía el gusto barroco por las formas complejas y los patrones intrincados, pero en este punto había comenzado a integrar una variedad de características diversas, incluido el gusto por los diseños orientales y las composiciones asimétricas.

El estilo rococó se difundió con artistas franceses y publicaciones grabadas. Fue recibido fácilmente en las partes católicas de Alemania, Bohemia y Austria, donde se fusionó con las animadas tradiciones barrocas alemanas. El rococó alemán se aplicó con entusiasmo a las iglesias y palacios, particularmente en el sur, mientras que el rococó frederico se desarrolló en el Reino de Prusia.

Los maestros franceses Watteau, Boucher y Fragonard representan el estilo, al igual que Giovanni Battista Tiepolo y Jean-Baptiste-Siméon Chardin, considerado por algunos como el mejor pintor francés del siglo XVIII: el antirrococó. El retrato fue un componente importante de la pintura en todos los países, pero especialmente en Inglaterra, donde los líderes fueron William Hogarth, en un estilo realista contundente, y Francis Hayman, Angelica Kauffman (que era suiza), Thomas Gainsborough y Joshua Reynolds en estilos más favorecedores. influenciado por Anthony van Dyck. En Francia durante la era rococó Jean-Baptiste Greuze (el pintor favorito de Denis Diderot),sobresalió en retratos y pinturas de historia, y Maurice Quentin de La Tour y Élisabeth Vigée-Lebrun fueron retratistas muy exitosos. La Tour se especializó en pintura al pastel, que se convirtió en un medio popular durante este período.

William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para la belleza rococó. Aunque no hizo referencia intencional al movimiento, argumentó en su Análisis de la belleza (1753) que las líneas ondulantes y las curvas en S prominentes en el rococó eran la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o el círculo en el clasicismo).. El principio del fin del rococó se produjo a principios de la década de 1760 cuando figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a criticar la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel denunció el "ridículo revoltijo de conchas, dragones, juncos, palmeras y plantas" en los interiores contemporáneos.

Para 1785, el rococó había pasado de moda en Francia, reemplazado por el orden y la seriedad de los artistas neoclásicos como Jacques-Louis David.

Siglo XIX: Neoclasicismo, Pintura de historia, Romanticismo, Impresionismo, Postimpresionismo, Simbolismo

• Jacques-Louis David 1787
• Juan Singleton Copley 1778
• Juan Constable 1802
• Antoine-Jean Gros, 1804
• Jean Auguste Dominique Ingres 1814
• Francisco de Goya 1814
• Théodore Géricault 1819
• Gaspar David Friedrich c.1822
• Eugène Delacroix 1830
• JMW Turner 1838
• Gustave Courbet 1849–1850
• Iván Aivazovski 1850
• Alberto Bierstadt 1866
• Camille Corot c.1867
• Ilia Repin 1870-1873
• Camille Pissarro 1872
• Claudio Monet 1872
• Pierre-Auguste Renoir 1876
• Édgar Degas 1876
• Édouard Manet 1882
• Tomás Eakins 1884–1885
• Jorge Seurat 1884–1886
• Valentín Serov 1887
• Vincent van Gogh 1889
• Albert Pinkham Ryder 1890
• Pablo Gauguin 1897–1898
• Winslow Homero 1899
• Paul Cézanne 1906

Después del rococó, a fines del siglo XVIII, en arquitectura y luego en pintura, surgió un neoclasicismo severo, mejor representado por artistas como David y su heredero Ingres. El trabajo de Ingres ya contiene mucho de la sensualidad, pero nada de la espontaneidad, que caracterizaría al romanticismo. Este movimiento dirigió su atención hacia el paisaje y la naturaleza, así como hacia la figura humana y la supremacía del orden natural sobre la voluntad humana. Hay una filosofía panteísta (ver Spinoza y Hegel) dentro de esta concepción que se opone a los ideales de la Ilustración al ver el destino de la humanidad bajo una luz más trágica o pesimista. La idea de que los seres humanos no están por encima de las fuerzas de la naturaleza está en contradicción con los ideales de la antigua Grecia y el Renacimiento, donde la humanidad estaba por encima de todas las cosas y era dueña de su destino.

A mediados del siglo XIX, los pintores se liberaron de las demandas de su patrocinio para representar solo escenas de religión, mitología, retratos o historia. La idea de "arte por el arte" comenzó a encontrar expresión en el trabajo de pintores como Francisco de Goya, John Constable y JMW Turner. Los pintores románticos vieron la pintura de paisajes como un género importante para expresar la vanidad de la humanidad en oposición a la grandeza de la naturaleza. Hasta entonces, la pintura de paisaje no se consideraba el género más importante para los pintores (como el retrato o la pintura de historia). Pero pintores como JMW Turner y Caspar David Friedrich lograron elevar la pintura de paisajes a una eminencia que rivaliza con la pintura de historia. Algunos de los principales pintores de este período son Eugène Delacroix, Théodore Géricault, JMW Turner, Caspar David Friedrich y John Constable. La última obra de Francisco de Goya demuestra el interés romántico por lo irracional, mientras que la obra de Arnold Böcklin evoca el misterio y las pinturas del artista del movimiento estético James McNeill Whistler evocan tanto la sofisticación como la decadencia. En los Estados Unidos, la tradición romántica de la pintura de paisajes se conocía como la Escuela del río Hudson:los exponentes incluyen a Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, Thomas Moran y John Frederick Kensett. El luminismo fue un movimiento en la pintura de paisajes estadounidense relacionado con la Escuela del río Hudson.

El pintor líder de la Escuela de Barbizon, Camille Corot, pintó tanto en una vena romántica como realista; su obra prefigura el impresionismo, al igual que las pinturas de Eugène Boudin, uno de los primeros paisajistas franceses en pintar al aire libre. Boudin también fue una influencia importante para el joven Claude Monet, a quien en 1857 introdujo en la pintura al aire libre. Una fuerza importante en el giro hacia el realismo a mediados de siglo fue Gustave Courbet. En el último tercio del siglo, impresionistas como Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt y Edgar Degas trabajaron con un enfoque más directo que el que se había exhibido públicamente anteriormente. Evitaron la alegoría y la narrativa en favor de respuestas individualizadas al mundo moderno, a veces pintadas con poco o ningún estudio preparatorio. apoyándose en la destreza del dibujo y una paleta muy cromática. Manet, Degas, Renoir, Morisot y Cassatt se concentraron principalmente en el sujeto humano. Tanto Manet como Degas reinterpretaron los cánones figurativos clásicos dentro de situaciones contemporáneas; en el caso de Manet, las reimaginaciones encontraron una recepción pública hostil. Renoir, Morisot y Cassatt recurrieron a la vida doméstica en busca de inspiración, con Renoir centrándose en el desnudo femenino. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como motivo principal, y la fugacidad de la luz y el clima jugaron un papel importante en su trabajo. Mientras Sisley se adhirió más estrechamente a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscó desafíos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, que culminaron en su serie de obras monumentales de Nenúfares pintadas en Giverny. Morisot y Cassatt se concentraron principalmente en el sujeto humano. Tanto Manet como Degas reinterpretaron los cánones figurativos clásicos dentro de situaciones contemporáneas; en el caso de Manet, las reimaginaciones encontraron una recepción pública hostil. Renoir, Morisot y Cassatt recurrieron a la vida doméstica en busca de inspiración, con Renoir centrándose en el desnudo femenino. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como motivo principal, y la fugacidad de la luz y el clima jugaron un papel importante en su trabajo. Mientras Sisley se adhirió más estrechamente a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscó desafíos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, que culminaron en su serie de obras monumentales de Nenúfares pintadas en Giverny. Morisot y Cassatt se concentraron principalmente en el sujeto humano. Tanto Manet como Degas reinterpretaron los cánones figurativos clásicos dentro de situaciones contemporáneas; en el caso de Manet, las reimaginaciones encontraron una recepción pública hostil. Renoir, Morisot y Cassatt recurrieron a la vida doméstica en busca de inspiración, con Renoir centrándose en el desnudo femenino. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como motivo principal, y la fugacidad de la luz y el clima jugaron un papel importante en su trabajo. Mientras Sisley se adhirió más estrechamente a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscó desafíos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, que culminaron en su serie de obras monumentales de Nenúfares pintadas en Giverny. Tanto Manet como Degas reinterpretaron los cánones figurativos clásicos dentro de situaciones contemporáneas; en el caso de Manet, las reimaginaciones encontraron una recepción pública hostil. Renoir, Morisot y Cassatt recurrieron a la vida doméstica en busca de inspiración, con Renoir centrándose en el desnudo femenino. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como motivo principal, y la fugacidad de la luz y el clima jugaron un papel importante en su trabajo. Mientras Sisley se adhirió más estrechamente a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscó desafíos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, que culminaron en su serie de obras monumentales de Nenúfares pintadas en Giverny. Tanto Manet como Degas reinterpretaron los cánones figurativos clásicos dentro de situaciones contemporáneas; en el caso de Manet, las reimaginaciones encontraron una recepción pública hostil. Renoir, Morisot y Cassatt recurrieron a la vida doméstica en busca de inspiración, con Renoir centrándose en el desnudo femenino. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como motivo principal, y la fugacidad de la luz y el clima jugaron un papel importante en su trabajo. Mientras Sisley se adhirió más estrechamente a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscó desafíos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, que culminaron en su serie de obras monumentales de Nenúfares pintadas en Giverny. y Cassatt recurrió a la vida doméstica en busca de inspiración, con Renoir centrándose en el desnudo femenino. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como motivo principal, y la fugacidad de la luz y el clima jugaron un papel importante en su trabajo. Mientras Sisley se adhirió más estrechamente a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscó desafíos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, que culminaron en su serie de obras monumentales de Nenúfares pintadas en Giverny. y Cassatt recurrió a la vida doméstica en busca de inspiración, con Renoir centrándose en el desnudo femenino. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como motivo principal, y la fugacidad de la luz y el clima jugaron un papel importante en su trabajo. Mientras Sisley se adhirió más estrechamente a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscó desafíos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, que culminaron en su serie de obras monumentales de Nenúfares pintadas en Giverny.

Pissarro adoptó algunos de los experimentos del postimpresionismo. Postimpresionistas un poco más jóvenes como Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Georges Seurat, junto con Paul Cézanne, llevaron el arte al borde del modernismo; para Gauguin el impresionismo dio paso a un simbolismo personal; Seurat transformó el color roto del impresionismo en un estudio óptico científico, estructurado en composiciones a modo de friso; El turbulento método de aplicación de la pintura de Van Gogh, junto con un uso sonoro del color, predijo el expresionismo y el fauvismo, y Cézanne, que deseaba unir la composición clásica con una abstracción revolucionaria de las formas naturales, sería visto como un precursor del arte del siglo XX.. El hechizo del impresionismo se sintió en todo el mundo, incluso en los Estados Unidos, donde se convirtió en parte integral de la pintura de impresionistas estadounidenses como Childe Hassam, John Twachtman y Theodore Robinson; y en Australia donde pintores de la Escuela de Heidelberg como Arthur Streeton, Frederick McCubbin y Charles Conder pintaronen plein air y estaban particularmente interesados ​​en el paisaje y la luz australianos. También ejerció influencia en pintores que no eran principalmente impresionistas en teoría, como el retratista y paisajista John Singer Sargent. Al mismo tiempo, en Estados Unidos, a principios del siglo XX, existía un realismo nativo y casi insular, tan ricamente encarnado en la obra figurativa de Thomas Eakins, la Escuela Ashcan y los paisajes terrestres y marinos de Winslow Homer, cuyas pinturas estaban profundamente comprometidos con la solidez de las formas naturales. El paisaje visionario, motivo que depende en gran medida de la ambigüedad del nocturno, encontró sus defensores en Albert Pinkham Ryder y Ralph Albert Blakelock.

A fines del siglo XIX también hubo varios grupos bastante disímiles de pintores simbolistas cuyas obras resonaron con los artistas más jóvenes del siglo XX, especialmente con los fauvistas y los surrealistas. Entre ellos se encontraban Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Edvard Munch, Félicien Rops y Jan Toorop, y Gustav Klimt, entre otros, incluidos los simbolistas rusos como Mikhail Vrubel.

Los pintores simbolistas extrajeron la mitología y las imágenes de los sueños en busca de un lenguaje visual del alma, buscando pinturas evocadoras que recordaran un mundo estático de silencio. Los símbolos utilizados en el simbolismo no son los emblemas familiares de la iconografía convencional, sino referencias intensamente personales, privadas, oscuras y ambiguas. Más una filosofía que un estilo de arte real, los pintores simbolistas influyeron en el movimiento Art Nouveau contemporáneo y Les Nabis. En su exploración de temas oníricos, los pintores simbolistas se encuentran a través de siglos y culturas, como todavía lo son hoy; Bernard Delvaille ha descrito el surrealismo de René Magritte como "Simbolismo más Freud".

Moderno y contemporáneo del siglo XX

La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue fundamental para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes revolucionaron el mundo del arte de París con pinturas de paisajes y figuras "salvajes", multicolores, expresivas, que los críticos llamaron fauvismo. Pablo Picasso realizó sus primeras pinturas cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: cubo, esfera y cono.

Pioneros del siglo XX

• Henri Matisse 1905, Fauvismo
• Pablo Picasso 1907, protocubismo
• Georges Braque 1910, Cubismo analítico
• Henri Rousseau 1910 Surrealismo primitivo

La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue fundamental para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes, incluidos el precubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck, revolucionaron el mundo del arte de París con paisajes y figuras "salvajes", multicolores y expresivos. pinturas que los críticos llamaron fauvismo. La segunda versión de La danza de Henri Matisse supone un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna.Refleja la incipiente fascinación de Matisse por el arte primitivo: los intensos colores cálidos contra el fresco fondo azul verdoso y la rítmica sucesión de desnudos danzantes transmiten sentimientos de liberación emocional y hedonismo. Pablo Picasso realizó sus primeras pinturas cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Les Demoiselles d'Avignon 1907, Picasso creó dramáticamente una imagen nueva y radical que representa una escena de burdel cruda y primitiva con cinco prostitutas, mujeres pintadas violentamente, que recuerda a las máscaras tribales africanas y sus propios inventos cubistas nuevos. El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, ejemplificado por Violin and Candlestick, París, desde aproximadamente 1908 hasta 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp y muchos otros artistas hasta la década de 1920. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temáticas fusionadas.

Les Fauves (Bestias salvajes en francés) fueron pintores de principios del siglo XX que experimentaron con la libertad de expresión a través del color. El nombre se lo dio, con humor y no como un cumplido, al grupo el crítico de arte Louis Vauxcelles. El fauvismo fue una agrupación suelta y de corta duración de artistas de principios del siglo XX cuyas obras enfatizaban las cualidades pictóricas y el uso imaginativo del color profundo sobre los valores representativos. Los fauvistas hicieron que el tema de la pintura fuera fácil de leer, perspectivas exageradas y una interesante predicción profética de los fauvistas fue expresada en 1888 por Paul Gauguin a Paul Sérusier,

¿Cómo ves estos árboles? son amarillos Entonces, ponlo en amarillo; esta sombra, más bien azul, píntala con ultramar puro; estas hojas rojas? Poner bermellón.

Los líderes del movimiento eran Henri Matisse y André Derain, una especie de rivales amistosos, cada uno con sus propios seguidores. En última instancia, Matisse se convirtió en el yang del yin de Picasso en el siglo XX. Los pintores fauvistas incluyeron a Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, el pintor holandés Kees van Dongen y el socio de Picasso en el cubismo, Georges Braque, entre otros.

El fauvismo, como movimiento, no tuvo teorías concretas, y fue de corta duración, comenzó en 1905 y terminó en 1907, solo tuvieron tres exposiciones. Matisse fue visto como el líder del movimiento, debido a su antigüedad y autoestablecimiento previo en el mundo del arte académico. Su retrato de 1905 de Mme. Matisse The Green Line, (arriba), causó sensación en París cuando se exhibió por primera vez. Dijo que quería crear arte para deleitar; el arte como decoración fue su propósito y se puede decir que su uso de colores vivos intenta mantener la serenidad de la composición. En 1906, por sugerencia de su marchante Ambroise Vollard, André Derain fue a Londres y realizó una serie de pinturas como Charing Cross Bridge, London(arriba) en estilo fauvista, parafraseando la famosa serie del pintor impresionista Claude Monet. Maestros como Henri Matisse y Pierre Bonnard continuaron desarrollando sus estilos narrativos independientemente de cualquier movimiento a lo largo del siglo XX.

En 1907, el fauvismo ya no era un nuevo movimiento impactante, pronto fue reemplazado por el cubismo en la pantalla de radar de los críticos como el último desarrollo nuevo en el arte contemporáneo de la época. En 1907, Appolinaire, comentando sobre Matisse en un artículo publicado en La Falange, dijo: "No estamos aquí en presencia de una empresa extravagante o extremista: el arte de Matisse es eminentemente razonable". El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque desde aproximadamente 1908 hasta 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp. e innumerables otros artistas en la década de 1920. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temáticas fusionadas.

Durante los años entre 1910 y el final de la Primera Guerra Mundial y después del apogeo del cubismo, surgieron varios movimientos en París. Giorgio de Chirico se mudó a París en julio de 1911, donde se unió a su hermano Andrea (el poeta y pintor conocido como Alberto Savinio). A través de su hermano conoció a Pierre Laprade miembro del jurado en el Salon d'Automne, donde expuso tres de sus obras oníricas: Enigma del oráculo, Enigma de una tarde y Autorretrato.. Durante 1913 expuso su trabajo en el Salon des Indépendants y Salon d'Automne, su trabajo fue notado por Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire y varios otros. Sus pinturas convincentes y misteriosas se consideran fundamentales para los primeros comienzos del surrealismo. Durante la primera mitad del siglo XX en Europa, maestros como Georges Braque, André Derain y Giorgio de Chirico continuaron pintando independientemente de cualquier movimiento.

Pioneros del arte moderno

• André Derain, 1905, Le séchage des voiles (Las velas que se secan), Fauvismo
• Henri Matisse, 1905, Mujer con sombrero, Fauvismo
• Jean Metzinger, c.1905, Dos desnudos en un paisaje exótico, divisionismo, protocubismo
• Edvard Munch, Muerte de Marat I (1907), un ejemplo de expresionismo
• Gustav Klimt, expresionismo, 1907–1908
• Pablo Picasso, 1908, Dríada, Protocubismo
• Marc Chagall 1911, expresionismo y surrealismo
• Marcel Duchamp, 1911-1912, cubismo y dadaísmo
• Albert Gleizes, 1912, l'Homme au Balcon, Hombre en un balcón (Retrato del Dr. Théo Morinaud), Cubismo
• Jean Metzinger, 1912, Danseuse au café (Bailarina en un café), Cubismo
• Franz Marc 1912, Der Blaue Reiter
• Robert Delaunay, 1911, Orfismo
• Francis Picabia, 1912, La Source (La primavera), Arte abstracto
• Wassily Kandinsky 1913, nacimiento del arte abstracto
• Amedeo Modigliani, Retrato de Soutine 1916, ejemplo de expresionismo
• Fernand Léger 1919, cubismo sintético, tubismo

En las dos primeras décadas del siglo XX y después del cubismo, surgieron varios otros movimientos importantes; futurismo (Balla), arte abstracto (Kandinsky), Der Blaue Reiter), Bauhaus, (Kandinsky) y (Klee), Orfismo, (Robert Delaunay y František Kupka), Sincromismo (Morgan Russell), De Stijl (Mondrian), Suprematismo (Malevich), Constructivismo (Tatlin), Dadaísmo (Duchamp, Picabia, Arp) y Surrealismo (De Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí, Ernst). La pintura moderna influyó en todas las artes visuales, desde la arquitectura y el diseño modernistas hasta el cine de vanguardia, el teatro y la danza moderna, y se convirtió en un laboratorio experimental para la expresión de la experiencia visual, desde la fotografía y la poesía concreta hasta el arte publicitario y la moda. La pintura de Van Gogh ejerció una gran influencia en el expresionismo del siglo XX, como puede verse en la obra de los fauves,

Wassily Kandinsky, pintor, grabador y teórico del arte ruso, uno de los artistas más famosos del siglo XX, generalmente se considera el primer pintor importante del arte abstracto moderno. Como uno de los primeros modernistas, en busca de nuevos modos de expresión visual y expresión espiritual, teorizó, al igual que los ocultistas y teósofos contemporáneos, que la abstracción visual pura tenía vibraciones corolarias con el sonido y la música. Postularon que la abstracción pura podría expresar la espiritualidad pura. Sus primeras abstracciones generalmente se titulaban como el ejemplo en la (galería de arriba) Composición VII, haciendo conexión con el trabajo de los compositores de música. Kandinsky incluyó muchas de sus teorías sobre el arte abstracto en su libro De lo espiritual en el arte.Robert Delaunay fue un artista francés asociado con el orfismo (que recuerda a un vínculo entre la abstracción pura y el cubismo). Sus obras posteriores fueron más abstractas, con reminiscencias de Paul Klee. Sus contribuciones clave a la pintura abstracta se refieren a su uso audaz del color y un claro amor por la experimentación tanto de la profundidad como del tono. Por invitación de Wassily Kandinsky, Delaunay y su esposa, la artista Sonia Delaunay, se unieron a The Blue Rider (Der Blaue Reiter), un grupo de artistas abstractos con sede en Munich, en 1911, y su arte dio un giro hacia lo abstracto.

Otros pioneros importantes de la abstracción temprana incluyen al pintor ruso Kasimir Malevich, quien después de la Revolución Rusa en 1917 y después de la presión del régimen estalinista en 1924 volvió a pintar imágenes y Campesinos y trabajadores en el campo, y el pintor suizo Paul Klee, cuyos magistrales experimentos de color. lo convirtió en un importante pionero de la pintura abstracta en la Bauhaus. Otros pioneros importantes de la pintura abstracta incluyen a la artista sueca Hilma af Klint, al pintor checo František Kupka, así como a los artistas estadounidenses Stanton Macdonald-Wright y Morgan Russell quienes, en 1912, fundaron el sincromismo, un movimiento artístico que se parece mucho al orfismo.

El expresionismo y el simbolismo son rúbricas amplias que involucran varios movimientos importantes y relacionados en la pintura del siglo XX que dominaron gran parte del arte de vanguardia que se realizaba en Europa occidental, oriental y septentrional. Las obras expresionistas se pintaron en gran parte entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, principalmente en Francia, Alemania, Noruega, Rusia, Bélgica y Austria. Los artistas expresionistas están relacionados tanto con el surrealismo como con el simbolismo y cada uno es único y algo excéntricamente personal. El fauvismo, Die Brücke y Der Blaue Reiter son tres de los grupos más conocidos de pintores expresionistas y simbolistas.

Artistas tan interesantes y diversos como Marc Chagall, cuyo cuadro Yo y el pueblo, (arriba) cuenta una historia autobiográfica que examina la relación entre el artista y sus orígenes, con un léxico de simbolismo artístico. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaïm Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Käthe Schmidt Kollwitz, Georges Rouault, Amedeo Modigliani y algunos de los estadounidenses en el extranjero como Marsden Hartley, y Stuart Davis, fueron considerados pintores expresionistas influyentes. Aunque se piensa principalmente en Alberto Giacometti como un escultor surrealista intenso, también realizó pinturas expresionistas intensas.

Pioneros de la abstracción

• Piet Mondrian, 1912, principios de De Stijl
• Kasimir Malevich 1916, Suprematismo
• Theo van Doesburg 1917, De Stijl, Neoplasticismo
• Stanton Macdonald-Wright 1920, Sincromismo

El arte de Piet Mondrian también estuvo relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908 se interesó por el movimiento teosófico lanzado por Helena Petrovna Blavatsky a finales del siglo XIX. Blavatsky creía que era posible alcanzar un conocimiento de la naturaleza más profundo que el proporcionado por medios empíricos, y gran parte del trabajo de Mondrian durante el resto de su vida se inspiró en su búsqueda de ese conocimiento espiritual.

De Stijl, también conocido como neoplasticismo, fue un movimiento artístico holandés fundado en 1917. El término De Stijl se usa para referirse a un cuerpo de trabajo de 1917 a 1931 fundado en los Países Bajos.

De Stijl es también el nombre de una revista publicada por el pintor, diseñador, escritor y crítico holandés Theo van Doesburg que propaga las teorías del grupo. Junto a van Doesburg, los principales miembros del grupo eran los pintores Piet Mondrian, Vilmos Huszár y Bart van der Leck, y los arquitectos Gerrit Rietveld, Robert van 't Hoff y JJP Oud. La filosofía artística que formó la base del trabajo del grupo se conoce como neoplasticismo: el nuevo arte plástico (o Nieuwe Beelding en holandés).

Los defensores de De Stijl buscaron expresar un nuevo ideal utópico de armonía y orden espiritual. Abogaban por la abstracción pura y la universalidad mediante una reducción a lo esencial de la forma y el color; simplificaron las composiciones visuales en las direcciones vertical y horizontal, y usaron solo colores primarios junto con el blanco y negro. De hecho, según el artículo en línea de la Tate Gallery sobre neoplasticismo, el propio Mondrian establece estas delimitaciones en su ensayo "Neoplasticismo en el arte pictórico". Escribe: "... esta nueva idea plástica ignorará las particularidades de la apariencia, es decir, la forma y el color naturales. Por el contrario, debería encontrar su expresión en la abstracción de la forma y el color, es decir, en línea recta y el color primario claramente definido".El artículo en línea del Museo Guggenheim sobre De Stijl resume estos rasgos en términos similares: "[De Stijl] se postuló sobre el principio fundamental de la geometría de la línea recta, el cuadrado y el rectángulo, combinado con una fuerte asimetría; el predominante el uso de colores primarios puros con el blanco y el negro, y la relación entre elementos positivos y negativos en una disposición de formas y líneas no objetivas".

El movimiento De Stijl estuvo influenciado por la pintura cubista, así como por el misticismo y las ideas sobre formas geométricas "ideales" (como la "línea recta perfecta") en la filosofía neoplatónica del matemático MHJ Schoenmaekers. Las obras de De Stijl influirían en el estilo Bauhaus y el estilo internacional de la arquitectura, así como en la indumentaria y el diseño de interiores. Sin embargo, no siguió los lineamientos generales de un "ismo" (Cubismo, Futurismo, Surrealismo), ni se adhirió a los principios de escuelas de arte como la Bauhaus; era un proyecto colectivo, una empresa conjunta.

Dadá y el Surrealismo

• Francisco Picabia 1916, Dadá
• Kurt Schwitters, 1919, collage pintado, Dada
• Max Ernst, 1921), Surrealismo
• André Masson, 1922, Surrealismo temprano

Marcel Duchamp saltó a la fama internacional a raíz de su notorio éxito en el Armory Show de la ciudad de Nueva York en 1913 (poco después de que denunciara la creación artística del ajedrez). Después de que Desnudo bajando una escalera de Duchamp se convirtiera en la causa célebre internacional en el Armory Show de 1913 en Nueva York, creó The Bride Stripped Bare de Her Bachelors, Even, Large Glass. el vaso grandellevó el arte de la pintura a nuevos límites radicales siendo parte pintura, parte collage, parte construcción. Duchamp se asoció estrechamente con el movimiento dadaísta que comenzó en la neutral Zúrich, Suiza, durante la Primera Guerra Mundial y alcanzó su punto máximo entre 1916 y 1920. El movimiento involucró principalmente artes visuales, literatura (poesía, manifiestos artísticos, teoría del arte), teatro y diseño gráfico., y concentró su política contra la guerra a través del rechazo de los estándares imperantes en el arte a través de obras culturales anti-arte. Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp, junto con Duchamp y muchos otros están asociados con el movimiento dadaísta. Duchamp y varios dadaístas también están asociados con el surrealismo, el movimiento que dominó la pintura europea en las décadas de 1920 y 1930.

En 1924 André Breton publicó el Manifiesto Surrealista. El movimiento surrealista en la pintura se convirtió en sinónimo de vanguardia y contó con artistas cuyas obras variaban desde lo abstracto hasta lo superrealista. Con obras sobre papel como Machine Turn Quickly, (arriba) Francis Picabia continuó su participación en el movimiento dadaísta hasta 1919 en Zúrich y París, antes de romper con él tras desarrollar un interés por el arte surrealista. Yves Tanguy, René Magritte y Salvador Dalí son particularmente conocidos por sus representaciones realistas de imágenes de sueños y manifestaciones fantásticas de la imaginación. El campo labrado de Joan Miróde 1923-1924 raya en la abstracción, esta pintura temprana de un complejo de objetos y figuras, y arreglos de personajes sexualmente activos; fue la primera obra maestra surrealista de Miró. El campo labrado de Miró también contiene varios paralelos con el Jardín de las delicias de Bosch.: bandadas de pájaros similares; estanques de los que emergen seres vivos; y orejas incorpóreas de gran tamaño hacen eco del trabajo del maestro holandés que Miró vio cuando era un joven pintor en El Prado. Los más abstractos Joan Miró, Jean Arp, André Masson y Max Ernst fueron muy influyentes, especialmente en los Estados Unidos durante la década de 1940. A lo largo de la década de 1930, el surrealismo continuó haciéndose más visible para el público en general. Un grupo surrealista se desarrolló en Gran Bretaña y, según Breton, su Exposición Surrealista Internacional de Londres de 1936 fue un punto culminante de la época y se convirtió en el modelo para exposiciones internacionales. Los grupos surrealistas de Japón, y especialmente de América Latina, el Caribe y México, produjeron obras innovadoras y originales.

Dalí y Magritte crearon algunas de las imágenes más reconocidas del movimiento. La pintura de 1928/1929 This Is Not A Pipe, de Magritte, es el tema de un libro de Michel Foucault de 1973, This is not a Pipe (edición en inglés, 1991), que analiza la pintura y su paradoja. Dalí se unió al grupo en 1929 y participó en el rápido establecimiento del estilo visual entre 1930 y 1935.

El surrealismo como movimiento visual había encontrado un método: exponer la verdad psicológica despojando a los objetos ordinarios de su significado normal, para crear una imagen convincente que estaba más allá de la percepción y organización formal ordinaria, a veces provocando empatía en el espectador, a veces risa y a veces indignación y desconcierto.

1931 marcó un año en el que varios pintores surrealistas produjeron obras que marcaron puntos de inflexión en su evolución estilística: en un ejemplo, las formas líquidas se convierten en la marca registrada de Dalí, particularmente en su La persistencia de la memoria, que presenta la imagen de relojes que se comban como si fueran se están derritiendo. Evocaciones del tiempo y su apremiante misterio y absurdo.

Las características de este estilo, una combinación de lo descriptivo, lo abstracto y lo psicológico, llegaron a representar la alienación que mucha gente sintió en el período modernista, combinada con la sensación de llegar más profundamente a la psique, para ser "hechos". completo con la propia individualidad".

Max Ernst, cuya pintura Murdering Airplane de 1920, estudió filosofía y psicología en Bonn y estaba interesado en las realidades alternativas experimentadas por los locos. Sus pinturas pueden haberse inspirado en el estudio del psicoanalista Sigmund Freud sobre los delirios de un paranoico, Daniel Paul Schreber. Freud identificó la fantasía de Schreber de convertirse en mujer como un complejo de castración. La imagen central de dos pares de piernas hace referencia a los deseos hermafroditas de Schreber. La inscripción de Ernst en la parte posterior de la pintura dice: La imagen es curiosa por su simetría. Los dos sexos se equilibran entre sí.

Durante la década de 1920, el trabajo de André Masson tuvo una enorme influencia para ayudar al recién llegado a París y al joven artista Joan Miró a encontrar sus raíces en la nueva pintura surrealista. Miró reconoció en cartas a su marchante Pierre Matisse la importancia de Masson como ejemplo para él en sus primeros años en París.

Mucho después de que las tensiones personales, políticas y profesionales hayan fragmentado al grupo surrealista en el aire y el éter, Magritte, Miró, Dalí y los demás surrealistas continúan definiendo un programa visual en las artes. Otros artistas surrealistas destacados incluyen a Giorgio de Chirico, Méret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning y Leonor Fini, entre otros.

Antes y después de la guerra

• Egon Schiele, Simbolismo y Expresionismo 1912
• Ernst Kirchner, Die Brücke 1913
• Amedeo Modigliani Simbolismo y Expresionismo 1917
• Georgia O'Keeffe, Modernismo americano, 1921
• Stuart Davis, Modernismo americano 1922
• Chaïm Soutine, Expresionismo, c. 1920

Der Blaue Reiter fue un movimiento alemán que duró de 1911 a 1914, fundamental para el expresionismo, junto con Die Brücke que se fundó la década anterior en 1905 y fue un grupo de artistas expresionistas alemanes formado en Dresde en 1905. Los miembros fundadores de Die Brücke fueron Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff. Los miembros posteriores incluyeron a Max Pechstein, Otto Mueller y otros. El grupo fue uno de los seminales, que a su debido tiempo tuvo un gran impacto en la evolución del arte moderno en el siglo XX y creó el estilo del expresionismo.

Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky, cuya pintura psíquicamente expresiva del bailarín ruso Retrato de Alexander Sakharoff, 1909 se encuentra en la galería de arriba, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger y otros fundaron el grupo Der Blaue Reiter en respuesta a el rechazo de la pintura Juicio Final de Kandinsky de una exposición. Der Blaue Reiter carecía de un manifiesto artístico central, pero se centraba en Kandinsky y Marc. También participaron los artistas Gabriele Münter y Paul Klee.

El nombre del movimiento proviene de una pintura de Kandinsky creada en 1903. También se afirma que el nombre podría haber derivado del entusiasmo de Marc por los caballos y el amor de Kandinsky por el color azul. Para Kandinsky, el azul es el color de la espiritualidad: cuanto más oscuro es el azul, más despierta el deseo humano por lo eterno.

En los EE. UU., durante el período entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, los pintores tendían a ir a Europa en busca de reconocimiento. Artistas como Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy y Stuart Davis crearon reputaciones en el extranjero. En la ciudad de Nueva York, Albert Pinkham Ryder y Ralph Blakelock fueron figuras influyentes e importantes en la pintura estadounidense avanzada entre 1900 y 1920. Durante la década de 1920, el fotógrafo Alfred Stieglitz exhibió a Georgia O'Keeffe, Arthur Dove, Alfred Henry Maurer, Charles Demuth, John Marin y otros artistas, incluidos los maestros europeos Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne y Pablo Picasso, en su galería 291.

Conciencia social

• George Grosz, 1920, Neue Sachlichkeit
• Thomas Hart Benton 1920, Regionalismo
• George Bellows, 1924, realismo americano
• Primavera de Charles Demuth, 1921, Precisión estadounidense (proto Pop Art)

Durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión, el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus, De Stijl, Dada, el expresionismo alemán, el expresionismo y los pintores modernistas y magistrales del color como Henri Matisse y Pierre Bonnard caracterizaron la escena artística europea. En Alemania, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y otros politizaron sus pinturas, presagiando la llegada de la Segunda Guerra Mundial. Mientras que en Estados Unidos, la pintura de escena estadounidense y los movimientos de realismo social y regionalismo que contenían comentarios tanto políticos como sociales dominaron el mundo del arte. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh y otros se hicieron prominentes. En Latinoamérica, además del pintor uruguayo Joaquín Torres García y el mexicano Rufino Tamayo, el movimiento muralista con Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado y las pinturas simbolistas de Frida Kahlo iniciaron un renacimiento de las artes para la región, con un uso del color y mensajes históricos y políticos. Las obras simbolistas de Frida Kahlo también se relacionan fuertemente con el surrealismo y el movimiento del realismo mágico en la literatura. El drama psicológico en muchos de los autorretratos de Kahlo (arriba) subraya la vitalidad y relevancia de sus pinturas para los artistas del siglo XXI.

American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930. Representa a un granjero que sostiene una horca y a una mujer más joven frente a una casa de estilo Carpenter Gothic, es una de las imágenes más familiares del arte estadounidense del siglo XX. Los críticos de arte tenían opiniones favorables sobre la pintura, como Gertrude Stein y Christopher Morley, asumieron que la pintura estaba destinada a ser una sátira de la vida rural de un pequeño pueblo. Por lo tanto, se vio como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, en la línea de Winesburg, Ohio de 1919 de Sherwood Anderson, Main Street de 1920 de Sinclair Lewis y La condesa tatuada de Carl Van Vechten en la literatura.Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura llegó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.

Diego Rivera es quizás mejor conocido por el mundo público por su mural de 1933, "El hombre en la encrucijada", en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center. Cuando su mecenas, Nelson Rockefeller, descubrió que el mural incluía un retrato de Vladimir Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera y la obra inconclusa finalmente fue destruida por el personal de Rockefeller. La película Cradle Will Rockincluye una dramatización de la controversia. Las obras de Frida Kahlo (la esposa de Rivera) a menudo se caracterizan por sus duras representaciones del dolor. De sus 143 pinturas, 55 son autorretratos, que frecuentemente incorporan representaciones simbólicas de sus heridas físicas y psicológicas. Kahlo estuvo profundamente influenciada por la cultura indígena mexicana, lo cual es evidente en los colores brillantes y el simbolismo dramático de sus pinturas. Los temas cristianos y judíos también se representan a menudo en su trabajo; combinó elementos de la tradición religiosa mexicana clásica, que a menudo eran sangrientas y violentas, con representaciones surrealistas. Si bien sus pinturas no son abiertamente cristianas, ciertamente contienen elementos del macabro estilo cristiano mexicano de pinturas religiosas.

El activismo político fue una pieza importante en la vida de David Siqueiros, y con frecuencia lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte estuvo profundamente arraigado en la Revolución Mexicana, un período violento y caótico en la historia de México en el que varias facciones sociales y políticas lucharon por el reconocimiento y el poder. El período de la década de 1920 a la de 1950 se conoce como el Renacimiento mexicano, y Siqueiros participó activamente en el intento de crear un arte que fuera a la vez mexicano y universal. Dejó brevemente la pintura para enfocarse en organizar a los mineros en Jalisco.

Conflicto mundial

• Ernst Ludwig Kirchner, 1935–1937, expresionismo alemán
• Wassily Kandinsky Composición X 1939, Abstracción geométrica

Durante la década de 1930, la política de izquierda radical caracterizó a muchos de los artistas relacionados con el surrealismo, incluido Pablo Picasso. El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la localidad vasca de Gernika fue escenario del "Bombardeo de Gernika" por parte de la Legión Cóndor de la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes atacaban para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco por derrocar al Gobierno Vasco y al gobierno republicano español. La villa quedó arrasada, aunque sobrevivieron la asamblea vizcaína y el Roble de Gernika. Pablo Picasso pintó su mural del tamaño de Guernica para conmemorar los horrores del bombardeo.

En su forma final, Guernica es un inmenso mural pintado al óleo en blanco y negro, de 3,5 metros (11 pies) de alto y 7,8 metros (26 pies) de ancho. El mural presenta una escena de muerte, violencia, brutalidad, sufrimiento e impotencia sin retratar sus causas inmediatas. La elección de pintar en blanco y negro contrasta con la intensidad de la escena representada e invoca la inmediatez de una fotografía de periódico. Picasso pintó el cuadro de tamaño mural llamado Guernicaen protesta por el bombardeo. La pintura se exhibió por primera vez en París en 1937, luego en Escandinavia, luego en Londres en 1938 y finalmente en 1939, a pedido de Picasso, la pintura se envió a los Estados Unidos en un préstamo extendido (para su custodia) en el MoMA. La pintura realizó una gira por museos de los EE. UU. hasta su regreso final al Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, donde se exhibió durante casi treinta años. Finalmente, de acuerdo con el deseo de Pablo Picasso de regalar el cuadro al pueblo de España, éste fue enviado a España en 1981.

Durante la Gran Depresión de la década de 1930, durante los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura de escena estadounidense en el trabajo de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton y varios otros. Halcones nocturnos(1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro a altas horas de la noche. No solo es la pintura más famosa de Hopper, sino una de las más reconocibles del arte estadounidense. Actualmente se encuentra en la colección del Instituto de Arte de Chicago. La escena se inspiró en un restaurante (desde que fue demolido) en Greenwich Village, el barrio natal de Hopper en Manhattan. Hopper comenzó a pintarlo inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor. Después de este evento hubo un gran sentimiento de tristeza sobre el país, sentimiento que está retratado en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y dentro ninguno de los tres clientes aparentemente mira o habla con los demás, sino que está perdido en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en toda la obra de Hopper.

La dinámica de los artistas en Europa durante la década de 1930 se deterioró rápidamente a medida que aumentaba el poder de los nazis en Alemania y en toda Europa del Este. El clima se volvió tan hostil para los artistas y el arte asociado con el Modernismo y la abstracción que muchos se fueron a las Américas. Arte degenerado fue un término adoptado por el régimen nazi en Alemania para prácticamente todo el arte moderno. Dicho arte fue prohibido con el argumento de que no era de naturaleza alemana o judía bolchevique, y aquellos identificados como artistas degenerados fueron objeto de sanciones. Estos incluían ser despedidos de puestos docentes, tener prohibido exhibir o vender su arte y, en algunos casos, tener prohibido producir arte por completo.

Arte degenerado también fue el título de una exposición, montada por los nazis en Munich en 1937, que constaba de obras de arte modernistas colgadas caóticamente y acompañadas de etiquetas de texto que se burlaban del arte. Diseñada para inflamar a la opinión pública contra el modernismo, la exposición viajó posteriormente a varias otras ciudades de Alemania y Austria. El artista alemán Max Beckmann y muchos otros huyeron de Europa a Nueva York. En la ciudad de Nueva York, una nueva generación de jóvenes y emocionantes pintores modernistas liderados por Arshile Gorky, Willem de Kooning y otros apenas comenzaban a alcanzar la mayoría de edad.

El retrato de Arshile Gorky de alguien que podría ser Willem de Kooning (arriba) es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo. Junto con sus amigos, de Kooning y John D. Graham Gorky crearon composiciones figurativas abstraídas y con formas biomórficas que en la década de 1940 se convirtieron en pinturas totalmente abstractas. El trabajo de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza.

Hacia mediados de siglo

La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinó las lecciones aprendidas de Henri Matisse, Pablo Picasso, el surrealismo, Joan Miró, el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John. D.Graham. Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo André Breton, la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim The Art of This Century, entre otros factores. El trabajo figurativo de Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, Lucian Freud, Andrew Wyeth y otros sirvió como una especie de alternativa al expresionismo abstracto.

La pintura estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial llamada expresionismo abstracto incluyó a artistas como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko, Hans Hofmann, Clyfford Still, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Mark Tobey, Barnett Newman, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov, William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Esteban Vicente, Bradley Walker Tomlin y Theodoros Stamos, entre otros. El expresionismo abstracto estadounidense recibió su nombre en 1946 del crítico de arte Robert Coates. Se considera que combina la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas como el futurismo, la Bauhaus y el cubismo sintético. Expresionismo abstracto, pintura de acción,

Técnicamente, el surrealismo fue un importante predecesor del expresionismo abstracto con su énfasis en la creación espontánea, automática o subconsciente. El goteo de pintura de Jackson Pollock sobre un lienzo colocado en el suelo es una técnica que tiene sus raíces en la obra de André Masson. Otra importante manifestación temprana de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es el trabajo del artista del noroeste estadounidense Mark Tobey, especialmente sus lienzos de "escritura blanca", que, aunque generalmente no son de gran escala, anticipan el aspecto "completo" de las pinturas de goteo de Pollock.

Expresionismo abstracto

Además, el expresionismo abstracto tiene una imagen de ser rebelde, anárquico, muy idiosincrático y, algunos sienten, bastante nihilista. En la práctica, el término se aplica a una gran cantidad de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York y que tienen estilos bastante diferentes, e incluso se aplica a obras que no son especialmente abstractas ni expresionistas. Las enérgicas "pinturas de acción" de Pollock, con su sensación de "ajetreo", son diferentes, tanto técnica como estéticamente, de la violenta y grotesca serie Mujeres de Willem de Kooning. Como se ve arriba en la galería, Woman V es una de una serie de seis pinturas realizadas por de Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos de largo. Comenzó la primera de estas pinturas, Mujer Icolección: El Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, en junio de 1950, cambiando y pintando repetidamente la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar. El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura en el estudio de De Kooning poco después y animó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning fue comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema; Colección Mujer II: Museo de Arte Moderno, Ciudad de Nueva York, Mujer III, Museo de Arte Contemporáneo de Teherán, Mujer IV, Museo de Arte Nelson-Atkins, Kansas City, Misuri. Durante el verano de 1952, que pasó en East Hampton, de Kooning siguió explorando el tema a través de dibujos y pasteles. Es posible que haya terminado de trabajar en Mujer I.a fines de junio, o posiblemente hasta noviembre de 1952, y probablemente las otras tres películas de mujeres se terminaron casi al mismo tiempo. La serie Mujer son pinturas decididamente figurativas. Otro artista importante es Franz Kline, como lo demuestra su pintura High Street, 1950 como con Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, fue etiquetado como un "pintor de acción" debido a su estilo aparentemente espontáneo e intenso, centrándose menos o nada en figuras o imágenes, sino en las pinceladas reales y el uso del lienzo.

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y los serenos y brillantes bloques de color en la obra de Mark Rothko (que no es lo que normalmente se llamaría expresionista y que Rothko negó que fuera abstracto), se clasifican como expresionistas abstractos, aunque de lo que Clement Greenberg denominó la dirección Color Field del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell (galería) pueden describirse cómodamente como practicantes de la pintura de acción y la pintura Color Field.

El expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo XX, como Wassily Kandinsky. Si bien es cierto que la espontaneidad o la impresión de espontaneidad caracterizaron muchas de las obras del expresionismo abstracto, la mayoría de estas pinturas supusieron una cuidadosa planificación, sobre todo porque su gran tamaño lo exigía. Una excepción podrían ser las pinturas de goteo de Pollock.

Por qué este estilo ganó la aceptación general en la década de 1950 es un tema de debate. El realismo social estadounidense había sido la corriente principal en la década de 1930. Había sido influenciado no solo por la Gran Depresión sino también por los realistas sociales de México como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera. El clima político posterior a la Segunda Guerra Mundial no toleró mucho tiempo las protestas sociales de aquellos pintores. El expresionismo abstracto surgió durante la Segunda Guerra Mundial y comenzó a exhibirse a principios de la década de 1940 en galerías de Nueva York como The Art of This Century Gallery.. Desde finales de la década de 1940 hasta mediados de la de 1950, se inició la era McCarthy. Fue después de la Segunda Guerra Mundial y una época de conservadurismo político y censura artística extrema en los Estados Unidos. Algunas personas han conjeturado que, dado que el tema a menudo era totalmente abstracto, el expresionismo abstracto se convirtió en una estrategia segura para que los artistas siguieran este estilo. El arte abstracto podría verse como apolítico. O si el arte era político, el mensaje era en gran parte para los de adentro. Sin embargo, esos teóricos son minoría. Como la primera escuela de pintura verdaderamente original en América, el expresionismo abstracto demostró la vitalidad y la creatividad del país en los años de la posguerra, así como su capacidad (o necesidad) de desarrollar un sentido estético que no estuviera limitado por los estándares europeos. de belleza.

Aunque el expresionismo abstracto se extendió rápidamente por los Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y California, especialmente en la Escuela de Nueva York y el área de la Bahía de San Francisco. Las pinturas expresionistas abstractas comparten ciertas características, incluido el uso de lienzos grandes, un enfoque "completo", en el que todo el lienzo se trata con la misma importancia (en lugar de que el centro tenga más interés que los bordes). El lienzo como arena se convirtió en un credo de la pintura de acción, mientras que la integridad del plano pictóricose convirtió en un credo de los pintores de Color Field. Muchos otros artistas comenzaron a exhibir sus pinturas relacionadas con el expresionismo abstracto durante la década de 1950, incluidos Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Ray Parker, Nicolas Carone, Grace Hartigan, Friedel Dzubas, y Robert Goodnough entre otros.

Durante la década de 1950, la pintura Color Field se refirió inicialmente a un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente el trabajo de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell y Adolph Gottlieb. Se trataba esencialmente de pinturas abstractas con grandes extensiones planas de color que expresaban los sentimientos y las propiedades sensuales y visuales de grandes áreas de superficie matizada. El crítico de arte Clement Greenberg percibió la pintura Color Field como relacionada pero diferente de la pintura de acción. La extensión general y la gestalt del trabajo de los primeros pintores de campos de color hablan de una experiencia casi religiosa, asombrado ante un universo en expansión de sensualidad, color y superficie. Durante principios y mediados de la década de 1960, la pintura Color Fieldllegó a referirse a los estilos de artistas como Jules Olitski, Kenneth Noland y Helen Frankenthaler, cuyas obras estaban relacionadas con el expresionismo abstracto de segunda generación, y a artistas más jóvenes como Larry Zox y Frank Stella, todos moviéndose en una nueva dirección. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox y otros a menudo usaban referencias muy reducidas a la naturaleza, y pintaban con un uso altamente articulado y psicológico del color. En general, estos artistas eliminaron imágenes reconocibles. En Montañas y mar, de 1952, una obra fundamental de la pintura Color Field de Helen Frankenthaler, el artista utilizó por primera vez la técnica de la mancha.

En Europa hubo la continuación del surrealismo, el cubismo, el dadaísmo y las obras de Matisse. También en Europa, el tachismo (el equivalente europeo del expresionismo abstracto) se apoderó de la nueva generación. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein y Pierre Soulages, entre otros, son considerados figuras importantes de la pintura europea de posguerra.

Eventualmente, la pintura abstracta en Estados Unidos evolucionó hacia movimientos como el Neo-Dada, la pintura de campo de color, la abstracción pospictórica, el arte óptico, la pintura de borde duro, el arte minimalista, la pintura en lienzo con forma, la abstracción lírica, el neoexpresionismo y la continuación del expresionismo abstracto. Como respuesta a la tendencia hacia la abstracción, las imágenes surgieron a través de varios movimientos nuevos, en particular el arte pop.

Arte pop

Anteriormente, en Inglaterra, en 1956, Lawrence Alloway utilizó el término Pop Art para pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, a favor del arte que representaba y, a menudo, celebraba la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Los primeros trabajos de David Hockney y los trabajos de Richard Hamilton, Peter Blake y Eduardo Paolozzi se consideraron ejemplos seminales del movimiento.

El arte pop en Estados Unidos se inspiró inicialmente en gran medida en las obras de Jasper Johns, Larry Rivers y Robert Rauschenberg. Aunque las pinturas de Gerald Murphy, Stuart Davis y Charles Demuth durante las décadas de 1920 y 1930 sentaron las bases para el arte pop en Estados Unidos. En la ciudad de Nueva York, a mediados de la década de 1950, Robert Rauschenberg y Jasper Johns crearon obras de arte que al principio parecían ser continuaciones de la pintura expresionista abstracta. En realidad, sus obras y la obra de Larry Rivers se alejaron radicalmente del expresionismo abstracto, especialmente en el uso de imágenes banales y literales y la inclusión y combinación de materiales mundanos en su trabajo. Las innovaciones del uso específico de Johns de varias imágenes y objetos como sillas, números, dianas, latas de cerveza y la bandera estadounidense; Las pinturas de Rivers de temas extraídos de la cultura popular como George Washington cruzando el Delaware, y sus inclusiones de imágenes de anuncios como el camello de los cigarrillos Camel, y las sorprendentes construcciones de Rauschenberg utilizando inclusiones de objetos e imágenes tomadas de la cultura popular, ferreterías, chatarrerías, las calles de la ciudad y la taxidermia dio lugar a un nuevo movimiento radical en el arte estadounidense. Finalmente, en 1963, el movimiento llegó a ser conocido mundialmente como arte pop.

El arte pop estadounidense está ejemplificado por artistas: Andy Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann y Roy Lichtenstein, entre otros. Podría decirse que el trabajo más importante de Lichtenstein es Whaam! (1963, Tate Modern, Londres), uno de los primeros ejemplos conocidos de arte pop, adaptó un panel de cómic de una edición de 1962 de All-American Men of War de DC Comics. La pintura representa un avión de combate disparando un cohete contra un avión enemigo, con una explosión roja y amarilla. El estilo de dibujos animados se ve realzado por el uso de las letras onomatopéyicas "¡Whaam!" y el subtítulo en el recuadro "Presioné el control de fuego... y delante de mí, los cohetes resplandecieron en el cielo..."El arte pop fusiona la cultura popular y de masas con las bellas artes, al tiempo que inyecta humor, ironía e imágenes y contenido reconocibles en la mezcla. En octubre de 1962, la Galería Sidney Janis montó The New Realists, la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la parte alta de la ciudad de Nueva York. Sidney Janis montó la exhibición en un escaparate de la calle 57 cerca de su galería en 15 E. 57th Street. El espectáculo envió ondas de choque a través de la Escuela de Nueva York y reverberó en todo el mundo. A principios del otoño de 1962, una exposición de arte pop históricamente importante e innovadora Nueva pintura de objetos comunes, comisariada por Walter Hopps en el Museo de Arte de Pasadena, conmocionó a todo el oeste de los Estados Unidos.

Mientras estaban en la escena del centro de la ciudad de Nueva York, en las galerías de East Village 10th Street, los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tenía su tienda y hacía objetos pintados, y la Galería Verde en la calle 57 comenzó a mostrar a Tom Wesselmann y James Rosenquist. Más tarde, Leo Castelli exhibió a otros artistas estadounidenses, incluida la mayor parte de las carreras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de los puntos de Benday, una técnica utilizada en la reproducción comercial. Hay una conexión entre las obras radicales de Duchamp y Man Ray, los dadaístas rebeldes, con sentido del humor; y artistas pop como Alex Katz (que se hizo conocido por sus parodias de la fotografía de retratos y la vida suburbana), Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y otros.

Mientras que a lo largo del siglo XX muchos pintores continuaron practicando el paisaje y la pintura figurativa con temas contemporáneos y técnica sólida, como Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Balthus, Francis Bacon, Nicolas de Staël, Andrew Wyeth, Lucian Freud, Frank Auerbach, Philip Pearlstein, David Park, Nathan Oliveira, David Hockney, Malcolm Morley, Richard Estes, Ralph Goings, Audrey Flack, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, Vija Celmins y Richard Diebenkorn.

Figurativo, paisaje, naturaleza muerta, marina y realismo

Desde la década de 1930 hasta la de 1960, la pintura abstracta en América y Europa evolucionó hacia movimientos como el expresionismo abstracto, la pintura de campo de color, la abstracción pospictórica, el arte óptico, la pintura de borde duro, el arte minimalista, la pintura de lienzo con forma y la abstracción lírica. Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia hacia la abstracción, permitiendo que las imágenes figurativas continuaran a través de varios contextos nuevos como el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía en la década de 1950 y nuevas formas de expresionismo desde la década de 1940 hasta la década de 1960. En Italia durante este tiempo, Giorgio Morandi fue el pintor de bodegones más destacado, explorando una amplia variedad de enfoques para representar botellas e implementos de cocina cotidianos.A lo largo del siglo XX, muchos pintores practicaron el realismo y utilizaron imágenes expresivas; practicando pintura paisajista y figurativa con temas contemporáneos y técnica sólida, y expresividad única como el pintor de bodegones Giorgio Morandi, Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Leon Kossoff, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., Elaine de Kooning y otros. Junto con Henri Matisse, Pablo Picasso, Pierre Bonnard, Georges Braque y otros maestros del siglo XX.

Head VI, 1949 es una pintura del artista nacido en Irlanda Francis Bacon y es un ejemplo del expresionismo europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. La obra muestra una versión distorsionada del Retrato de Inocencio X pintado por el artista español Diego Velázquez en 1650. La obra forma parte de una serie de variantes del cuadro de Velázquez que Bacon ejecutó a lo largo de la década de 1950 y principios de la de 1960, en un total de cuarenta -cinco obras. Cuando se le preguntó por qué se vio obligado a volver sobre el tema con tanta frecuencia, Bacon respondió que no tenía nada en contra de los Papas, que simplemente "quería una excusa para usar estos colores, y no se puede dar a la ropa ordinaria ese color púrpura sin meterse en un lío". una especie de manera falsa fauve ".El Papa en esta versión hierve de ira y agresión, y los colores oscuros dan a la imagen un aspecto grotesco y de pesadilla. Las cortinas plisadas del fondo se vuelven transparentes y parecen caer sobre el rostro del Papa. El pintor italiano Giorgio Morandi fue un importante pionero del minimalismo a principios del siglo XX. Nacido en Bolonia, Italia, en 1890, a lo largo de su carrera, Morandi se concentró casi exclusivamente en las naturalezas muertas y los paisajes, a excepción de algunos autorretratos. Con una gran sensibilidad para el tono, el color y el equilibrio compositivo, representaba las mismas botellas y jarrones familiares una y otra vez en pinturas notables por su simplicidad de ejecución. Morandi ejecutó 133 aguafuertes, un cuerpo de trabajo significativo por derecho propio, y sus dibujos y acuarelas a menudo se acercan a la abstracción en su economía de medios. A través de sus motivos simples y repetitivos y el uso económico del color, el valor y la superficie, Morandi se convirtió en un precursor profético e importante del Minimalismo. Murió en Bolonia en 1964.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el término Escuela de París a menudo se refería a Tachisme, el equivalente europeo del expresionismo abstracto estadounidense y esos artistas también están relacionados con Cobra. Proponentes importantes son Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff y Georges Mathieu, entre varios otros. A principios de la década de 1950, Dubuffet (que siempre fue un artista figurativo) y de Staël abandonaron la abstracción y regresaron a la imaginería a través de la figuración y el paisaje. El trabajo de De Staël fue rápidamente reconocido dentro del mundo del arte de la posguerra y se convirtió en uno de los artistas más influyentes de la década de 1950. Su regreso a la representación (paisajes marinos, futbolistas, músicos de jazz, gaviotas) a principios de la década de 1950 puede verse como un precedente influyente para el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía Estadounidense. ya que muchos de esos pintores abstractos como Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown y otros hicieron un movimiento similar; volviendo a la imaginería a mediados de la década de 1950. Gran parte del trabajo tardío de De Staël, en particular sus paisajes abstractos diluidos y diluidos al óleo sobre lienzo de mediados de la década de 1950, predice la pintura de campo de color y la abstracción lírica de las décadas de 1960 y 1970. El color audaz e intensamente vívido de Nicolas de Staël en sus últimas pinturas predice la dirección de gran parte de la pintura contemporánea que vino después de él, incluido el arte pop de la década de 1960. y los paisajes abstractos de óleo diluido sobre lienzo de mediados de la década de 1950 predicen la pintura de campo de color y la abstracción lírica de las décadas de 1960 y 1970. El color audaz e intensamente vívido de Nicolas de Staël en sus últimas pinturas predice la dirección de gran parte de la pintura contemporánea que vino después de él, incluido el arte pop de la década de 1960. y los paisajes abstractos de óleo diluido sobre lienzo de mediados de la década de 1950 predicen la pintura de campo de color y la abstracción lírica de las décadas de 1960 y 1970. El color audaz e intensamente vívido de Nicolas de Staël en sus últimas pinturas predice la dirección de gran parte de la pintura contemporánea que vino después de él, incluido el arte pop de la década de 1960.

Art brut, Nuevo Realismo, Movimiento Figurativo del Área de la Bahía, neo-Dada, fotorrealismo

• John Baeder, fotorrealismo

Durante las décadas de 1950 y 1960, la pintura abstracta en Estados Unidos y Europa evolucionó hacia movimientos como la pintura de campo de color, la abstracción pospictórica, el arte óptico, la pintura de borde duro, el arte minimalista, la pintura de lienzos con formas, la abstracción lírica y la continuación del expresionismo abstracto.. Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia hacia la abstracción con art brut, como se ve en Court les rues, 1962, de Jean Dubuffet, fluxus, neo-Dada, New Realism, permitiendo que las imágenes resurjan a través de varios contextos nuevos como el arte pop., el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía (un excelente ejemplo es Cityscape I de Diebenkorn, (Landscape No. 1),1963, Óleo sobre lienzo, 60 1/4 x 50 1/2 pulgadas, colección: Museo de Arte Moderno de San Francisco) y más tarde en la década de 1970 Neoexpresionismo. El Movimiento Figurativo del Área de la Bahía de quien David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira y Richard Diebenkorn cuya pintura Cityscape 1, 1963 es un ejemplo típico donde florecieron miembros influyentes durante las décadas de 1950 y 1960 en California. Aunque a lo largo del siglo XX, los pintores continuaron practicando el realismo y el uso de imágenes, practicando la pintura paisajística y figurativa con temas contemporáneos y una técnica sólida y una expresividad única como Milton Avery, Edward Hopper, Jean Dubuffet, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein., y otros. Los pintores más jóvenes practicaron el uso de imágenes de formas nuevas y radicales. Yves Klein, Martial Raysse, Niki de Saint Phalle, Wolf Vostell, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, John Baeder y Vija Celmins fueron algunos de los que se hizo prominente entre las décadas de 1960 y 1980. Fairfield Porter fue en gran parte autodidacta, y produjo obras de representación en medio del movimiento expresionista abstracto. Sus temas fueron principalmente paisajes, interiores domésticos y retratos de familiares, amigos y compañeros artistas, muchos de ellos afiliados a la Escuela de escritores de Nueva York, incluidos John Ashbery, Frank O'Hara y James Schuyler. Muchas de sus pinturas se ubicaron en o alrededor de la casa de verano familiar en Great Spruce Head Island, Maine.

También durante las décadas de 1960 y 1970 hubo una reacción contra la pintura. Críticos como Douglas Crimp vieron el trabajo de artistas como Ad Reinhardt y declararon la "muerte de la pintura". Los artistas comenzaron a practicar nuevas formas de hacer arte. Nuevos movimientos ganaron protagonismo algunos de los cuales son: Fluxus, Happening, Video art, Installation art Mail art, los situacionistas, Arte conceptual, Postminimalismo, Earth art, arte povera, performance art y body art entre otros.

Neo-Dada también es un movimiento que comenzó en las décadas de 1950 y 1960 y se relacionó con el expresionismo abstracto solo con imágenes. Destacando la aparición de elementos manufacturados combinados, con materiales de artista, alejándose de las convenciones anteriores de la pintura. Esta tendencia en el arte se ejemplifica con el trabajo de Jasper Johns y Robert Rauschenberg, cuyas "combinaciones" en la década de 1950 fueron precursoras del arte pop y el arte de instalación, y utilizaron el ensamblaje de grandes objetos físicos, incluidos animales disecados, pájaros y objetos comerciales. fotografía. Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine y Edward Kienholz, entre otros, fueron importantes pioneros tanto de la abstracción como del arte pop; crear nuevas convenciones de creación artística;

Nueva abstracción desde la década de 1950 hasta la década de 1980

• Yves Klein, 1962, Pintura monocromática

La pintura Color Field apuntaba claramente hacia una nueva dirección en la pintura estadounidense, lejos del expresionismo abstracto. La pintura de campo de color está relacionada con la abstracción pospictórica, el suprematismo, el expresionismo abstracto, la pintura de borde duro y la abstracción lírica. Durante las décadas de 1960 y 1970, la pintura abstracta continuó desarrollándose en Estados Unidos a través de estilos variados. La abstracción geométrica, el arte óptico, la pintura de bordes duros, la pintura de campo de color y la pintura mínima fueron algunas direcciones interrelacionadas para la pintura abstracta avanzada, así como algunos otros movimientos nuevos. Morris Louis fue un importante pionero en la pintura Color Field avanzada, su trabajo puede servir como puente entre el expresionismo abstracto, la pintura Color Field y el arte minimalista. Dos maestros influyentes, Josef Albers y Hans Hofmann, presentaron a una nueva generación de artistas estadounidenses sus teorías avanzadas del color y el espacio. Josef Albers es mejor recordado por su trabajo como pintor y teórico abstracto geométrico. Los más famosos de todos son los cientos de pinturas y grabados que componen la serie.Homenaje a la Plaza. En esta rigurosa serie, iniciada en 1949, Albers exploró las interacciones cromáticas con cuadrados planos de colores dispuestos concéntricamente sobre el lienzo. Las teorías de Albers sobre el arte y la educación fueron formativas para la próxima generación de artistas. Sus propias pinturas forman la base tanto de la pintura de borde duro como del Op art.

Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, Larry Zox, Al Held y algunos otros como Mino Argento, son artistas estrechamente asociados con la abstracción geométrica, el Op art, la pintura Color Field y, en el caso de Hofmann y Newman, también con el expresionismo abstracto.

En 1965, se llevó a cabo una exposición llamada The Responsive Eye, curada por William C. Seitz, en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. Las obras mostradas fueron muy variadas, abarcando el minimalismo de Frank Stella, el Op art de Larry Poons, el trabajo de Alexander Liberman, junto con los maestros del movimiento Op Art: Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Bridget Riley y otros. La exposición se centró en los aspectos perceptuales del arte, que resultan tanto de la ilusión del movimiento como de la interacción de las relaciones cromáticas. El op art, también conocido como arte óptico, es un estilo presente en algunas pinturas y otras obras de arte que utilizan ilusiones ópticas. El arte óptico también es muy similar a la abstracción geométrica y la pintura de borde duro. Aunque a veces el término utilizado para ello es abstracción perceptiva.

Op art es un método de pintura que se refiere a la interacción entre la ilusión y el plano de la imagen, entre la comprensión y la vista. Las obras de arte óptico son abstractas, y muchas de las piezas más conocidas están hechas solo en blanco y negro. Cuando el espectador los mira, da la impresión de movimiento, imágenes ocultas, destellos y vibraciones, patrones o, alternativamente, de hinchazón o deformación.

La pintura Color Field buscaba librar al arte de la retórica superflua. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, John Hoyland, Larry Zox y otros a menudo usaban referencias muy reducidas a la naturaleza, y pintaban con un uso altamente articulado y psicológico de color. En general, estos artistas eliminaron imágenes reconocibles. Ciertos artistas citaron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campo de color presenta la abstracción como un fin en sí mismo. Al seguir esta dirección del arte moderno, los artistas querían presentar cada pintura como una imagen unificada, cohesiva y monolítica.

Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros y Al Loving son ejemplos de artistas asociados con el uso del lienzo con forma durante el período que comienza en principios de la década de 1960. Muchos artistas geométricos abstractos, minimalistas y pintores de bordes duros eligieron usar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso del lienzo con forma se asocia principalmente con pinturas de los años 60 y 70 que son fríamente abstractas, formalistas, geométricas, objetivas, racionalistas, de líneas limpias, descaradamente nítidas o de carácter minimalista. La Galería Andre Emmerich, la Galería Leo Castelli, la Galería Richard Feigen, y la Galería Park Place fueron escaparates importantes para la pintura Color Field, la pintura en lienzo con forma y la abstracción lírica en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960. Hay una conexión con la abstracción pospictórica, que reaccionó contra el misticismo, la hipersubjetividad y el énfasis en hacer dramáticamente visible el acto de pintar del expresionismo abstracto, así como la aceptación solemne del rectángulo plano como un prerrequisito casi ritual para pintura seria. Durante la década de 1960, la pintura de campo de color y el arte minimalista a menudo estaban estrechamente asociados entre sí. En realidad, a principios de la década de 1970, ambos movimientos se volvieron decididamente diversos. misticismo, hipersubjetividad y énfasis en hacer dramáticamente visible el acto de pintar, así como la aceptación solemne del rectángulo plano como un requisito previo casi ritual para la pintura seria. Durante la década de 1960, la pintura de campo de color y el arte minimalista a menudo estaban estrechamente asociados entre sí. En realidad, a principios de la década de 1970, ambos movimientos se volvieron decididamente diversos. misticismo, hipersubjetividad y énfasis en hacer dramáticamente visible el acto de pintar, así como la aceptación solemne del rectángulo plano como un requisito previo casi ritual para la pintura seria. Durante la década de 1960, la pintura de campo de color y el arte minimalista a menudo estaban estrechamente asociados entre sí. En realidad, a principios de la década de 1970, ambos movimientos se volvieron decididamente diversos.

Washington Color School, Lienzo en forma, Ilusionismo abstracto, Abstracción lírica

Otro movimiento relacionado de finales de la década de 1960, la abstracción lírica (término acuñado por Larry Aldrich, el fundador del Museo de Arte Contemporáneo de Aldrich, Ridgefield Connecticut), abarcó lo que Aldrich dijo que vio en los estudios de muchos artistas en ese momento. También es el nombre de una exposición que se originó en el Museo Aldrich y viajó al Museo Whitney de Arte Americano y otros museos de los Estados Unidos entre 1969 y 1971.

La abstracción lírica a fines de la década de 1960 se caracteriza por las pinturas de Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young y otros, y junto con el movimiento fluxus y el posminimalismo (un término acuñado por primera vez por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) buscó expandir los límites de la pintura abstracta y el minimalismo centrándose en el proceso, los nuevos materiales y las nuevas formas de expresión. El posminimalismo que a menudo incorpora materiales industriales, materias primas, fabricaciones, objetos encontrados, instalación, repetición en serie y, a menudo, con referencias al dadaísmo y al surrealismo se ejemplifica mejor en las esculturas de Eva Hesse.Abstracción lírica, arte conceptual, posminimalismo, arte de la tierra, video, arte de performance, arte de instalación, junto con la continuación de fluxus, expresionismo abstracto, pintura de campo de color, pintura de borde duro, arte minimalista, arte op, arte pop, fotorrealismo y New El realismo amplió los límites del arte contemporáneo desde mediados de la década de 1960 hasta la década de 1970. La abstracción lírica es un tipo de pintura abstracta despreocupada que surgió a mediados de la década de 1960 cuando los pintores abstractos regresaron a diversas formas de expresionismo pictórico, pictórico, con un enfoque predominante en el proceso, la gestalt y las estrategias compositivas repetitivas en general.

La abstracción lírica comparte similitudes con la pintura de campo de color y el expresionismo abstracto, la abstracción lírica como se ejemplifica en la pintura de Ronnie Landfield de 1968 para William Blake., (arriba) especialmente en el uso libre de pintura: textura y superficie. El dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de la pintura cepillada, salpicada, teñida, escurrida, vertida y salpicada se asemejan superficialmente a los efectos observados en el expresionismo abstracto y la pintura de campo de color. Sin embargo, los estilos son marcadamente diferentes. Distinguiéndolo del expresionismo abstracto y la pintura de acción de las décadas de 1940 y 1950, se encuentra el enfoque de la composición y el drama. Como se ve en la pintura de acción, hay un énfasis en las pinceladas, un alto drama compositivo, una tensión compositiva dinámica. Mientras que en Lyrical Abstraction hay una sensación de aleatoriedad compositiva, toda la composición, un drama compositivo relajado y de bajo perfil y un énfasis en el proceso, la repetición y una sensibilidad total.

Pintura de vanguardia, minimalismo, posminimalismo, pintura monocromática

Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden, Jo Baer, ​​Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, Charles Hinman son ejemplos de artistas asociados con el minimalismo y (con la excepción de Martin, Baer y Marden) el uso de la lienzo en forma también durante el período que comienza a principios de la década de 1960. Muchos artistas geométricos abstractos, minimalistas y pintores de vanguardia optaron por utilizar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso del lienzo con forma se asocia principalmente con pinturas de los años 60 y 70 que son fríamente abstractas, formalistas, geométricas, objetivas, racionalistas, de líneas limpias, descaradamente nítidas o de carácter minimalista. la galería bykert,

Durante las décadas de 1960 y 1970, artistas como Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Helen Frankenthaler, Gene Davis, Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell, Friedel Dzubas y artistas más jóvenes como Brice Marden, Robert Mangold, Sam Gilliam, John Hoyland, Sean Scully, Pat Steir, Elizabeth Murray, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile y muchos más produjeron una amplia variedad de pinturas.

Durante las décadas de 1960 y 1970 hubo una reacción contra la pintura abstracta. Algunos críticos vieron el trabajo de artistas como Ad Reinhardt y declararon la 'muerte de la pintura'. Los artistas comenzaron a practicar nuevas formas de hacer arte. Nuevos movimientos ganaron protagonismo algunos de los cuales son: el postminimalismo, el Earth art, el videoarte, la instalación, el arte povera, el performance, el body art, el fluxus, el happening, el mail art, los situacionistas y el arte conceptual entre otros.

Sin embargo, otras innovaciones importantes en la pintura abstracta tuvieron lugar durante las décadas de 1960 y 1970, caracterizadas por la pintura monocromática y la pintura de bordes duros inspiradas en Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick y Ellsworth Kelly. Artistas tan diversos como Agnes Martin, Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, Brice Marden y otros exploraron el poder de la simplificación. La convergencia de la pintura de campo de color, el arte minimalista, la pintura de vanguardia, la abstracción lírica y el posminimalismo desdibujó la distinción entre movimientos que se hizo más evidente en los años ochenta y noventa. El movimiento del neoexpresionismo está relacionado con desarrollos anteriores en el expresionismo abstracto, el neo-Dada, la abstracción lírica y la pintura postminimal.

Neo expresionismo

A fines de la década de 1960, el pintor expresionista abstracto Philip Guston ayudó a liderar una transición del expresionismo abstracto al neoexpresionismo en la pintura, abandonando la llamada "abstracción pura" del expresionismo abstracto en favor de representaciones más caricaturescas de varios símbolos y objetos personales. Estas obras inspiraron a una nueva generación de pintores interesados ​​en revivir la imaginería expresiva. Su pintura Painting, Smoking, Eating 1973, que se ve arriba en la galería, es un ejemplo del retorno final y definitivo de Guston a la representación.

A fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, también hubo un regreso a la pintura que se produjo casi simultáneamente en Italia, Alemania, Francia y Gran Bretaña. Estos movimientos se denominaron Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre,El neoexpresionismo, la escuela de Londres y, a fines de la década de 1980, los Stuckists, respectivamente. Esta pintura se caracterizó por los grandes formatos, la libre huella expresiva, la figuración, el mito y la imaginación. Todo el trabajo en este género llegó a ser etiquetado como neoexpresionismo. La reacción crítica estuvo dividida. Algunos críticos lo consideraron impulsado por motivaciones lucrativas de las grandes galerías comerciales. Este tipo de arte continúa en popularidad en el siglo XXI, incluso después del colapso del arte de finales de la década de 1980. Anselm Kiefer es una figura destacada del neoexpresionismo europeo de la década de 1980. Los temas de Kiefer se ampliaron desde un enfoque en el papel de Alemania en la civilización hasta el destino del arte y la cultura en general. Su obra se volvió más escultórica e involucra no solo la identidad nacional y la memoria colectiva, sino también el simbolismo oculto, la teología y el misticismo.

A fines de la década de 1970 en los Estados Unidos, los pintores que comenzaron a trabajar con superficies vigorizadas y que regresaron a la imaginería, como Susan Rothenberg, ganaron popularidad, especialmente como se ve arriba en pinturas como Horse 2, 1979. Durante la década de 1980, artistas estadounidenses como Eric Fischl, David Salle, Jean-Michel Basquiat (que comenzó como grafitero), Julian Schnabel y Keith Haring, y pintores italianos como Mimmo Paladino, Sandro Chia y Enzo Cucchi, entre otros, definieron la idea del neoexpresionismo en América.

El neoexpresionismo fue un estilo de pintura moderna que se hizo popular a fines de la década de 1970 y dominó el mercado del arte hasta mediados de la década de 1980. Se desarrolló en Europa como una reacción contra el arte conceptual y minimalista de las décadas de 1960 y 1970. Los neoexpresionistas volvieron a retratar objetos reconocibles, como el cuerpo humano (aunque a veces de una manera virtualmente abstracta), de una manera áspera y violentamente emocional utilizando colores vivos y armonías de colores banales. Los pintores veteranos Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, AR Penck y Georg Baselitz, junto con artistas algo más jóvenes como Anselm Kiefer, Eric Fischl, Susan Rothenberg, Francesco Clemente, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, Keith Haring, y muchos otros se dieron a conocer por trabajar en esta intensa vena expresionista de la pintura.

La pintura todavía ocupa una posición respetada en el arte contemporáneo. El arte es un campo abierto que ya no está dividido por la dicotomía objetivo versus no objetivo. Los artistas pueden lograr el éxito crítico ya sea que sus imágenes sean figurativas o abstractas. Lo que tiene actualidad es el contenido, la exploración de los límites del medio y la negativa a recapitular las obras del pasado como objetivo final.

La pintura contemporánea en el siglo XXI

A principios del siglo XXI la pintura contemporánea y el arte contemporáneo en general continúa en varias modalidades contiguas, caracterizadas por la idea de pluralismo. La "crisis" de la pintura y del arte actual y de la crítica de arte actual la provoca el pluralismo. No hay consenso, ni es necesario que lo haya, en cuanto a un estilo representativo de la época. Hay una actitud de todo vale que prevalece; un síndrome de "todo pasa" y, en consecuencia, "nada pasa"; esto crea un atasco de tráfico estético sin una dirección firme y clara y con todos los carriles de la autopista artística llenos al máximo. En consecuencia, se siguen realizando obras de arte magníficas e importantes, aunque en una amplia variedad de estilos y temperamentos estéticos, y se deja que el mercado juzgue el mérito.

Pintura de vanguardia, abstracción geométrica, apropiación, hiperrealismo, fotorrealismo, expresionismo, minimalismo, abstracción lírica, pop art, op art, expresionismo abstracto, pintura Color Field, pintura monocromática, neoexpresionismo, collage, pintura intermedia, pintura de ensamblaje, digital la pintura, la pintura posmoderna, la pintura neo-Dada, la pintura en lienzo con formas, la pintura mural ambiental, la pintura tradicional de figuras, la pintura de paisajes, la pintura de retratos, son algunas direcciones continuas y actuales en la pintura a principios del siglo XXI.

Américas

Durante el período anterior y posterior a la exploración y el asentamiento de los europeos en las Américas, incluidas América del Norte, América Central, América del Sur y las Islas del Caribe, las Antillas, las Antillas Menores y otros grupos de islas, las culturas nativas indígenas produjeron obras creativas que incluían arquitectura, alfarería, cerámica, tejido, talla, escultura, pintura y murales, así como otros objetos religiosos y utilitarios. Cada continente de las Américas albergaba sociedades que eran culturas únicas y desarrolladas individualmente; que produjo tótems, obras de simbolismo religioso y obras pictóricas decorativas y expresivas. La influencia africana fue especialmente fuerte en el arte del Caribe y América del Sur. Las artes de los pueblos indígenas de las Américas tuvieron un enorme impacto e influencia en el arte europeo y viceversa durante y después de la Era de la Exploración. España, Portugal, Francia, los Países Bajos e Inglaterra fueron potencias coloniales poderosas e influyentes en las Américas durante y después del siglo XV. En el siglo XIX, la influencia cultural comenzó a fluir en ambos sentidos a través del Atlántico.

México y Centroamérica

• Mural de la Gran Diosa de Teotihuacan del sitio en Tetitla, México
• Mural del Complejo de Tepantitla en Teotihuacan, reproducción en el Museo Nacional de Antropología en la Ciudad de México
• Una porción del mural del Complejo de Tepantitla, representan el Tlalocan uno de los niveles en el Inframundo, México
• Mural del recinto de los Jaguares en Teotihuacan.
• Pórtico A de Cacaxtla, representa al Hombre-jaguar
• Detalle del Templo Rojo, c.600–700, Cacaxtla, México
• Reconstrucción de la Tumba 105 de Monte Albán.
• Un mural maya de Bonampak, México, 580–800 d.C.
• Un mural maya de Bonampak, 580–800 d.C.
• Un mural maya de San Bartolo, período preclásico (1–250 d. C.)
• Pintura en el jarrón del trono de piel del Señor del jaguar, una escena de la corte maya, 700–800 d.C.
• Pintura sobre una vasija maya del Período Clásico Tardío (600–900)
• Figurilla de cerámica pintada de un rey del lugar de entierro en la isla de Jaina, arte maya, 400–800 d.C.
• Relieve pintado del sitio maya Palenque, que representa al hijo de K'inich Ahkal Mo' Naab' III (678–730s?, r. 722–729).
• Pintura de un códice de Dresden.
• Una pintura mixteca del Codex Zouche-Nuttall.
• Una pintura azteca del Codex Borgia, representa un Mictlantecuhtli y Quetzalcóatl.
• Una pintura azteca del Codex Borbonicus, representa un Tlaloc.
• Una pintura de Matrícula de Tributos que muestra el Ichcahuipilli, México.
• Una pintura del Codex Mendoza que muestra la leyenda azteca de la fundación de Tenochtitlán, c.1553

Sudamerica

• Murales moche del sitio Huaca de la Luna, Perú, 100–700 d.C.
• Un mural moche de un decapitador del sitio Huaca de la Luna, Perú, 100–700 d.C.
• Mural en Huaca Cao Viejo, Perú
• Cerámica pintada de la cultura Moche del Perú
• Ballena asesina, cerámica pintada, cultura Nazca, 300 aC–800 dC, Museo Larco. Lima, Perú
• Cerámica pintada de la cultura Huari de Perú, 500–1200 d.C.
• Pintura corporal, Pueblos indígenas en Brasil, tribu Pataxo.

Norteamérica

Estados Unidos

• The Great Gallery, pictogramas, Parque Nacional Canyonlands, Horseshoe Canyon, Utah, 15 por 200 pies (4,6 por 61,0 m), c. 1500 a.
• Pictograma, sureste de Utah, c. 1200 aC Cultura pueblo
• Cerámica pintada, Anasazi, América del Norte: Una cantimplora (olla) excavada en las ruinas del Cañón del Chaco, Nuevo México, c. 700 dC-1100 dC
• Jarra de cerámica pintada que muestra la pantera submarina de la cultura del Mississippi, encontrada en Rose Mound en Cross County, Arkansas, c. 1400-1600.
• Una máscara de lobo Haida, 1880.
• Una jarra Hopi de Nampeyo (c.1860–1942), hecha en Arizona, 1880.
• Una niña de la tribu Zuni de Nuevo México con una vasija de cerámica pintada, fotografiada en c. 1903.
• Edward S. Curtis, pintura de arena navajo, fotograbado sepia c. 1907
• Hombre navajo con traje ceremonial con máscara y pintura corporal, c. 1904
• Arte de libro mayor de Haokah (ca. 1880) por Black Hawk (Lakota).
• Arte del libro mayor de Kiowa, posiblemente de la batalla de Buffalo Wallow de 1874, Guerra del Río Rojo.
• Detalle de la pintura de libro mayor sobre muselina de Silver Horn (1860–1940), ca. 1880, Centro de Historia de Oklahoma
• Obra sobre papel, del pintor arapaho Carl Sweezy (1881–1953), 1904
• Un Uncompaghre Ute, pintura de piel de castor afeitada. Los ute del norte atrapaban castores, afeitaban imágenes en las pieles estiradas y curadas de los animales y las usaban para decorar sus viviendas personales y ceremoniales, c. Siglo 19.
• Tótem tlingit en Ketchikan, Alaska, alrededor de 1901.
• El tótem K'alyaan del clan Tlingit Kiks.ádi, erigido en el Parque Histórico Nacional de Sitka para conmemorar las vidas perdidas en la Batalla de Sitka de 1804.
• Un tótem en Ketchikan, Alaska, al estilo tlingit.
• Desde Saxman Totem Park, Ketchikan, Alaska
• Desde Saxman Totem Park, Ketchikan, Alaska

Canadá

• Un tótem en Totem Park, Victoria, Columbia Británica.
• Desde Totem Park, Victoria, Columbia Británica.

Caribe

• Petroglifo de roca superpuesto con tiza, Centro Ceremonial Indígena Caguana. Utuado, Puerto Rico.

Islámico

• Yahyâ ibn Mahmûd al-Wâsitî, Irak, 1237
• Yahyâ ibn Mahmûd al-Wâsitî, Irak, 1237
• Pintor sirio, 1315 Museo Metropolitano de Arte
• Ilkhanid Shahnameh, ca. 1330-1340, Instituto Smithsoniano
• Kamal-ud-din Bihzad (c. 1450 - c. 1535), La construcción del castillo Khavarnaq (الخورنق) en al-Hira, c. 1494–1495 d. C. Museo Británico
• Pintura en miniatura persa, CE 1550
• Reza Abbasi, 1609
• Razmnama, 1616, Museo Británico
• Dos amantes de Reza Abbasi, 1630
• Miniatura persa Harun al-Rashid en Las mil y una noches
• Reza Abbasi (1565–1635), príncipe Muhammad-Beik de Georgia, 1620
• Adán y Eva, Safavid Irán, de un Falnama (libro de Presagios) c. 1550 d.C.
• Una pintura que representa a Abû Zayd, 1335 d.C.
• Una escena del libro de Ahmad ibn al-Husayn ibn al-Ahnaf, que muestra a dos jinetes al galope, 1210 d.C.
• El ángel Isrâfîl, Irak, 1280 d.C.
• The Clerk, Irak, 1287.
• Un Corán ornamental, de al-Bawwâb, siglo XI d.C.
• Mehmet II, de los álbumes de Sarai de Estambul, Turquía, siglo XV d.C.
• Doncella con gorro de piel, de Muhammad 'Alî, Isfahan, Irán, mediados del siglo XVII
• Jóvenes y pretendientes, Mashhad, Irán, 1556-1565 d.C.

La representación de humanos, animales o cualquier otro sujeto figurativo está prohibida en el Islam para evitar que los creyentes sean idolatrados, por lo que no existe una tradición de pintura (o escultura) de motivación religiosa dentro de la cultura musulmana. La actividad pictórica se redujo al arabesco, principalmente abstracto, con configuración geométrica o motivos florales y vegetales. Fuertemente conectado con la arquitectura y la caligrafía, se puede considerar que se usa ampliamente para pintar azulejos en mezquitas o en iluminaciones alrededor del texto del Corán y otros libros. De hecho, el arte abstracto no es una invención del arte moderno, sino que está presente en las culturas preclásicas, bárbaras y no occidentales muchos siglos antes y es esencialmente un arte decorativo o aplicado. El notable ilustrador MC Escher fue influenciado por este arte geométrico y basado en patrones.

Tenga en cuenta que, a pesar del tabú de la visualización figurativa, algunos países musulmanes cultivaron una rica tradición en la pintura, aunque no por derecho propio, sino como complemento de la palabra escrita. El arte iraní o persa, ampliamente conocido como miniatura persa, se concentra en la ilustración de obras literarias épicas o románticas. Los ilustradores persas evitaron deliberadamente el uso del sombreado y la perspectiva, aunque estaban familiarizados con ellos en su historia preislámica, para cumplir con la regla de no crear ninguna ilusión realista del mundo real. Su objetivo no era representar el mundo tal como es, sino crear imágenes de un mundo ideal de belleza atemporal y orden perfecto.

Irán

El historiador oriental Basil Gray cree que "Irán ha ofrecido un arte [ sic ] particularmente único al mundo que es excelente en su tipo". Las cuevas en la provincia iraní de Lorestan exhiben imágenes pintadas de animales y escenas de caza. Algunos, como los de la provincia de Fars y Sialk, tienen al menos 5.000 años. Se cree que la pintura en Irán alcanzó su clímax durante la era de Tamerlán, cuando maestros destacados como Kamaleddin Behzad dieron a luz a un nuevo estilo de pintura.

Las pinturas del período Qajar son una combinación de influencias europeas y escuelas de pintura en miniatura de Safavid, como las introducidas por Reza Abbasi y las obras clásicas de Mihr 'Ali. Maestros como Kamal-ol-molk impulsaron aún más la influencia europea en Irán. Fue durante la era Qajar cuando surgió la "pintura de la cafetería". Los temas de este estilo a menudo eran de naturaleza religiosa y representaban escenas de epopeyas chiítas y similares.

• Farrukh Beg (ca. 1545 - ca. 1615), Un Babur borracho regresa al campamento por la noche, Lahore, Pakistán, 1589
• Mihr 'Ali (fl. 1795–1830), Fat'h Ali Shah Qajar (1813–14)
• Kamal-ol-molk (1847–1940), Predictor del futuro, 1892, Museo de Sadabad, Teherán

Pakistán

• Lubna Agha, Star – una pintura inspirada en los artesanos de Marruecos
• AR Chughtai, Anarkali

Oceanía

Australia

Nueva Zelanda

África

• Mujer Himba cubierta con pigmento ocre rojo tradicional. Pintura corporal tradicional que simboliza la tierra y la sangre, y que también se usa para protegerse del sol.
• Una mujer Kĩkũyũ con traje tradicional. Pintura facial ceremonial.
• Joven Guerrero Masai, con tocado y pintura facial.
• Dogon, cueva de la circuncisión, con pinturas Malí c. contemporáneo

La cultura y las tribus tradicionales africanas no parecen tener un gran interés en las representaciones bidimensionales a favor de la escultura y el relieve. Sin embargo, la pintura decorativa en la cultura africana suele ser abstracta y geométrica. Otra manifestación pictórica es la pintura corporal, y la pintura facial presente por ejemplo en la cultura Maasai y Kĩkũyũ en sus ceremonias rituales. Se puede encontrar que las pinturas rupestres ceremoniales en ciertos pueblos todavía están en uso. Tenga en cuenta que Pablo Picasso y otros artistas modernos fueron influenciados por la escultura y las máscaras africanas en sus variados estilos. Los artistas africanos contemporáneos siguen los movimientos artísticos occidentales y sus pinturas tienen poca diferencia con las obras de arte occidentales.

Sudanés

El Reino de Kush en la antigua Nubia (es decir, el actual Sudán), en la frontera con el Antiguo Egipto, produjo una amplia variedad de artes, incluidas pinturas murales y objetos pintados. En el sitio sudanés de Kerma, centro de la cultura Kerma anterior al Reino de Kush, una pintura fragmentaria de alrededor de 1700 a. C. de una tumba real muestra un velero y casas con escaleras que son similares a escenas en relieves del reinado de la reina egipcia. Hatshepsut (c. 1479-1458 a. C.). La antigua tradición de las pinturas murales, descrita por primera vez por Abu Salih durante el siglo XII d. C., continuó hasta el período de la Nubia medieval.

Etíope

La tradición cristiana de pintar en Etiopía se remonta al siglo IV d. C., durante el antiguo Reino de Aksum. Durante su exilio en Axum, los seguidores de Mahoma del siglo VII describieron pinturas que decoraban la Iglesia de Nuestra Señora María de Sion. Sin embargo, los primeros ejemplos sobrevivientes de pinturas de iglesias en Etiopía provienen de la iglesia de Debre Selam Mikael en la región de Tigray, que data del siglo XI d.C. Las pinturas etíopes en manuscritos iluminados son anteriores a las primeras pinturas de iglesias que se conservan. Por ejemplo, los evangelios etíopes de Garima de los siglos IV-VI dC contienen escenas iluminadas que imitan el estilo iluminado bizantino contemporáneo.

• Una Biblia iluminada de un monasterio en el lago Tana, Etiopía, siglo XII-XIII d.C.
• Una pintura etíope del siglo XV de la dinastía salomónica que representa al gobernante de la dinastía Zagwe Gebre Mesqel Lalibela (r. 1181-1221 d. C.)
• Una pintura etíope de estilo gondareno del siglo XVII que representa a San Mercurio, originario de Lalibela, ahora se encuentra en el Museo Nacional de Etiopía en Addis Abeba.
• Un retrato de 1748 de la emperatriz etíope Mentewab, una figura importante de Zemene Mesafint, postrándose ante María y Jesús, de la iglesia de Narga Selassie.

Influencia en el arte occidental

A principios del siglo XX, artistas como Picasso, Matisse, Paul Gauguin y Modigliani tomaron conciencia y se inspiraron en el arte africano. En una situación en la que la vanguardia establecida luchaba contra las limitaciones impuestas por servir al mundo de las apariencias, el arte africano demostró el poder de las formas supremamente bien organizadas; producido no sólo por responder a la facultad de la vista, sino también y muchas veces principalmente, a la facultad de la imaginación, la emoción y la experiencia mística y religiosa. Estos artistas vieron en el arte africano una perfección y sofisticación formales unificadas con un poder expresivo fenomenal.