Historia de la música

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La historia de la música cubre el desarrollo histórico y la presencia de la música desde la prehistoria hasta nuestros días. Aunque las definiciones de música varían enormemente en todo el mundo, todas las culturas conocidas participan en ella y, por lo tanto, la música se considera un universal cultural. Los orígenes de la música siguen siendo muy polémicos; los comentaristas a menudo lo relacionan con el origen del lenguaje, con mucho desacuerdo en torno a si la música surgió antes, después o simultáneamente con el lenguaje. Los académicos de una amplia gama de disciplinas han propuesto muchas teorías, aunque ninguna ha logrado una amplia aprobación. La mayoría de las culturas tienen sus propios orígenes míticos relacionados con la invención de la música, generalmente enraizados en sus respectivas creencias mitológicas, religiosas o filosóficas.

La música de las culturas prehistóricas se fecha por primera vez firmemente en c.  40.000 BP del Paleolítico Superior por evidencia de flautas de hueso, aunque no está claro si los orígenes reales se encuentran o no en el período Paleolítico Medio anterior (300.000 a 50.000 BP). Se sabe poco sobre la música prehistórica, con rastros limitados principalmente a algunas flautas simples e instrumentos de percusión. Sin embargo, tal evidencia indica que la música existió hasta cierto punto en sociedades prehistóricas como la dinastía Xia y la Civilización del Valle del Indo. Tras el desarrollo de la escritura, la música de las civilizaciones alfabetizadas, la música antigua, estuvo presente en las principales sociedades chinas, egipcias, griegas, indias, persas, mesopotámicas y del Medio Oriente. Es difícil hacer muchas generalizaciones sobre la música antigua en su conjunto, pero por lo que se sabe, a menudo se caracterizaba por la monofonía y la improvisación. En formas de canciones antiguas,Rigveda y el Clásico de Poesía de Shijing. El eventual surgimiento de la Ruta de la Seda y el creciente contacto entre culturas llevaron a la transmisión e intercambio de ideas, prácticas e instrumentos musicales. Tal interacción llevó a que la música de la dinastía Tang estuviera fuertemente influenciada por las tradiciones de Asia Central, mientras que la música de la corte japonesa gagaku absorbió tradiciones chinas y coreanas sustanciales.

Históricamente, las religiones a menudo han sido catalizadores de la música. Los Vedas del hinduismo influyeron inmensamente en la música clásica india, mientras que los Cinco clásicos del confucianismo sentaron las bases para la música china posterior. Tras la rápida expansión del Islam en el siglo VI, la música islámica dominó Persia y el mundo árabe, y la Edad de Oro Islámica vio la presencia de numerosos teóricos importantes de la música. La música escrita para y por la Iglesia cristiana primitiva inaugura adecuadamente la tradición de la música clásica occidental,que continúa en la música medieval donde se desarrollaron la polifonía, la notación de pentagrama y formas nacientes de muchos instrumentos modernos. Además de la religión o la falta de ella, la música de una sociedad está influenciada por todos los demás aspectos de su cultura, incluida la organización social y económica y la experiencia, el clima y el acceso a la tecnología. Muchas culturas han combinado la música con otras formas de arte, como las cuatro artes chinas y el quadrivium medieval. Las emociones e ideas que expresa la música, las situaciones en las que se toca y se escucha la música y las actitudes hacia los músicos y compositores varían entre regiones y períodos. Muchas culturas han distinguido o continúan distinguiendo entre música artística (o 'música clásica'), música folclórica y, más recientemente, música popular.

Orígenes

“Pero que la música es un lenguaje por medio del cual se elaboran mensajes, que tales mensajes pueden ser entendidos por muchos pero enviados solo por unos pocos, y que es el único entre todos los lenguajes que une el carácter contradictorio de ser a la vez inteligible e intraducible— estos hechos hacen del creador de la música un ser como los dioses y hacen de la música misma el misterio supremo del conocimiento humano”.

Claude Lévi-Strauss, Lo crudo y lo cocido

La música se considera un universal cultural, aunque las definiciones de la misma varían enormemente en todo el mundo y a lo largo de la historia. Al igual que con muchos aspectos de la cognición humana, sigue debatiéndose hasta qué punto se comprenderán los orígenes de la música, y los académicos a menudo adoptan posiciones polarizadas. El origen de la música a menudo se discute junto con el origen del lenguaje, y la naturaleza de su conexión es objeto de mucho debate. Sin embargo, antes de mediados del siglo XX, los académicos rara vez prestaban una atención sustancial a ambos temas.Desde el resurgimiento del tema, la principal fuente de controversia se divide en tres perspectivas: si la música comenzó como una especie de protolenguaje (resultado de la adaptación) que condujo al lenguaje; si la música es una enjuta (un subproducto fenotípico de la evolución) eso fue el resultado del lenguaje; o si la música y el lenguaje derivan ambos de un antecedente común.

Hay poco consenso sobre cualquier teoría particular sobre el origen de la música, que ha incluido contribuciones de arqueólogos, científicos cognitivos, etnomusicólogos, biólogos evolutivos, lingüistas, neurocientíficos, paleoantropólogos, filósofos y psicólogos (sociales y del desarrollo). Algunas de las teorías más destacadas son las siguientes:

Muchas culturas tienen sus propios orígenes míticos en la creación de música. A veces se atribuye a figuras específicas la invención de la música, como Jubal en la mitología cristiana, el legendario Shah Jamshid en la mitología persa/iraní, la diosa Saraswati en el hinduismo y las musas en la mitología griega antigua. Algunas culturas dan crédito a múltiples creadores de música; La mitología egipcia antigua lo asocia con numerosas deidades, incluidas Amón, Hathor, Isis y Osiris, pero especialmente Ihy. Hay muchas historias relacionadas con los orígenes de la música en la mitología china, pero la más destacada es la del músico Ling Lun, quien, por orden del Emperador Amarillo (Huangdi), inventó la flauta de bambú imitando el canto del mítico fenghuang.aves.

Prehistoria

En el sentido más amplio, la música prehistórica, más comúnmente denominada música primitiva en el pasado, abarca toda la música producida en culturas prealfabetizadas (prehistoria), que comenzó hace al menos 6 millones de años, cuando los humanos y los chimpancés tuvieron un ancestro común por última vez. La música surgió por primera vez en el período Paleolítico, aunque no está claro si se trataba del Paleolítico Medio (300.000 a 50.000 BP) o Superior (50.000 a 12.000 BP). La gran mayoría de los instrumentos del Paleolítico se han encontrado en Europa y datan del Paleolítico Superior. Ciertamente es posible que el canto surgiera mucho antes de esta época, aunque esto es esencialmente imposible de confirmar.El instrumento potencialmente más antiguo es la flauta Divje Babe de la cueva Divje Babe en Eslovenia, que data de 43.000 y 82.000 y está hecha de un fémur joven de oso de las cavernas. Supuestamente utilizada por los neandertales, la flauta Divje Babe ha recibido una amplia atención académica, y si es realmente un instrumento musical o un objeto formado por animales es objeto de un intenso debate. Si fuera el primero, sería el instrumento musical más antiguo conocido y evidencia de una cultura musical en el Paleolítico Medio. Aparte de la flauta Divje Babe y otras tres flautas dudosas, prácticamente no hay evidencia musical sobreviviente del Paleolítico Medio con certeza, similar a la situación con respecto al arte visual.Los primeros objetos cuyas designaciones como instrumentos musicales son ampliamente aceptadas son flautas de hueso del Jura de Suabia, Alemania, concretamente de las cuevas Geissenklösterle, Hohle Fels y Vogelherd. Datado en el Auriñaciense (del Paleolítico superior) y utilizado por los primeros humanos modernos europeos, de las tres cuevas hay ocho ejemplos, cuatro hechos con huesos de alas de pájaros y cuatro con marfil de mamut; tres de estos están casi completos. Tres flautas de Geissenklösterle están fechadas como las más antiguas, c.  43.150–39.370 AP.

Teniendo en cuenta la relativa complejidad de las flautas, es probable que existieran instrumentos anteriores, similares a los objetos que son comunes en las sociedades posteriores de cazadores y recolectores, como sonajeros, maracas y tambores. La ausencia de otros instrumentos desde y antes de este tiempo puede deberse al uso de materiales más débiles y, por lo tanto, más biodegradables, como cañas, calabazas, pieles y cortezas. Una pintura en la Cueva de los Trois-Frères que data de c.  Se cree que 15.000 a. C. representa a un chamán tocando un arco musical.

Se cree que las culturas prehistóricas tenían una amplia variedad de usos para la música, con poca unificación entre las diferentes sociedades. La música probablemente tenía un valor particular cuando la comida y otras necesidades básicas eran escasas. También es probable que las culturas prehistóricas consideraran la música como algo intrínsecamente conectado con la naturaleza y pudieran haber creído que su uso influía directamente en el mundo natural.

Los primeros instrumentos encontrados en la China prehistórica son 12 flautas de hueso gudi en la actual Jiahu, Wuyang, provincia de Henan de c.  6000 a. Los únicos instrumentos que datan de la dinastía Xia prehistórica (c.  2070-1600) son dos qing, dos campanas pequeñas (una de barro, una de bronce) y un xun. Debido a esta escasez extrema de instrumentos sobrevivientes y la incertidumbre general que rodea a la mayoría de los Xia, es poco práctico crear una narrativa musical del período. En el subcontinente indio, la civilización prehistórica del valle del Indo (desde c.  2500–2000BCE en su estado maduro) tiene evidencia arqueológica que indica que se usaron sonajeros simples y flautas de vasija, mientras que la evidencia iconográfica sugiere que también existieron arpas y tambores tempranos. Un ideograma en el IVC posterior contiene la representación más antigua conocida de un arpa arqueada, fechada en algún momento antes de 1800 a.

Antigüedad

Tras el advenimiento de la escritura, las civilizaciones alfabetizadas se denominan parte del mundo antiguo, una periodización que se extiende desde la primera literatura sumeria de Abu Salabikh (ahora el sur de Irak) de c.  2600 a. C., hasta la era posclásica del siglo VI d. C. Aunque la música de las sociedades antiguas era extremadamente diversa, algunos conceptos fundamentales surgen de manera destacada en prácticamente todas ellas, a saber, la monofonía, la improvisación y el dominio del texto en los escenarios musicales. Varias formas de canciones estaban presentes en las culturas antiguas, incluidas China, Egipto, Grecia, India, Mesopotamia, Roma y el Medio Oriente. El texto, el ritmo y las melodías de estas canciones estaban íntimamente alineados, al igual que la música en general, con la magia, la ciencia y la religión.Formas de canciones complejas se desarrollaron en sociedades antiguas posteriores, particularmente en los festivales nacionales de China, Grecia e India. Las sociedades antiguas posteriores también vieron un aumento en el comercio y la transmisión de ideas e instrumentos musicales, a menudo guiados por la Ruta de la Seda. Por ejemplo, una clave de afinación para una cítara qin de los siglos IV y V a. C. en China incluye una considerable iconografía persa. En general, no existe suficiente información para hacer muchas otras generalizaciones sobre la música antigua entre culturas.

Los pocos ejemplos reales de notación musical antigua que sobreviven generalmente existen en papiro o tablillas de arcilla. La información sobre las prácticas musicales, los géneros y el pensamiento está disponible principalmente a través de la literatura, las representaciones visuales y, cada vez más, a medida que avanza el período, los instrumentos. La música escrita más antigua que se conserva son las canciones hurritas de Ugarit, Siria. De estos, el más antiguo es el Himno a Nikkal (himno n. ° 6; h. 6), que está algo completo y data de c.  1400 a. Sin embargo, el epitafio de Seikilos es la composición musical célebre más antigua completamente completa. Con fecha del siglo II EC o posterior, es un epitafio, quizás para la esposa del desconocido Seikilos.

Porcelana

Shang y Zhou

Tocan las campanas, kin, kin,Tocan la cítara se, tocan la cítara qin,La armónica y las piedras del carillón suenan juntas;Ellos cantan las Odas Ya y Nan, y tocan impecablemente sus flautas.

Shijing, Oda 208, Gu ZhongTraducido por John S. Major

A mediados del siglo XIII a. C., la última dinastía Shang (1600-1046 a. C.) había desarrollado la escritura, que existe principalmente como inscripciones adivinatorias en los huesos del oráculo ritualista, pero también como inscripciones de bronce. Hasta 11 caracteres de la escritura del oráculo pueden referirse a la música hasta cierto punto, algunos de los cuales podrían ser representaciones iconográficas de los propios instrumentos. Las campanas de piedra qing parecen haber sido particularmente populares entre la clase dominante Shang, y aunque no se han fechado flautas supervivientes de Shang, la evidencia de la escritura del oráculo sugiere que usaban ocarinas (xun), flauta transversal (xiao y dizi), tubos dobles, la armónica (sheng), y tal vez la flauta de pan (paixiao). Debido a la llegada del bronce en 2000 a. C., los Shang utilizaron el material para hacer campanas: ling [zh] (鈴), nao [zh] (鐃) y zhong (鐘), que se pueden diferenciar de dos maneras: aquellas con o sin badajo y los golpeados por dentro o por fuera. Los tambores, que no se encuentran antes de Shang, a veces usaban bronce, aunque más a menudo eran de madera (bangu). Los instrumentos de viento antes mencionados ciertamente existieron durante la dinastía Zhou (1046-256 a. C.), al igual que los primeros instrumentos de cuerda chinos: el qin (o guqin) y las cítaras se.Los Zhou vieron el surgimiento de importantes conjuntos de la corte y la conocida Tumba del marqués Yi de Zeng (después del 433 a. C.) contiene una variedad de instrumentos complejos y decorados. De la tumba, el instrumento más notable, con mucho, es el conjunto monumental de 65 campanas bianzhong afinadas, que oscilan cinco octavas y requieren al menos cinco jugadores; todavía se pueden reproducir e incluyen inscripciones raras en la música.

Los instrumentos chinos antiguos servían tanto para medios prácticos como ceremoniales. La gente los usaba para apelar a las fuerzas sobrenaturales para las necesidades de supervivencia, mientras que las flautas de pan pueden haber sido usadas para atraer pájaros mientras cazaban, y los tambores eran comunes en los sacrificios y ceremonias militares. La música china siempre ha estado estrechamente asociada con la danza, la literatura y las bellas artes; muchos de los primeros pensadores chinos también equipararon la música con la moralidad adecuada y el gobierno de la sociedad. A lo largo de Shang y Zhou, la música era un símbolo de poder para la corte imperial, y se utilizaba en los servicios religiosos, así como en la celebración de ancestros y héroes. Confucio (c.  551-479) designó formalmente la música relacionada con el ritual y la moralidad ideal como el yayue superior (雅樂; "música propia"), en oposición a suyue (俗樂; "música vernácula/popular"), que incluía prácticamente toda la música no ceremonial, pero particularmente cualquiera que se considere excesivo o lascivo. Durante el Período de los Reinos Combatientes, cuando Confucio vivía, los funcionarios a menudo ignoraban esta distinción, prefiriendo música suyue más animada y usando el yayue tradicional más antiguo únicamente con fines políticos. Confucio y discípulos como Mencio consideraron que esta preferencia no tenía sentido y vieron mal la ignorancia de los líderes sobre la ganancia.una teoría que sostenía que la música estaba intrínsecamente conectada con el universo. Por lo tanto, muchos aspectos de la música china antigua estaban alineados con la cosmología: el sistema shí-èr-lǜ de 12 tonos se correspondía igualmente con ciertos pesos y medidas; la escala pentatónica con los cinco wuxing; y la clasificación de ocho tonos de instrumentos chinos de bayin con los ocho símbolos de bagua. No sobreviven música o textos reales sobre las prácticas interpretativas de los músicos chinos antiguos. Los Cinco Clásicos de la dinastía Zhou incluyen comentarios musicales; el I Ching y Chunqiu Spring and Autumn Annals hacen referencias, mientras que el LijiEl Libro de los ritos contiene una discusión sustancial (ver el capítulo Yue Ji Record of Music). Si bien el Clásico de música de Yue Jing se ha perdido, el Clásico de poesía de Shijing contiene 160 textos de canciones ahora perdidas del período Zhou occidental (1045–771).

Qin y Han

La dinastía Qin (221-206 a. C.), establecida por Qin Shi Huang, duró solo 15 años, pero la supuesta quema de libros resultó en una pérdida sustancial de la literatura musical anterior. Los Qin vieron cómo el guzheng se convertía en un instrumento particularmente popular; como una cítara más portátil y más fuerte, satisface las necesidades de una escena musical popular emergente. Durante la dinastía Han (202 a. C. - 220 d. C.), hubo intentos de reconstruir la música de Shang y Zhou, ya que ahora estaba "idealizada como perfecta". Un Departamento de Música, el Yuefu, fue fundado o en su apogeo al menos en el año 120 a. C. bajo el emperador Wu de Han.y se encargó de recopilar canciones populares. El propósito de esto era doble; permitió a la Corte Imperial comprender adecuadamente los pensamientos de la gente común, y también fue una oportunidad para que la Corte Imperial adaptara y manipulara las canciones para adaptarlas a fines propagandísticos y políticos. Empleando músicos ceremoniales, orientados al entretenimiento y militares, la Oficina también actuó en una variedad de lugares, escribió música nueva y puso música a poesía encargada por figuras destacadas como Sima Xiangru. La dinastía Han había adoptado oficialmente el confucianismo como la filosofía del estado y las teorías de ganying se convirtieron en una filosofía dominante. En la práctica, sin embargo, muchos funcionarios ignoraron o minimizaron el gran respeto de Confucio poryayue sobre la música suyue, prefiriendo dedicarse después a la más animada e informal. Hacia el 7 a. C., la Oficina empleaba a 829 músicos; ese año, el emperador Ai disolvió o redujo el tamaño del departamentodebido a limitaciones financieras y la música suyue cada vez más prominente de laque estaba en conflicto con el confucianismo. La dinastía Han vio una preponderancia de influencias musicales extranjeras del Medio Oriente y Asia Central: la emergente Ruta de la Seda condujo al intercambio de instrumentos musicalesy permitió a viajeros como Zhang Qian transmitir nuevos géneros y técnicas musicales.Los instrumentos de dicha transmisión cultural incluyen trompetas de metal e instrumentos similares al oboe moderno y al laúd laúd, este último que se convirtió en la pipa. Otros instrumentos preexistentes adquirieron gran popularidad, como el qing, la zampoña y, en particular, el qin -cítara (o guqin), que fue a partir de entonces el instrumento más venerado, asociado al buen carácter y la moralidad.

Grecia

La historia escrita griega se remonta a la antigua Grecia y fue una parte importante del teatro griego antiguo. En la antigua Grecia, los coros mixtos actuaban con fines de entretenimiento, celebración y motivos espirituales. Los instrumentos incluían el instrumento de viento más importante, los aulos de doble lengüeta, así como el instrumento de cuerda pulsada, la lira, especialmente el tipo especial llamado cítara.

India

Las principales fuentes sobre la música de la India antigua son textuales e iconográficas; específicamente, sobreviven algunos tratados teóricos en sánscrito, hay breves menciones en la literatura general y existen muchas esculturas de músicos indios antiguos y sus instrumentos. La literatura antigua en sánscrito, pali y prakrit frecuentemente contiene referencias musicales, desde los Vedas hasta las obras de Kalidasa y la epopeya Silappatikaram de Ilango Adigal. A pesar de esto, se sabe poco sobre las prácticas musicales reales de la antigua India y la información disponible obliga a tener una perspectiva un tanto homogénea sobre la música de la época, aunque la evidencia indica que en realidad era mucho más diversa.

El tratado de artes monumentales Natya Shastra se encuentra entre las fuentes más antiguas y principales de la música india antigua; las porciones de música solas probablemente sean del período Gupta (siglo IV a siglo VI d.C.).

Persia y Mesopotamia

Hasta el período aqueménida

En general, es imposible crear un esquema completo de la música más antigua de Persia debido a la escasez de registros supervivientes. Evidenciado por c.  3300-3100 a. C. Las representaciones de Elam, las arpas arqueadas son la primera afirmación de la música persa, aunque es probable que existieran mucho antes de sus representaciones artísticas. Liras de toro elamita de c.  2450 en Susa, mientras que en Bactria y Margiana se han encontrado más de 40 pequeñas trompetas Oxus, fechadas en el c.  2200–1750 Complejo Arqueológico Bactria–Margiana.Las trompetas de oxus parecen haber tenido una estrecha asociación tanto con la religión como con los animales; un mito zoroastriano en el que Jamshid atrae animales con la trompeta sugiere que los elamitas los usaban para cazar. En muchos sentidos, las primeras culturas musicales conocidas de Irán están fuertemente conectadas con las de Mesopotamia. Las antiguas arpas arqueadas (c.  3000) también existen en este último y la escasez de instrumentos no deja claro en qué cultura se originó el arpa. Muchas más liras de toro sobreviven en Ur de Mesopotamia, en particular la lira con cabeza de toro de Ur, aunque son casi idénticas a sus contrapartes elamitas contemporáneas.Según la evidencia en las placas de terracota, en el siglo II a. C., el arpa arqueada fue desplazada por las arpas angulares, que existían en variantes verticales de 20 cuerdas y horizontales de nueve cuerdas. Los laúdes supuestamente se usaron en Mesopotamia al menos en el 2300 a. C., pero no hasta c.  1300 a. C. aparecen en Irán, donde se convirtieron en los instrumentos de cuerda dominantes en el oeste de Irán, aunque la evidencia disponible sugiere que su popularidad estaba fuera de la élite. Los relieves rupestres de Kul-e Farah muestran que en el siglo I a. C. surgieron sofisticados conjuntos de la corte persa, en los que el instrumento central era el arpa arqueada. La prominencia de los músicos en ciertos relieves rupestres sugiere que eran esenciales en las ceremonias religiosas.

Al igual que en períodos anteriores, existe muy poca información contemporánea sobre la música del Imperio aqueménida (550-330 a. C.). La mayor parte del conocimiento sobre la cultura musical aqueménida proviene de historiadores griegos. En sus Historias, Herodoto señaló que los sacerdotes achaménidas no usaban música aulos en sus ceremonias, mientras que Jenofonte reflexionó sobre su visita a Persia en la Cyropaedia, mencionando la presencia de muchas cantantes femeninas en la corte. Ateneo también menciona a las cantantes femeninas al señalar que 329 de ellas habían sido tomadas del rey de reyes Darío III por el general macedonio Parmenión. Los textos persas posteriores afirman que los juglares poetas y músicos de gōsān eran prominentes y de un estatus considerable en la corte.

Períodos parto y sasánida

El Imperio parto (247 a. C. a 224 d. C.) vio un aumento en las representaciones textuales e iconográficas de la actividad y los instrumentos musicales. Rhuta parto del siglo II a. C.(cuernos para beber) encontrados en la antigua capital de Nisa incluyen algunas de las representaciones más vívidas de músicos de la época. La evidencia pictórica, como las placas de terracota, muestran arpistas femeninas, mientras que las placas de Babilonia muestran flautas de pan, así como instrumentos de cuerda (arpas, laúdes y liras) e instrumentos de percusión (panderetas y badajos). Las estatuas de bronce de Dura-Europos representan flautas de pan más grandes y aulos dobles. Evidentemente, la música se usaba en ceremonias y celebraciones; un friso de piedra de la época de los partos en Hatra muestra una boda en la que se incluyen músicos que tocan trompetas, panderetas y una variedad de flautas. Otra evidencia textual e iconográfica indica la prominencia continua de gōsānjuglares Sin embargo, al igual que el período aqueménida, los escritores griegos continúan siendo una fuente importante de información sobre la música parta. Strabo registró que los gōsān aprendieron canciones que contaban historias de dioses y nobles, mientras que Plutarco registra de manera similar que los gōsān alababan a los héroes partos y se burlaban de los romanos. Plutarco también registra, para su desconcierto, que el ejército parto utilizó rhoptra (tambores grandes) para prepararse para la guerra.

Sin embargo, el período sasánida (226–651 d. C.) ha dejado amplia evidencia de música. Esta afluencia de registros sasánidas sugiere una cultura musical prominente en el Imperio, especialmente en las áreas dominadas por el zoroastrismo. Muchos Sassanian Shahanshahs eran fervientes defensores de la música, incluido el fundador del imperio Ardashir I y Bahram V. Khosrow II (r. 590-628) fue el mecenas más destacado, y su reinado se considera una edad de oro de la música persa. Los músicos al servicio de Khosrow incluyen a Āzādvar-e Changi, Bamshad, el arpista Nagisa (Nakisa), Ramtin, Sarkash y Barbad, que fue el más famoso. Estos músicos solían estar activos como juglares, que eran artistas que trabajaban como poetas y músicos de la corte;en el Imperio Sasánida había poca distinción entre poesía y música.

Otras culturas árabes y africanas

La cultura Nok de África occidental (la actual Nigeria) existió desde c.  500-200 a. C. y dejó una cantidad considerable de esculturas. Entre estos se encuentran representaciones de música, como un hombre que sacude dos objetos que se cree que son maracas. Otra escultura incluye a un hombre con la boca abierta (posiblemente cantando) mientras que también hay una escultura de un hombre tocando un tambor.

Era posclásica

Musica japonesa gagaku

La corte imperial de Japón desarrolló la música gagaku ((雅楽); literalmente , 'música elegante'), que se originó en la academia de música imperial Gagakuryō establecida en 701 EC durante el período Asuka. Aunque la palabra gagaku deriva de la música china yayue, esta última originalmente se refería a la música ritual confuciana, mientras que gagaku se extiende a muchos géneros, estilos e instrumentos. En la historia temprana de la tradición, los tres géneros principales eran wagaku (música nativa japonesa), sankangaku (música de los Tres Reinos de Corea) y tōgaku.(música de la dinastía Tang de China), así como géneros menores como toragaku, gigaku y rin'yūgaku. Únicamente entre la música asiática de esta época, existen numerosas partituras de música gagaku de los siglos VIII al XI.

Un cambio importante en la música gagaku ocurrió en el siglo IX, a saber, el desarrollo de una distinción entre la música tōgaku y komagaku. Tōgaku era un estilo de influencia china, que se combinaba con la tradición rin'yūgaku, conocida como "Música de la izquierda" (sahō). Komagaku se denominó entonces "Música de la derecha" (uhō), que abarca música influenciada tanto por Corea (sankangaku) ​​como por Balhae (bokkaigaku). Aunque esta división era prominente, no era estricta y el tōgaku y el komagakuNo obstante, los estilos se entrelazaron y se influyeron mutuamente. El largo período Heian (794-1185) vio mucho patrocinio de la música gagaku por parte de la corte, ya que acompañó a muchos festivales y celebraciones. Numerosos géneros nuevos surgieron en este momento, como las formas de canción saibara y rōei. Los conjuntos Gagaku consisten en una amplia variedad de instrumentos y son las formaciones más grandes de este tipo en la música tradicional japonesa.

Europa medieval

Los eruditos modernos generalmente definen la 'música medieval' como la música de Europa Occidental durante la Edad Media,desde aproximadamente los siglos VI al XV. La música fue ciertamente prominente en la Alta Edad Media, como lo atestiguan las representaciones artísticas de instrumentos, escritos sobre música y otros registros; sin embargo, el único repertorio de música que ha sobrevivido desde antes del 800 hasta la actualidad es la música litúrgica de canto llano de la Iglesia Católica Romana, la mayor parte de la cual se llama canto gregoriano. El Papa Gregorio I, quien dio su nombre al repertorio musical y puede haber sido él mismo un compositor, generalmente se afirma que es el creador de la parte musical de la liturgia en su forma actual, aunque las fuentes que dan detalles sobre su contribución datan de más de cien años después de su muerte. Muchos eruditos creen que su reputación ha sido exagerada por la leyenda.

Durante el siglo IX, se produjeron varios acontecimientos importantes. Primero, hubo un gran esfuerzo por parte de la Iglesia para unificar las muchas tradiciones de canto y suprimir muchas de ellas a favor de la liturgia gregoriana. En segundo lugar, se cantaba la música polifónica más antigua, una forma de canto paralelo conocida como organum. En tercer lugar, y de la mayor importancia para la historia de la música, la notación se reinventó después de un lapso de unos quinientos años, aunque pasarían varios siglos más antes de que evolucionara un sistema de notación de tono y ritmo con la precisión y flexibilidad que los músicos modernos dan por sentado..

Varias escuelas de polifonía florecieron en el período posterior a 1100: la escuela de organum de San Marcial, cuya música a menudo se caracterizaba por una parte que se movía rápidamente sobre una sola línea sostenida; la escuela de polifonía de Notre Dame, que incluía a los compositores Léonin y Pérotin, y que produjo la primera música para más de dos partes alrededor de 1200; el crisol musical de Santiago de Compostela en Galicia, lugar de peregrinación y lugar de encuentro de músicos de muchas tradiciones a finales de la Edad Media, cuya música se conserva en el Codex Calixtinus; y la escuela inglesa, cuya música sobrevive en los Fragmentos de Worcester y el Manuscrito de Old Hall. Junto a estas escuelas de música sacra se desarrolló una vibrante tradición de la canción secular, como se ejemplifica en la música de los trovadores, trouvères y Minnesänger.

Las formas de música sacra que se desarrollaron a finales del siglo XIII incluyeron el motete, el conductus, el discant y las clausulae. Un desarrollo inusual fue el Geisslerlieder, la música de bandas errantes de flagelantes durante dos períodos: a mediados del siglo XIII (hasta que fueron suprimidos por la Iglesia); y el período durante e inmediatamente después de la Peste Negra, alrededor de 1350, cuando sus actividades fueron vívidamente registradas y bien documentadas con música anotada. Su música mezclaba estilos de canciones folklóricas con textos penitenciales o apocalípticos. El siglo XIV en la historia de la música europea está dominado por el estilo del ars nova., que por convención se agrupa con la era medieval en la música, aunque tenía mucho en común con los ideales y la estética del Renacimiento temprano. Gran parte de la música superviviente de la época es secular y tiende a utilizar las formas fijas: la balada, el virelai, el lai, el rondeau, que corresponden a formas poéticas de los mismos nombres. La mayoría de las piezas en estas formas son para una a tres voces, probablemente con acompañamiento instrumental: los compositores famosos incluyen a Guillaume de Machaut y Francesco Landini.

Bizantino

Las prácticas musicales prominentes y diversas estaban presentes en el Imperio bizantino, que existió entre 395 y 1453. Tanto la música sacra como la secular eran comunes, con música sacra que se usaba con frecuencia en los servicios de la iglesia y la música secular en muchos eventos, incluidas ceremonias, dramas, ballets, banquetes, festivales y juegos deportivos. Sin embargo, a pesar de su popularidad, la música secular bizantina fue duramente criticada por los Padres de la Iglesia. Los compositores de música sacra, especialmente himnos y cánticos, generalmente están bien documentados a lo largo de la historia de la música bizantina. Sin embargo, los anteriores al reinado de Justiniano I son prácticamente desconocidos; Se dice que los monjes Anthimos, Auxentios y Timokles escribieron troparia, pero solo sobrevive el texto de uno solo de Auxentios.La primera forma principal fue el kontakion, del cual Romanos el Melodista fue el principal compositor. A finales del siglo VII, el kanōn superó al kontakion en popularidad; Andrés de Creta se convirtió en su primer compositor importante y tradicionalmente se le atribuye el origen del género, aunque los eruditos modernos ahora dudan de esta atribución. El kañon alcanzó su apogeo con la música de Juan de Damasco y Cosme de Maiuma y más tarde Teodoro de Stoudios y Teófanes el Marcado en los siglos VIII y IX respectivamente. Los compositores de música secular están considerablemente menos documentados. No es hasta el final de la historia del imperio que los compositores son conocidos por su nombre, con Joannes Koukouzeles, Xenos Korones y Joannes Glykys como figuras principales.

Al igual que sus homólogos occidentales del mismo período, los compositores bizantinos eran principalmente hombres. Kassia es una gran excepción a esto; fue una prolífica e importante compositora de himnos sticheron y la única mujer cuyas obras entraron en la liturgia bizantina. Se sabe que algunas otras mujeres fueron compositoras, Thekla, Theodosia, Martha y la hija de John Kladas (su nombre de pila no está registrado). Solo este último tiene alguna obra sobreviviente, una sola antífona. Se sabe que algunos emperadores bizantinos fueron compositores, como León VI el Sabio y Constantino VII.

Períodos modernos tempranos y modernos

Musica clasica india

Durante los períodos antiguo y medieval, la música clásica del subcontinente indio era una práctica en gran medida unificada. En el siglo XIV, la agitación sociopolítica inaugurada por el Sultanato de Delhi comenzó a aislar el norte y el sur de la India, y comenzaron a surgir tradiciones independientes en cada región. En el siglo XVI se habían formado dos estilos distintos: la música clásica indostaní del norte y la música clásica carnática del sur. Una de las principales diferencias entre ellos es que la vena del norte de Hindustani estuvo considerablemente influenciada por las prácticas musicales persas y árabes de la época. La música carnática es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes.

La música clásica india (marga) es monofónica y se basa en una sola línea de melodía o raga organizada rítmicamente a través de talas.

Musica clasica occidental

Renacimiento

El inicio del Renacimiento en la música no está tan claramente marcado como el inicio del Renacimiento en las demás artes, y a diferencia de las demás artes, no se inicia en Italia, sino en el norte de Europa, concretamente en la zona que actualmente comprende centro y el norte de Francia, los Países Bajos y Bélgica. El estilo de los compositores borgoñones, como se conoce a la primera generación de la escuela franco-flamenca, fue en un principio una reacción contra la excesiva complejidad y el estilo amanerado del ars subtilior de finales del siglo XIV, y contenía una melodía clara y cantable y una polifonía equilibrada. en todas las voces. Los compositores más famosos de la escuela borgoñona de mediados del siglo XV son Guillaume Dufay, Gilles Binchois y Antoine Busnois.

A mediados del siglo XV, los compositores y cantantes de los Países Bajos y áreas adyacentes comenzaron a extenderse por Europa, especialmente en Italia, donde fueron empleados por la capilla papal y los mecenas aristocráticos de las artes (como los Medici, los Este, y las familias Sforza). Llevaron su estilo con ellos: polifonía suave que podía adaptarse para uso sacro o secular según fuera apropiado. Las principales formas de composición musical sacra de la época eran la misa, el motete y la laude; las formas seculares incluían la chanson, la frottola y más tarde el madrigal.

La invención de la imprenta tuvo una inmensa influencia en la difusión de los estilos musicales y, junto con el movimiento de los músicos franco-flamencos, contribuyó al establecimiento del primer estilo verdaderamente internacional en la música europea desde la unificación del canto gregoriano bajo Carlomagno.Los compositores de la generación media de la escuela franco-flamenca incluyeron a Johannes Ockeghem, quien escribió música en un estilo contrapuntísticamente complejo, con textura variada y un uso elaborado de recursos canónicos; Jacob Obrecht, uno de los compositores de misas más famosos de las últimas décadas del siglo XV; y Josquin des Prez, probablemente el compositor más famoso de Europa antes de Palestrina, y que durante el siglo XVI fue reconocido como uno de los más grandes artistas en cualquier forma. La música de la generación posterior a Josquin exploró la creciente complejidad del contrapunto; posiblemente la expresión más extrema se encuentre en la música de Nicolás Gombert, cuyas complejidades contrapuntísticas influyeron en la música instrumental temprana, como la canzona y el ricercar, culminando finalmente en las formas de fuga barrocas.

A mediados del siglo XVI, el estilo internacional comenzó a desmoronarse y se hicieron evidentes varias tendencias estilísticas muy diversas: una tendencia hacia la simplicidad en la música sacra, dirigida por el Concilio de la Contrarreforma de Trento, ejemplificada en la música de Giovanni Pierluigi da Palestrina; una tendencia hacia la complejidad y el cromatismo en el madrigal, que alcanzó su máxima expresión en el estilo vanguardista de la Escuela Ferrara de Luzzaschi y el madrigalista de finales de siglo Carlo Gesualdo; y la música grandiosa y sonora de la escuela veneciana, que utilizó la arquitectura de la Basílica San Marco di Venezia para crear contrastes antifonales. La música de la escuela veneciana incluyó el desarrollo de la orquestación, partes instrumentales ornamentadas y partes de bajo continuo,

La mayor parte de Europa tenía tradiciones musicales activas y bien diferenciadas a finales de siglo. En Inglaterra, compositores como Thomas Tallis y William Byrd escribieron música sacra en un estilo similar al escrito en el continente, mientras que un grupo activo de madrigalistas locales adaptaron la forma italiana para los gustos ingleses: compositores famosos como Thomas Morley, John Wilbye y Thomas Weelkes. España desarrolló estilos instrumentales y vocales propios, con Tomás Luis de Victoria escribiendo música refinada similar a la de Palestrina y muchos otros compositores escribiendo para la nueva guitarra. Alemania cultivó formas polifónicas construidas sobre los corales protestantes, que reemplazaron al canto gregoriano católico romano como base de la música sacra, e importó el estilo de la escuela veneciana (cuya aparición definió allí el comienzo de la era barroca). Además, los compositores alemanes escribieron una enorme cantidad de música para órgano, lo que sentó las bases para el posterior estilo de órgano barroco que culminó con la obra de JS Bach. Francia desarrolló un estilo único de dicción musical conocido como musique mesurée, utilizado en chansons seculares, con compositores como Guillaume Costeley y Claude Le Jeune prominentes en el movimiento.

Uno de los movimientos más revolucionarios de la época tuvo lugar en Florencia en las décadas de 1570 y 1580, con el trabajo de la Camerata florentina, que irónicamente tenía una intención reaccionaria: insatisfechos con lo que consideraban depravaciones musicales contemporáneas, su objetivo era restaurar la música de los antiguos griegos. Los principales entre ellos fueron Vincenzo Galilei, el padre del astrónomo, y Giulio Caccini. El fruto de su trabajo fue un estilo de canto melódico declamatorio conocido como monodia, y una forma dramática escenificada correspondiente: una forma conocida hoy como ópera. Las primeras óperas, escritas hacia 1600, marcan también el final del Renacimiento y el comienzo del Barroco.

La música anterior a 1600 era modal más que tonal. Varios desarrollos teóricos a fines del siglo XVI, como los escritos sobre escalas en modos de Gioseffo Zarlino y Franchinus Gaffurius, llevaron directamente al desarrollo de la tonalidad de práctica común. Las escalas mayor y menor comenzaron a predominar sobre los antiguos modos de iglesia, una característica que al principio era más obvia en los puntos cadenciales de las composiciones, pero que gradualmente se generalizó. La música posterior a 1600, comenzando con la música tonal de la era barroca, a menudo se considera perteneciente al período de práctica común.

Barroco

La era barroca tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el estilo artístico barroco floreció en toda Europa y, durante este tiempo, la música se expandió en su variedad y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música vocal dramática solista acompañada de orquesta). Durante la era barroca, la música de contrapunto polifónico, en la que se usaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo importante (el contrapunto era importante en la música vocal de la era medieval).Los compositores barrocos alemanes, italianos, franceses, holandeses, polacos, españoles, portugueses e ingleses escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas, metales y instrumentos de viento de madera, así como para coros e instrumentos de teclado como órgano de tubos, clavicémbalo y clavicordio. Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluidas la fuga, la invención, la sonata y el concierto. El estilo barroco tardío era polifonicamente complejo y ricamente ornamentado. Compositores importantes de la era barroca incluyen a Johann Sebastian Bach, Arcangelo Corelli, François Couperin, Girolamo Frescobaldi, George Frideric Handel, Jean-Baptiste Lully, Claudio Monteverdi, Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi.

Clásico

La música del período clásico se caracteriza por una textura homofónica, o una melodía obvia con acompañamiento. Estas nuevas melodías tendían a ser casi como voces y cantables, lo que permitía a los compositores reemplazar a los cantantes como el foco de la música. Por lo tanto, la música instrumental reemplazó rápidamente a la ópera y otras formas cantadas (como el oratorio) como la favorita de la audiencia musical y el epítome de la gran composición. Sin embargo, la ópera no desapareció: durante el período clásico, varios compositores comenzaron a producir óperas para el público en general en sus idiomas nativos (las óperas anteriores eran generalmente en italiano).

Junto con el desplazamiento gradual de la voz a favor de melodías más fuertes y claras, el contrapunto también se convirtió típicamente en un adorno decorativo, que a menudo se usaba cerca del final de una obra o para un solo movimiento. En su lugar, se utilizaron patrones simples, como arpegios y, en la música de piano, el bajo de Alberti (un acompañamiento con un patrón repetido típicamente en la mano izquierda), para animar el movimiento de la pieza sin crear una voz adicional confusa. La música instrumental, ahora popular, estaba dominada por varias formas bien definidas: la sonata, la sinfonía y el concierto, aunque ninguna de estas estaba definida o enseñada específicamente en ese momento como lo están ahora en teoría musical. Los tres se derivan de la forma sonata, que es tanto la forma suprayacente de una obra completa como la estructura de un solo movimiento.

El período clásico temprano fue inaugurado por la Escuela de Mannheim, que incluía a compositores como Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz y Christian Cannabich. Ejerció una profunda influencia en Joseph Haydn y, a través de él, en toda la música europea posterior. Wolfgang Amadeus Mozart fue la figura central del período clásico, y su producción fenomenal y variada en todos los géneros define nuestra percepción del período. Ludwig van Beethoven y Franz Schubert fueron compositores de transición, que condujeron al período romántico, con su expansión de géneros, formas e incluso funciones musicales existentes.

Romántico

En el período romántico, la música se volvió más expresiva y emocional, expandiéndose para abarcar la literatura, el arte y la filosofía. Los primeros compositores románticos famosos incluyen a Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, Donizetti y Berlioz. El final del siglo XIX vio una expansión dramática en el tamaño de la orquesta y en el papel de los conciertos como parte de la sociedad urbana. Los compositores famosos de la segunda mitad del siglo incluyen a Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Verdi y Wagner. Entre 1890 y 1910, una tercera ola de compositores, incluidos Grieg, Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini y Sibelius, se basó en el trabajo de los compositores románticos medios para crear obras musicales aún más complejas y, a menudo, mucho más largas. Una marca destacada de la música de finales del siglo XIX es su fervor nacionalista, como lo ejemplifican figuras como Dvořák, Sibelius y Grieg.

Siglo 20 y 21

El siglo XX vio una revolución en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad en todo el mundo y se desarrollaron nuevos medios y tecnologías para grabar, editar y distribuir música. Las actuaciones musicales se volvieron cada vez más visuales con la transmisión y grabación de actuaciones.

La música del siglo XX trajo nueva libertad y una amplia experimentación con nuevos estilos y formas musicales que desafiaron las reglas aceptadas de la música de períodos anteriores. La invención de la amplificación musical y los instrumentos electrónicos, especialmente el sintetizador, a mediados del siglo XX revolucionó la música clásica y popular y aceleró el desarrollo de nuevas formas de música.

En cuanto a la música clásica, dos escuelas fundamentales marcaron el curso del siglo: la de Arnold Schoenberg y la de Igor Stravinsky. Sin embargo, otros compositores también tuvieron una notable influencia. Por ejemplo: Béla Bartók, Anton Webern, Dmitri Shostakovich, Olivier Messiaen, John Cage, Benjamin Britten, Karlheinz Stockhausen, Sofia Gubaidulina, Krzysztof Penderecki, Brian Ferneyhough, Kaija Saariaho.

El siglo XX vio la difusión sin precedentes de la música popular, es decir, música con un gran atractivo. El término tiene sus raíces en la música del American Tin Pan Alley, un grupo de destacados músicos y editores que comenzaron a surgir durante la década de 1880 en la ciudad de Nueva York. Aunque la música popular a veces se conoce como "música pop", los dos términos no son intercambiables. La música popular es un término genérico para una amplia variedad de géneros musicales que atraen los gustos de un gran segmento de la población, mientras que la música pop generalmente se refiere a un género musical específico dentro de la música popular.Las canciones y piezas de música popular suelen tener melodías fáciles de cantar. La estructura de la canción de la música popular comúnmente implica la repetición de secciones, con el verso y el estribillo o el estribillo repitiéndose a lo largo de la canción y el puente proporcionando una sección de transición y contraste dentro de una pieza.