Historia de la danza
Es difícil acceder a la historia de la danza porque la danza no suele dejar artefactos físicos claramente identificables que duren milenios, como herramientas de piedra, implementos de caza o pinturas rupestres. No es posible identificar con exactitud exacta cuándo la danza pasa a formar parte de la cultura humana. La danza está llena de valores estéticos, lo que la distingue de una sociedad a otra y está envuelta en un simbolismo que expone que el patrimonio cultural de una comunidad es, por lo tanto, único de una sociedad a otra. La danza puede ayudar a contar una historia, transmitir sentimientos y emociones y conectar con los demás y con nosotros mismos.
Danza temprana
El impulso natural de bailar puede haber existido en los primeros primates antes de que evolucionaran hasta convertirse en humanos. La danza ha sido una parte importante de las ceremonias, los rituales, las celebraciones y el entretenimiento desde antes del nacimiento de las primeras civilizaciones humanas. La arqueología ofrece rastros de danza de tiempos prehistóricos, como las pinturas de los refugios rocosos de Bhimbetka, de 10.000 años de antigüedad, en la India, y las pinturas de tumbas egipcias que representan figuras danzantes de c. 3300 a.C. Muchas formas de danza contemporánea se remontan a danzas históricas, tradicionales, ceremoniales y étnicas del período antiguo.
Medios de comunicación social y vinculación
La danza puede haber sido utilizada como una herramienta de interacción social que promovía la cooperación esencial para la supervivencia entre los primeros humanos. Los estudios encontraron que los mejores bailarines de hoy comparten dos genes específicos asociados con una predisposición a ser buenos comunicadores sociales.
Además, el término “kinestésico” es el término adecuado para ayudar a entender cómo la danza hace comunicación, y significa reconocimiento del movimiento del propio cuerpo, esta palabra es una combinación de dos palabras (kinein= moverse, aesthesis= percepción). Y la danza en la comunicación es como el lenguaje, se puede entender, sentir, ver y oír. Cuando alguien usa todos los músculos y sentimientos del cuerpo en un baile, enviarás un mensaje a la audiencia o a quienes estaban mirando. Por eso, los movimientos de baile y los sonidos de fondo también juegan un papel importante. Cuando hay una actuación grupal, tomarse de la mano o de los hombros o incluso bailar uno frente al otro los hace sentir comunicados y unidos.
Como celebraciones folclóricas
Muchas danzas de los primeros períodos se realizaban como un ritual para los dioses que los antepasados creían que debían entretenerse para la paz mundial. Danza utilizada en muchas celebraciones y hasta la actualidad. A lo largo de la historia podemos notar que la danza tuvo muchos usos como también danza comunitaria, recolección y adoración. La evolución de la danza comenzó con orígenes folklóricos para cortejar las presentaciones y ahora el teatro o incluso el cine.
En ceremonias y rituales
La danza se puede realizar en rituales religiosos o chamánicos, por ejemplo, en la danza de la lluvia que se realiza en tiempos de sequía. Los chamanes que bailan para recibir la lluvia se mencionan en textos chinos antiguos. La danza es un aspecto importante de algunos ritos religiosos en el antiguo Egipto; de manera similar, la danza también es parte integral de muchas ceremonias y ritos entre los africanos. También se pueden realizar danzas rituales en templos y durante festivales religiosos, por ejemplo, las danzas rituales Rasa de la India (varias danzas clásicas indias pueden tener su origen en danzas rituales) y las danzas Cham del Tíbet.
Como método de curación
Otro uso temprano de la danza puede haber sido como precursor de estados de trance extático en rituales de curación. La danza es utilizada con este fin por muchas culturas, desde la selva tropical brasileña hasta el desierto de Kalahari. Se pensaba que las danzas macabras de la Europa medieval protegían a los participantes de las enfermedades; sin embargo, la histeria y la duración de estos bailes conducían en ocasiones a la muerte por agotamiento.
Según una leyenda cingalesa, las danzas de Kandy se originaron hace 2500 años a partir de un ritual de danza mágica que rompía el hechizo de un rey hechizado para curarlo de una misteriosa enfermedad.
Como método de expresión
Uno de los primeros usos estructurados de las danzas puede haber sido la representación y el relato de mitos. A veces también se usaba para mostrar sentimientos por alguien del sexo opuesto. También está vinculado al origen de "hacer el amor". Antes de la producción de lenguas escritas, la danza era uno de los métodos para transmitir estas historias de generación en generación.
En la cultura europea, uno de los primeros registros de danza es el de Homero, cuya Ilíada describe la corea (χορεία khoreia). Los primeros griegos convirtieron el arte de la danza en un sistema que expresaba todas las diferentes pasiones. Por ejemplo, la danza de las Furias, así representada, crearía un terror total entre quienes la presenciaran. El filósofo griego Aristóteles equiparaba la danza a la poesía y decía que ciertos bailarines, con el ritmo aplicado al gesto, podían expresar modales, pasiones y acciones. Los más eminentes escultores griegos estudiaron la actitud de los bailarines por su arte de imitar la pasión.
Tradiciones culturales
Asia
Danza clásica india
Did you mean:An early manuscript describing dance is the Natya Shastra on which is based the modern interpretation of classical Indian dance (e.g. Bharatanatyam).
Did you mean:During the reign of the last Mughals and Nawabs of Oudh, dance fell down to the status of 'nautch#39;, an unethical sensuous thing of courtesans.
Más tarde, al vincular la danza con el tráfico inmoral y la prostitución, el dominio británico prohibió la representación pública de danza. Muchos lo desaprobaron. En 1947, la India obtuvo su libertad y creó para la danza un ambiente en el que podía recuperar su gloria pasada. Se redescubrieron formas clásicas y distinciones regionales, se honraron las especialidades étnicas y, al sintetizarlas con los talentos individuales de los maestros de la línea y nuevas innovaciones, surgió la danza con una cara nueva pero con el clasicismo del pasado.
En Sri Lanka, la antigua crónica cingalesa Mahavamsa afirma que cuando el rey Vijaya desembarcó en Sri Lanka en el año 543 a. C. escuchó sonidos de música y bailes de una ceremonia nupcial. Los orígenes de las danzas de Sri Lanka se remontan a las tribus aborígenes y a la época mitológica de los gemelos aborígenes yingyang y los "yakkas" (diablos). Las danzas clásicas de Sri Lanka (danzas de Kandy) presentan un sistema de tala (ritmo) muy desarrollado y están provistos de platillos llamados thalampataa.
Danza china
Existe una larga historia registrada de las danzas chinas. Algunas de las danzas mencionadas en los textos antiguos, como el baile con movimientos de manga, todavía se realizan en la actualidad. Algunas de las primeras danzas estaban asociadas con rituales chamánicos. Las danzas folclóricas del período temprano también se convirtieron en danzas de la corte. Las danzas importantes del período antiguo fueron las ceremoniales yayue que datan de la dinastía Zhou del primer milenio antes de Cristo. El arte de la danza en China alcanzó su apogeo durante la dinastía Tang, un período en el que bailarines de muchas partes del mundo también actuaban en la corte imperial. Sin embargo, la ópera china se hizo popular durante las dinastías Song y Yuan, y muchas danzas se fusionaron con la ópera china. El arte de la danza en las mujeres también decayó a partir de la dinastía Song como resultado de la creciente popularidad de vendar los pies, una práctica que, irónicamente, puede haberse originado en el baile cuando una bailarina se envolvía los pies para poder bailar al estilo ballet. Las danzas tradicionales chinas más conocidas son la danza del dragón y la danza del león. La danza del león se describió en la dinastía Tang en una forma que se asemeja a la danza actual.
Danza iraní
Prehistoria
Los habitantes de la meseta iraní han conocido la danza en forma de música, juego, teatro o rituales religiosos y han utilizado instrumentos como máscaras, disfraces de animales o plantas e instrumentos musicales para el ritmo, al menos desde el sexto milenio antes de Cristo.. Las formas culturales mixtas de danza, juego y teatro han servido para rituales como celebración, duelo y adoración. Y los actores han sido maestros de la música, la danza, los actos físicos y las formas de expresión. Se encontraron artefactos con imágenes de bailarines, jugadores o actores en muchos sitios arqueológicos prehistóricos de Irán, como Tepe Sabz, Ja'far Abad, Chogha Mish, Tall-e Jari, Cheshmeh Ali, Ismaeel Abad, Tal-e bakun, Tepe. Sialk, Tepe Musian, tepe Yahya, Shahdad, Tepe Gian, Kul Farah, Susa, Kok Tepe, Cementerios de Luristán, etc.
Historia
La danza más antigua investigada en el Irán histórico es una danza que adoraba a Mitra (como en el Culto de Mitra) en la que se sacrificaba un toro. Más tarde, este culto adquirió una gran adhesión en el Imperio Romano. Esta danza era para promover el vigor en la vida. La danza persa antigua fue investigada significativamente por el historiador griego Heródoto de Halikarnassos, en su obra Libro IX (Calíope), en la que describe la historia de los imperios asiáticos y las guerras persas hasta el 478 a.C. La antigua Persia fue ocupada por potencias extranjeras, primero griegos, luego árabes y luego mongoles y, a su vez, se produjo inestabilidad política y guerras civiles. A lo largo de estos cambios se produjo una lenta desaparición de las tradiciones de danza patrimoniales.
La prohibición religiosa de bailar en Irán llegó con la expansión del Islam, pero fue impulsada por acontecimientos históricos. La prohibición religiosa de bailar tuvo altibajos a lo largo de los años, pero después de la Revolución iraní de 1979, el baile ya no estaba permitido debido a la frecuente mezcla de sexos. La Revolución Islámica de 1979 marcó el final de una era exitosa para la danza y el arte del ballet en Irán. La compañía de ballet nacional iraní se disolvió y sus miembros emigraron a diferentes países. Según los principios de la “revolución cultural” en Irán, el baile era considerado perverso, un gran pecado, inmoral y corruptor. Como resultado, muchos de los talentosos bailarines persas se trasladaron a Occidente y se extendieron principalmente por Europa y Estados Unidos, y una nueva generación de bailarines y artistas de ballet iraníes ha crecido en la diáspora.
Europa
Siglos XV-XIX: de los bailes cortesanos al romanticismo
Los orígenes del ballet se remontan a las cortes del Renacimiento italiano del siglo XV. Los maestros de danza enseñaban los pasos a la nobleza y la corte participaba en espectáculos como forma de entretenimiento social. Esta práctica continuó durante varios siglos. En el siglo XVII, el ballet cortesano alcanzó su apogeo bajo el reinado del rey Luis XIV.
En el siglo XVIII, el ballet había migrado de las cortes reales francesa e italiana a la Ópera de París bajo la cuidadosa dirección del compositor y bailarín Jean-Baptiste Lully. Lully buscó convertir el ballet en un arte más serio. Bajo su influencia, el ballet se convirtió en un arte reconocido que era realizado por bailarines profesionales en lugar de cortesanos.
Durante el siglo XVIII, el ballet pasó de ser una danza cortesana de imágenes en movimiento como espectáculo a ser un arte escénico por derecho propio. Las representaciones de ballet se desarrollaban en torno a una narrativa central y contenían un movimiento expresivo que revelaba las relaciones entre los personajes. Este estilo dramático de ballet se conoció como ballet de acción. El ballet d'action se esforzó por expresar, por primera vez, emociones humanas extraídas directamente de los propios bailarines. Se quitaron las máscaras que usaban previamente los artistas para que el contenido emocional pudiera derivarse de las expresiones faciales.
Los disfraces durante esta época eran muy restrictivos para los bailarines. Aunque se fomentó un uso más expresivo del cuerpo, los bailarines & # 39; Los movimientos todavía estaban restringidos debido a los materiales pesados y los vestidos encorsetados. Los disfraces a menudo cubrían el físico del bailarín y dificultaban ver coreografías complejas o intrincadas. No fue hasta que el coreógrafo Jean Georges Noverre pidió reformas en la danza en 1760 con sus Cartas sobre la danza y los ballets que el vestuario se volvió más propicio. Noverre instó a que los trajes se confeccionen con telas livianas que se muevan con fluidez con el cuerpo, complementando la figura del bailarín. Además, los bailarines llevaban zapatillas suaves que se ajustaban cómodamente al pie. Este diseño de zapato infundió confianza a la bailarina, desafiándola a bailar de puntillas. El vestuario naturalista permitió a los bailarines traspasar los límites del movimiento y, finalmente, elevarse en punta.
La era del romanticismo produjo ballets inspirados en la fantasía, la mística y las culturas desconocidas de lugares exóticos. Ballets que se centraron más en las emociones, la fantasía y los mundos espirituales y anunciaron el comienzo del verdadero trabajo de punta. Ahora, de puntillas, la bailarina deificada (encarnada en este período por la legendaria bailarina Marie Taglioni) parecía rozar mágicamente la superficie del escenario, un ser etéreo que nunca llegaba a tocar el suelo. Fue durante este período que la estrella ascendente de la bailarina eclipsó por completo la presencia del pobre bailarín, que en muchos casos era reducido al estatus de una estatua en movimiento, presente sólo para levantar a la bailarina. Esta triste situación en realidad sólo fue reparada con el ascenso de la estrella del ballet masculino Vaslav Nijinsky, con los Ballets Rusos, a principios del siglo XX. El ballet tal como lo conocemos había evolucionado verdaderamente en ese momento, con todas las convenciones familiares de vestuario, forma coreográfica, trama, pompa y circunstancias firmemente fijadas. Nijinsky introdujo el atletismo en el ballet. Aunque en ese momento sus coreografías fueron consideradas como controvertidas, ahora son consideradas como uno de los primeros ballets contemporáneos.[1]
Principios del siglo XX: del ballet a la danza contemporánea
Desde que los Ballets Rusos comenzaron a revolucionar el ballet a principios del siglo XX, ha habido continuos intentos de romper el molde del ballet clásico. Actualmente, el alcance artístico de la técnica del ballet (y la música, el saltador y la multimedia que la acompañan) es más amplio que nunca. Los límites que clasifican una obra de ballet clásico se amplían, enturbian y desdibujan constantemente hasta que quizás lo único que queda hoy son rastros de modismos técnicos como participación.
El siglo XX fue de hecho un período de ruptura con todo lo que representaba el ballet. Fue una época de crecimiento creativo sin precedentes, para bailarines y coreógrafos. También fue una época de ampliación de la definición de danza. Los Ballets Russes supusieron un punto de inflexión para el futuro del ballet en Occidente y en el mundo. Colaborando con genios de esa época, como Coco Chanel, Pablo Picasso y otros.[2] Los Ballets Russes reunieron buena música, diseño y danza en una actuación completa.[3]
África
La danza africana se refiere principalmente a los estilos de danza del África subsahariana, de los cuales muchos se basan en ritmos tradicionales y tradiciones musicales de la región. Los estilos de danza africanos modernos están profundamente arraigados en la cultura y la tradición. Muchas tribus desempeñan un papel únicamente con el fin de transmitir las tradiciones de danza de la tribu; danzas que se han transmitido a través de los siglos, a menudo sin cambios, con poco o ningún espacio para la improvisación. Cada tribu desarrolló su propio estilo de danza único, dividiéndose en tres categorías según su propósito. La primera es la danza religiosa, que según muchas tribus mejora la paz, la salud y la prosperidad. En las danzas religiosas a menudo participaban enmascarados, que actuaban como espíritus y como quienes los apaciguaban. La religión y la espiritualidad impregnaron cada parte de la vida tradicional africana y continúan afectando la danza africana en la actualidad. La segunda es griótica, y era un tipo de danza que contaba una historia. Lleva el nombre de un griot, que es un término para designar a un narrador tradicional de África occidental. Ciertas danzas grióticas solo las bailaban los griot de la tribu. Hoy en día, las compañías realizan las mismas danzas que alguna vez fueron exclusivas de los griot. El tercer tipo es ceremonial. Estos bailes se realizan en ceremonias como bodas, aniversarios y ritos de iniciación. Sin embargo, muchos bailes no tenían un solo propósito. Más bien, a menudo había un propósito principal que se mezclaba con muchos propósitos secundarios. La danza era a menudo muy importante para el mantenimiento del estatus de un gobernante en la sociedad tribal. El colonialismo y la globalización han resultado en la erradicación de ciertos estilos de danza africana. Otros estilos se han mezclado o mezclado con estilos de danza fuera de África.
Danza africana en el contexto de la esclavitud
Cuando las personas fueron llevadas de África para ser vendidas como esclavas, especialmente a partir del siglo XVI, trajeron consigo sus estilos de danza. Se importaron culturas enteras al Nuevo Mundo, especialmente aquellas áreas donde a los esclavos se les dio más flexibilidad para continuar con sus culturas y donde había más esclavos africanos que europeos o indígenas americanos, como Brasil. Los estilos de danza africana se fusionaron con nuevas experiencias culturales para formar nuevos estilos de danza. Por ejemplo, los esclavos respondieron a los temores de sus amos acerca de los estilos de danza de alta energía cambiando los pasos por arrastrando los pies. Sin embargo, en América del Norte, los esclavos no tenían tanta libertad para continuar con su cultura y danza. En muchos casos, estos bailes han evolucionado hacia estilos de danza moderna, como la danza afroamericana y la danza brasileña. Por ejemplo, la Calenda evolucionó en Brasil a partir de una danza tribal. La Calenda luego evolucionó hasta convertirse en el Cakewalk, que originalmente se bailaba para burlarse de los propietarios de las plantaciones; luego evolucionó hasta convertirse en el Charleston. La capoeira era un arte marcial practicado originalmente en África que los africanos esclavizados enmascaraban como una forma de danza para no despertar sospechas de los propietarios de las plantaciones.
Finales del siglo XX y principios del XXI
Posmodernismo
Después de la explosión de la danza moderna a principios del siglo XX, la década de 1960 vio el crecimiento del posmodernismo. El posmodernismo viró hacia la simplicidad, la belleza de las cosas pequeñas, la belleza del cuerpo no entrenado y el movimiento poco sofisticado. El famoso "No" manifiesto, de Yvonne Rainer, rechazar todos los disfraces, historias y adornos exteriores en favor de un movimiento crudo y sin pulir fue quizás el extremo de esta ola de pensamiento. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que los decorados, la decoración y el valor impactante volvieran a entrar en el vocabulario de los coreógrafos modernos.
Baile callejero/baile hip-hop
Al mismo tiempo, la cultura de masas experimentó la expansión del baile callejero. En 1973, el famoso grupo Jackson 5 realizó en televisión un baile llamado Robot (coreografiado por el artista posmoderno Michael Jackson), una forma de baile cultivada en Richmond, CA. Este evento y las actuaciones posteriores de Soul Train a cargo de bailarines negros (como Don Cambell) iniciaron, en cierto sentido, una revolución de la cultura callejera. B-boying en Nueva York, Locking en Los Ángeles, Popping en Fresno, CA, Boogaloo en Oakland, CA, Robot en Richmond, CA, todos tuvieron sus propias explosiones creativas entre finales de los años 60 y 70.. Cada uno con sus propias historias, prácticas, innovadores y fundamentos.
Para conocer el surgimiento de la danza moderna del siglo XX, ver también: Mary Wigman, Gret Palucca, Harald Kreutzberg, Yvonne Georgi e Isadora Duncan.
El baile hip-hop comenzó cuando Clive Campbell, también conocido como Kool DJ Herc y padre del hip-hop, llegó a Nueva York desde Jamaica en 1967. Con las semillas del reggae de su tierra natal, se le atribuye ser el primer DJ. utilizar dos tocadiscos y copias idénticas del mismo disco para crear sus improvisaciones. Pero fue su extensión de los descansos en estas canciones (la sección musical donde los ritmos de percusión eran más agresivos) lo que le permitió crear y nombrar una cultura de chicos y chicas de descanso que se dejaban llevar cuando aparecían los descansos. Brevemente denominados b-boys y b-girls, estos bailarines fundaron el breakdance, que ahora es la piedra angular del baile hip-hop.