Historia de la música de los Estados Unidos (1900-1940)
La música en los Estados Unidos experimentó muchos cambios y desarrollos entre 1900 y 1940. El país sobrevivió tanto a la Primera Guerra Mundial como a la Gran Depresión antes de entrar en la Segunda Guerra Mundial en diciembre de 1941. Los estadounidenses soportaron grandes pérdidas y dificultades, pero encontraron esperanza y aliento en música. Los géneros y estilos presentes durante este período fueron la música nativa americana, el blues y el gospel, el jazz, el swing, la música cajún y criolla y el country. Estados Unidos también se inspiró en otras culturas y partes del mundo para su propia música. La música de cada región difería tanto como la gente. La época también produjo muchos cantantes y músicos notables, incluida la figura del jazz Louis Armstrong, la cantante de blues y jazz Mamie Smith y el cantante de country Jimmie Rodgers.
Nativos americanos
Los congresos de nativos americanos modernos surgieron a principios del siglo XX. Mientras que algunos afirman que los pow wow habían sido una parte integral de las culturas negras durante más de 10 siglos, algunos analistas modernos creen que los pow wow se inventaron para atraer a los turistas y tenían solo una relación tangencial con las tradiciones genuinas de los nativos americanos, que generalmente giraban en torno a danzas ceremoniales. música como la Danza de los Fantasmas, Zuni Shalako, Navajo Yeibichai y la Danza del Sol de las Llanuras. La Iglesia Nativa Americana, fundada a principios del siglo XX, fue un centro de desarrollo del gospel nativo americano y la canción de peyote, una fusión de gospel y música tradicional que gira en torno a ceremonias en las que el peyote alucinógeno se toma como sacramento. En Arizona y México, la música waila, o scratch de pollo, había surgido como una fusión de la música nativa Tohono O'odham con la polka alemana y el norteño mexicano-estadounidense.
El jazz, el blues, el folk, el country y el gospel, la música de la región del Caribe, también se hicieron populares brevemente durante la primera mitad del siglo XX. El calipso trinitense, el tango argentino y el merengue dominicano y otros estilos influyeron en la música popular estadounidense. La música hawaiana (especialmente la guitarra slack-key) gozó de una temprana moda en la década de 1910, influyendo en el género en desarrollo de la música country (esta es la fuente del sonido de la guitarra de acero que es característico del country moderno).
Los judíos de Europa del Este contribuyeron con la música klezmer a la cultura estadounidense, y las primeras estrellas incluyeron a Harry Kandel, Naftule Brandwein, Dave Tarras y Abe Schwartz. Kandel, un clarinetista, preparó el escenario para el klezmer estadounidense.
Blues y gospel
El blues comenzó en las comunidades rurales, principalmente en el sur. Durante la década de 1920, cantantes de blues clásico como Mamie Smith ("Crazy Blues") dominaron el sonido del género. Para la mayoría de los estadounidenses blancos, estas cantantes fueron su primer contacto con la música negra o "música racial" como se conocía entonces. En la década de 1930, los estilos de blues locales se desarrollaron en Memphis, Nueva Orleans, la costa del Atlántico medio, Texas, Kansas City y, lo más importante, Chicago. El boogie-woogie, un estilo de tocar el piano basado en el blues, fue brevemente popular entre el público general y los oyentes de blues.
En el apogeo de la Gran Depresión, la música gospel comenzó a hacerse popular gracias a personas como Thomas A. Dorsey y Mahalia Jackson, quienes adaptaron himnos cristianos a estructuras de blues y jazz. En 1925, tres estilos principales de evangelio se habían vuelto populares entre el público general. Predicadores itinerantes de patas de gato como Blind Willie Johnson y Washington Phillips publicaron grabaciones que ahora son piezas de colección, pero que entonces sólo eran marginalmente populares. Los cuartetos de Jubileo como el Norfolk Jubilee Quartet y el Golden Gate Quartet eran populares y sofisticados, pero la forma de gospel más exitosa era la de predicadores cantantes como el Reverendo J. M. Gates, quien cantaba apasionadamente sobre las terribles consecuencias de desobedecer las leyes de Dios.
Jazz
El jazz era más urbano que el blues. Al depender más de la instrumentación, el sonido era adecuado para oyentes que no estaban familiarizados con las convenciones del género. Se basó principalmente en el blues de Nueva Orleans, pero también incorporó influencias de músicos y compositores judíos-estadounidenses como Benny Goodman y George Gershwin. En la década de 1920, los bares de jazz se hicieron populares entre los estadounidenses blancos, especialmente los jóvenes. Como sucedió con el ragtime antes, y con la mayoría de los géneros importantes desde entonces, se culpó al jazz por la degeneración moral de los jóvenes que visitaban estos bares y escuchaban la música. A pesar de la controversia, el jazz surgió como el sonido dominante del país a finales de la década de 1920 en formas popularizadas que algunos llamaron diluidas, como la música swing y la big band. Aunque a estos, como al jazz propiamente dicho, se les culpaba del crimen y la delincuencia, en la década de 1930 se habían convertido en algo común. En los años 40 el jazz puro empezó a popularizarse, junto con el blues, con artistas como Ella Fitzgerald ("A-Tisket, A-Tasket") y Billie Holiday ("Strange Fruit") convirtiéndose en un éxito a nivel nacional.
El jazz de Nueva Orleans fue y sigue siendo la forma más influyente de jazz de raíces. Los principales fundamentos del estilo ya estaban establecidos en 1900 o un poco antes, cuando Nueva Orleans, Luisiana, produjo músicos como Buddy Bolden, Jelly Roll Morton y Kid Ory. La característica más distintiva del jazz de Nueva Orleans es la influencia de las bandas de música. Las primeras grabaciones del género fueron realizadas por la Original Dixieland Jass Band de 1917. En la década de 1920, líderes de trompetas y cornetas como Louis Armstrong y Joe "King" Oliver, tocando la trompeta proclamando la melodía y armonías y contramelodías provenientes del clarinete o trombón. La sección rítmica normalmente incluía una tuba o bajo, piano, banjo o batería. Durante este período, los conjuntos eran estándar, en contraste con muchos de los desarrollos posteriores del jazz. Sin embargo, en la década de 1930, las nuevas formas de pop-jazz, como la música swing y Dixieland, habían superado al auténtico jazz al estilo de Nueva Orleans entre el público general.
Dixieland jazz es una forma de jazz que surgió en la década de 1920 en Chicago. Los músicos intentaban revivir el auténtico y clásico jazz de Nueva Orleans. En la década de 1940, músicos del resurgimiento de Dixieland como Jimmy McPartland, Eddie Condon y Bud Freeman se habían hecho muy conocidos y habían establecido su propio estilo único. Lo más característico es que los músicos iniciaran solos contra los riffs de otros instrumentos de viento, y fueron seguidos por un cierre con el baterista tocando una etiqueta de cuatro compases que luego fue respondida por el resto de la banda.
En 1917, la Original Dixieland Jazz Band lanzó "Livery Stable Blues", de la que a menudo se dice que fue la primera grabación de jazz. Sin embargo, el género ciertamente había existido antes de 1917, pero las oportunidades de grabación eran escasas. Buddy Bolden, un cornetista de Nueva Orleans, nunca grabó su influyente interpretación del jazz. A principios de la década de 1920 se vieron grabaciones de Kid Ory, King Oliver, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton y Bessie Smith. King Oliver incluyó a un joven cornetista llamado Louis Armstrong en sus discos como segundo corneta. Armstrong pronto se mudó a Chicago, trabajó con Fletcher Henderson, Bessie Smith y Clarence Williams y finalmente comenzó a trabajar como líder de banda en 1925, su trabajo preparó el escenario para el desarrollo del swing y las variaciones del jazz que vinieron después. El jazz acababa de alcanzar su primer pico de popularidad en 1924, con las grabaciones de Paul Whiteman.
Junto con la Gran Depresión, muchos músicos de estados rurales pobres del sur, como Luisiana, se mudaron al norte, especialmente a la ciudad de Nueva York y Chicago. Louis Armstrong estuvo entre ellos, y ayudó a hacer de Chicago el centro de innovación musical del país antes. pasando a Nueva York, donde florecían clubes como Cotton Club, Village Vanguard y Minton's.
La mitad de la década de 1930 fue la cima del swing de las big band, con artistas como Charlie Barnet, Chick Webb y Benny Goodman ascendiendo a las filas de líderes de bandas estimados. Durante este período aparecieron solistas, lo que inspiró reacciones histéricas entre los fans.
Columpio
El swing era una forma de jazz de orientación pop, cuyos orígenes se remontan a 1923, cuando Fletcher Henderson comenzó a ampliar las bandas de jazz. Se agregaron secciones completamente nuevas y Henderson creó música de mayor alcance y textura. En el mismo período, Duke Ellington expandió de manera similar sus bandas de jazz relativamente pequeñas, y ambos grupos habían realizado grabaciones ya en 1931. Jead Goldkette y Ben Pollack también fueron los primeros músicos afroamericanos influyentes de swing, y fueron seguidos por un swing aún más orientado a la danza. bandas lideradas por Jimmie Lunceford, Earl Hines, Don Redman, Count Basie, Glen Gray, Dorsey Brothers, Bob Crosby, Luis Russell, Andy Kirk, Glenn Miller y Benny Carter.
Música cajún y criolla
La música cajún moderna comenzó a desarrollarse en la década de 1920, basándose en violinistas tradicionales y acordeonistas más modernos. Joe y Cléoma Falcon hicieron la primera grabación, "Allons à Lafayette", en 1928. La canción fue un éxito regional que allanó el camino para el hermano de Cleoma, Amédée Breaux. "Jolie Blonde", ahora a menudo considerado el himno nacional cajún. Sin embargo, Amédé Ardoin, un hombre negro, pronto se convirtió en la estrella cajún más popular. La población criolla de Luisiana, formada por una mezcla de ascendencia africana, francesa y anglosajona, había desarrollado una forma de música de baile conocida como la la. Canray Fontenot fue quizás el intérprete de la la más influyente.
En la década de 1930, se descubrió petróleo en Luisiana y los anglos llegaron al estado en masa. La cultura cajún fue denigrada y restringida, y la música antigua y el swing occidental se convirtieron en influencias importantes en la música cajún. The Hackleberry Ramblers y Harry Choates de Luderin Darbone fueron la vanguardia de esta nueva ola de música cajún, que incorporaba letras en inglés y un estilo suave. En la década de 1940, aunque había comenzado un resurgimiento de la música tradicional cajún, liderado por Iry LeJeune, cuya obra de 1948 "La valse du pont d'amour" Se considera un parteaguas en el campo.
Música country
La música country evolucionó siguiendo las mismas líneas que el folk, pero logró un éxito mucho mayor. Las bandas de jarras y otras influencias (incluidas la guitarra de acero hawaiana, el folk y el country blues) se fusionaron en el desarrollo del honky tonk, una forma tosca de música country en la década de 1930.
A principios de siglo, los blancos rurales de los Apalaches eran conocidos como hillbillies, y su música pronto pasó a llamarse música hillbilly. Las iglesias protestantes como Old Regular Baptists y Holiness Pentecostal usaban música en sus servicios, y esta fue una de las mayores influencias en la música hillbilly.
La música hillbilly no se grabó ampliamente hasta la década de 1920. Bristol, una ciudad en la frontera de Virginia y Tennessee, fue el lugar de una sesión de grabación de dos semanas en 1927 que condujo al descubrimiento de los dos nombres más importantes de la música hillbilly: The Carters y Jimmie Rodgers. Los Carter eran un trío que tocaba autoarpa y guitarra, con voces y armonías claras y fuertes, mientras que Rodgers cantaba una música más mundana, con influencia del blues, que se ha llamado country blues. Rodgers vendió millones de discos en la década de 1930. Durante este período, la música hillbilly se convirtió en un gran negocio y los músicos comenzaron a promocionar productos y a agregar nuevos instrumentos, como violines, banjos, mandolinas y guitarras de acero hawaianas. Algunos otros músicos importantes de esta época incluyen a Gid Tanner & los Skillet Lickers y Charlie Poole & los Ramblers de Carolina del Norte.
En la década de 1940, los duetos entre hermanos, en los que dos hermanos cantaban en armonía con precisión y claridad, se habían vuelto populares y se conocían como armonía estrecha. Los Blue Sky Boys, los hermanos Del-more, los hermanos Monroe y, especialmente, los hermanos Louvin, fueron las parejas de dúos de hermanos más populares.