Historia de la música en Italia

El estado moderno de Italia no surgió hasta 1861, aunque las raíces de la música en la península itálica se remontan a la música de la antigua Roma. Sin embargo, los cimientos de gran parte de la música italiana moderna provienen de la Edad Media.

Italia fue escenario de varios desarrollos musicales clave en el desarrollo de las liturgias cristianas en Occidente. Alrededor de 230, mucho antes de que se legalizara el cristianismo, la Tradición Apostólica de Hipólito atestiguaba el canto de los Salmos con estribillos de Aleluya en Roma. En 386, imitando los modelos orientales, San Ambrosio escribió himnos, algunos de cuyos textos aún sobreviven, e introdujo la salmodia antifonal en Occidente. Alrededor de 425, el Papa Celestino I contribuyó al desarrollo del Rito Romano al introducir el canto responsorial de un Gradual, y Casiano, obispo de Brescia, contribuyó al desarrollo del Oficio monástico al adaptar la salmodia monástica egipcia al uso occidental. Más tarde, alrededor de 530, San Benito dispondría el orden semanal de la salmodia monástica en su Regla. Más tarde, en el siglo VI, Venantius Fortunatus creó algunos de los himnos más perdurables del cristianismo, incluido "Vexilla regis prodeunt", que más tarde se convertiría en el himno más popular de las Cruzadas.

La música más antigua que se conserva en Occidente es el canto llano, un tipo de canto cristiano primitivo, monofónico y sin acompañamiento, interpretado por monjes católicos romanos, que se desarrolló en gran medida aproximadamente entre los siglos VII y XII. Aunque el canto gregoriano tiene sus raíces en el canto romano y se asocia popularmente con Roma, no es autóctono de Italia, ni fue la primera ni la única tradición de canto llano occidental. Irlanda, España y Francia desarrollaron cada uno una tradición de canto llano local, pero solo en Italia prosperaron varias tradiciones de canto simultáneamente: el canto ambrosiano en Milán, el canto romano antiguo en Roma y el canto beneventano en Benevento y Montecassino. El canto gregoriano, que suplantó a las tradiciones autóctonas romana antigua y beneventana, derivó de una síntesis del canto romano y galicano en la Francia carolingia. El canto gregoriano llegó a identificarse más tarde con Roma, especialmente cuando se añadieron elementos musicales del norte al rito romano, como el Credo en 1014. Esto formaba parte de una tendencia general en la que la tradición manuscrita en Italia se debilitó y Roma empezó a seguir las tradiciones del canto llano del norte. El canto gregoriano suplantó a todas las demás tradiciones del canto llano occidental, italianas y no italianas, excepto al canto ambrosiano, que sobrevive hasta nuestros días. Las tradiciones del canto llano italiano nativo se destacan por un uso sistemático de un movimiento melódico ornamentado y escalonado dentro de un rango generalmente más estrecho, lo que da a las tradiciones del canto italiano una sensación más suave y ondulante que el gregoriano. Las innovaciones de Guido d'Arezzo fueron cruciales en la transmisión del canto, cuyo Micrologus, escrito alrededor de 1020, describió el pentagrama musical, la solmización y la mano guidoniana. Esta forma temprana de do-re-mi creó una revolución técnica en la velocidad con la que se podían aprender, memorizar y grabar los cantos. Gran parte de la tradición musical clásica europea, incluida la ópera, la música sinfónica y de cámara, se remonta a estos avances medievales italianos en notación musical, educación musical formal y técnicas de construcción de instrumentos musicales.

Mientras las tradiciones del canto del norte desplazaban al canto italiano autóctono, los músicos desplazados del norte contribuyeron a una nueva y próspera cultura musical en la Italia del siglo XII. La cruzada albigense, supuestamente para atacar a los herejes cátaros, puso el sur de Francia bajo el control del norte de Francia y aplastó la cultura y la lengua occitanas. La mayoría de los trovadores huyeron, especialmente a España e Italia. Italia desarrolló sus propias contrapartes de los trovadores, llamados trovatori, incluido Sordello de Mantua. Federico II, el último gran emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Hohenstaufen y rey de Sicilia, fomentó la música en la corte siciliana, que se convirtió en un refugio para estos trovadores desplazados, donde contribuyeron a un crisol de estilos musicales cristianos, judíos y musulmanes. La música secular italiana fue en gran medida el territorio de estos juglares, trovadores y mimos. Una consecuencia importante de la influencia trovadoresca durante este período, en Italia y en toda Europa, fue el cambio gradual de la escritura estrictamente en latín a la lengua local, como lo defendió Dante en su tratado De vulgari eloquentia; este desarrollo se extendió a las letras de las canciones populares y formas como el madrigal, que significa "en la lengua materna". También en esta época, los flagelantes italianos desarrollaron los himnos populares italianos conocidos como laude espiritual.

Entre 1317 y 1319, Marchettus de Padua escribió el Lucidarium in artae musicae planae y el Pomerium artis musicae mensuratae, importantes tratados sobre canto llano y polifonía, en los que exponía una teoría de la notación rítmica que allanó el camino para la música del Trecento (en italiano, ars nova). Alrededor de 1335, el Códice Rossi, la colección más antigua que se conserva de polifonía secular italiana, incluía ejemplos de géneros italianos autóctonos del Trecento, incluidos los primeros madrigales, las cacce y las ballate. El madrigal primitivo era más sencillo que los madrigales posteriores más conocidos, y por lo general consistía en tercetos arreglados polifónicamente para dos voces, con un estribillo llamado ritornello. La caccia solía estar compuesta por una armonía de tres voces, con las dos primeras líneas acompañadas de palabras del canon musical. La ballata primitiva era a menudo un poema en forma de virelai acompañado de una melodía monofónica. El Códice Rossi incluía música de Jacopo da Bologna, el primer compositor famoso del Trecento.

El Códice Ivrea, datado alrededor de 1360, y el Códice Squarcialupi, datado alrededor de 1410, fueron fuentes importantes de la música del Trecento tardío, incluida la música de Francesco Landini, el famoso compositor ciego. El nombre de Landini se asoció a su característica "cadencia Landini" en la que la nota final de la melodía desciende dos notas antes de volver, como C-B-A-C. La música del Trecento influyó en músicos del norte como Johannes Ciconia, cuya síntesis de los estilos francés e italiano presagiaba la música "internacional" típica del Renacimiento.

Durante el siglo XV, Italia entró en un período de baja producción de composiciones autóctonas, con la excepción de unas pocas figuras destacadas como el intérprete y antólogo Leonardo Giustinian. A medida que las poderosas familias del norte, como los d'Este y los Medici, construían poderosas dinastías políticas, trajeron a sus cortes a compositores del norte de la escuela franco-flamenca, como Josquin y Compère. A partir de las últimas décadas del siglo, compositores italianos como Marchetto Cara y Bartolomeo Tromboncino escribieron canciones ligeras y cortesanas llamadas frottole para la corte mantuana de Isabella d'Este. Con el apoyo de los Medici, la temporada de carnaval florentino condujo a la creación de ingeniosas y terrenales canciones de carnaval llamadas canti carnascialeschi.

El siglo XVI fue testigo de la aparición de la música polifónica impresa y de los avances en la música instrumental, que contribuyeron a la distribución internacional de la música característica del Renacimiento. En 1501, Ottaviano dei Petrucci publicó las Harmonice Musices Odhecaton, la primera colección importante de música polifónica impresa, y en 1516, Andrea Antico publicó las Frottole intablate da sonari organi, la primera música italiana impresa para teclado. Italia se convirtió en el principal centro de construcción de clavecines, la producción de violines comenzó en Cremona en el taller de Andrea Amati, y el laudista Francesco Canova da Milano le dio a Italia una reputación internacional por su virtuosismo musical.

La música alcanzó nuevas cotas de respetabilidad cultural. El Libro del cortesano de Castiglione recomendaba la habilidad musical como virtud cortesana, y se construyó en Nápoles Santa Maria di Loreto, el primer conservatorio de música. Adrian Willaert desarrolló música para doble coro en San Marcos de Venecia. Esta tradición de música policoral veneciana alcanzaría su apogeo en la música barroca temprana de Giovanni Gabrieli. A diferencia de los madrigales anteriores y más sencillos del Trecento, los del siglo XVI fueron escritos para varias voces, a menudo por no italianos traídos a las ricas cortes del norte. Los madrigalistas aspiraban a crear arte elevado, a menudo utilizando la poesía refinada de los sonetos petrarquistas y utilizando técnicas musicalmente sofisticadas como la pintura de textos. Compositores como Cipriano de Rore y Orlando di Lasso experimentaron con un cromatismo cada vez mayor, que culminaría en la música manierista de Carlo Gesualdo. En 1558, Gioseffo Zarlino, el principal teórico musical de la época, escribió las Istitutioni harmoniche, que abordaban cuestiones musicales prácticas como el contrapunto invertible. La música más ligera estuvo representada por la villanella, que se originó en canciones populares de Nápoles y se extendió por toda Italia.

La música no fue inmune a la atmósfera políticamente cargada de la Italia del Renacimiento. En 1559, Antonio Gardano publicó Musica nova, cuyas canciones partidarias políticamente pro republicanas agradaron a las repúblicas del norte de Italia e irritaron a la Iglesia. En 1562/1563, la tercera parte del Concilio de Trento abordó cuestiones de la música en la Iglesia. La mayor parte de la música paralitúrgica, incluidas todas las secuencias menos cuatro, fue prohibida. Se debatió entre bastidores una prohibición total de la música polifónica y se emitieron directrices que exigían que la música sacra tuviera palabras claras y un estilo puro y edificante. Aunque los estudiosos ya no aceptan los relatos de Giovanni Pierluigi da Palestrina, que "rescató" la polifonía con la Missa Papae Marcelli, la música de Palestrina sigue siendo el paradigma de la estética musical promovida por la Iglesia. Poco después, en 1614, se publicó la Editio medicea (Edición Medicea) del canto gregoriano, que reescribía el repertorio del canto gregoriano para purgarlo de las corrupciones y barbaries percibidas y devolverlo a un estado "más puro", más cercano en estilo a las melodías palestinas.

A finales del siglo XVI y principios del XVII, los compositores comenzaron a ampliar los límites del estilo renacentista. El madrigalismo alcanzó nuevas cotas de expresión emocional y cromatismo en lo que Claudio Monteverdi llamó su seconda pratica (segunda práctica), que según él se originó con Cipriano de Rore y se desarrolló en la música de compositores como Luca Marenzio y Giaches de Wert. Esta música se caracterizaba por una mayor disonancia y por secciones de homofonía, lo que dio lugar a rasgos del barroco temprano como voces desiguales en las que la línea de bajo impulsaba las armonías y la melodía de agudos se volvía más prominente y solista. Este período de transición entre el Renacimiento y el Barroco incluyó el desarrollo de la escuela polifónica siciliana en las obras de Pietro Vinci, la primera polifonía existente escrita por mujeres, la fusión de textos hebreos y música europea en las obras de Salomone Rossi y la música virtuosa de mujeres de Luzzasco Luzzaschi interpretada en el Concerto delle donne en Ferrara.

La naturaleza exacta del drama musical griego antiguo es un tema de controversia. Sin embargo, lo que es importante para el desarrollo posterior de la música italiana y europea es que los poetas y músicos de la Camerata florentina de finales del siglo XVI pensaban, en palabras de uno de ellos, Jacopo Peri, que los "antiguos griegos cantaban tragedias enteras en el escenario". Así nació la versión musical del Renacimiento italiano: rendir homenaje a la Grecia clásica mediante la narración de mitos griegos dentro de un contexto musical escénico: las primeras óperas. Las obras surgieron en este período con melodías relativamente simples y los textos sobre la mitología griega cantados en italiano. (La ópera puede tener raíces más profundas en la tradición toscana del maggio drammatico. Tres ciudades son especialmente importantes en este período en Italia: Venecia, como cuna de la ópera comercial; Roma, por la escuela de polifonía renacentista de Palestrina; y Nápoles, como cuna de los conservatorios de música patrocinados por la iglesia. Estos conservatorios se convirtieron en campos de formación, proporcionando compositores y músicos para Italia y, de hecho, para toda Europa. Claudio Monteverdi es considerado el primer gran compositor de la nueva forma musical, la ópera, la persona que convirtió la novedad florentina en un "drama musical unificado con una estructura planificada".

Los años 1600 a 1750 abarcan el Barroco musical. Un nuevo predominio de la melodía dentro de la armonía a expensas del texto condujo a grandes cambios, incluida la expansión de los recursos instrumentales de la orquesta. El teclado se amplió y la fabricación de instrumentos de cuerda por Antonio Stradivari se convirtió en una gran industria en Cremona. La música instrumental comenzó a desarrollarse como una "pista" separada, bastante al margen del papel tradicional de acompañar a la voz humana. Las formas instrumentales incluyen cosas como la sonata, la sinfonía y el concierto. Nombres importantes en la música de este período en Italia son Alessandro Scarlatti y Antonio Vivaldi, que representan la importancia de Nápoles y Venecia, respectivamente, durante este período.

Los recursos materiales para la música avanzaron enormemente durante el siglo XVIII. Se construyeron los grandes teatros de ópera de Nápoles y Milán: el Teatro di San Carlo y La Scala, respectivamente. Es también la época del ascenso a la prominencia de la ópera cómica napolitana (y luego italiana). También es importante la restauración del equilibrio entre texto y música en la ópera, en gran parte a través de los libretos de Pietro Trapassi, llamados Metastasio.

Los compositores italianos importantes de este siglo son: Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello, Giovanni Battista Pergolesi, Niccolò Piccinni, Giovanni Paisiello, Luigi Boccherini, Domenico Cimarosa y Luigi Cherubini. Es también la época en la que la música italiana se hizo internacional, por así decirlo, y muchos compositores italianos comenzaron a trabajar en el extranjero.

El siglo XIX es la época del Romanticismo en la literatura, el arte y la música europeas. La ópera italiana abandona la ópera cómica en favor de la lírica italiana más seria. Aunque el generalmente desenfadado y siempre popular Rossini fue sin duda una excepción a eso, la música italiana del siglo XIX está dominada al principio por figuras como Bellini y Donizetti, que le dieron a la música italiana las melodías líricas que han permanecido asociadas a ella desde entonces. Luego, los últimos cincuenta años del siglo estuvieron dominados por Giuseppe Verdi, el mayor ícono musical de la historia italiana. La música de Verdi "buscó la universalidad dentro del carácter nacional"; es decir, gran parte de lo que compuso en términos de temas históricos podría relacionarse con su visión panitaliana. Verdi fue el compositor del Risorgimento italiano, el movimiento para unificar Italia en el siglo XIX. Más adelante en el siglo se produce también el comienzo de la carrera de Giacomo Puccini, quizás el mayor compositor de melodía pura en la historia de la música italiana.

Tal vez la característica más notable de la forma musical italiana del siglo XIX, y la que la distingue de los desarrollos musicales de otros lugares, es que siguió siendo principalmente operística. Todos los compositores italianos importantes del siglo escribieron ópera casi con exclusión de otras formas, como la sinfonía. No hay sinfonistas italianos en este siglo, como se podría hablar de Brahms en Alemania, por ejemplo. Muchos compositores italianos, sin embargo, escribieron música sacra significativa, como el Stabat Mater de Rossini y su última Petite messe solennelle, y las Misas de Réquiem y Quattro pezzi sacri de Verdi.

El romanticismo en toda la música europea se mantuvo sin duda hasta principios del siglo XX. En Italia, la música de Verdi y Puccini siguió dominando durante varios años. Incluso las tramas realistas y las técnicas de composición más modernas de las óperas del verismo italiano, como la Cavalleria rusticana de Mascagni, no afectaron en gran medida la naturaleza extremadamente melódica de la música italiana.

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