Historia de la música de Estados Unidos a finales del siglo XIX.
La última parte del siglo XIX vio una mayor popularización de la música afroamericana y el crecimiento y madurez de estilos folclóricos como el blues.
Música afroamericana
Trapo
En la década de 1890, los estilos afroamericanos más sofisticados de la música cakewalk y luego el ragtime comenzaron a hacerse populares. Originalmente asociado principalmente con los afroamericanos pobres, el ragtime fue rápidamente denunciado como degenerado por los conservadores y el establishment de formación clásica. Sin embargo, a pesar de la denigración, el estilo continuó ganando popularidad y se volvió popular; fue adoptado por Tin Pan Alley a principios del siglo XX.
El ragtime compartía similitudes con el blues y el jazz, las dos formas rivales de la música afroamericana de la época. Se basaba principalmente en piano y podía ser interpretado por una sola persona (más como el blues) o por una orquesta completa (más como el jazz). Scott Joplin fue el músico de ragtime más famoso.
El rag también comparte fuertes similitudes con la música polka alemana, con un fuerte énfasis en los tiempos 2 y 4. Ambos estilos también se basan en los acordes de séptima y novena, lo que da como resultado una paleta armónica más sofisticada. De las islas del Caribe y de otras fuentes, Rag adoptó fuertes síncopas tanto en la mano izquierda como en la derecha de la música de piano.
Jugador
Los artistas solistas con la cara negra eran muy conocidos a mediados del siglo XIX. Parodias similares de africanos habían sido populares a finales del siglo XVIII en Inglaterra y se extendieron a través del Atlántico gracias a los esfuerzos de comediantes como Charles Mathews, Thomas Rice y George Washington Dixon. Rice sigue siendo quizás el más conocido, principalmente por la importancia histórica de su "Salto Jim Crow". El primer grupo de juglares fue probablemente los Virginia Minstrels, que actuaron en 1843 en la ciudad de Nueva York (Chase, 232), aunque el espectáculo de cuatro hombres de E. P. Christy en Buffalo, Nueva York, el año anterior, es otro contendiente. Pronto le siguieron muchos otros grupos, normalmente utilizando banjo, violín, castañuelas y pandereta. Thomas Rice y otros artistas de cara negra adaptados al juglar; Rice escribió óperas como Bone Squash Diavolo antes de que su popularidad disminuyera en la década de 1850. Otro grupo de ópera juglar fue el Kneass Opera Troupe, que hizo parodias pintadas de negro de La Cenerentola de Rossini, La muchacha bohemia de Balfe y de Auber' s Fra. Diavolo. Estas parodias recibieron títulos como Son-Am-Bull-Ole para una parodia de La somnambula de Bellini, siendo el título inventado una referencia humorística al violinista Ole Toro. Los espectáculos de juglar se extendieron a Londres en 1846 m y siguieron siendo un elemento importante en Londres hasta al menos la década de 1880.
Jugadores negros
Al final de la guerra civil, habían aparecido grupos de juglares con artistas negros reales. Aunque sus estilos no se parecían más a las prácticas esclavistas reales que las de los juglares blancos, estos grupos se autodenominaban más "auténticos" que los de los juglares blancos. y se hizo popular. Dado que muchos de los artistas eran de piel clara, los artistas negros todavía se frotaban la cara con corcho y se entretenían con la cara negra. Esta práctica alcanzó su punto máximo alrededor de 1872, habiendo producido estrellas como el banjoista Horace Weston y el comediante Billy Kersands.
Cara negra
Un componente de los espectáculos de juglares, las actuaciones de cara negra incluían cantantes blancos (o, más raramente, afroamericanos) vestidos con trajes extraños, con sus rostros marcados de negro con corcho quemado, cantando en una caricatura del inglés vernáculo afroamericano. Los compositores incluyeron a E. P. Christy, Daniel Decatur Emmett y Thomas Rice; el tema "Jump Jim Crow" de este último. Era una canción inmensamente popular, tan conocida y reproducida que los líderes extranjeros la confundieron con el himno nacional estadounidense. Otras canciones típicamente interpretadas con cara negra incluyen "Camptown Races", "Old Dan Tucker", "Dixie", "Old Folks at Home", y #34;Old Black Joe", "Turquía en la paja" y "O Dem Golden Slipper".
Marchas militares
La música de marcha de estilo militar gozaba de gran popularidad y la mayoría de las ciudades tenían bandas de música que interpretaban este género musical. Los compositores de marchas estadounidenses más populares fueron John Philip Sousa, Henry Fillmore y Karl King. Patrick Sarsfield Gilmore estaba, en muchas mentes, a la par de Sousa. Algunos, aunque más apreciados por Gilmore que por Sousa. Ambos compusieron obras para bandas y otros conjuntos.
La música militar no fue una fuente importante de entretenimiento en los EE. UU. hasta después de la Guerra Civil. Después de que terminó la guerra, muchas de las bandas se dispersaron y sus miembros seguramente influyeron en las actividades musicales en sus ciudades de origen. Durante y después de la guerra, la banda militar actuó en desfiles, conciertos al aire libre y campamentos (reuniones de veteranos). El cenador para bandas fue un invento arquitectónico para que las bandas pudieran actuar al aire libre con cierta protección contra las inclemencias del tiempo. La película "The Music Man" se basa en una investigación detallada sobre el surgimiento de bandas de ciudades pequeñas en el medio oeste. Antes de las bandas militares y luego comunitarias, había poca producción musical organizada en los pueblos pequeños debido al costo y muchos otros factores. Con el aumento de la demanda de instrumentos de viento, los fabricantes de instrumentos musicales de la costa este de EE. UU. comenzaron a comercializar intensamente sus productos y los productos de los fabricantes europeos en gran parte de los EE. UU. Para ayudar en la comercialización de sus productos (instrumentos, partituras, etc.), muchas casas de música regionales Comenzó a publicar revistas musicales. Las bandas comunitarias continuaron hasta alrededor de la Primera Guerra Mundial. Para la Segunda Guerra Mundial, las bandas comunitarias habían sufrido disminuciones significativas. El costo, los cambios en los gustos musicales y la introducción de la radio y los tocadiscos socavaron el interés del público en las bandas comunitarias.
Inmigrantes de Europa del Este
A partir de la década de 1880, los judíos de Europa del Este emigraron a Estados Unidos en grandes cantidades. Trajeron consigo klezmorim, o músicos que tocaban música klezmer en bodas y otros eventos comunitarios. Pronto, Estados Unidos se convirtió en el centro internacional de la música klezmer y se convirtió en una gran influencia para el jazz y otros géneros.
En el siglo XX, la inmigración procedente de Italia, Irlanda, Armenia, China, Alemania, Finlandia y otros lugares fue generalizada. La mayoría de estas comunidades de inmigrantes mantuvieron vivas sus tradiciones populares. Algunos produjeron músicos de gran estatura, como el violinista ucraniano Pawlo Humeniuk en las décadas de 1920 y 1930. Mucho más tarde, el laudista armenio Richard Hagopian también se hizo popular en casa y en el extranjero. El maestro de la polca esloveno, Frankie Yankovic, ha tenido quizás más éxito cruzado que estas otras estrellas; su período de mayor popularidad fue en la década de 1940.
Además de los pueblos que emigraron a los Estados Unidos, muchos de los mejores músicos, cantantes y actores de Europa realizaron numerosas giras por los Estados Unidos. Jenny Lind, Ole Bull, Enrico Caruso y Oscar Wilde realizaron giras muy publicitadas y a menudo con gran éxito.
Compositores y directores
Durante el siglo XIX, muchos compositores nacidos en Estados Unidos viajaron a Europa para recibir educación musical. Luego regresaron a los EE. UU. y compartieron sus conocimientos sobre los últimos estilos europeos. Como tal, muchos de estos compositores escribieron en estilos típicos de la época. Louis Moreau Gottschalk fue uno de esos compositores que superó a muchos de sus contemporáneos. Su socio Charles Kunkel, que a menudo interpretaba duetos con Gottschalk durante sus giras, era un compositor por derecho propio. Theodore Thomas (director) fue considerado un director destacado durante las décadas de 1880 y 1890. Thomas también defendió las obras de los principales compositores europeos. También dirigió obras de destacados compositores estadounidenses. Hoy en día, la gran mayoría de los compositores estadounidenses del siglo XIX están prácticamente perdidos en la historia. Esta fue también la época en la que las compositoras y los compositores afroamericanos comenzaron a ver su música publicada en mayor número.
Callejón de la hojalata
En las últimas décadas del siglo XIX, la industria musical quedó dominada por un grupo de editores y compositores de la ciudad de Nueva York que llegó a ser conocido como Tin Pan Alley. Los representantes de Tin Pan Alley se repartieron por todo el país, comprando éxitos locales para sus editores y promocionando las últimas canciones de sus editores. Los manifestantes de canciones eran habituales en los grandes almacenes y tiendas de música de todo el país, y los manifestantes de canciones itinerantes recorrieron las zonas rurales. La industria fue impulsada por las ganancias de la venta de partituras. Un piano se consideraba imprescindible en cualquier hogar de clase media o alta. Los principales éxitos de Tin Pan Alley del siglo XIX incluyeron "Only a Bird in a Gilded Cage" y "Después de que termine el balón".