Historia de la música de los Estados Unidos durante la era colonial.

La historia colonial de Estados Unidos comenzó en 1607 con la colonización de Jamestown, Virginia. La música de todos los géneros y orígenes surgió cuando Estados Unidos comenzó a formarse. Desde la música espiritual indígena hasta los banjos africanos, la música en los Estados Unidos es tan diversa como su gente. En Nueva Inglaterra, la música era muy religiosa y fue de vital importancia en el surgimiento de la música estadounidense. La migración de personas hacia el sur condujo al asentamiento de los Montes Apalaches. Allí habitaron muchos europeos pobres y trajeron blues country y violines. A medida que la música se difundió, los himnos religiosos siguieron siendo igual de populares. La primera escuela de Nueva Inglaterra, los Shakers y Quakers, todos ellos grupos de música y danza inspirados en la religión, saltaron a la fama. En 1776, se abrió la Sociedad de Música Santa Cecilia en la provincia de Carolina del Sur y dio lugar a la apertura de muchas más sociedades en el norte de los Estados Unidos. Los esclavos africanos fueron traídos a los Estados Unidos e introdujeron al mundo de la música instrumentos como el xilófono, la batería y el banjo. La música diversa de los Estados Unidos proviene del tipo diverso de personas que colonizaron este país por primera vez.

Música indígena

Los nativos americanos en los Estados Unidos no tenían tradiciones indígenas de música clásica, ni una tradición de canciones seculares. Su música es de naturaleza espiritual y generalmente se interpreta en grupos en un entorno ritual importante para la religión de los nativos americanos.

No fue hasta la década de 1890 que la música nativa americana comenzó a ingresar al establishment estadounidense. En ese momento, se estaban estableciendo los primeros elementos culturales pantribales, como los powwows, y compositores como Edward MacDowell y Henry Franklin Belknap Gilbert utilizaron temas nativos en sus composiciones. Sin embargo, no fue hasta la obra mucho más tardía de Arthur Farwell que se introdujo en la escena clásica estadounidense una representación informada de la música nativa, como parte del movimiento indianista.

Música folclórica de los Apalaches

Las Montañas Apalaches han sido durante mucho tiempo un centro de innovación cultural, a pesar de los escasos asentamientos de nativos americanos y europeos por igual. Debido a complejas razones geológicas, las montañas y subcordilleras eran difíciles de cruzar e incluían crestas de cuarzo inhabitable mezcladas con valles de suelo inadecuado para la agricultura. Como resultado, la inmigración de europeos y sus esclavos africanos tendió a ser en dirección sur, a lo largo del área del Piamonte, y la región de los Apalaches estuvo poblada por europeos pobres. Estos europeos eran de origen inglés, escocés-irlandés, alemán y hugonote. Este asentamiento se produjo principalmente entre 1775 y 1850.

Las melodías y baladas inglesas, angloirlandesas y escocesas fronterizas continuaron evolucionando desde sus raíces lejanas a lo largo de los Apalaches, y eventualmente formaron la base principal de las jug bands, el country blues, la música hillbilly y una mezcla de otros géneros que eventualmente se convirtieron en música country.. Estas melodías populares adoptaron características de múltiples fuentes, incluidas las baladas británicas (que cambiaron sus temas del amor a una preocupación claramente estadounidense por el trabajo masculino como la minería o los desastres y asesinatos sensacionalistas), melodías populares africanas (y su enfoque lírico en eventos semihistóricos).) y espectáculos de juglares y salas de música. Las baladas populares incluyeron "Barbara Allen" y "Matty Groves". También se introdujo el banjo, que ha pasado por numerosos movimientos geográficos desde su invención por los árabes y su posterior viaje por África, el Atlántico y América.

Barbara Allen

Una prisión estatal de Florida grabando esta canción.

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Tocando el violín

Los estilos de violín de los Apalaches se derivan principalmente de los que trajeron a las colonias los colonos ingleses. A menudo se afirma que el "Scotch Snap" popularizado por Niel Gow influyó en el violín de los Apalaches; sin embargo, según el historiador Michael Newton, esto no es cierto. Newton ha afirmado que los estilos de violín inglés, escocés, irlandés y estadounidense se desarrollaron casi al mismo tiempo y son más bien "primos culturales" que otros. el uno del otro. La técnica de los Apalaches se modificó durante el siglo siguiente, siendo los valses y polkas europeos los más influyentes. Los bailes de cuadrilla, basados en el cotillón, y los cakewalks, una imitación afroamericana de los bailes blancos y el Virginia Reel surgieron durante el siglo XIX.

Himnodia rayada

La himnodia rayada, un estilo de música religiosa perpetuado por los antiguos bautistas regulares, los bautistas primitivos y otros, a menudo se estudia y clasifica como música folclórica. Véase Antiguo Bautista Regular, Himnodía rayada.

Música colonial de Nueva Inglaterra

Las tradiciones de canto religioso de Nueva Inglaterra jugaron un papel importante en la evolución temprana de la música estadounidense. Comenzando con los colonos peregrinos, que trajeron el Salterio de Ainsworth al Nuevo Mundo, los himnos de la iglesia fueron populares en toda la región. Los habitantes comunes de Nueva Inglaterra pronto desarrollaron sus propias tradiciones, que algunos consideraban degeneradas y desenfrenadas.

Tradiciones corales de Nueva Inglaterra

Los inmigrantes puritanos originales de Nueva Inglaterra cantaron varios salmos espirituales, pero en general no les gustaba la música secular, o al menos aquellas variedades que consideraban que fomentaban la inmoralidad y el desorden. También se opusieron al uso de instrumentos musicales en las iglesias y a una liturgia vocal compleja, ambos asociados con el catolicismo romano. El conocido ministro Cotton Mather escribió, en Instrucciones para un candidato al ministerio, sobre el tema:

Para MUSIC, no sé qué tan bien al día. - Haz lo que quieras. Si te gusta, no lo previé. Sólo no lo hagas por el bien de ella, Alienate tu Demasiado tiempo, de aquellos que son asuntos más importantes. Puede ser así, que usted puede servir a su DIOS mejor, para el Resentimiento de Uno que puede jugar bien en un Instrumento. Sin embargo, para lograrse en el canto regular, es una cosa que será de uso diario para usted. Porque no tendría que pasar un día sin pecado, sino también hacer una melodía en tu corazón al Señor;...

El Salterio de Ainsworth proporcionó la mayoría de las melodías utilizadas en la música religiosa de Nueva Inglaterra hasta finales del siglo XVII, cuando las congregaciones abandonaron el Salterio, alegando que las melodías eran demasiado complejas y difíciles de cantar.

El Libro de los Salmos de la Bahía (Todo el libro de los Salmos fielmente traducido al metro inglés) se publicó en Cambridge, Massachusetts, en 1640; fue el primer libro de cualquier tipo impreso en las colonias inglesas de América del Norte. Se convirtió en el estándar utilizado por las iglesias de Nueva Inglaterra durante muchos años, aunque no contenía música en sí, sino que simplemente proporcionaba salmos y señalaba a los lectores otras publicaciones destacadas. El Libro de los Salmos de la Bahía fue fiel a su fuente, pero no produjo cantos hermosos. Entonces, en 1651, Henry Dunster y Richard Lyon revisaron exhaustivamente una tercera edición, que pasó a ser conocida como el Libro de Salmos de Nueva Inglaterra; esto se convirtió en el estándar durante muchos años. En 1698 se imprimió la novena edición y fue la primera vez que se utilizó notación impresa. En este punto, la evolución del Salterio de Ainsworth al Libro de Salmos de Nueva Inglaterra había reducido constantemente el número de melodías en uso.

La práctica de hacer fila era a menudo común, aunque su presencia y utilidad dependían del grado de analfabetismo encontrado en la congregación; en general, el analfabetismo era común, al igual que hacer fila. Este fue el proceso en el que un líder presentaba una línea de una canción y luego mantenía la primera nota para que la congregación la igualara mientras respondían con la misma línea. Esta técnica también era común en las iglesias de los Apalaches, como los Bautistas Regulares de Kentucky.

El órgano y el nacimiento de la banda de la iglesia

Los órganos eran el único instrumento utilizado en la música religiosa durante esta época, e incluso esto no estuvo exento de controversia. Durante la época colonial, en las iglesias de tradición calvinista, incluidas la mayoría de los centros de reuniones puritanos, sólo se permitía el canto sin acompañamiento durante el culto. De hecho, tras la muerte de Thomas Brattle, tesorero del Harvard College en 1713, legó su órgano a la iglesia Brattle Square de Boston, pero la iglesia (que él había fundado) no lo consideró apropiado y se lo entregó al rey. 39;s Chapel, que era la anglicana. Aun así, el órgano se utilizó en otras iglesias de Nueva Inglaterra. El primer órgano que se dice que fue diseñado para uso en la iglesia se instaló en Newport, Rhode Island, en 1733. Sin embargo, los órganos eran caros y difíciles de tocar. Sólo las iglesias más grandes podían permitirse un órgano y un organista, por lo que muchas utilizaban instrumentos más portátiles, como el violín bajo, que se llamaba "el violín de Dios" para distinguirlo del tan difamado "violín del diablo" (violín). Posteriormente se añadieron otros instrumentos como el oficleide, el trombón, la corneta, la flauta alemana, el fagot, el violín y el clarinete, dando origen así a la banda de la iglesia.

Música folclórica secular

Aunque durante mucho tiempo se había supuesto que la aversión religiosa a la música secular inhibía la música folclórica instrumental en Nueva Inglaterra, una investigación reciente de Barbara Lambert, centrada en el área de Boston, muestra lo contrario. Los instrumentos grabados de propiedad personal incluyeron la cítara, los virginales, el clarinete soprano, el fagot, la trompeta, el pífano, la flauta, la viola, el violín y el violín y la flauta de la Sra. Healy.

A pesar de cierta hostilidad por parte de ministros como Increment Mather, la música dance fue popular en la era colonial de Nueva Inglaterra, especialmente a principios del siglo XVIII, cuando la población local creció con la afluencia de más colonos.

También eran conocidas las baladas folklóricas. Al igual que en la música británica, se trataba de canciones impresas interpretadas con una melodía conocida e incluían baladas fronterizas como The Ballad of Chevy Chase.

Aunque hay muchas fuentes primarias que se refieren a la música folclórica de la época, prácticamente todo está escrito por quienes condenaron las canciones como groseras. Por lo tanto, objetivamente se sabe poco. Había una distinción entre el "Canto Regular" estilo de celosos reformadores, en su mayoría clérigos educados en Harvard, y la "vía común" del pueblo. Entre los reformadores se encontraban clérigos prominentes como Thomas Walter y Nathaniel Chauncey, muchos de los cuales consideraban que su estilo de gobierno "regular" era una realidad. el canto es más sofisticado y también más devoto. La evidencia, sin embargo, indica que la música de la gente común era más compleja y utilizaba técnicas como la ornamentación.

La formación de escuelas y sociedades que promovían el canto regular ayudó a difundir la práctica y se publicaron libros de instrucciones.

El legado de Juan Wesley y la expansión hacia el sur

En el siglo XVIII, los estadounidenses compusieron varios de sus propios himnos, a menudo basados en el Antiguo Testamento; También fue muy popular el inconformista inglés Isaac Watts, especialmente sus Himnos y canciones espirituales. John Wesley, el fundador de la Iglesia Metodista, jugó un papel importante en el himno revivalista después de un viaje a Georgia en 1735 por invitación de James Oglethorpe. Wesley y su hermano, Charles Wesley, fueron con Oglethorpe y veintiséis misioneros moravos. El canto moravo inspiró a John Wesley a estudiar su música. Publicó una colección de traducciones de himnos alemanes en 1737, A Collection of Psalms and Hymns, y luego regresó a Inglaterra en 1738, asistiendo a reuniones de los Hermanos Moravos en Londres. Allí, durante una lectura del prefacio de Lutero a la Epístola a los Romanos, Wesley tuvo una experiencia espiritual y encontró rejuvenecida su fe en Cristo.

Gran Despertar

Después de regresar a Estados Unidos, Wesley se convirtió en un predicador importante en un surgimiento de cristianismo ferviente llamado el Gran Despertar, junto con George Whitefield y Jonathan Edwards, entre otros. Wesley y su hermano comenzaron a escribir varios himnos, al principio solo palabras, y luego con música, comenzando con una colección generalmente llamada Colección Foundery.

Wesley y algunos otros predicadores lucharon contra el embellecimiento de sus himnos. En 1761, la colección de Wesley Himnos selectos, con melodías adjuntas: diseñadas principalmente para uso del pueblo llamado metodistas dirigía a los cantantes a seguir las melodías "exactamente como estaban impresas" y "cantar afinado"; Ambas direcciones no eran prácticas, ya que la mayoría de los fieles probablemente no sabían leer partituras ni cantar una melodía.

Sin embargo, el Gran Despertar (y otros estilos de himnarios de Nueva Inglaterra) se extendieron hacia el sur y cambiaron las estrictas fórmulas de Wesley. John Cennick (conocido por himnos muy difundidos como "Jesus My All to Heaven Is Gone") y John Newton son probablemente las dos personas más importantes en la creación de himnos de la era del Gran Despertar, que se cantaban en las reuniones campestres. Estos himnos, cantados en grandes reuniones, especialmente en el sur, sirvieron de base para el gospel y el blues a finales del siglo XIX y principios del XX. Algunas de las características comunes incluyeron la innovación de Cennick de himnos cantados como diálogo, así como Newton, un ex traficante de esclavos que se convirtió después de leer La imitación de Cristo de Thomas à Kempis, quien escribió más de doscientos himnos que se basaron en sus propias experiencias de lucha contra el pecado y resultaron extremadamente populares.

Primera escuela de Nueva Inglaterra

En comparación con las canciones más antiguas, Wesley y otros compositores nuevos escribieron con una estructura simple. Los agricultores y trabajadores rurales ampliaron estas estructuras, creando canciones complejas que algunos conservadores musicales criticaron en vano. Fue en este contexto que surgió una ola de maestros del canto itinerantes, incluido William Billings, que crearon himnos que siguen siendo estándar en todo el país. Este campo se llamó Primera Escuela de Nueva Inglaterra. Siguiendo a Billings' Los pasos pioneros fueron Supply Belcher, Andrew Law, Daniel Read, Jacob Kimball, Jeremiah Ingalls, John Wyeth, James Lyon, Oliver Holden, Justin Morgan y Timothy Swan.

La Primera Escuela de Nueva Inglaterra suele considerarse el primer invento musical exclusivamente estadounidense. Lo más característico era que las voces, masculina y femenina respectivamente, duplicaban sus partes en cualquier octava para completar la armonía; esto generó una textura de acordes en posiciones cercanas que era desconocida en las tradiciones europeas.

William Billings fue de especial importancia y popularidad. Originario de Boston, Billings era curtidor de profesión y fue principalmente autodidacta en música. No siempre siguió las reglas estándar de composición en sus obras y, por lo tanto, se le ha llamado el "primer compositor estadounidense que enfatiza fuertemente la independencia creativa y hace alarde de su idiosincrasia personal tanto en su música como (especialmente) en sus escritos publicados". #34;. Enseñó en una famosa escuela de canto en Stoughton, Massachusetts en 1774. Algunos de los cantantes formaron más tarde la Stoughton Musical Society, una organización coral formada por 25 hombres.

Supply Belcher, nacido en Stoughton, Massachusetts, aunque más tarde radicado en Farmington, Maine, también es especialmente conocido. Su único libro de melodías publicado fue La armonía de Maine de 1794, que incluía himnos, piezas de fuging, salmos e himnos, algunos de los cuales eran seculares. Sus canciones eran distintivamente folk y con los pies en la tierra. Su contemporáneo Daniel Read, un músico nacido en Massachusetts que luego se mudó a New Haven, Connecticut, era un músico popular que se mantenía casi por completo con la venta de libros de melodías. Su primera publicación se tituló The American Singing Book; o una guía nueva y sencilla sobre el arte de la salmodia diseñada para el uso de las escuelas de canto en Estados Unidos. El uso de salmodia en el título se refiere aquí a las sociedades de canto que se estaban extendiendo por todo el país y se utiliza sin connotaciones religiosas.

Billings, Belcher y Read fueron el comienzo de una cadena de compiladores de libros de melodías que se volvió cada vez más secular, a medida que el arte de la salmodia perdió su importancia religiosa. Otros compiladores nacidos en Massachusetts siguieron sus pasos, empezando por Jeremiah Ingalls de Newbury, Vermont. Sus canciones eran generalmente fugas y fueron desaprobadas por las autoridades religiosas. Andrew Law también fue un compilador importante; Sintió que la música estadounidense debería parecerse más a la europea y es mejor conocido por organizar escuelas de canto y libros de melodías. Además, compuso varias canciones de notas e inventó una especie de notación musical llamada nota de forma.

Agitadores

Los Shakers, o Sociedad Unida de Creyentes en la Segunda Aparición de Cristo, fueron una religión fundada cerca de Manchester, Inglaterra, a mediados del siglo XVIII, y saltó a la fama bajo el liderazgo de Ann Lee (Madre Ann). Lee nació pobre y trabajó de niña en una fábrica de algodón antes de que sus padres la casaran con un herrero. Después de dar a luz a cuatro hijos, todos los cuales murieron en la infancia, la madre Ann llegó a considerar las relaciones sexuales como algo malo. El celibato se convirtió en una parte integral de su religión. Fue encarcelada por perturbar el sábado en 1772. Dos años más tarde, Shakers comenzó a mudarse a América del Norte, estableciéndose en Nueva Inglaterra y tan al sur como Nueva York. Los rituales que diseñó la Madre Ann, que afirmó haber visto en visiones, incluían danzas apasionadas que representaban parte de una batalla entre los santos Shakers y el diablo y la carne. Aunque sus extrañas costumbres y gestos británicos provocaron cierta hostilidad por parte de los colonos, a medida que se gestaba la Guerra de Independencia de los Estados Unidos, los Shakers crecieron en número y finalmente se extendieron hasta el sur de Kentucky. Aunque la Madre Ann murió en 1784, las tradiciones Shaker perduraron. Su canción de baile más conocida es Simple Gifts, utilizada por Aaron Copland en su partitura de ballet Appalachian Spring.

Profesionales europeas

En 1766, Charlestown (Charleston), Carolina del Sur, se convirtió en el hogar de la Sociedad St. Cecilia, la primera sociedad musical de América del Norte. En ese momento, Charleston era un centro cultural que atraía a varios músicos de Europa. En las décadas posteriores a la Revolución, ciudades más septentrionales como Filadelfia, Nueva York y Boston ocuparon en gran medida el lugar de Charleston. Filadelfia, hogar de los estimados Alexander Reinagle, John Christopher Moller, Rayner Taylor y Susannah Haswell Rowson, fue especialmente reconocida por su desarrollo musical. Reinagle se convirtió en la figura más influyente en la vida musical de Filadelfia, organizando numerosos conciertos, organizaciones y eventos musicales.

El cantante inglés Benjamin Carr fue especialmente notable. Llegó a Nueva York en 1793, junto con su hermano y su padre. Pronto se convirtieron en destacados editores y vendedores de música, y poseían tiendas en Nueva York, Filadelfia y Baltimore. El propio Carr fue compositor, organista, pianista y editor. Publicaron, en Filadelfia, "La marcha del presidente" en 1793; escrito por Philip Phile, "La marcha del presidente" es una de las canciones patrióticas estadounidenses más duraderas. La marcha pronto se politizó y los federalistas la adoptaron como una canción de reunión.

El británico James Hewitt fue uno de los músicos más distinguidos de la historia temprana de Estados Unidos. Ya era conocido en Londres antes de cruzar el Atlántico, acompañado por el compositor y violinista belga Jean Gehot. Hewitt se estableció en Nueva York, organizando conciertos y otros eventos musicales. Su ópera Tammany; o El jefe indio se volvió controvertido después de su primera representación. Fue la primera ópera estadounidense que trató sobre los nativos americanos y fue patrocinada por la Sociedad Tammany de Nueva York, una organización antifederalista. Como resultado, Hewitt fue blanco de muchas invectivas por parte de los federalistas.

El organista, director de coro y compositor inglés William Selby fue una figura importante en la vida musical de Boston, junto con el organista, violinista y compositor holandés Peter Albrecht van Hagen y el oboísta alemán Johann Christian Gottlieb Graupner.

Caballeros compositores aficionados

Los grandes centros urbanos del Atlántico medio incluían ciudades como Filadelfia y Baltimore, y fue allí donde las tradiciones clásicas europeas estuvieron mejor representadas. Philip Phile, Johann Friedrich Peter y Alexander Reinagle fueron compositores destacados de la época, aunque Francis Hopkinson, firmante de la Declaración de Independencia de Filadelfia, sigue siendo el más conocido. Una de sus composiciones, "My Days Have Been So Wondrous Free", es bien recordada como la primera canción artística de los Estados Unidos (aunque esto es discutible); Sin embargo, le falta originalidad e innovación para diferenciarlo de las composiciones europeas.

En aquella época, los músicos profesionales eran menospreciados y considerados groseros. Los caballeros intérpretes actuaban a menudo, sobre todo para otros públicos aristocráticos, y sin paga. A medida que Estados Unidos se desarrolló, el sur se convirtió en una tierra de profundas divisiones socioeconómicas. La propiedad de la tierra y la posesión de esclavos se convirtieron en un componente integral del sustento de un caballero, mientras que en el norte, la idea de una aristocracia terrateniente nunca tuvo tanto peso.

Lowell Mason

Quizás el primer compositor más influyente fue Lowell Mason. Mason, originario de Boston, hizo campaña contra el uso de la notación de notas de forma y a favor de la educación en notación estándar. Trabajó con instituciones locales para publicar colecciones de himnos y mantener su estatura. En oposición a la tradición de las notas de forma, Mason impulsó la música estadounidense hacia un modelo europeo.

Música rural de Pensilvania

La Pensilvania rural en la era colonial fue el hogar de minorías religiosas como los cuáqueros, así como de importantes comunidades moravas y luteranas. Si bien los cuáqueros tenían pocas tradiciones musicales, las iglesias protestantes frecuentemente hacían un uso extensivo de la música en el culto. J. F. Peter surgió de la tradición morava, mientras que Conrad Beissel (fundador del Claustro Ephrata) innovó su propio sistema de teoría armónica. Las tradiciones luteranas de Johann Sebastian Bach, Buxtehude, Johann Pachelbel y Walther se propagaron en Pensilvania, y la ciudad de Belén sigue siendo hoy un centro de tradiciones musicales luteranas.

Menonitas

Los menonitas, seguidores de Menno Simons, se establecieron en Germantown después de emigrar del Palatinado alemán y Suiza entre 1683 y 1748. Estaban dirigidos por Willem Rittinghuysen (abuelo del astrónomo y matemático David Rittenhouse). Los menonitas utilizaron un himnario de Schaffhausen, reimpreso en Germantown en 1742 como Der Ausbund Das ist etliche schöne christliche Lieder.

Claustro de Efrata

El Claustro de Ephrata (Comunidad de los Solitarios) fue fundado en lo que hoy es el condado de Lancaster en el río Cocalico en 1720. Este era un grupo de bautistas del séptimo día liderados por Peter Miller y Conrad Beissel, que creía en el uso de la música como parte integral de la adoración. Beissel codificó la tradición única del Claustro de Ephrata en su Disertación sobre la armonía de Beissel; aquí, dividió las notas en dos tipos. Estos eran maestros, o notas pertenecientes al acorde común, y sirvientes, o todas las demás notas. Las sílabas acentuadas en las obras de Beissel siempre recaían en las notas maestras, dejando notas sirvientes para las sílabas sin acento. El himnario del Claustro de Ephrata era grande y constaba de más de 1.000 himnos, muchos de los cuales iban acompañados de instrumentos como el violín. Muchos de estos himnos se publicaron en las décadas de 1740 y 1750.

Iglesia Morava

Fundada en 1457, la Iglesia Morava se extendió originalmente por Moravia, Polonia y Bohemia antes de que la persecución obligara a los fieles restantes a Sajonia, donde vivieron bajo la protección del Conde Nikolaus Ludwig von Zinzendorf. Zinzendorf escribió himnos y condujo a los moravos a América, donde comenzaron la obra misional en Georgia, pero con poco éxito. Se trasladaron a Pensilvania y fundaron la ciudad de Belén a orillas del río Lehigh. Luego, un grupo partió hacia Salem, Carolina del Norte (ahora parte de Winston-Salem).

Tanto en Salem como en Belén, los moravos continuaron usando la música en sus ceremonias. Los instrumentos incluían órganos y trombones, y las voces solían estar en coros. Los jugadores generalmente jugaban en los tejados en casi cualquier ocasión, lo que garantizaba que pudieran ser escuchados a grandes distancias. Ha surgido una leyenda que afirma que un grupo de guerreros nativos americanos se acercó a un asentamiento moravo durante la guerra francesa e india, pero se fue después de escuchar un coro de trombón porque creían que era la voz de su Gran Espíritu. Los moravos se dedicaban a la obra misional, especialmente entre los esclavos africanos y los nativos americanos; en 1763 publicaron una colección de himnos en el idioma de Delaware.

Los moravos también tenían una tradición de música artística secular que incluía al famoso compositor Johann Friedrich Peter, un alemán nacido en los Países Bajos que emigró a Belén en 1770. Trajo consigo copias de composiciones de Joseph Haydn, Johann Christoph Friedrich Bach, Johann Stamitz y C. F. Abel. Después de vivir en Belén por un tiempo, Peter se mudó a Salem, donde fundó el Collegium Musicum (en 1786) y recopiló cientos de sinfonías, himnos y oratorios. Fue durante este período que Peter también compuso una serie de piezas instrumentales muy respetadas para dos violines, dos violas y un violonchelo; también compuso himnos sagrados como "It Is a Precious Thing" y arias como "El Señor está en su santo templo".

La Iglesia Morava continuó produciendo una serie de compositores de renombre en el siglo XIX, incluidos John Antes, así como Francis F. Hagen, Johann Christian Bechler, Edward W. Leinbach, Simon Peter, David Moritz Michael, Georg Gottfried Müller, Peter Wolle, Jeremiah Dencke y Johannes Herbst. Herbst también fue un destacado coleccionista, cuyos archivos, dejados en la iglesia de Salem después de su muerte, se hicieron públicos en 1977; estos incluían más de 11.000 páginas de contenido. Salem se ha convertido gradualmente en el centro de innovación musical de Moravia, en parte debido a la presencia de la Fundación de Música de Moravia.

Pietistas

En 1694, Johannes Kelpius llevó a un grupo de pietistas alemanes a las orillas del arroyo Wissahickon en el sureste de Pensilvania. Estos llegaron a ser conocidos como los Ermitaños o Místicos de los Wissahickon; Este mapa de 1871 de Wissahickon Creek señala un manantial Kelpius y Hermits Glen. Kelpio era músico y él y sus seguidores trajeron consigo instrumentos que se convirtieron en parte integral de la vida de la iglesia. Kelpius también fue compositor, y a veces se le llama el primer compositor de Pensilvania, debido a su autoría no probada de varios himnos en La voz lamentante del amor oculto. Es probable que él haya escrito el texto, aunque las melodías se basan principalmente en canciones alemanas; Las traducciones al inglés de la colección se atribuyen a Christopher Witt, un inglés que emigró y se unió a los místicos, y también les construyó un órgano de tubos, que se dice que es el primer órgano de propiedad privada en América del Norte.

En 1703, Justus Falckner fue ordenado pastor de la Iglesia Gloria Dei; Evidentemente, Falckner creía que la música era un elemento muy importante de la obra misional y escribió a Alemania para pedir un órgano, que, según él, atraería a más conversos nativos americanos. Falckner era un luterano que escribió himnos como "Levántate, hijos de la salvación".

Sociedad de la Armonía

En 1803 y 1804, un grupo de pietistas cristianos liderados por George Rapp llegaron de Württemberg, Alemania, se establecieron en Harmony, Pensilvania, y formaron la Sociedad Harmony en 1805. El grupo vivía en comunidad, era pacifista, defendía el celibato y la música. fue una gran parte de sus vidas. Los Harmonitas (o Armonistas) escribían su propia música e incluso tenían una orquesta. La Sociedad duró hasta 1906, pero su asentamiento final, Old Economy Village (ahora Ambridge, Pensilvania), contiene archivos con partituras que todavía se interpretan en eventos comunitarios especiales.

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