Historia de la música de los Estados Unidos

La historia de la música de los Estados Unidos incluye muchos estilos de música folclórica, popular y clásica. Algunos de los géneros más conocidos de la música estadounidense son el blues, el jazz, el rock and roll, el rock, el hip hop, el house y el country. La historia comenzó con los nativos americanos, las primeras personas en poblar América del Norte. La música de estas personas era muy variada en forma y tenía un propósito principalmente religioso.

Con la colonización de América de países europeos como Francia, España, Escocia, Inglaterra, Irlanda y Gales llegaron los coros cristianos, la notación musical, las andanadas, así como los esclavos de África occidental. Los esclavos de África Occidental tocaban una variedad de instrumentos, especialmente tambores e instrumentos de cuerda similares al banjo. Los españoles también tocaban un instrumento similar llamado Bandora. Ambas culturas introdujeron polirritmos y voces de estilo de llamada y respuesta.

A medida que Estados Unidos incorporó más territorio, extendiéndose hacia el oeste hacia el Océano, comenzaron a llegar más inmigrantes al país, trayendo consigo sus propios instrumentos y estilos. Durante este tiempo, Estados Unidos creció para incorporar la música cajún y criolla de Luisiana, la música polinesia de Hawai y la música tex-mex y tejana. Los inmigrantes trajeron consigo la polca de Europa del Este, la música china y japonesa, el violín polaco, la música escocesa e irlandesa, el klezmer judío asquenazí y otros estilos de música india, rusa, francesa, alemana, italiana, árabe y latina.

En el siglo XXI, la música popular estadounidense logró un gran reconocimiento internacional. Incluso desde las canciones de ragtime y juglares del siglo XIX, los afroamericanos han influido mucho en la música popular estadounidense. El blues rural de los sureños negros pobres y el jazz de los urbanitas negros se encontraban entre los primeros estilos de la música popular estadounidense. En ese momento, los artistas negros generalmente no interpretaban su propio material, sino que usaban canciones producidas por las editoriales musicales de Tin Pan Alley. El blues afroamericano evolucionó a principios del siglo XX y luego evolucionó para crear géneros como el rhythm and blues. Durante este tiempo, el jazz se diversificó hacia campos cada vez más experimentales. A fines de la década de 1940, el jazz se había convertido en campos tan variados como el bebop y el jazz.

El rock and roll pronto se convertiría en el componente más importante de la música popular estadounidense, comenzando con el auge del rockabilly de la década de 1950. En la década siguiente, el evangelio se convirtió en alma secular. El rock, el country y el soul, mezclados entre sí y ocasionalmente con otros estilos, generaron una legión de subgéneros durante las próximas décadas, que van desde el heavy metal hasta el punk y el funk. En la década de 1970, los afroamericanos urbanos de la ciudad de Nueva York comenzaron a interpretar letras habladas sobre un ritmo proporcionado por un maestro de ceremonias; esto se conoció como música hip hop. A principios del siglo XXI, el hip hop se había convertido en parte de la mayoría de la música popular estadounidense grabada y, en la década de 2010, había superado a la música rock en audiencia general.

Musica de raices americanas

Los primeros músicos en cualquier lugar de América del Norte fueron los nativos americanos, que consisten en cientos de grupos étnicos en todo el país, cada uno con sus propios estilos únicos de música folclórica. De estas culturas, muchas y sus tradiciones musicales ahora están extintas, aunque algunas siguen siendo relativamente vibrantes en una forma moderna, como la música hawaiana.

En el siglo XVI, la inmigración a gran escala de colonos ingleses, franceses y españoles trajo nuevos tipos de música folclórica. A esto le siguió la importación de africanos como esclavos, trayendo consigo su música. Los africanos eran culturalmente tan variados como los nativos americanos, descendientes de cientos de grupos étnicos en África Occidental. La música estadounidense es, como la mayoría de sus vecinos hemisféricos, una mezcla de influencias africanas, europeas y un poco nativas. Aún más tarde en la historia del país, la diversidad étnica y musical creció a medida que Estados Unidos se convertía en un crisol de diferentes pueblos. La inmigración de China comenzó en gran número en el siglo XIX, y la mayoría se asentó en la costa oeste. Más tarde, también llegaron en gran número inmigrantes japoneses, indios, escoceses, polacos, italianos, irlandeses, mexicanos, suecos, ucranianos y armenios.

La primera canción con derechos de autor bajo la nueva Constitución de los Estados Unidos fue The Kentucky Volunteer, compuesta por un inmigrante reciente de Inglaterra, Raynor Taylor, uno de los primeros compositores notables activos en los Estados Unidos, e impresa por la editorial musical más prolífica y notable del país. primera década, benjamin carr.

Música afroamericana

En el siglo XIX, los afroamericanos fueron liberados de la esclavitud tras la Guerra Civil Estadounidense. Su música era una mezcla de origen escocés y africano, como el gospel afroamericano que mostraba polirritmia y otros rasgos claramente africanos. Las canciones de trabajo y los gritos de campo eran populares, pero fueron los espirituales los que se convirtieron en una base importante para la música en el siglo XX.

Los espirituales (o espirituales negros, como se los conocía entonces) eran canciones cristianas, dominadas por voces apasionadas y terrenales similares a la música de la iglesia de Escocia, que se interpretaban en un formato de llamada y respuesta de estilo africano y escocés utilizando himnos derivados. de las que se cantaban en los coros coloniales de Nueva Inglaterra, que se basaban en la música eclesiástica morava, inglesa y holandesa. Estos himnos se extendieron hacia el sur a través de los Apalaches a fines del siglo XVIII, donde se combinaron con la música de los esclavos africanos. Durante el Gran Despertar del fervor religioso a principios del siglo XIX, los espirituales se extendieron por el sur. Entre algunos blancos, la música de los esclavos se hizo cada vez más popular, especialmente después de la Guerra Civil estadounidense, cuando los soldados blancos y negros trabajaron juntos y los esclavos sureños huyeron al norte en grandes cantidades.

A fines del siglo XIX, los espectáculos de juglares se habían extendido por todo el país e incluso a Europa continental. En los espectáculos de juglares, los artistas imitaban a los esclavos en toscas caricaturas, cantando y bailando lo que se llamaba "música negra", aunque tenía poco en común con los auténticos estilos folclóricos afroamericanos. Una variedad afroamericana de música dance llamada cakewalk también se hizo popular y evolucionó hacia el ragtime a principios del siglo XX.

Música folclórica de los Apalaches

Las Montañas Apalaches corren a lo largo de la costa este de los Estados Unidos. La región ha sido históricamente pobre durante mucho tiempo en comparación con gran parte del resto del país; muchas de las personas de las zonas rurales de los Apalaches viajaban a las ciudades por trabajo, y estaban allí etiquetadas como hillbillies, y su música se conoció como música hillbilly. En el siglo XIX y principios del XX, inmigrantes irlandeses y escoceses llegaron en grandes cantidades. Se mezclaron allí con blancos pobres de otros orígenes étnicos, así como con muchos negros. El resultado fue una amplia gama de estilos folclóricos que se han denominado colectivamente como música folclórica de los Apalaches. Estos estilos incluían jug bands, honky tonk y bluegrass, y son la raíz de la música country moderna.

La música folclórica de los Apalaches comenzó su evolución hacia el pop-country en 1927, cuando Jimmie Rodgers y la familia Carter comenzaron a grabar en una sesión histórica con Ralph Peer (Barraclough and Wolff, 537). Rodgers cantaba a menudo temas líricos morbosos que se basaban en el blues para crear cuentos de pobres y desafortunados (Collins, 11), mientras que los Carter preferían baladas más optimistas con voces claras, instrumentación complementaria y letras sanas (Garofalo, 53). Su éxito allanó el camino para el desarrollo del country popular y dejó su huella en el género en desarrollo del rock and roll.

Otras formas de música de raíces americanas

Aunque la música folclórica de los Apalaches y los afroamericanos se convirtió en la base de la mayor parte de la música popular estadounidense, los Estados Unidos son el hogar de una gran variedad de grupos étnicos. A principios del siglo XX, muchos de estos grupos étnicos apoyaron industrias discográficas de nicho y produjeron estrellas populares menores como Pawlo Humeniuk, el "Rey de los violinistas ucranianos" (Kochan and Kytasty, 308). Algunos de estos músicos étnicos finalmente se hicieron famosos en todo el país, como Frankie Yankovic, el maestro de la polca esloveno.

Este mismo período también vio el surgimiento de powwows nativos americanos a principios del siglo XX. Estos fueron eventos intertribales a gran escala que presentaban actividad espiritual y actuaciones musicales, en su mayoría basados ​​​​en percusión grupal (Means, 594).

La inmigración a gran escala de judíos de Europa del Este y su música klezmer alcanzaron su punto máximo en las primeras décadas del siglo XX. Personas como Harry Kandel y Dave Tarras se convierten en estrellas dentro de su nicho e hicieron de Estados Unidos el centro internacional del klezmer (Broughton, 583).

En Texas, los mexicanos étnicos que habían vivido en el área durante siglos, tocaban un estilo distintivo de conjunto, diferente al que se tocaba en México. La influencia de la música polca checa fue una de las principales características distintivas de esta música, que gradualmente evolucionó hacia lo que ahora se conoce como norteño (Burr, 604).

Los cajún y los criollos de Luisiana han constituido durante mucho tiempo una minoría distinta con su propia identidad cultural. Los Cajuns son descendientes de francocanadienses de la región de Acadia, los criollos son negros y francófonos. Su música era una mezcla de canciones de trabajo de blues mezcladas con jazz y otras influencias, e incluía estilos como la la y juré. Aunque estos géneros estaban limitados geográficamente, se modernizaron y mezclaron con estilos más convencionales, evolucionando hacia la música zydeco popular a mediados de siglo (Broughton y Kaliss, 558).

Inicios de la música popular

El primer campo de la música estadounidense que podría considerarse popular, en lugar de clásica o folclórica, fue el canto de los coros coloniales de Nueva Inglaterra y los maestros itinerantes del canto como William Billings. Fue aquí donde se crearon técnicas y tradiciones como la nota de forma, la himnodia alineada y el Arpa sagrada, que se extendieron gradualmente hacia el sur y se convirtieron en una parte integral del Gran Despertar. El Gran Despertar de las décadas de 1730 y 1740 fue un período de fervor religioso, entre blancos y negros (tanto esclavos como libres), que vio crecer en popularidad a los "espirituales negros" apasionados y evangélicos (Ferris, 98).

Durante el siglo XIX, no fueron los espirituales los que obtuvieron una aclamación verdaderamente generalizada, sino las animadas canciones cómicas interpretadas por juglares con la cara pintada de negro y escritas por compositores legendarios como Stephen Foster y Daniel Emmett. Durante la Guerra Civil, las baladas populares eran comunes, algunas utilizadas liberalmente tanto por el Norte como por el Sur como canciones patrióticas. Finalmente, a finales de siglo, el cakewalk afroamericano se convirtió en ragtime, que se convirtió en una sensación en América del Norte y Europa, mientras que la corriente principal de Estados Unidos quedó cautivada por las marchas de bandas de música de John Philips Sousa.

Tin Pan Alley fue la mayor fuente de música popular a principios del siglo XX (Garofolo, 17). Tin Pan Alley era un lugar en la ciudad de Nueva York que publicaba partituras para canciones de baile como "After the Ball Is Over". Las primeras décadas del siglo XX también vieron el surgimiento del teatro musical cómico popular, como la tradición del vodevil y compositores y escritores como Oscar Hammerstein II, Jerome Kern e Ira Gershwin. Al mismo tiempo, el jazz y el blues, dos géneros distintos pero relacionados, comenzaron a florecer en ciudades como Memphis, Chicago y Nueva Orleans y comenzaron a atraer a un público mayoritario.

El blues y el jazz fueron la base de lo que se convirtió en la música popular estadounidense. La capacidad de vender música grabada a través de fonógrafos transformó la industria de la música en una que dependía del carisma de los intérpretes estrella en lugar de los compositores. Hubo una mayor presión para grabar éxitos más grandes, lo que significa que incluso las tendencias y modas menores como la guitarra de acero hawaiana dejaron una influencia permanente (la guitarra de acero sigue siendo muy común en la música country). El merengue dominicano y el tango argentino también dejaron su huella, especialmente en el jazz, que forma parte desde hace mucho tiempo de la escena musical latinoamericana. Durante la década de 1920, las cantantes clásicas de blues como Mamie Smith se convirtieron en las primeras celebridades musicales de renombre nacional. El gospel, el blues y el jazz también se diversificaron durante este período, con nuevos subgéneros evolucionando en diferentes ciudades como Memphis, Nueva York,

El jazz reemplazó rápidamente al blues como música popular estadounidense, en forma de big band swing, una especie de música de baile de principios de la década de 1930. El swing utilizó grandes conjuntos y, en general, no se improvisó, en contraste con la forma fluida de otros tipos de jazz. Con el swing extendiéndose por todo el país, otros géneros continuaron evolucionando hacia las tradiciones populares. En Luisiana, la música cajún y criolla agregaba influencias del blues y generaba algunos éxitos regionales, mientras que la música folclórica de los Apalaches generaba jug bands, bares de honky tonk y dúos de armonía cercana, que se convertirían en el pop-folk de la década de 1940, el bluegrass y país La música popular americana refleja y define la sociedad americana.

1940 y 1950

En la década de 1940, el jazz evolucionó hacia una escena bebop cada vez más experimental. La música country y folclórica también se desarrolló aún más, ganando nueva popularidad y reconocimiento por la música folclórica de vanguardia.

Los albores del rock & roll

A partir de la década de 1920, Boogie Woogie comenzó a evolucionar hacia lo que se convertiría en rock and roll, con marcadas influencias de blues, desde "Crazy About My Baby" de 1929 con elementos fundamentales del rock hasta "Roll 'Em Pete" de 1938 de Big Joe Turner, que contenía casi la fórmula completa. Adolescentes de todo el país comenzaron a identificarse entre sí y lanzaron numerosas tendencias. Quizás lo más importante es que la década de 1940 vio el surgimiento de la cultura juvenil. Surgieron las primeras estrellas adolescentes, comenzando con el ídolo de bobby soxer Frank Sinatra; esto abrió nuevas audiencias para la música popular, que había sido principalmente un fenómeno adulto antes de la década de 1940. En la década de 1940, el boogie woogie usaba términos como "rocking" y "rolling" tomados de la música gospel y blues, como en "Good Rockin' Tonight" de Roy Brown.

Raíces de la música country

La década de 1940 vio el primer gran éxito comercial de la gente de los Apalaches. Surgieron cantantes como Pete Seeger, en grupos como Almanac Singers y The Weavers. Líricamente, estos artistas se inspiraron en los primeros cantautores como Woody Guthrie, y toda la escena se asoció gradualmente con la izquierda política (Garofolo, 196). En la década de 1950, el miedo al anticomunismo estaba en pleno apogeo, y algunos artistas con una inclinación liberal o socialista fueron incluidos en la lista negra de la industria de la música.

A mediados de la década de 1940, el swing occidental alcanzó su punto máximo de popularidad. Era una mezcla de diversas influencias, que incluían swing, blues, polka y canciones populares de vaqueros, e incluía a estrellas tempranas como Bob Wills, que se convirtió en uno de los músicos más conocidos de la época.

Con una raíz honky tonk, la música country moderna surgió en la década de 1940, mezclándose con R&B y blues para formar rockabilly. Las primeras estrellas del rockabilly fueron Elvis Presley y Bill Haley, quienes entretuvieron a multitudes de fanáticos adolescentes devotos. En ese momento, el público negro escuchaba R&B, doo wop y gospel, pero estos estilos no se percibían como apropiados para los oyentes blancos. Personas como Haley y Presley eran blancas, pero cantaban con un estilo negro. Esto provocó una gran controversia por parte de los padres preocupados que sintieron que la "música de carreras", como se la conocía entonces, corrompería a sus hijos. Sin embargo, la popularidad del rockabilly siguió creciendo, allanando el camino para las primeras estrellas del rock como Chuck Berry, Bo Diddley, Little Richard y Fats Domino.

Entre los fanáticos del country, el rockabilly no estaba bien visto. En cambio, los sonidos pop de cantantes como Hank Williams y Patsy Cline se hicieron populares. Williams tuvo una racha de éxito sin precedentes, con más de diez sencillos que encabezaron las listas de éxitos en dos años (1950-1951), incluidas canciones muy recordadas que aún se interpretan hoy como "I'm So Lonesome I Could Cry" y "Cold, Cold Heart". ". Fueron artistas como Williams los que establecieron la ciudad de Nashville, Tennessee, como el centro de la industria de la música country. Allí se mezclaron el country y el pop, dando como resultado lo que se conoció como el Nashville Sound.

Evangelio y doo wop

La década de 1950 también vio la popularización generalizada de la música gospel, en la forma de cantantes poderosas como Mahalia Jackson. El gospel irrumpió por primera vez en el público internacional en 1948, con el lanzamiento de "Move on Up a Little Higher" de Jackson, que fue tan popular que no pudo enviarse a las tiendas de discos lo suficientemente rápido. A medida que la música se volvió más convencional en la última parte de la década, los artistas comenzaron a agregar influencias de R&B para crear un sonido más apetecible y bailable. A principios de la década siguiente, las letras se secularizaron, lo que dio como resultado la música soul. Algunas de las estrellas más importantes del soul comenzaron a actuar en la escena gospel de la década de 1950, incluidos Sam Cooke, Dinah Washington, Dionne Warwick y Aretha Franklin.

El doo wop, un tipo complejo de música vocal, también se hizo popular durante la década de 1950 y dejó su huella en el soul y el R&B de la década de 1960. Los orígenes exactos del género son discutibles, pero se basó en grupos como Mills Brothers y The Ink Spots, que tocaban una especie de R&B con voces principales suaves y alternas. Con la adición de inflexiones gospel, el sonido pulido y las baladas románticas del doo wop lo convirtieron en una parte importante de la escena musical de la década de 1950, a partir de 1951. Los primeros grupos populares fueron The Five Keys ("Glory Of Love") y The Flamingos ("Golden Lágrimas"). Doo wop se diversificó considerablemente más adelante en la década, con grupos como The Crows ("Gee"), creando un estilo de doo wop uptempo y el estilo de balada a través de The Penguins ("Earth Angel"), mientras que cantantes como Frankie Lymon se convirtieron en sensaciones;

Música latina

La música latina importada de Cuba (chachachá, mambo, rumba) y México (ranchera y mariachi) tuvo breves períodos de popularidad durante la década de 1950. La primera música latina popular en los Estados Unidos llegó con la rumba a principios de la década de 1930, y fue seguida por el calipso a mediados de la década de 1940, el mambo a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, el chachachá y la charanga a mediados de la década de 1950, el bolero a fines de la década de 1940. 1950 y finalmente boogaloo a mediados de los 60, mientras que la música latina se mezcló con el jazz durante el mismo período, dando como resultado el jazz latino y la fusión de bossa nova cool jazz.

La primera estrella del pop mexicano-texana fue Lydia Mendoza, quien comenzó a grabar en 1934. Sin embargo, no fue hasta la década de 1940 que la música norteña se popularizó con dúos femeninos como Carmen y Laura y Las Hermanas Mendoza, quienes tuvieron una serie de éxitos regionales.. La década siguiente vio el surgimiento de Chelo Silva, conocida como la "Reina del bolero (mexicano)", que cantaba canciones pop románticas.

La década de 1950 vio una mayor innovación en la comunidad mexicano-texana, ya que se agregaron al conjunto guitarras eléctricas, tambores y elementos de rock y jazz. Valeria Longoria fue la primera intérprete importante de conjunto, conocida por presentar la cumbia colombiana y la ranchera mexicana a las bandas de conjunto. Más tarde, Tony de la Rosa modernizó las big bands de conjunto al agregar guitarras eléctricas, un bajo sexto amplificado y una batería y ralentizar los ritmos de baile frenéticos del estilo. A mediados de la década de 1950, el director de orquesta Isidro López usó el acordeón en su banda, comenzando así la evolución de la música tejana. Little Joe, influenciado por el rock, fue la primera gran estrella de esta escena.

Música cajún y criolla

Las comunidades cajún y criolla de Luisiana vieron cómo su música local se convertía en una moda pasajera durante la década de 1950. Esto se debió en gran parte al trabajo de Clifton Chenier, quien comenzó a grabar para Specialty Records en 1955. Tomó música cajún y criolla auténtica y agregó más elementos de rock and roll: un ritmo alegre, voces frenéticas y un ritmo bailable; el resultado fue un estilo llamado zydeco. Chenier continuó grabando durante más de treinta años, lanzando más de cien álbumes y allanando el camino para estrellas posteriores como Boozoo Chavis y Buckwheat Zydeco.

1960 y 1970

En la década de 1960, la música se involucró mucho en la floreciente contracultura juvenil, así como en varias causas sociales y políticas. El comienzo de la década vio el pico de popularidad del doo wop, alrededor de 1961, así como el auge del surf, los grupos de chicas y los primeros cantantes de soul. En este período surge el rock psicodélico y progresivo, junto con las raíces de lo que luego sería el funk, el hip hop, la salsa, la música electrónica, el punk rock y el heavy metal. Un renacimiento de las raíces estadounidenses ocurrió simultáneamente como un período de liberación sexual y conflicto racial, lo que condujo al crecimiento de la madurez lírica y la complejidad de la música popular a medida que los compositores escribían sobre los cambios que estaba atravesando el país.

Principios de la década de 1960

Los primeros años de la década de 1960 vieron una gran innovación en la música popular. Los grupos de chicas, el surf y el hot rod, y el Nashville Sound eran populares, mientras que un resurgimiento del folk de los Apalaches y las raíces afroamericanas del blues se hizo dominante entre una porción más pequeña de la audiencia que escuchaba. Una población aún mayor de audiencias jóvenes en el Reino Unido escuchaba blues estadounidense. A mediados de la década, bandas británicas de blues y R&B como The Beatles, The Who y los Rolling Stones encabezaban las listas en lo que se conoció como la invasión británica, junto con la música soul recientemente secularizada y la incorporación del Bakersfield Sound. Los cantautores de folk como Bob Dylan también agregaron nuevas innovaciones a la música popular, ampliando sus posibilidades, como hacer sencillos de más de los tres minutos estándar de duración.

Rock psicodélico

El rock psicodélico se convirtió en el género más estrechamente entrelazado con la cultura juvenil. Surgió a partir de la invasión británica del blues a mediados de la década, cuando bandas como The Beatles, Rolling Stones, The Yardbirds y The Who dominaban las listas de éxitos y solo unas pocas bandas estadounidenses, como The Beach Boys y The Mamas & the Papas, podría competir. Se asoció con los hippies y el movimiento contra la guerra, los derechos civiles, el feminismo y el ecologismo, en paralelo con el ascenso similar de Afrocentric Black Power en el soul y el funk. Eventos como Woodstock se convirtieron en símbolos definitorios para la generación conocida como los Baby Boomers, que nacieron inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial y alcanzaron la mayoría de edad entre mediados y fines de la década de 1960.

Más adelante en la década, el rock psicodélico y la cultura juvenil se separaron. Apareció el punk rock, el heavy metal, el cantautor y el rock progresivo, y la conexión entre la música y el activismo social desapareció en gran medida de la música popular.

Entre los lugares clave que promovieron el rock psicodélico se encuentran Matrix, Avalon Ballroom, Fillmore Auditorium y Berkeley Community Theatre en San Francisco, The Family Dog Denver, Grande Ballroom en Detroit, Whiskey A-Go-Go y Kaleidoscope en Los Ángeles, y Café Au Go Go en Nueva York.

Alma y funk

Desde la década de 1960 hasta la de 1970, las cantantes de soul femeninas como Aretha Franklin y las cantantes pop femeninas Dionne Warwick y Diana Ross fueron populares, mientras que artistas innovadores como James Brown inventaron un nuevo estilo de soul llamado funk. Influenciado por el rock psicodélico, que estaba en las listas de éxitos en ese momento, el funk era un tipo de soul muy rítmico y bailable. Más adelante en la década y en la década de 1970, el funk también se dividió en dos vertientes. Sly & the Family Stone hizo que el pop-funk fuera apetecible para las masas, mientras que George Clinton y su colectivo P Funk fueron pioneros en un nuevo funk psicodélico. En la década de 1970, Kool & the Gang y Ohio Players eran populares. El soul orientado a los álbumes también apareció muy tarde en la década y en la siguiente, con artistas como Marvin Gaye,

Fue en este contexto, de soul y funk orientado a álbumes, influenciado por Black Power y el movimiento de derechos civiles, que los afroamericanos de Harlem inventaron la música hip hop.

País y gente

Merle Haggard lideró el surgimiento de Bakersfield Sound en la década de 1960, cuando la superficialidad percibida de Nashville Sound condujo a una ola nacional que cambió casi por completo la capital y el sonido de la música country en unos pocos años. Al mismo tiempo, el bluegrass se convirtió en una gran influencia en las bandas de improvisación como Grateful Dead y también evolucionó hacia géneros nuevos y progresivos como el newgrass. Como parte del renacimiento de las raíces en todo el país, la guitarra slack-key hawaiana y el pop del pantano cajún también tuvieron éxito en la corriente principal.

Tejano

Con el éxito generalizado del conjunto de big band de Tony de la Rosa a fines de la década de 1950, el estilo se volvió más influenciado por el rock y el pop. El estilo salvaje e improvisado de acordeón de Esteban Jordan se hizo popular, allanando el camino para el mayor éxito de El Conjunto Bernal. La banda de los hermanos Bernal vendió miles de discos y utilizó ritmos más rápidos que antes.

1970

A principios de la década de 1970, la música popular estuvo dominada por cantautores de base folk como John Denver, Carole King y James Taylor, seguida por el auge de los subgéneros de heavy metal, glam, country rock y, más tarde, disco. Philly soul y pop-funk también fueron populares, mientras que las fusiones de músicas del mundo se volvieron más comunes y se produjo un importante renacimiento klezmer entre la comunidad judía. A principios de la década de 1970, el hip hop surgió en la ciudad de Nueva York, aprovechando diversas influencias de la música folclórica blanca y negra, el brindis jamaicano y la poesía escénica de Gil Scott-Heron.

Metal pesado

Los primeros pioneros del heavy metal incluyeron a las bandas británicas The Yardbirds Led Zeppelin y Black Sabbath, aunque las bandas de culto estadounidenses Blue Cheer y The Velvet Underground también desempeñaron un papel importante. Su música era dura y de blues, con un tono a menudo amenazante que se hizo más pronunciado en subgéneros posteriores. A principios de la década de 1970, surgió el glam rock influenciado por el heavy metal, y músicos como David Bowie se hicieron famosos por sus disfraces y temas que cambiaban el género. El glam fue seguido por el grandilocuente rock de arena convencional y las bandas de rock progresivo ligero que se convirtieron en la corriente principal, con bandas como Styx y Chicago lanzando carreras populares que duraron la mayor parte de la década. El glam metal, una forma deslumbrante del metal de Los Ángeles, también encontró un nicho de audiencia pero un éxito general limitado.

País fuera de la ley

Con Bakersfield Sound como influencia dominante, los cantantes de country al margen de la ley como Willie Nelson y Waylon Jennings fueron las estrellas de country más importantes de la década de 1970, junto con bandas de country rock como Lynyrd Skynyrd y Allman Brothers Band, que estaban más orientadas a audiencias cruzadas. Más adelante en la década y en la siguiente, ambos se mezclaron con otros géneros en la forma de rockeros del corazón como Bruce Springsteen, mientras que un renacimiento del honky tonk llegó a las listas de éxitos del país, liderado por Dwight Yoakam.

Hip hop

El hip hop fue un movimiento cultural que comenzó en el Bronx a principios de la década de 1970 y consta de cuatro elementos. Dos de ellos, raperos y DJ, componen música hip hop. Estos dos elementos fueron importados de Jamaica por DJ Kool Herc. En las fiestas de barrio, los DJ tocaban discos populares mientras el público bailaba. Pronto, surgió un MC para dirigir los procedimientos, mientras el DJ comenzaba a aislarse y repetir las pausas de percusión (la parte bailable más popular). Las presentaciones de los MC se volvieron cada vez más complejas, basándose en numerosas tradiciones vocales derivadas de África, y se convirtieron en la base del rap. A finales de la década, el hip hop se había extendido por todo el país, especialmente en Los Ángeles y Chicago.

Salsa

Los cubanos y puertorriqueños en Nueva York inventaron la salsa a principios de la década de 1970, utilizando múltiples fuentes de América Latina en el crisol panlatino de la ciudad. La plena y la bomba puertorriqueñas y el chachachá, el son montuno y el mambo cubanos fueron las mayores influencias, junto con fuentes jamaicanas, mexicanas, dominicanas, trinitarias, argentinas, colombianas y brasileñas. Muchos de los primeros músicos de salsa, como Tito Puente, tenían una larga carrera en varios estilos de música latina. La salsa se hizo muy popular en la década de 1970 y en las siguientes dos décadas, extendiéndose hacia el sur hasta Venezuela, Colombia, Puerto Rico, México, Perú y especialmente Cuba.

Punk rock

El punk rock surgió como una reacción contra lo que había venido antes. Los primeros punks creían que la codicia hueca había destruido la música estadounidense y odiaban la ampulosidad y la arrogancia percibidas de las bandas más grandes de la década de 1970. Surgió en Londres y Nueva York, con numerosos centros regionales a finales de la década, cuando actos como Ramones y Patti Smith vieron un éxito sin precedentes para su género desafiantemente anti-mainstream. Sin embargo, fue la banda británica The Clash la que se hizo muy popular, más en el Reino Unido que en los Estados Unidos, y sentó las bases para la adopción de elementos del punk en la música popular en la década de 1980.

1980 y 1990

La década de 1980 comenzó con la nueva ola dominando las listas de éxitos, y continuó a través de una nueva forma de soul suave como la seda, y terminó con una tendencia popular de glam metal que dominaba la corriente principal de Estados Unidos. Mientras tanto, comenzó el primer atisbo de la popularidad del punk rock, y el nuevo rock alternativo y el hardcore encontraron nichos de mercado. El hip hop se diversificó a medida que algunos artistas obtuvieron éxito en la corriente principal, y finalmente se abrieron paso en los últimos meses de la década.

Hip hop

En la década de 1980, el hip hop experimentó su primer éxito comercial con LL Cool J y Kurtis Blow. Mientras tanto, el hip hop continuaba su expansión desde la costa este hasta la mayoría de las principales áreas urbanas de todo el país y el extranjero. Al final de la década, dos álbumes llevaron el género a la corriente principal. It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back de Public Enemy y Straight Outta Compton de NWA se abrieron paso con letras muy controvertidas y, a veces, violentas. NWA demostró ser especialmente importante, lanzando la carrera de Dr. Dre y el sonido dominante del rap de la costa oeste de la próxima década. Ese mismo año (1989), 3 Feet High and Rising de De La Soulse convirtió en el primer lanzamiento de hip hop alternativo, y numerosos estilos regionales de hip hop vieron su primera legitimación, incluido el hip house de Chicago, el electroclash de Los Ángeles, el bajo de Miami, el go-go de Washington, DC y el ghettotech de Detroit. Inspirándose en las actitudes rebeldes del Movimiento de Derechos Civiles y grupos como Public Enemy, muchos raperos inteligentes y con mentalidad política comenzaron lo que se conoce como hip-hop clandestino con artistas como Boots Riley de The Coup a la cabeza.

1990

Cuando comenzó la década de 1990, el hair metal dominaba las listas, especialmente bandas formuladas como Extreme. Como reacción a eso, los primeros años vieron un cambio radical en la música popular estadounidense. Nevermind de Nirvana junto con Alice in Chains, Pearl Jam y Soundgarden lanzaron el desafiante movimiento grunge anti-mainstream entre el público general, mientras que The Chronic de Dr. Dre llevó su sonido West Coast G Funk al éxito generalizado.

Ambas tendencias se extinguieron rápidamente, sin embargo, el grunge terminó con la muerte de Kurt Cobain y la desilusión con el grunge, una forma de rock alternativo, convirtiéndose en la corriente principal. G Funk duró algunos años, desplazando al rap de la Costa Este como el sonido dominante del hip hop. Comenzó una rivalidad, alimentada por las noticias musicales, centrada en Tupac Shakur de la costa oeste y Notorious BIG de la costa este. A mediados de la década, Tupac y Biggie fueron asesinados a tiros, y Death Row Records de Dr. Dre se había derrumbado. Los raperos de la costa este como Puff Daddy, 50 Cent y Busta Rhymes restablecieron la costa este, mientras que OutKast de Atlanta y otros artistas encontraron una audiencia mayoritaria.

Alanis Morissette, una de las artistas más vendidas de la década de 1990, inyectó una renovada popularidad a cantautoras como Tori Amos, Jewel y Sarah McLachlan. Tras el grunge y el gangsta rap, surgió una fusión de soul y hip hop, llamada neo soul, cierta popularidad del britpop británico y el surgimiento de bandas como Sublime y No Doubt, que tocaban una forma de pop punk influenciado por el ska jamaicano y el two británico. fusionistas de tono ska/punk de principios de los 80. Techno también se hizo popular, aunque en ninguna parte tanto como en la mayor parte del resto del mundo.

En el cambio de milenio, grupos pop chic como Backstreet Boys y Britney Spears dominaban las listas, muchos de ellos con un ritmo latino (Shakira, Ricky Martin), y raperos como Jay-Z y Eminem eran grandes estrellas. Algunos revivalistas del garage rock como The White Stripes y The Hives se convirtieron en bandas muy publicitadas en el campo del indie rock y lograron un éxito sustancial en la corriente principal. Los primeros años de la década de 2000 vieron un mayor auge del pop-hip hop, alimentado por el gran éxito de Eminem. De hecho, el hip hop se convirtió en un elemento esencial de casi toda la música popular durante este período, dando lugar a nuevas fusiones como el nu metal. Los raperos pop matones como Ja Rule eran reconocidos a nivel nacional, aunque la cadera dura hizo un regreso en unos pocos años con el ascenso de 50 Cent.