Historia de la animación

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Si bien la historia de la animación comenzó mucho antes, este artículo se ocupa del desarrollo del medio después de la aparición de la película de celuloide en 1888, producida para proyecciones teatrales, televisión y entretenimiento doméstico (no interactivo).

Entre 1895 y 1920, durante el auge de la industria cinematográfica, se reinventaron o desarrollaron varias técnicas de animación diferentes, incluido el stop-motion con objetos, títeres, arcilla o recortes, y animación dibujada o pintada. La animación dibujada a mano, en su mayoría animación pintada en celdas, fue la técnica dominante durante la mayor parte del siglo XX y se conoció como animación tradicional.

Alrededor del cambio de milenio, la animación por computadora se convirtió en la técnica de animación dominante en la mayoría de las regiones (mientras que el anime japonés y las producciones europeas dibujadas a mano siguen siendo muy populares). La animación por computadora se asocia principalmente con una apariencia tridimensional con sombreado detallado, aunque se han generado o simulado muchos estilos de animación diferentes con computadoras. Algunas producciones pueden reconocerse como animación Flash, pero en la práctica, la animación por computadora con una apariencia relativamente bidimensional, contornos marcados y poco sombreado, generalmente se considerará "animación tradicional". Por ejemplo, el primer largometraje realizado en computadoras, sin cámara, es The Rescuers Down Under (1990), pero su estilo apenas puede distinguirse de la animación cel.

Influencia de los predecesores

Las películas animadas forman parte de antiguas tradiciones en la narración de cuentos, las artes visuales y el teatro. Las técnicas populares con imágenes en movimiento antes de la película incluyen juegos de sombras, diapositivas mecánicas y proyectores móviles en espectáculos de linterna mágica (especialmente fantasmagoría). Las técnicas con figuras en movimiento tridimensionales igualmente fantasiosas incluyen máscaras y disfraces, títeres y autómatas. Los libros ilustrados para niños, la caricatura, la historieta política y especialmente las tiras cómicas están íntimamente relacionados con la animación, con mucha influencia en los estilos visuales y tipos de humor.

Los principios técnicos de la animación moderna se basan en la ilusión estroboscópica de movimiento que se introdujo en 1833 con discos estroboscópicos (más conocidos como fenaquistiscopio). Estos discos animados con un promedio de alrededor de 8 a 16 imágenes generalmente se diseñaron como bucles sin fin (como muchas animaciones GIF), para uso doméstico como un "juguete filosófico" manual. Aunque varios pioneros esperaban que pudiera aplicarse a escenas más largas para uso teatral, a lo largo del siglo XIX, el desarrollo posterior de la técnica se concentró principalmente en combinaciones con el estereoscopio (introducido en 1838) y la fotografía (introducido en 1839). El avance de la cinematografía dependió en parte de la novedad de una técnica que fue capaz de registrar y reproducir la realidad en películas reales. Durante los primeros años,

1888-1909: primeras animaciones en película

Teatro óptico

Charles-Émile Reynaud desarrolló su praxinoscopio de proyección en el Théâtre Optique con imágenes de colores transparentes pintadas a mano en una larga tira perforada enrollada entre dos carretes, patentada en diciembre de 1888. Desde el 28 de octubre de 1892 hasta marzo de 1900 Reynaud dio más de 12.800 espectáculos a un total de más de 500.000 visitantes en el Musée Grévin de París. Su serie de películas animadas Pantomimes Lumineuses contenía cada una de 300 a 700 fotogramas manipulados de un lado a otro para durar de 10 a 15 minutos por película. Una escena de fondo se proyectó por separado. La música de piano, la canción y algunos diálogos se interpretaron en vivo, mientras que algunos efectos de sonido se sincronizaron con un electroimán. El primer programa incluía tres dibujos animados: Pauvre Pierrot (creado en 1892), Un bon bock(creado en 1892, ahora perdido), y Le Clown et ses chiens (creado en 1892, ahora perdido). Posteriormente formarían parte de las representaciones los títulos Autour d'une cabine (creado en 1894) y A rêve au coin du feu.

Película de imagen estándar

A pesar del éxito de las películas de Reynaud, pasó algún tiempo antes de que la animación se adaptara a la industria cinematográfica que surgió después de la introducción del Cinematógrafo de Lumiere en 1895. Las primeras películas de fantasía y trucos de Georges Méliès (estrenadas entre 1896 y 1913) ocasionalmente contienen elementos que se parece un poco a la animación, incluidos los accesorios pintados o las criaturas pintadas que se movieron frente a los fondos pintados (en su mayoría con cables) y la coloración de la película a mano. Méliès también popularizó el stop-truck, con un solo cambio realizado en la escena entre tomas, que ya se había utilizado en La ejecución de Mary Stuart de Edison en 1895 y probablemente condujo al desarrollo de la animación stop-motion algunos años después.Parece haber durado hasta 1906 antes de que aparecieran películas animadas adecuadas en los cines. Se cuestiona la datación de algunas supuestas películas anteriores con animación, mientras que otras películas tempranas que pueden haber usado stop motion u otras técnicas de animación se pierden o no se identifican y, por lo tanto, no se pueden verificar.

Película de animación impresa

En 1897, el fabricante de juguetes alemán Gebrüder Bing tenía un primer prototipo de su "cinematógrafo" de juguete.que finalmente presentaron en una convención de juguetes en Leipzig en noviembre de 1898. Poco después, otros fabricantes de juguetes en Alemania y Francia, incluidos Ernst Plank, Georges Carette y Lapierre, comenzaron a vender dispositivos similares. Los cinematógrafos de juguete eran básicamente linternas mágicas de juguete tradicionales, adaptadas con uno o dos carretes pequeños que usaban película estándar de 35 mm con "perforación de Edison", una manivela y un obturador. Estos proyectores estaban destinados al mismo tipo de mercado de juguetes de "entretenimiento en el hogar" que la mayoría de los fabricantes ya proporcionaban con praxinoscopios y linternas mágicas. Aparte de las películas de acción en vivo relativamente caras, los fabricantes produjeron muchas películas más baratas mediante la impresión de dibujos litografiados. Estas animaciones probablemente se hicieron en blanco y negro alrededor de 1898 o 1899, pero a más tardar en 1902 se hicieron en color. Las imágenes a menudo se rastrearon a partir de películas de acción en vivo (al igual que la técnica de rotoscopia posterior). Estos cortometrajes generalmente representaban una acción repetitiva simple y la mayoría fueron diseñados para ser proyectados como un bucle, jugando sin cesar con los extremos de la película juntos. El proceso de litografía y el formato de bucle siguen la tradición establecida por el disco estroboscópico, el zoótropo y el praxinoscopio.

Katsudō Shashin (¿alrededor de 1905-1911?), que se especula que es la obra de animación más antigua de Japón, probablemente se hizo imitando tiras de películas impresas occidentales similares.

J. Stuart Blackton

J. Stuart Blackton fue un cineasta británico-estadounidense, cofundador de Vitagraph Studios y uno de los primeros en utilizar animación en sus películas. Su dibujo encantado(1900) puede considerarse como la primera película teatral grabada en una película de imágenes estándar que incluía elementos animados, aunque esto se refiere solo a algunos cuadros de cambios en los dibujos. Muestra a Blackton haciendo "bocetos relámpago" de una cara, puros, una botella de vino y una copa. La cara cambia de expresión cuando Blackton vierte vino en la boca de la cara y cuando Blackton toma su cigarro. La técnica utilizada en esta película fue básicamente el truco de la parada: el único cambio en las escenas fue la sustitución de un dibujo por un dibujo similar con una expresión facial diferente. En algunas escenas, una botella dibujada y un vaso fueron reemplazados por objetos reales. Blackton posiblemente había usado la misma técnica en una película perdida de bocetos de rayos de 1896.

La película Humorous Phases of Funny Faces de Blackton de 1906 a menudo se considera la animación dibujada a mano más antigua conocida en una película estándar. Presenta una secuencia hecha con dibujos de pizarra que se cambian entre fotogramas para mostrar dos rostros que cambian de expresión y algo de humo de cigarro ondulante, así como dos secuencias que presentan animación recortada con un aspecto similar para un movimiento más fluido.

Segundo de chomon

El cineasta español Segundo de Chomón hizo muchas películas engañosas para la compañía cinematográfica francesa Pathé. En 1906, utilizó stop motion en varios cortometrajes, incluidos La maison ensorcelée y Le théâtre de Bob (ambos estrenados en EE. UU. en abril de 1906). The Haunted Hotel de Blackton (23 de febrero de 1907) contiene elementos de stop motion que son muy similares a los de La maison ensorcelée. Si las fechas de estreno son correctas (y si no se han confundido los títulos traducidos), Blackton debe haberse inspirado en la obra de De Chomón y no al revés, pero se ha creído que The Haunted Hotelfue un gran éxito en Francia y otros países europeos, y habría sido la película que inspiró a los cineastas locales, incluido Émile Cohl, a comenzar a trabajar con la innovadora técnica de animación. De Chomon también realizó el cortometraje relacionado Hôtel électrique (1908), que incluye una breve escena con pixelación.

Emilio Cohl

En 1907, el artista francés Émile Cohl comenzó su carrera cinematográfica con Japon de fadeasie, con un uso imaginativo de las técnicas de stop motion. Su siguiente cortometraje puede considerarse como la primera película animada que utilizó lo que se conoció como métodos de animación tradicionales: la Fantasmagorie de 1908.La película consiste en gran parte en una figura de palo que se mueve y se encuentra con todo tipo de objetos que se transforman, como una botella de vino que se transforma en una flor. También hay secciones de acción en vivo donde las manos del animador entran en escena. La película se creó dibujando cada cuadro en papel y luego filmando cada cuadro en una película negativa, lo que le dio a la imagen un aspecto de pizarra. Cohl luego fue a Fort Lee, Nueva Jersey, cerca de la ciudad de Nueva York en 1912, donde trabajó para el estudio francés Éclair y difundió su técnica de animación en los Estados Unidos.

Década de 1910: de artistas originales a estudios de producción de "línea de montaje"

Durante la década de 1910, comenzaron a surgir estudios de animación a gran escala. A partir de entonces, los artistas solistas desaparecieron del ojo público.

Winsor McCay

Comenzando con un cortometraje de 1911 de su personaje más popular, el pequeño Nemo, el exitoso dibujante de periódicos Winsor McCay dio mucho más detalle a sus animaciones dibujadas a mano que cualquier animación vista anteriormente en los cines. Su película de 1914, Gertie the Dinosaur, presentó un ejemplo temprano del desarrollo de personajes en la animación dibujada. También fue la primera película en combinar metraje de acción en vivo con animación. Originalmente, McCay usó la película en su acto de vodevil: se paraba junto a la pantalla y hablaba con Gertie, quien respondía con una serie de gestos. Al final de la película, McCay caminaba detrás de la pantalla de proyección, siendo reemplazado sin problemas por una imagen pregrabada de sí mismo entrando en la pantalla, subiéndose a la espalda del dinosaurio de dibujos animados y saliendo del cuadro.McCay dibujó personalmente a mano casi todos los miles de dibujos de sus películas. Otros títulos dignos de mención de McCay son How a Mosquito Operates (1912) y The Sinking of the Lusitania (1918).

Compañía de películas de dibujos animados - Buxton y Dyer

Entre 1915 y 1916, Dudley Buxton y Anson Dyer produjeron una serie de 26 dibujos animados temáticos durante la Primera Guerra Mundial, utilizando principalmente animación recortada, publicados como el cuaderno de bocetos animado de John Brown. Los episodios incluyeron el bombardeo de Scarborough por acorazados alemanes y El hundimiento del Lusitania, No.4 (junio de 1915)

Estudio Barré

Alrededor de 1913, Raoul Barré desarrolló el sistema de clavijas que facilitaba la alineación de los dibujos perforando dos agujeros debajo de cada dibujo y colocándolos en dos pasadores fijos. También usó una técnica de "cortar y rasgar" para no tener que dibujar el fondo completo u otras partes inmóviles para cada fotograma. Las partes en las que había que cambiar algo para el siguiente cuadro se cortaron cuidadosamente del dibujo y se completaron con el cambio requerido en la hoja a continuación. Después de que Barré comenzara su carrera en la animación en los Estudios Edison, fundó uno de los primeros estudios cinematográficos dedicados a la animación en 1914 (inicialmente junto con Bill Nolan). Barré Studio tuvo éxito con la producción de la adaptación de la popular tira cómica Mutt and Jeff(1916-1926). El estudio empleó a varios animadores que tendrían carreras notables en animación, incluidos Frank Moser, Gregory La Cava, Vernon Stallings, Tom Norton y Pat Sullivan.

Bray Producciones

En 1914, John Bray abrió John Bray Studios, que revolucionó la forma en que se creaba la animación. Earl Hurd, uno de los empleados de Bray, patentó la técnica cel. Esto implicó animar objetos en movimiento en hojas de celuloide transparente. Los animadores fotografiaron las hojas sobre una imagen de fondo estacionaria para generar la secuencia de imágenes. Esto, así como el uso innovador de Bray del método de línea de montaje, permitió a John Bray Studios crear Colonel Heeza Liar, la primera serie animada.Muchos aspirantes a dibujantes comenzaron sus carreras en Bray, incluidos Paul Terry (más tarde famoso por Heckle y Jeckle), Max Fleischer (más tarde famoso por Betty Boop y Popeye) y Walter Lantz (más tarde famoso por Woody Woodpecker). El estudio de dibujos animados funcionó desde alrededor de 1914 hasta 1928. Algunas de las primeras estrellas de dibujos animados de los estudios Bray fueron Farmer Alfalfa (de Paul Terry) y Bobby Bumps (de Earl Hurd).

Servicio Internacional de Cine de Hearst

El magnate de los periódicos William Randolph Hearst fundó International Film Service en 1916. Hearst atrajo a la mayoría de los animadores de Barré Studio, y Gregory La Cava se convirtió en el director del estudio. Produjeron adaptaciones de muchas tiras cómicas de los periódicos de Heart de una manera bastante limitada, dando solo un poco de movimiento a los personajes mientras usaban principalmente los globos de diálogo para contar la historia. La serie más notable es Krazy Kat, probablemente el primero de muchos personajes antropomórficos de dibujos animados de gatos y otros animales parlantes. Antes de que el estudio se detuviera en 1918, había empleado algunos talentos nuevos, incluidos Vernon Stallings, Ben Sharpsteen, Jack King, John Foster, Grim Natwick, Burt Gillett e Isadore Klein.

Rotoscopia

En 1915, Max Fleischer solicitó una patente (otorgada en 1917) para una técnica que se conoció como rotoscopia: el proceso de utilizar grabaciones de películas de acción real como punto de referencia para crear más fácilmente movimientos animados realistas. La técnica se utilizó a menudo en la serie Out of the Inkwell (1918-1929) para John Bray Productions (y otros). La serie fue el resultado de imágenes rotoscópicas experimentales de Dave Fleischer actuando como un payaso, evolucionando hasta convertirse en un personaje que se hizo conocido como Koko the Clown.

El gato Félix

En 1919, Otto Messmer de Pat Sullivan Studios creó Felix the Cat. Pat Sullivan, el director del estudio, se llevó todo el crédito por Felix, una práctica común en los primeros días de la animación de estudio. Felix the Cat fue distribuido por Paramount Studios y atrajo a una gran audiencia, convirtiéndose finalmente en uno de los personajes de dibujos animados más reconocidos en la historia del cine. Felix fue la primera caricatura en comercializarse.

Quirino Cristiani: los primeros largometrajes animados

El primer largometraje de animación conocido fue El Apóstol de Quirino Cristiani, estrenado el 9 de noviembre de 1917 en Argentina. Esta exitosa sátira de 70 minutos utilizó una técnica de recorte de cartón, según se informa, con 58.000 fotogramas a 14 fotogramas por segundo. El siguiente largometraje de Cristiani, Sin dejar rastros, se estrenó en 1918, pero no recibió cobertura de prensa y poca asistencia de público antes de que la policía lo confiscara por razones diplomáticas. Ninguno de los largometrajes de Cristiani sobrevivió.

Década de 1920: cine absoluto, sonido sincronizado y el auge de Disney

Varios eventos clave ocurrieron en la década de 1920, incluido el desarrollo de las primeras animaciones con sonido sincronizado y la fundación de Walt Disney Studio. La década también vio la primera aparición de Mickey Mouse en Steamboat Willie (1928).

Película absoluta

A principios de la década de 1920, el movimiento absoluto del cine con artistas como Walter Ruttmann, Hans Richter, Viking Eggeling y Oskar Fischinger realizó breves animaciones abstractas que resultaron influyentes. Aunque algunos trabajos de animación abstracta posteriores de, por ejemplo, Len Lye y Norman McLaren serían muy apreciados, el género siguió siendo en gran medida una forma de arte de vanguardia relativamente oscura, mientras que influencias directas o ideas similares aparecían ocasionalmente en la animación convencional (por ejemplo en Toccata and Fugue in D Minor in Fantasia (1940) de Disney, en la que Fischinger colaboró ​​originalmente hasta que su trabajo fue desechado, y en parte inspirado en las obras de Lye, y en The Dot and the Line (1965) de Chuck Jones).

Sonido sincronizado temprano: Song Car-Tunes y Aesop's Sound Fables

Desde mayo de 1924 hasta septiembre de 1926, los estudios Inkwell de Dave y Max Fleischer produjeron 19 dibujos animados sonoros, parte de la serie Song Car-Tunes, utilizando el proceso de "sonido en película" de Phonofilm. La serie también presentó la "pelota que rebota" sobre la letra para guiar al público a cantar junto con la música. My Old Kentucky Home de junio de 1926 fue probablemente la primera película en presentar un poco de diálogo animado sincronizado, con una versión temprana de Bimbo pronunciando las palabras "Sigue la pelota y únete a todos". El personaje de Bimbo se desarrolló aún más en Talkartoons de Fleischer (1929-1932).

Dinner Time de Paul Terry, de su serie Aesop's Fables (1921-1936), se estrenó el 1 de septiembre de 1928 con una banda sonora sincronizada con diálogo. El nuevo propietario del estudio, Van Beuren, instó a Terry a agregar la novedad en contra de sus deseos. Aunque la serie y su personaje principal Farmer Al Falfa habían sido populares, el público no quedó impresionado con este primer episodio con sonido.

Lotte Reiniger

El primer largometraje de animación que se conserva es Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Las aventuras del príncipe Achmed) animado con siluetas de 1926, que utilizaba película teñida en color. Fue dirigida por la alemana Lotte Reiniger y su esposo Carl Koch. Walter Ruttmann creó efectos visuales de fondo. El colaborador francés/húngaro Berthold Bartosch y/o Reiniger crearon profundidad de campo colocando elementos escenográficos y figuras en varios niveles de placas de vidrio con iluminación desde abajo y la cámara verticalmente arriba. Más tarde, una técnica similar se convirtió en la base de la cámara multiplano.

Primeros Disney: Laugh-O-Grams, Alice, Oswald y Mickey

Entre 1920 y 1922, los dibujantes Walt Disney, Ub Iwerks y Fred Harman trabajaron en Slide Company (que pronto pasó a llamarse Kansas City Film Ad Company), que producía comerciales de animación recortados. Disney comenzó a experimentar con técnicas de animación dibujada en el garaje de sus padres y logró vender una serie que satirizaba temas locales actuales al propietario de los tres Newman Theatres locales como Newman Laugh-O-Grams semanal en 1921. Con su propia compañía de corta duración. Laugh-O-Gram Films, Inc., Disney, junto con Iwerks, el hermano de Fred, Hugh Harman, Rudolph Ising y Carman Maxwell produjeron una serie de dibujos animados de cuentos de hadas modernizados de aproximadamente siete minutos, inspirados en las Fábulas de Esopo de Terry. El estudio quebró en 1923, pero ya había realizado la película de 12 minutos que no se vendió.Alice's Wonderland, con una niña de acción real (Virginia Davis) que interactúa con numerosos personajes de dibujos animados, incluido Julius the Cat, inspirado en Felix (que ya había aparecido en los cuentos de hadas de Laugh-O-Gram, sin nombre). Cuando Disney se mudó a Hollywood, logró cerrar un trato con la distribuidora de películas de Nueva York Margaret J. Winkler, quien acababa de perder los derechos de Felix the Cat y Out of the Inkwell. Para hacer las Comedias de Aliciaserie (1923-1927), Iwerks también se mudó a Hollywood, seguido más tarde por Ising, Harman, Maxwell y el colega de Film Ad Friz Freleng. La serie tuvo el éxito suficiente para durar 57 episodios, pero finalmente Disney prefirió crear una nueva serie completamente animada. Oswald the Lucky Rabbit siguió en 1927 y se convirtió en un éxito, pero después de negociaciones fallidas para la continuación en 1928, Charles Mintz tomó el control directo de la producción y Disney perdió su personaje y la mayor parte de su personal ante Mintz.

Disney e Iwerks desarrollaron Mickey Mouse en 1928 para reemplazar a Oswald. Una primera película titulada Plane Crazy no logró impresionar a una audiencia de prueba y no despertó el interés suficiente de los distribuidores potenciales. Después de que algunas películas de acción en vivo con sonido sincronizado tuvieron éxito, Disney puso en espera la nueva caricatura de Mickey Mouse The Gallopin 'Gaucho para comenzar a trabajar en una producción de sonido especial que lanzaría la serie de manera más convincente. Gran parte de la acción en el Steamboat Willie resultante (noviembre de 1928) implica la creación de sonidos, por ejemplo, con Mickey usando ganado a bordo del barco como instrumentos musicales. La película se convirtió en un gran éxito y Mickey Mouse pronto se convertiría en el personaje de dibujos animados más popular de la historia.

Bosko

Bosko fue creado en 1927 por Hugh Harman y Rudolf Ising, específicamente con el cine sonoro en mente. Todavía trabajaban para Disney en ese momento, pero se fueron en 1928 para trabajar en los dibujos animados de Oswald the Lucky Rabbit en Universal durante aproximadamente un año, y luego produjeron Bosko, el piloto de Talk-Ink Kid en mayo de 1929 para comprar un distribuidor.. Firmaron con Leon Schlesinger Productions y comenzaron la serie Looney Tunes para Warner Bros. en 1930. Bosko fue la estrella de 39 dibujos animados de Warner Bros. antes de que Harman e Ising llevaran a Bosko a MGM después de dejar Warner Bros. Después de dos dibujos animados de MGM, el personaje recibió un cambio de imagen dramático que fue mucho menos apreciado por el público. La carrera de Bosko terminó en 1938.

Década de 1930: color, profundidad, superestrellas de dibujos animados y Blancanieves

Mientras que la economía mundial sufrió la Gran Depresión durante la década de 1930, la animación siguió floreciendo. Se empezaron a utilizar los primeros procesos de color, junto con el uso de la cámara multiplano. En 1937, Blancanieves debutó en los cines, el primer largometraje de animación tradicional de larga duración.

Color de dos tiras

La técnica de litografía multicolor de los primeros bucles de películas animadas europeas para uso doméstico parece no haberse aplicado a las películas animadas estrenadas en cines. Si bien las copias originales de Las aventuras del príncipe Achmed presentaban tintes de películas, la mayoría de las películas animadas estrenadas en cines antes de 1930 eran en blanco y negro. Por lo tanto, los procesos de color efectivos fueron una innovación bienvenida en Hollywood y parecían especialmente adecuados para los dibujos animados.

Un segmento de dibujos animados en el largometraje King of Jazz (abril de 1930), realizado por Walter Lantz y Bill Nolan, fue la primera animación presentada en Technicolor de dos tiras.

Fiddlesticks, estrenada junto con King of Jazz, fue la primera película de Flip the Frog y el primer proyecto en el que trabajó Ub Iwerks después de dejar Disney para montar su propio estudio. En Inglaterra, la caricatura se estrenó en Harris Color, un proceso de dos colores, probablemente como la primera caricatura animada independiente estrenada en cines que cuenta con sonido y color.

Silly Symphonies de Disney en Technicolor

Cuando la serie Silly Symphonies, que comenzó en 1929, fue menos popular de lo que esperaba Disney, recurrió a una nueva innovación técnica para mejorar el impacto de la serie. En 1932 trabajó con la compañía Technicolor para crear la primera animación a todo color Flowers and Trees, debutando con la técnica de las tres tiras (el primer uso en películas de acción real se produjo alrededor de dos años después). La caricatura tuvo éxito y ganó un Premio de la Academia por Temas Cortos, Dibujos Animados. Disney tenía temporalmente un trato exclusivo para el uso de la técnica a todo color de Technicolor en películas animadas. Incluso esperó un tiempo antes de producir la serie en curso de Mickey Mouse en color, por lo que Silly Symphoniestendría su atractivo especial para el público. Después de que el acuerdo exclusivo caducó en septiembre de 1935, la animación a todo color pronto se convirtió en el estándar de la industria.

Silly Symphonies inspiró muchas series de dibujos animados que contaban con varios otros sistemas de color hasta que Technicolor dejó de ser exclusivo de Disney, incluidos ComiColor Cartoons de Ub Iwerks (1933-1936), Rainbow Parade de Van Beuren Studios (1934-1936), Fleischer's Color Classics (1934 –1941), Color Rhapsody de Charles Mintz (1936–1949), Happy Harmonies de MGM (1934–1938), Puppetoons de George Pal (1932–1948) y Swing Symphony de Walter Lantz (1941–1945).

Cámaras multiplano y el proceso estereóptico

Para crear una impresión de profundidad, se desarrollaron varias técnicas. La técnica más común consistía en hacer que los personajes se movieran entre varias capas de fondo y/o primer plano que se podían mover de forma independiente, de acuerdo con las leyes de la perspectiva (por ejemplo, cuanto más lejos de la cámara, más lenta era la velocidad).

Lotte Reiniger ya había diseñado un tipo de cámara multiplano para Die Abenteuer des Prinzen Achmed y su colaborador Berthold Bartosch usó una configuración similar para su película de 25 minutos L'Idée (1932), intrincadamente detallada.

En 1933, Ub Iwerks desarrolló una cámara multiplano y la usó para varios episodios de Willie Whopper (1933-1934) y ComiColor Cartoons.

Los Fleischer desarrollaron un proceso estereóptico muy diferente en 1933 para sus Colour Classics. Se utilizó en el primer episodio de Betty Boop en Poor Cinderella (1934) y en la mayoría de los episodios siguientes. El proceso involucró decorados tridimensionales construidos y esculpidos en un gran tocadiscos. Las celdas fotografiadas se colocaron dentro del conjunto móvil, de modo que los personajes animados parecieran moverse delante y detrás de los elementos 3D dentro de la escena cuando se hizo girar la plataforma giratoria.

El empleado de Disney, William Garity, desarrolló una cámara multiplano que podría tener hasta siete capas de arte. Se probó en Silly Symphony The Old Mill (1937), ganadora del Premio de la Academia, y se usó de manera destacada en Blancanieves y funciones posteriores.

Nuevas superestrellas de dibujos animados coloridos

Después de que las adiciones de sonido y color fueran un gran éxito para Disney, siguieron otros estudios. A finales de la década, casi todos los dibujos animados teatrales se producían a todo color.

Inicialmente, la música y las canciones eran el foco de muchas series, como lo indican los títulos de las series como Song Car-Tunes, Silly Symphonies, Merrie Melodies y Looney Tunes, pero fueron los personajes reconocibles los que realmente se quedaron con el público. Mickey Mouse había sido la primera superestrella de dibujos animados que superó la popularidad de Felix the Cat, pero pronto le siguieron docenas de superestrellas de dibujos animados más, muchas de las cuales siguieron siendo populares durante décadas.

Warner Bros. tenía una gran biblioteca de música que podía popularizarse a través de dibujos animados basados ​​en las melodías disponibles. Si bien Disney necesitaba crear la música para cada caricatura, las partituras y canciones fácilmente disponibles en Warner Bros. sirvieron de inspiración para muchas caricaturas. Leon Schlesinger vendió a Warner Bros. una segunda serie llamada Merrie Melodies, que hasta 1939 necesitaba por contrato contener al menos un estribillo del catálogo musical. A diferencia de Looney Tunes con Bosko, Merrie Melodies presentaba solo algunos personajes recurrentes como Foxy, Piggy y Goopy Geer antes de que Harman e Ising se fueran en 1933. Bosko fue reemplazado por Buddy para la serie Looney Tunes, pero duró solo dos años, mientras que Merrie Melodiesinicialmente continuó sin personajes recurrentes. Eventualmente, las dos series se volvieron indistinguibles y produjeron muchos personajes nuevos que se hicieron populares. El animador/director Bob Clampett diseñó Porky Pig (1935) y Daffy Duck (1937) y fue responsable de gran parte de la animación enérgica y el humor irreverente asociado con la serie. La década de 1930 también vio las primeras encarnaciones anónimas de personajes que luego se convertirían en las superestrellas Elmer Fudd (1937/1940), Bugs Bunny (1938/1940) y Sylvester the Cat (1939/1945). Desde 1937, Mel Blanc interpretaría la mayoría de las voces de los personajes.

Disney introdujo nuevos personajes en el universo de Mickey Mouse que se volverían muy populares, incluidos Minnie Mouse (1928), Pluto (1930), Goofy (1932) y un personaje que pronto se convertiría en el nuevo favorito del público: el pato Donald (1934). Disney también se dio cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias emocionalmente apasionantes; Desarrolló un "departamento de historias" donde los artistas del guión gráfico separados de los animadores se enfocarían solo en el desarrollo de la historia, lo que demostró su valía cuando el estudio Disney lanzó, en 1933, el primer cortometraje animado que presentaba personajes bien desarrollados: Three Little Pigs.Disney continuaría expandiendo su estudio e iniciaría más y más actividades de producción, incluidos cómics, merchandising y parques temáticos. La mayoría de los proyectos se basaron en los personajes desarrollados para cortometrajes teatrales.

Fleischer Studios presentó a un personaje de perro sin nombre como la novia de Bimbo en Dizzy Dishes (1930), que evolucionó hasta convertirse en la mujer humana Betty Boop (1930-1939) y se convirtió en la creación más conocida de Fleischer. En la década de 1930 también agregaron a su repertorio Hunky and Spunky (1938) y la popular adaptación animada de Popeye (1933).

Código Hays y Betty Boop

El Código de producción cinematográfica de Hays para las pautas morales se aplicó en 1930 y se aplicó con rigidez entre 1934 y 1968. Tuvo un gran impacto en los cineastas a quienes les gustaba crear material relativamente picante. Como un ejemplo infame, Betty Boop sufrió mucho cuando tuvo que ser cambiada de una jovencita despreocupada con un atractivo sexual inocente a un personaje más saludable y mucho más dócil con un traje más completo. La desaparición de su novio Bimbo probablemente también fue el resultado de la desaprobación del Código de las relaciones de especies mixtas.

Blancanieves y el avance del largometraje animado

Se estrenaron al menos ocho largometrajes animados antes de Blancanieves y los siete enanitos de Disney, mientras que al menos otros dos proyectos de largometrajes animados anteriores quedaron sin terminar. La mayoría de estas películas (de las cuales solo sobreviven cuatro) se realizaron utilizando técnicas de recorte, silueta o stop-motion. Entre los largometrajes animados perdidos se encontraban tres largometrajes de Quirino Cristiani, quien había estrenado su tercer largometraje Peludópolis el 18 de septiembre de 1931 en Buenos Aires con banda sonora sincronizada con sonido en disco de Vitaphone. Fue recibido bastante positivamente por la crítica, pero no se convirtió en un éxito y supuso un fiasco económico para el cineasta. Cristiani pronto se dio cuenta de que ya no podía hacer carrera con la animación en Argentina. Única revisión de los premios de la Academia de dibujos animados de Walt Disney—también de Disney— fue totalmente dibujada a mano. Se estrenó siete meses antes que Blancanieves para promocionar el próximo estreno de esa película. Muchos no consideran que la Reseña sea un largometraje genuino, porque es un paquete de película y dura solo 41 minutos. Cumple con las definiciones oficiales de largometraje del British Film Institute, la Academy of Motion Picture Arts and Sciences y el American Film Institute, que exigen que la película tenga una duración superior a los 40 minutos.

Cuando se supo que Disney estaba trabajando en un largometraje de animación, los críticos se referían regularmente al proyecto como "la locura de Disney", sin creer que el público pudiera soportar los colores brillantes y las bromas esperadas durante tanto tiempo. Blancanieves y los siete enanitos se estrenó el 21 de diciembre de 1937 y se convirtió en un éxito mundial. La película continuó la tradición de Disney de apropiarse de viejos cuentos de hadas y otras historias, al igual que la mayoría de las películas de Disney que siguieron.

Los estudios Fleischer siguieron el ejemplo de Disney con Los viajes de Gulliver en 1939, que fue un éxito menor en la taquilla.

Primera animación televisiva

En abril de 1938, cuando se conectaron unos 50 televisores, la NBC transmitió la caricatura de bajo presupuesto de ocho minutos Willie the Worm. Fue hecho especialmente para esta transmisión por el ex empleado de Disney Chad Grothkopf, principalmente con recortes y un poco de animación cel. Aproximadamente un año después, el 3 de mayo de 1939, Donald's Cousin Gus de Disney se estrenó en el canal W2XBS experimental de NBC, unas semanas antes de que se estrenara el cortometraje en los cines, como parte del primer programa de toda la noche.

1940

Propaganda de guerra

Varios gobiernos ya habían utilizado la animación en películas de información pública, como las de la Unidad de Cine GPO en el Reino Unido y las películas educativas japonesas. Durante la Segunda Guerra Mundial, la animación se convirtió en un medio común de propaganda. Estados Unidos tenía sus mejores estudios trabajando para el esfuerzo bélico.

Para instruir al personal de servicio sobre todo tipo de temas militares y para levantar la moral, se contrató a Warner Bros. para varios cortos y la serie animada especial Private Snafu. El personaje fue creado por el famoso director de cine Frank Capra, Dr. Seuss participó en la escritura de guiones y la serie fue dirigida por Chuck Jones. Disney también produjo varios cortos instructivos e incluso financió personalmente el largometraje Victory Through Air Power (1943) que promovía la idea del bombardeo de largo alcance.

Muchos personajes populares promocionaron los lazos de guerra, como Bugs Bunny en Any Bonds Today? , los cerditos de Disney en The Thrifty Pig y un montón de personajes de Disney en All Together. Daffy Duck pidió chatarra para el esfuerzo de guerra en Scrap Happy Daffy. Minnie Mouse y Pluto invitaron a los civiles a recolectar su grasa de cocina para usarla en la fabricación de explosivos en Out of the Frying Pan Into the Firing Line. Hubo varios cortometrajes más de propaganda política, como Warner Bros.' El ratón de la quinta columna, Chicken Little de Disney y la educación más seria para la muerte y la razón y la emoción(nominado a un premio de la Academia).

Tales películas de guerra fueron muy apreciadas. Bugs Bunny se convirtió en una especie de ícono nacional y el corto de propaganda de Disney Der Fuehrer's Face (protagonizado por el pato Donald) le valió a la compañía su décimo Premio de la Academia por temas cortos de dibujos animados.

El primer largometraje de anime de Japón,桃太郎 海 の 神兵 (Momotaro: Sacred Sailors) se realizó en 1944, por orden del Ministerio de Marina de Japón. Fue diseñado para niños y, en parte inspirado en Fantasia, estaba destinado a inspirar sueños y esperanza de paz. Los personajes principales son un mono, un perro, un oso y un faisán antropomórficos que se convierten en paracaidistas (excepto el faisán que se convierte en piloto) encargados de invadir Célebes. Un epílogo insinúa que Estados Unidos es el objetivo de la próxima generación.

Largometraje de animación en la década de 1940

Grandes ambiciones, reveses y recortes en la animación estadounidense

Las siguientes dos películas de Disney (Pinocho y la muy ambiciosa película-concierto Fantasia, ambas estrenadas en 1940) y la segunda película animada de Fleischer Studios Mr. Bug Goes to Town (1941/1942) fueron recibidas favorablemente por la crítica, pero fracasaron en la caja. oficina durante sus funciones teatrales iniciales. La causa principal fue que la Segunda Guerra Mundial había cortado la mayoría de los mercados extranjeros. Estos contratiempos desanimaron a la mayoría de las empresas que tenían planes para funciones animadas.

Disney redujo los costos de las próximas funciones y lanzó por primera vez The Reluctant Dragon, que consiste principalmente en una gira de acción en vivo del nuevo estudio en Burbank, en parte en blanco y negro, con cuatro dibujos animados cortos. Fue un éxito moderado en la taquilla mundial y fue seguida solo unos meses después por Dumbo (1941), animada en un estilo relativamente simple y de solo 64 minutos de duración. La duración limitada y las técnicas económicamente eficientes ayudaron a asegurar una ganancia en la taquilla, y la crítica y el público reaccionaron positivamente. La próxima película de Disney, Bambi(1942) volvió con un presupuesto mayor y un estilo lujoso, pero la historia más dramática, el estado de ánimo más oscuro y la falta de elementos de fantasía no fueron bien recibidos durante su ejecución inicial y la película perdió dinero en taquilla.

Aunque los otros ocho largometrajes de Disney de la década de 1940 eran películas empaquetadas y/o combinaciones con acción en vivo (por ejemplo, Saludos Amigos (1943) y Los tres caballeros (1944)), Disney mantuvo su fe en los largometrajes de animación. Solo algunos otros estudios de animación estadounidenses también lograron lanzar más de un puñado de funciones antes del comienzo de la década de 1990.

Fuerzas de animación no estadounidenses

Las películas animadas estadounidenses dominaron la producción y el consumo mundial de estrenos animados teatrales desde la década de 1920. Especialmente el trabajo de Disney resultó ser muy popular e influyente en todo el mundo. Los estudios de otros países difícilmente podían competir con las producciones estadounidenses. Relativamente, muchos productores de animación fuera de los EE. UU. optaron por trabajar con otras técnicas además de la animación "tradicional" o cel, como la animación de títeres o la animación recortada. Sin embargo, varios países (sobre todo Rusia, China y Japón) desarrollaron sus propias industrias de animación "tradicionales" relativamente grandes. El estudio de animación ruso Soyuzmultfilm, fundado en 1936, empleó hasta 700 trabajadores calificados y, durante el período soviético, produjo un promedio de 20 películas por año.铁扇公主 (Princesa Abanico de Hierro) (China 1941, influyente en Japón), Конёк-Горбуно́к (El caballo jorobado) (Rusia 1947, ganadora del premio especial del jurado en Cannes en 1950), I Fratelli Dinamite (Los hermanos dinamita) (Italia 1949) y La Rosa di Bagdad (La rosa de Bagdad) (Italia 1949, el doblaje en inglés de 1952 protagonizado por Julie Andrews).

Dibujos animados cortos teatrales exitosos de la década de 1940

Durante la "Edad de oro de la animación estadounidense", los nuevos estudios compitieron con los estudios que sobrevivieron a las batallas de innovación de sonido y color de las décadas anteriores. Los animales de dibujos animados seguían siendo la norma y la música seguía siendo un elemento relevante, pero a menudo perdía su atractivo en el escenario principal ante la narración melodramática de Disney o el humor salvaje de los Looney Tunes y otros dibujos animados.

Disney continuó con sus éxitos de dibujos animados, agregando Daisy Duck (1940) y Chip 'n' Dale (1943/1947) al universo de Mickey Mouse, mientras que Warner Bros. desarrolló nuevos personajes para unirse a su popular elenco de Merrie Melodies/Looney Tunes, incluido Tweety (1941/1942), Henery Hawk (1942), Yosemite Sam (1944/1945), Foghorn Leghorn (1946), Barnyard Dawg (1946), Marvin the Martian (1948) y Wile E. Coyote and Road Runner (1949).

Otros nuevos personajes y series populares fueron Mighty Mouse (1942-1961) y Heckle and Jeckle (1946) de Terrytoons, y The Fox and the Crow (1941-1948) de Screen Gems.

Fleischer/Estudios famosos

Fleischer lanzó su espectacular adaptación de Superman en 1941. El éxito llegó demasiado tarde para salvar al estudio de sus problemas financieros y en 1942 Paramount Pictures se hizo cargo del estudio de manos de los hermanos Fleischer que renunciaban. Los renombrados Famous Studios continuaron con la serie Popeye y Superman, desarrollaron adaptaciones populares de Little Lulu (1943-1948, con licencia de Gold Key Comics), Casper the friendly ghost (1945) y crearon nuevas series, como Little Audrey (1947) y Baby Huey (1950).

Producciones Walter Lantz

Walter Lantz había comenzado su carrera de animación en el estudio de Hearst a la edad de 16 años. También había trabajado para Bray Studios y Universal Pictures, donde obtuvo el control de Oswald the Lucky Rabbit.dibujos animados en 1929 (supuestamente al ganar el personaje y el control del estudio en una apuesta de póquer con el presidente de Universal, Carl Laemmle). En 1935, el estudio Universal se convirtió en Walter Lantz Productions independiente, pero permaneció en el lote de Universal y continuó produciendo dibujos animados para que Universal los distribuyera. Cuando la popularidad de Oswald disminuyó y el personaje finalmente se retiró en 1938, las producciones de Lantz no tuvieron personajes exitosos hasta que desarrolló Andy Panda en 1939. El panda antropomórfico protagonizó más de dos docenas de dibujos animados hasta 1949, pero pronto fue eclipsado por el icónico Woody Woodpecker., quien debutó en la caricatura de Andy Panda Knock Knocken 1940. Otros personajes populares de Lantz incluyen Wally Walrus (1944), Buzz Buzzard (1948), Chilly Willy (1953), Hickory, Dickory y Doc (1959).

MGM

Después de distribuir los dibujos animados Flip the Frog y Willie Whopper de Ub Iwerks y Happy Harmonies de Harman e Ising, Metro-Goldwyn-Mayer fundó su propio estudio de dibujos animados en 1937. El estudio tuvo mucho éxito con Barney Bear (1939-1954), Hanna y Joseph Tom y Jerry de Barbera (1940) y Spike and Tyke (1942).

En 1941, Tex Avery dejó Warner Bros. por MGM y allí crearía Droopy (1943), Screwy Squirrel (1944) y George and Junior (1944).

UPA

Mientras que Disney y la mayoría de los otros estudios buscaban una sensación de profundidad y realismo en la animación, los animadores de UPA (incluido el ex empleado de Disney, John Hubley) tenían una visión artística diferente. Desarrollaron un tipo de animación mucho más escaso y estilizado, inspirado en ejemplos rusos. El estudio se formó en 1943 e inicialmente trabajó con contratos gubernamentales. Unos años más tarde firmaron un contrato con Columbia Pictures, se hicieron cargo de The Fox and the Crowde Screen Gems y obtuvo nominaciones al Oscar por sus dos primeros cortos teatrales en 1948 y 1949. Si bien el campo de la animación estaba dominado por animales antropomórficos cuando se le permitió al estudio crear un nuevo personaje, se les ocurrió el anciano miope. Mr. Magoo (1949) se convirtió en un éxito y aparecería en muchos cortometrajes. Entre 1949 y 1959, UPA recibió 15 nominaciones al Oscar, ganando su primer Premio de la Academia con la adaptación de Dr. Seuss Gerald McBoing-Boing (1950), seguido de dos más por When Magoo Flew (1954) y Magoo's Puddle Jumper.(1956). El estilo distintivo fue influyente e incluso afectó a los grandes estudios, incluidos Warner Bros. y Disney. Aparte de una libertad efectiva en la expresión artística, UPA había demostrado que la animación más escasa podía apreciarse tanto (o incluso más) que los costosos estilos lujosos.

Animación televisiva en la década de 1940

El catálogo anterior de dibujos animados de muchos estudios, originalmente producidos para una breve presentación teatral, resultó muy valioso para la transmisión televisiva. Movies for Small Fry (1947), presentada por el "hermano mayor" Bob Emery los martes por la noche en el canal WABD-TV de Nueva York, fue una de las primeras series de televisión para niños y contó con muchos dibujos animados clásicos de Van Beuren Studios. Continuó en DuMont Television Network como el programa diario Small Fry Club (1948-1951) con una audiencia en vivo en un estudio.

Muchas series clásicas de Walter Lantz, Warner Bros., Terrytoons, MGM y Disney también encontraron una nueva vida en programas de televisión para niños, con muchas reposiciones, durante décadas. En lugar de configuraciones de estudio y presentaciones de acción en vivo, algunos programas presentarían nueva animación para presentar o unir los dibujos animados más antiguos.

Las primeras series animadas estadounidenses producidas específicamente para la televisión surgieron en 1949, con Adventures of Pow Wow (43 episodios de cinco minutos transmitidos los domingos por la mañana de enero a noviembre) y Jim and Judy in Teleland (52 episodios, luego también vendidos a Venezuela y Japón).

Década de 1950: cambio de dibujos animados teatrales clásicos a animación limitada en series de televisión para niños

La mayoría de los dibujos animados teatrales se habían producido para audiencias no específicas. La acción dinámica y los gags con animales que hablan en estilos de dibujo claros y colores brillantes eran naturalmente atractivos para los niños pequeños, pero los dibujos animados contenían violencia e insinuaciones sexuales, y a menudo se proyectaban junto con noticiarios y largometrajes que no eran para niños. En la televisión estadounidense, los dibujos animados se programaban principalmente para niños, en franjas horarias convenientes en las mañanas de los fines de semana, las tardes de los días laborables o las primeras horas de la noche.

Las limitaciones de programación del proceso de animación de la televisión estadounidense de la década de 1950, en particular los problemas de gestión de recursos (se necesitaba hacer una mayor cantidad en menos tiempo y con un presupuesto más bajo en comparación con la animación teatral), llevaron al desarrollo de varias técnicas ahora conocidas como animación limitada. El tipo de animación más dispersa que originalmente había sido una elección artística de estilo para UPA, se adoptó como un medio para reducir el tiempo y los costos de producción. La animación de fotograma completo ("en unos") se volvió rara en los Estados Unidos, fuera de su uso para una cantidad cada vez menor de producciones teatrales. Chuck Jones acuñó el término "radio ilustrada" para referirse al estilo de mala calidad de la mayoría de los dibujos animados de televisión que dependían más de sus bandas sonoras que de las imágenes.Algunos productores también descubrieron que la animación limitada se veía mejor que los estilos lujosos en las pequeñas pantallas de televisión en blanco y negro de la época.

Serie de televisión animada de la década de 1950

Jay Ward produjo el popular Crusader Rabbit (probado en 1948, transmisiones originales en 1949-1952 y 1957-1959), con un uso exitoso de un estilo de animación limitada.

A finales de la década de 1950, comenzaron a competir varios estudios dedicados a la producción de animación para televisión. Si bien el enfoque de la competencia en la animación teatral había estado en la calidad y la innovación, ahora cambió a ofrecer animación rápida y económica. Los críticos notaron cómo la calidad de muchos programas era a menudo deficiente en comparación con los dibujos animados clásicos, con animaciones apresuradas e historias comunes y corrientes. Los ejecutivos de la cadena estaban satisfechos siempre que hubiera suficientes espectadores, y la gran cantidad de espectadores jóvenes no se molestó con la falta de calidad que percibían los críticos. Ver programas de dibujos animados los sábados por la mañana, de hasta cuatro horas de duración, se convirtió en el pasatiempo favorito de la mayoría de los niños estadounidenses desde mediados de la década de 1960 y fue un pilar durante décadas.

Disney había entrado en la producción de televisión relativamente temprano, pero durante mucho tiempo se abstuvo de crear nuevas series animadas. En cambio, Disney tenía su propia serie de antología en el aire desde 1954 en franjas horarias de tres horas en horario estelar, comenzando con la serie Disneyland de Walt Disney (1954–1958), promocionando claramente el parque temático de Disneyland que se inauguró en 1955. Walt Disney presentó personalmente la serie. que, además de los dibujos animados más antiguos, presentaba segmentos con, por ejemplo, miradas entre bastidores sobre los procesos de realización de películas o con nuevas aventuras de acción en vivo.

William Hanna y Joseph Barbera (los creadores de Tom y Jerry) continuaron como Hanna-Barbera después de que Metro-Goldwyn-Mayer cerrara su estudio de animación en 1957, cuando MGM consideró que su catálogo anterior era suficiente para futuras ventas. Si bien Hanna-Barbera solo hizo una serie estrenada en cines con Loopy de Loop (1959-1965), demostraron ser los productores de series de televisión animadas más prolíficos y exitosos durante varias décadas. Comenzando con The Ruff and Reddy Show (1957-1960), continuaron con series exitosas como The Huckleberry Hound Show (1958, el primer programa de televisión de media hora que presentaba solo animación) y The Quick Draw McGraw Show (1959-1961).

Otros programas notables incluyen Gerald McBoing Boing de UPA (1956-1957), Colonel Bleep de Soundac (1957-1960, la primera serie de televisión animada en color), Tom Terrific de Terrytoons (1958) y The Adventures of Rocky and Bullwinkle and Friends de Jay Ward (1959–1964).

En contraste con el mercado cinematográfico internacional (desarrollado durante la era del cine mudo cuando los problemas de idioma se limitaban a las tarjetas de título), la televisión pionera en la mayoría de los países (a menudo conectada con la transmisión de radio) se centró en la producción nacional de programas en vivo. En lugar de importar series animadas que normalmente tendrían que ser dobladas, la programación infantil podría producirse más fácil y económicamente de otras formas (por ejemplo, con títeres). Un método notable fue la "animación" en tiempo real de figuras recortadas en Captain Pugwash (1957) en la BBC. Una de las primeras series animadas para televisión que se vio en el extranjero fue Les Aventures de Tintin, d'après Hergé (Hergé's Adventures of Tintin) de Belvision Studios.(Bélgica 1957–1964, dirigida por Ray Goossens), emitida por la BBC en 1962 y sindicada en los Estados Unidos desde 1963 hasta 1971.

Dibujos animados cortos teatrales en la década de 1950

Warner Bros. presentó nuevos personajes Sylvester Jr. (1950), Speedy Gonzales (1953), Ralph Wolf y Sam Sheepdog (1953) y Tasmanian Devil (1954).

Animación de largometraje teatral en la década de 1950

Disney

Después de una serie de características del paquete y combos de acción en vivo/animación, Disney volvió a los largometrajes totalmente animados con Cenicienta en 1950 (el primero desde Bambi). Su éxito prácticamente salvó a la empresa de la quiebra. Le siguió Alicia en el país de las maravillas (1951), que fracasó en la taquilla y fue muy criticada. Peter Pan (1953) y La dama y el vagabundo (1955) fueron éxitos. La ambiciosa, muy retrasada y más cara Bella Durmiente(1959) perdió dinero en taquilla y generó dudas sobre el futuro del departamento de animación de Walt Disney. Al igual que "Alicia en el país de las maravillas" y la mayoría de los fracasos de Disney, luego sería un éxito comercial a través de relanzamientos y eventualmente sería considerado como un verdadero clásico.

Fuera de EE. UU.

  • Jeannot l'intrépide (Johnny the Giant Killer) (Francia, largometraje de 1950)
  • Le Roi et l'Oiseau (El rey y el ruiseñor) (Francia, lanzamiento de largometraje sin terminar de 1952, lanzamiento terminado de 1980, influyente para Hayao Miyazaki e Isao Takahata)
  • Animal Farm (Reino Unido / EE. UU., Característica de 1954)
  • 乌鸦为什么是黑的 (¿Por qué el cuervo está revestido de negro?) (China, cortometraje de 1956, Festival de Cine de Venecia)
  • Снежная королева (La reina de las nieves) (Unión Soviética, largometraje de 1957)
  • Krtek (Mole) (Checoslovaquia, serie de cortometrajes de 1956)
  • 白蛇伝 (Panda y la serpiente mágica) (Japón, función de 1958)
  • 少年猿飛佐助 (Magic Boy) (Japón, función de 1959, primer anime lanzado en EE. UU. en 1961)

1960

Series y especiales de televisión animados estadounidenses en la década de 1960

Total Television se fundó en 1959 para promocionar los productos de General Mills con personajes de dibujos animados originales en los comerciales de Cocoa Puffs (1960–1969) y la serie de televisión patrocinada por General Mills King Leonardo and His Short Subjects (1960–1963, programas reempaquetados hasta 1969), Tennessee Tuxedo and His Tales (1963–1966, programas reempaquetados hasta 1972), The Underdog Show (1964–1967, programas reempaquetados hasta 1973) y The Beagles (1966–1967). La animación de todas las series se produjo en Gamma Studios en México. Total Television dejó de producir después de 1969, cuando General Mills ya no quiso patrocinarlos.

Muchas de las series de televisión animadas estadounidenses de las décadas de 1960 a 1980 se basaron en personajes y formatos que ya se habían hecho populares en otros medios. UPA produjo The Dick Tracy Show (1961-1962), basado en los cómics. Filmation, activo desde 1962 hasta 1989, creó pocos personajes originales, pero muchas adaptaciones de DC Comics, series de televisión de acción real (incluidas Lassie's Rescue Rangers (1973–1975) y Star Trek: The Animated Series), algunas características de acción real (incluyendo Viaje al Centro de la Tierra (1967–1969), y mucho más). Grantray-Lawrence Animation fue el primer estudio en adaptar superhéroes de Marvel Comics en 1966. Los grupos pop obtuvieron versiones animadas en The Beatles (1965-1966) y Rankin/Bass's.The Jackson 5ive (1971-1972) y The Osmonds (1972). Hanna-Barbera convirtió a los comediantes en personajes de dibujos animados con Laurel y Hardy (1966-1967) y The Abbott and Costello Cartoon Show (1967-1968). The Alvin Show (1961-1962) de Format Films fue un derivado de una canción novedosa de 1958 y los cómics posteriores con versiones rediseñadas de Alvin y las ardillas. Otras series contenían apropiaciones sin licencia. Por ejemplo, The Flintstones (1960-1966) de Hanna-Barbera se inspiró claramente en la comedia de situación The Honeymooners y el creador Jackie Gleason consideró demandar a Hanna-Barbera, pero no quería ser conocido como "el tipo que sacó a Fred Flintstone del aire"..

Los Picapiedra fue la primera serie animada en horario de máxima audiencia y se hizo inmensamente popular. Siguió siendo la serie de televisión animada de cadena de mayor duración hasta que se rompió ese récord tres décadas después. Hanna-Barbera obtuvo más éxitos con The Yogi Bear Show (1960–1962), The Jetsons (1962–1963, 1985, 1987) y Scooby-Doo, Where Are You! (1969-1970, seguido más tarde por otra serie de Scooby-Doo).

Alrededor de 1968, después del asesinato de Martin Luther King Jr., luego los actos violentos de Robert F. Kennedy y otros hicieron que el público se sintiera menos cómodo con la violencia en el entretenimiento, las redes contrataron censores para prohibir cualquier cosa que se considerara demasiado violenta o sugerente en la programación infantil..

Además de las series de televisión regulares, hubo varios especiales animados de televisión (navideños) dignos de mención, comenzando con Cuento de Navidad de Mister Magoo de UPA (1962), seguido unos años más tarde por otros ejemplos clásicos como la serie de especiales de Peanuts de Bill Melendez (1965- 2011, basada en la tira cómica de Charles M. Schulz), y How the Grinch Stole Christmas! de Chuck Jones. (1966, basada en el cuento del Dr. Seuss).

Cambria Producciones

Cambria Productions solo usaba animación tradicional ocasionalmente y, a menudo, recurría a movimientos de cámara, movimientos en tiempo real entre las celdas de primer plano y de fondo, y la integración de imágenes de acción en vivo. El creador Clark Haas explicó: "No estamos haciendo dibujos animados. Estamos fotografiando 'movimiento motorizado' y, el mayor truco de todos, combinándolo con acción en vivo... Imágenes que Disney hace por $ 250,000, nosotros las hacemos por $ 18,000".Su truco más famoso fue la técnica Syncro-Vox de superponer labios parlantes en las caras de personajes de dibujos animados en lugar de bocas animadas sincronizadas con el diálogo. Este sistema de impresión óptica había sido patentado en 1952 por el camarógrafo y socio de Cambria, Edwin Gillette, y se utilizó por primera vez para comerciales populares de "animales que hablan". Más tarde, el método se usaría ampliamente para lograr un efecto cómico, pero Cambria lo usó directamente en su serie Clutch Cargo (1959-1960), Space Angel (1962) y Captain Fathom (1965). Gracias a historias imaginativas, Clutch Cargo fue un éxito sorpresa. Su última serie The New 3 Stooges(1965-1966) ya no usaba Syncro-Vox. Contenía 40 nuevos segmentos de acción en vivo con los Tres Chiflados originales que se difundieron y repitieron a lo largo de 156 episodios junto con una nueva animación (que en ocasiones hacía que las personas apagaran su televisor cuando se repetía el metraje de acción en vivo, convencidos de que ya habían visto el episodio).).

Animación teatral estadounidense en la década de 1960

Para Cien y un dálmatas (1961), los costos de producción fueron restringidos, ayudados por el proceso de xerografía que eliminó el proceso de entintado. Aunque Walt Disney no apreció personalmente el aspecto relativamente incompleto, no molestó a los críticos ni al público y la película fue otro éxito para el estudio. The Sword in the Stone (1963) fue otro éxito financiero, pero con los años se ha convertido en una de las películas de Disney menos conocidas. Le siguió el éxito de animación/acción en vivo Mary Poppins (1964), que recibió 13 nominaciones a los Premios de la Academia, incluida la de Mejor Película. La película animada más grande de Disney de la década de 1960 fue El libro de la selva.(1967), que fue un éxito comercial y de crítica. Esta fue también la última película supervisada por Walt Disney antes de su muerte en 1966. Sin la imaginación y el esfuerzo creativo de Walt, los equipos de animación no pudieron producir muchas películas exitosas durante las décadas de 1970 y 1980. Esto fue hasta el lanzamiento de La Sirenita (1989), 22 años después.

UPA produjo su primer largometraje 1001 Arabian Nights (1959) (protagonizada por Mr. Magoo como el tío de Alladin) para Columbia Pictures, con poco éxito. Lo intentaron de nuevo con Gay Purr-ee en 1962, estrenada por Warner Bros. Fue bien recibida por la crítica, pero fracasó en la taquilla y sería la última película que hiciera el estudio.

Decadencia del cortometraje teatral

El fallo de la Corte Suprema del caso antimonopolio de Hollywood de 1948 prohibió las "reservas en bloque" en las que los largometrajes de éxito se ofrecían exclusivamente a los propietarios de salas de cine en paquetes junto con noticieros y dibujos animados o cortometrajes de acción en vivo. En lugar de recibir un porcentaje razonable de un paquete, los dibujos animados cortos tenían que venderse por separado por los precios que los dueños de los cines estaban dispuestos a pagar por ellos. Los dibujos animados cortos eran relativamente caros y ahora podían eliminarse del programa sin que la gente perdiera interés en la función principal, lo que se convirtió en una forma sensata de reducir los costos cuando más y más espectadores potenciales parecían quedarse en casa para ver películas en sus televisores.. La mayoría de los dibujos animados tuvieron que volver a publicarse varias veces para recuperar el presupuesto invertido.A fines de la década de 1960, la mayoría de los estudios habían dejado de producir dibujos animados teatrales. Incluso Warner Bros. y Disney, con excepciones ocasionales, dejaron de hacer dibujos animados teatrales cortos después de 1969. Walter Lantz fue el último de los productores de dibujos animados clásicos en darse por vencido, cuando cerró su estudio en 1973.

DePatie–Freleng

DePatie–Freleng Enterprises, fundada por Friz Freleng y David H. DePatie en 1963 después de que Warner Bros. cerrara su departamento de animación, fue el único estudio que encontró un nuevo éxito con series cortas de dibujos animados teatrales después de la década de 1950. Crearon Pink Panther en 1963 para los créditos iniciales y finales de la serie de películas de acción real The Pink Panther con Peter Sellers. Su éxito dio lugar a una serie de cortometrajes (1964-1980) y series de televisión (1969-1980). Pink Panther fue seguido por el spin-off The Inspector (1965-1969), The Ant and the Aardvark (1969-1971) y un puñado de otras series teatrales. El perro padre(1974-1976) fue la última serie nueva, pero los dibujos animados de Pink Panther aparecieron en los cines hasta 1980, poco antes de la desaparición del estudio en 1981. De 1966 a 1981, DePatie-Freleng también produjo muchas series de televisión y especiales.

Ascenso del anime

Japón fue notablemente prolífico y exitoso con su propio estilo de animación, que se conoció en el idioma inglés inicialmente como Japanimation y finalmente como anime. En general, el anime se desarrolló con técnicas de animación limitada que ponen más énfasis en la calidad estética que en el movimiento, en comparación con la animación estadounidense. También aplica un enfoque relativamente "cinematográfico" con zoom, panorámica, tomas dinámicas complejas y mucha atención a los fondos que son fundamentales para crear la atmósfera.

El anime se transmitió por primera vez a nivel nacional en la televisión en 1960. La exportación de funciones de anime teatral comenzó casi al mismo tiempo. En unos pocos años, se hicieron varias series de televisión de anime que también recibirían diferentes niveles de difusión en los Estados Unidos y otros países, comenzando con la muy influyente鉄腕アトム (Astro Boy) (1963), seguida deジャングル大帝 (Kimba the White Lion) (1965-1966),エイトマン (Octavo hombre) (1965),魔法使いサリー (Sally the Witch) (1966-1967) yマッハGoGoGo (Mach GoGoGo, también conocido como Speed ​​Racer) (1967).

El popular a nivel nacionalサザエさん / Sazae-san comenzó en 1969 y es probablemente el programa de televisión animado de mayor duración en el mundo, con más de 7700 episodios.

Animación contracultural y orientada a adultos tempranos

Antes de finales de la década de 1960, apenas se había producido animación para adultos. Una excepción notable fue el cortometraje pornográfico Eveready Harton in Buried Treasure (1928), presumiblemente realizado por animadores famosos para una fiesta privada en honor a Winsor McCay, y que no se proyectó públicamente hasta finales de la década de 1970. Después de 1934, el código Hays dio a los cineastas de los Estados Unidos poca libertad para publicar material arriesgado, hasta que el código fue reemplazado por el sistema de clasificación de películas de la Motion Picture Association of America en 1968. un medio para el entretenimiento infantil o familiar, las nuevas animaciones teatrales demostraron lo contrario.

Podría decirse que los matices filosóficos, psicológicos y sociológicos de los especiales de Peanuts TV estaban relativamente orientados a los adultos, mientras que los especiales también eran agradables para los niños. En 1969 el director Bill Mendelez expandió el éxito de la serie a los cines con A Boy Named Charlie Brown. La secuela teatral Snoopy Come Home (1972) fue un fracaso de taquilla, a pesar de las críticas positivas. Race for Your Life, Charlie Brown (1977) y Bon Voyage, Charlie Brown (and Don't Come Back!!) (1980) fueron los únicos otros largometrajes teatrales tradicionalmente animados de Peanuts, mientras que los especiales de televisión continuaron hasta 2011.

El auge de la contracultura antisistema a fines de la década de 1960 impactó a Hollywood desde el principio. En la animación, los sentimientos contra la guerra estuvieron claramente presentes en varios cortometrajes clandestinos como Escalation (1968) de Ward Kimball (realizada independientemente de su empleo en Disney) y la parodia de Mickey Mouse en Vietnam (1969). La parodia menos política Bambi conoce a Godzilla (1969) de Marv Newland, otro cortometraje underground para adultos, es considerado un gran clásico y fue incluido en The 50 Greatest Cartoons (1994) (basado en una encuesta a 1.000 personas que trabajan en la industria de la animación).

Según los informes, la popularidad de la psicodelia hizo que el relanzamiento de Fantasía de Disney en 1969 fuera popular entre los adolescentes y estudiantes universitarios, y la película comenzó a generar ganancias. Del mismo modo, Alicia en el país de las maravillas de Disney se hizo popular con las proyecciones de televisión en este período y con su relanzamiento en cines en 1974.

También influenciado por la revolución psicodélica, el largometraje musical animado de The Beatles Yellow Submarine (1968) mostró a una amplia audiencia cómo la animación podía ser bastante diferente de los conocidos dibujos animados de televisión y los largometrajes de Disney. Su diseño distintivo provino del director de arte Heinz Edelman. La película recibió elogios generalizados y demostraría ser influyente. Peter Max popularizó aún más un estilo visual similar en sus obras de arte.

Animación no estadounidense en la década de 1960

  • わんぱく王子の大蛇退治 (El principito y el dragón de ocho cabezas) (Japón, función de 1963)
  • 大鬧天宮 (Caos en el cielo) (China, función de 1963)
  • ガリバーの宇宙旅行 (Los viajes más allá de la luna de Gulliver) (Japón, función de 1965)
  • Calimero (Italia/Japón 1963-1972, serie de televisión)
  • Pinocchio in Outer Space de Belvision (Bélgica/EE. UU. 1965, largometraje dirigido por Ray Goossens)
  • West and Soda (Italia 1965, ópera prima de Bruno Bozzetto)

1970

Avance de la animación de largometraje contracultural y orientada a adultos

Ralph Bakshi pensó que la idea de "hombres adultos sentados en cubículos dibujando mariposas flotando sobre un campo de flores, mientras los aviones estadounidenses lanzan bombas en Vietnam y los niños marchan por las calles, es ridícula". Por lo tanto, creó un tipo de animación más sociopolítica, comenzando con Fritz the Cat (1972), basada en los cómics de Robert Crumb y el primer largometraje animado en recibir una calificación X. La calificación X se utilizó para promocionar la película y se convirtió en la película animada independiente más taquillera de todos los tiempos. El éxito del Tráfico Pesado(1973) convirtió a Bakshi en el primero desde Disney en tener dos largometrajes animados consecutivos de éxito financiero. La película utilizó una combinación artística de técnicas con fotografía fija como fondo en algunas partes, una escena de acción en vivo de modelos con rostros pintados representados en cinematografía negativa, una escena representada en una animación esquemática muy limitada que solo estaba parcialmente coloreada, dibujo detallado, archivo metraje y la mayoría de los personajes animados en un estilo de dibujos animados constante en todo momento, excepto los últimos diez minutos que se filmaron completamente como una película de acción en vivo estándar. Continuó experimentando con diferentes técnicas en la mayoría de sus próximos proyectos. Sus siguientes proyectos Hey Good Lookin' (terminado en 1975, pero archivado por Warner Bros. hasta su lanzamiento en una versión modificada en 1982) y Coonskin(1975, sufrió protestas contra su racismo percibido mientras en realidad lo satirizaba) tuvieron mucho menos éxito, pero recibieron más reconocimiento más tarde y se convirtieron en películas de culto.

Bakshi encontró un nuevo éxito con las películas de fantasía Wizards (1977) y The Lord of the Rings (1978). Ambos usaron rotoscopia para escenas de batalla masivas. Para Wizards, la técnica se usó en imágenes de archivo como una solución a los problemas presupuestarios y se presentó en un estilo psicodélico y artístico. Para El Señor de los Anillos, se convirtió en un medio para crear una apariencia que Bakshi describió como "una ilustración real en lugar de dibujos animados" para una película que quería que fuera fiel al trabajo de Tolkien, con material de referencia filmado con actores disfrazados en España. La película de televisión más familiar El retorno del rey(1979) de Rankin / Bass y Topcraft a veces se considera una secuela no oficial después de que no se hiciera la segunda parte prevista de Bakshi, pero ya habían comenzado de forma independiente su adaptación de la historia en televisión con El Hobbit en 1977.

La imaginativa producción de ciencia ficción franco-checa La Planète sauvage (1973) recibió el premio especial del jurado Grand Prix en el Festival de Cine de Cannes de 1973 y, en 2016, fue clasificada como la película animada número 36 entre las más grandes de la historia por Rolling Stone.

La producción británica Watership Down (película) (1978) fue un gran éxito internacional. Presentaba personajes de animales que parecían más realistas que antropomórficos, sobre fondos de acuarela. A pesar de sus aspectos oscuros y violentos, se consideró apto para todas las edades en el Reino Unido y se calificó como PG en los Estados Unidos.

Anime en Europa

La importación de anime ofrecía series animadas relativamente baratas, pero algunas emisoras europeas pensaban que la animación era algo para niños pequeños y, con demasiada facilidad, programaban series de anime en consecuencia. Esto generó muchas críticas cuando algunos programas se consideraron demasiado violentos para los niños. Las adaptaciones para niños de historias europeas aseguraron mucho más éxito en Europa, con títulos populares comoアルプスの少女ハイジ (Heidi, Girl of the Alps) (1974) yみつばちマーヤの冒険 (Maya the Honey Bee) (1975).

Solo unos pocos estudios de animación estaban activos en Europa y comenzar un nuevo estudio requería mucho tiempo, esfuerzo y dinero. Para los productores europeos interesados ​​en series animadas, tenía sentido colaborar con estudios japoneses que pudieran ofrecer animación asequible en una calidad relativamente alta. Las producciones resultantes incluyen Barbapapa (Países Bajos/Japón/Francia 1973–1977), Wickie und die starken Männer/小さなバイキング ビッケ (Vicky the Viking) (Austria/Alemania/Japón 1974), Il était une fois... (Once Upon a Time...) (Francia/Japón 1978) y Doctor Snuggles (Países Bajos/Alemania Occidental/Japón/Estados Unidos 1979).

Aspectos destacados de los cortometrajes artísticos

Los cortometrajes de animación se convirtieron principalmente en un medio para festivales de cine en los que los animadores independientes mostraban su talento. Con los grandes estudios fuera del campo, el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación y las nominaciones de las décadas de 1970 y 1980 fueron generalmente para artistas relativamente desconocidos.

La Linea (Italia 1971, 1978, 1986) es una serie de animación popular con un personaje principal que consiste en una parte de una línea blanca recta que corre horizontalmente a través de la pantalla.

El animador soviético / ruso Yuri Norstein "es considerado por muchos no solo como el mejor animador de su época, sino el mejor de todos los tiempos". Lanzó un puñado de cortometrajes premiados en la década de 1970:

  • La batalla de Kerzhenets (Сеча при Керженце, 1971), en colaboración con Ivan Ivanov-Vano
  • El zorro y la liebre (Лиса и заяц, 1973).
  • La garza y ​​la grulla (Цапля и журавль, 1974).
  • Erizo en la niebla (Ёжик в тумане, 1975).
  • Cuento de cuentos (Сказка сказок, 1979).

Norstein ha estado trabajando desde 1981 en The Overcoat (Шинель) y participó en Winter Days (冬の日, 2003).

Primeros videos musicales animados

Aunque la combinación de música y animación tenía una larga tradición, pasó algún tiempo antes de que la animación se convirtiera en parte de los videos musicales después de que el medio se convirtiera en un género propiamente dicho a mediados de la década de 1970.

Halas y Batchelor produjeron un video animado para Love Is All (1974) de Roger Glover que se transmitió internacionalmente durante décadas, a menudo como un programa intersticial.

El video musical Welcome to the Machine de Pink Floyd de 1977, animado por Gerald Scarfe, inicialmente solo se usó como telón de fondo para conciertos.

Accidents Will Happen (1979) de Elvis Costello fue realizada por Annabelle Janckel y Rocky Morton, conocidos por sus comerciales animados. A pesar de una recepción inicialmente tibia, el video ha recibido elogios desde entonces.

Roger Mainwood y John Halas crearon un video musical animado para Autobahn de Kraftwerk en 1979. El breve documental sin palabras Making it move... mostró el proceso de producción.

Una caricatura para Seaside Woman de Linda McCartney fue realizada por Oscar Grillo y ganó una Palma de Oro al Mejor Cortometraje en el festival de Cannes en 1980.

1980

El punto más bajo de la animación estadounidense (principios de la década de 1980)

La animación para la programación televisiva de EE. UU. se había vuelto formulada, a menudo basada en personajes conocidos de otros medios, y gran parte del trabajo de animación real (limitado) se subcontrataba a trabajadores asiáticos baratos. Varias series de televisión animadas populares para niños podrían percibirse como poco más que comerciales, ya que se basaron en líneas de juguetes, incluidos He-Man and the Masters of the Universe de Mattell (1983–1985) y GI Joe de Hasbro (1983–1986), Los transformadores (1984–1987) y My Little Pony (1986–1987). Don Bluth, que había dejado Disney en 1979 junto con otros nueve animadores, empezó a competir con su antiguo empleador en los cines en 1982 con El secreto del NIMH.. La película obtuvo elogios de la crítica, pero solo fue un éxito modesto en la taquilla.

Principalmente en retrospectiva, se ha percibido que los largometrajes de Disney atraviesan una era oscura en las primeras décadas posteriores a la muerte de Walt Disney en 1966 (a pesar de una serie más constante de éxitos de taquilla que durante la década en que Walt estaba vivo). El fracaso de The Black Cauldron (1985), realizada con un presupuesto ambicioso, fue claramente un nuevo mínimo. Tim Burton citó el fracaso de Disney en capacitar a nuevos animadores durante la década de 1960 y principios de la de 1970 como una de las razones del declive, y Disney se basó en cambio en un grupo de veteranos que envejecía.

Europa

En comparación con la producción de animación estadounidense de principios de la década de 1980, las coproducciones internacionales parecían más imaginativas y prometedoras. The Smurfs (1981-1989), producido por SEPP International del belga Freddy Monnickendam en colaboración con Hanna-Barbera, tuvo un gran éxito, seguido de Snorks (1984-1989) y Foofur (1986-1988). La producción de Bibifoc (Seabert) (1984–1988) de Bzz Films también estuvo a cargo de SEPP. Otras coproducciones internacionales notables incluyen Inspector Gadget (Francia/EE. UU. 1983) y El maravilloso mago de Oz (Canadá/Japón 1986-1987).

Estudio Ghibli y anime de televisión

El anime, junto con el manga impreso, había creado una enorme afición en Japón y se convirtió en una gran parte de la cultura dominante del país. Entre los muchos géneros del anime, mecha (ciencia ficción de robots gigantes) se volvió particularmente icónico. El manga impreso, en particular, entró en una época dorada durante la década de 1980, impulsado por series como Dragon Ball.(1984-1995), y estas series recibieron exitosas adaptaciones de anime de larga duración. El mercado de videos domésticos relativamente nuevo creció mucho y la animación de video original (OVA) se convirtió en un medio muy apreciado, a menudo con producciones de mayor calidad que las hechas para televisión (en contraste con los EE. UU., donde directo a video era principalmente un medio para lanzamientos que no se esperaba que fueran lo suficientemente populares como para justificar un estreno en cines o una transmisión televisiva y, por lo tanto, a menudo producidos con un presupuesto mucho más bajo). Naturalmente, el medio OVA se adaptaba al consumo de animación erótica y pornográfica. El primer lanzamiento de óvulos eróticos fue la serieロ リ ー タ ア ニ メ (Lolita Anime) de febrero de 1984 a mayo de 1985, seguida pronto por Cream Lemon.serie (agosto de 1984 - 2005). El género se hizo conocido internacionalmente como hentai y es tristemente célebre por contener a menudo temas perversos, incluido sexo con menores, sexo con monstruos y sexo con tentáculos (ideado originalmente como un medio para eludir las regulaciones de censura japonesas). La nueva serie de anime basada en material europeo incluyóニ ル ス の ふ し ぎ な 旅 (Las maravillosas aventuras de Nils) (1980-1981) yス プ ー ン お ば さ ん (Mrs. Pepper Pot) (1983–1984).

Las características teatrales épicas de Hayao Miyazaki Nausicaä of the Valley of the Wind (1984), basadas en su propio manga, y天空の城ラピュタ (Castle in the Sky) (1986) son elogiadas regularmente como algunas de las mejores películas animadas de todos los tiempos. Castle in the Sky fue el primer largometraje de Studio Ghibli, fundado en 1985 por Miyazaki con Isao Takahata y otros. Studio Ghibli continuó su éxito con la película de la Segunda Guerra Mundial de Takahata火垂るの墓 (La tumba de las luciérnagas) (1988) y la icónicaとなりのトトロ (Mi vecino Totoro) de Miyazaki (1988) y魔女の宅急便 (Kiki's Delivery Service) (1989).

Renacimiento de la animación estadounidense

A partir de mediados de la década de 1980, la animación estadounidense vería un renacimiento. Esto se ha atribuido a una ola de talento que surgió del Instituto de las Artes de California, principalmente entre la cohorte que había estudiado allí en la década de 1970 con Marc Davis, un miembro de los nueve ancianos que habían influido en el lenguaje de la animación en la década de 1970. 1920 y 1930. En ese momento, muchos de los nueve estaban en proceso de jubilarse. Como broma interna, muchos estudiantes del aula A113 han insertado el código de la habitación en sus películas, series de televisión, etc. en los años posteriores. Los estudiantes de A113 incluyen a Jerry Rees, John Lasseter, Tim Burton, Michael Peraza y Brad Bird. Otros dos miembros de los nueve viejos, Ollie Johnston y Frank Thomas, publicaron La ilusión de la vida.en 1981, un libro instructivo que ha sido votado como el mejor libro de animación de todos los tiempos e influenció a James Baxter entre otros animadores modernos.

En los cines, el éxito de animación/acción en vivo de Robert Zemeckis ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) también se remontó a la calidad y la comedia alocada de la era dorada de los dibujos animados, con cameos de muchas de las superestrellas de esa época, incluidos Mickey, Minnie, Donald, Goofy, Betty Boop, Droopy, Woody Woodpecker y Bugs Bunny, Daffy Duck, Porky Pig, Tweety y Sylvester con la voz de Mel Blanc. La película ganó varios premios Oscar y ayudó a revivir el interés por la animación teatral y los dibujos animados clásicos. El cortometraje totalmente animado de Roger Rabbit Tummy Trouble (1989) se empaquetó luego con la comedia familiar de acción en vivo Honey, I Shrunk the Kids y se cree que ayudó al comienzo rápido de esa película en la taquilla.En colaboración con Amblin Entertainment de Steven Spielberg, An American Tail (1986) de Bluth se convirtió en la película de animación ajena a Disney más taquillera en ese momento. The Land Before Time (1988) fue igualmente exitoso, pero los siguientes cinco largometrajes de Bluth fracasaron.

Mighty Mouse: The New Adventures (1987–1989) fue uno de los primeros programas de televisión animados en recuperar la calidad y originalidad anteriores de los dibujos animados estadounidenses. Fue producido por Ralph Bakshi y la primera temporada fue supervisada por John Kricfalusi, con mucha libertad para que los artistas trabajaran en su propio estilo. En lugar de hacer un refrito nostálgico de la serie original de Terrytoons, trató de recrear la calidad y el humor loco de los clásicos de Looney Tunes.

Los Simpson, de Matt Groening, comenzó en abril de 1987 como un segmento corto del programa de comedia The Tracey Ullman Show, y luego se lanzó como una comedia de situación separada de media hora en horario de máxima audiencia en diciembre de 1989. Se convirtió en uno de los mayores éxitos de dibujos animados de la historia y es la serie de televisión con guión de horario estelar de EE. UU. de mayor duración.

Si bien los éxitos de The Great Mouse Detective (1986) y Oliver and Company (1988) ya habían ayudado a que el estudio de Disney volviera a encarrilarse, alcanzaron el oro con el éxito de taquilla La Sirenita (1989). Una toma para la secuencia del arcoíris al final de La Sirenita fue la primera pieza de animación que se creó con el sistema Computer Animation Production System (CAPS) que Disney y Pixar habían ensamblado en colaboración. Este sistema de tinta y pintura digital reemplazó el costoso método de entintar y colorear las celdas a mano y proporcionó a los cineastas nuevas herramientas creativas. En 1990, el auge de los éxitos animados se anunció como un regreso que podría rivalizar con la era dorada de los dibujos animados.

Animación teatral para adultos en la década de 1980

El musical de rock American Pop (1981) de Bakshi fue otro éxito, realizado principalmente con la técnica del rotoscopio en combinación con algunas acuarelas, gráficos por computadora, tomas de acción en vivo y material de archivo. Su siguiente película Fire and Ice (1983) fue una colaboración con el artista Frank Frazetta. Fue una de las muchas películas del género de espada y brujería lanzadas después del éxito de Conan the Barbarian (1982) y The Beastmaster (1982). Los críticos apreciaron las imágenes y las secuencias de acción, pero no su guión, y la película fracasó en la taquilla. Después de no poder poner en marcha varios proyectos, Bakshi se retiró por unos años.

La exitosa película de antología canadiense Heavy Metal (1981) se basó en historietas publicadas en la popular revista Heavy Metal y coproducida por su fundador. Las críticas mixtas pensaron que la película era desigual, juvenil y sexista. Finalmente, en 2000 le siguió Heavy Metal 2000, que recibió una mala recepción, y se volvió a imaginar como la serie de Netflix Love, Death & Robots en 2019.

La película de ópera de rock oscuro Pink Floyd - The Wall (1982) contenía segmentos animados de 15 minutos del dibujante británico Gerald Scarfe, quien ya había diseñado obras de arte relacionadas para el álbum de 1979 y la gira de conciertos de 1980-81. Parte del material animado de la película se usó previamente para el video musical de 1979 de "Another Brick in the Wall: Part 2" y para la gira. Scarfe también había hecho animaciones para la gira In the Flesh de 1977 de Pink Floyd.

La exitosa película británica sobre desastres nucleares When the Wind Blows (1986) mostraba personajes dibujados a mano sobre fondos reales, con stop-motion para objetos que se movían.

El violento anime cyberpunk posapocalíptico Akira (1988) obtuvo una mayor popularidad del anime fuera de Japón y ahora es ampliamente considerado como un clásico.

MTV y videos animados

MTV se lanzó en 1981 y popularizó aún más el medio de videos musicales, lo que permitió relativamente mucha expresión artística y técnicas creativas, ya que todos los involucrados querían que su video se destacara. Muchos de los videos musicales más célebres de la década de 1980 presentaban animación, a menudo creada con técnicas que diferían de la animación de cel estándar. Por ejemplo, el video icónico de Sledgehammer (1986) de Peter Gabriel presentaba plastilina, pixelación y stop motion de Aardman Animations y Brothers Quay.

"Take On Me" de A-ha (1985) combinó de manera famosa la acción en vivo con una animación realista de dibujo a lápiz de Michael Patterson. El video fue dirigido por Steve Barron, quien también dirigiría el innovador Dire Straits animado por computadora "Money for Nothing" en el mismo año. El video de a-ha se inspiró en la película de graduación de CalArts Commuter (1984) de Alex Patterson, que atrajo la atención de los ejecutivos de discos de Warner Bros. y se usaría en parte nuevamente para el video Train of Thought de A-ha.

Patterson también dirigió Opposites Attract (1989) de Paula Abdul, con su creación animada MC Skat Kat.

"The Harlem Shuffle" (1986) de los Rolling Stones contó con elementos animados dirigidos por Ralph Bakshi y John Kricfalusi, creados en unas pocas semanas.

Los parachoques originales del alunizaje de MTV se retiraron a principios de 1986 a raíz del desastre del Challenger. Luego, MTV promovió su salvaje imagen artística posmoderna a través de una plétora de parachoques de identificación experimentales, la mayoría de ellos animados. Los animadores generalmente no estaban acreditados, pero tenían la libertad de trabajar en sus propios estilos identificables. Por ejemplo, la contribución anónima del animador canadiense Danny Antonucci presentó a su personaje Lupo the Butcher al que se le permitió pronunciar sus divagaciones psicóticas.

Alrededor de 1987, MTV tenía un departamento de animación dedicado y lentamente comenzó a introducir más animación entre su programación relacionada con la música. Microtoons de Bill Plympton es un ejemplo temprano.

El auge de la animación por computadora

Los primeros experimentos con computadoras para generar imágenes en movimiento (abstractas) se llevaron a cabo desde la década de 1940, pero no atrajeron mucha atención hasta que los videojuegos comerciales (que funcionan con monedas) comenzaron a comercializarse a principios de la década de 1970. Pong (1972) de Atari, Inc., con gráficos bidimensionales en blanco y negro muy simples, y Space Invaders de Taito se convirtieron en grandes éxitos que allanaron el camino para un medio que puede considerarse como una rama interactiva de la animación por computadora. Desde 1974, las convenciones SIGGRAPH anuales se han organizado para demostrar los desarrollos actuales y las nuevas investigaciones en el campo de los gráficos por computadora (incluido CGI),Futureworld (1976) y Star Wars (1977)).

La animación por computadora en 3D comenzó a tener un impacto cultural mucho más amplio durante la década de 1980, como se demuestra, por ejemplo, en la película Tron de 1982 y el video musical de Money for Nothing (1985) de Dire Straits. El concepto incluso generó un popular personaje de IA animado en 3D: Max Headroom (presentado en 1985).

Durante la década de 1980, la animación por computadora también comenzó a convertirse en un medio relativamente común para crear gráficos en movimiento para logotipos y texto en comerciales de televisión y secuencias de títulos de películas.

1990

Renacimiento de Disney

La década de 1990 vio a Disney estrenar numerosas películas que fueron un éxito comercial y de crítica, volviendo a alturas que no se habían visto desde su apogeo entre las décadas de 1930 y 1960. El período de 1989 a 1999 ahora se conoce como el Renacimiento de Disney o la Segunda Edad de Oro. Su éxito llevó a otros importantes estudios cinematográficos a establecer nuevas divisiones de animación como Amblimation, Fox Animation Studios o Warner Bros. Feature Animation para replicar el éxito de Disney al convertir sus películas animadas en musicales al estilo de Disney.

La Bella y la Bestia (1991) de Disney (la primera película animada de la historia en ser nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película), Aladdin (1992) y El Rey León (1994) rompieron sucesivamente récords de taquilla. Pocahontas (1995) recibió críticas mixtas, pero fue un éxito financiero y recibió dos premios de la Academia. Mulan (1998) y Tarzán (1999) no superaron a The Lion King como la película animada más taquillera (tradicionalmente) de todos los tiempos, pero ambas tuvieron éxito al recaudar más de $ 300 millones en todo el mundo. El jorobado de Notre Dame(1996) fue un éxito financiero en ese momento pero contenía temas muy oscuros y adultos y desde entonces se ha convertido en una de las películas menos conocidas de Disney. Solo la secuela The Rescuers Down Under (1990) y Hercules (1997) superaron las expectativas de taquilla. Desde 1994 en adelante, Disney continuó produciendo secuelas de largometrajes de títulos exitosos, pero solo como lanzamientos directos a video.

Televisión

El influyente The Ren & Stimpy Show (1991–1995) de John Kricfalusi obtuvo un gran reconocimiento. Durante un tiempo fue el programa de televisión por cable más popular de los Estados Unidos. Programada como una caricatura para niños, fue notoriamente controvertida por su humor negro, insinuaciones sexuales, bromas para adultos y valor impactante. El enorme éxito de Los Simpson y The Ren & Stimpy Show generó series más originales y relativamente atrevidas, como South Park (desde 1997), King of the Hill (1997–2010), Family Guy (desde 1999) y Futurama.(1999-2003). El uso de la animación en MTV aumentó cuando el canal comenzó a hacer más y más programas que realmente no encajaban con su apodo de "televisión musical". Liquid Television (1991 a 1995) mostró contribuciones que en su mayoría fueron creadas por animadores independientes específicamente para el programa y generaron series separadas de Æon Flux y Beavis and Butt-Head (1993-1997). Otras series de dibujos animados de la década de 1990 en MTV incluyeron The Head (1994-1996) y The Maxx (1995), ambas bajo Oddities de MTV.bandera. En 2001, MTV cerró su departamento de animación, comenzó a subcontratar sus series animadas y finalmente importó programas de redes asociadas. El canal de cable de 24 horas Cartoon Network se lanzó en los Estados Unidos el 1 de octubre de 1992 y pronto le siguieron sus primeras versiones internacionales. Originalmente, la programación consistía en dibujos animados clásicos de los catálogos anteriores de Warner Bros, MGM, Fleischer/Famous y Hanna-Barbera. De 1996 a 2003, la nueva serie original se presentó como Cartoon Cartoons e introdujo los títulos populares El laboratorio de Dexter (1996–2003), Johnny Bravo (1997–2004), Cow and Chicken (1997–1999), I Am Weasel (1997–2000), Las Chicas Superpoderosas (1998–2005) yEd, Edd y Eddy (1999–2009). La animación televisiva para niños también siguió floreciendo en los Estados Unidos en canales de cable especializados como Nickelodeon, Disney Channel/Disney XD, PBS Kids y en franjas horarias sindicadas de la tarde.

Avance de la animación por computadora y los nuevos medios

Durante la década de 1990, la animación 3D se hizo cada vez más común, especialmente en los videojuegos, y finalmente tuvo un gran avance en 1995 con el largometraje de Pixar Toy Story.

La animación 3D más o menos fotorrealista se ha utilizado para efectos especiales en algunos comerciales y películas desde la década de 1980, antes de que se vieran efectos revolucionarios en Terminator 2: Judgment Day (1991) y Jurassic Park (1993). Desde entonces, las técnicas se han desarrollado hasta el punto de que la diferencia entre CGI y la cinematografía de la vida real rara vez es obvia. Los cineastas pueden combinar ambos tipos de imágenes a la perfección con la cinematografía virtual. The Matrix (1999) y sus dos secuelas suelen considerarse películas revolucionarias en este campo.

La creación de mundos virtuales permite la animación en tiempo real en realidad virtual, un medio que se experimenta desde 1962 y que comenzó a ver aplicaciones comerciales de entretenimiento en la década de 1990.

El lanzamiento de la World Wide Web aumentó el interés por los gráficos en movimiento y la animación por computadora, generando muchas aplicaciones, técnicas y mercados nuevos para lo que se conoció como nuevos medios.

Décadas de 2000 a 2010: técnicas tradicionales eclipsadas por la animación por computadora

Después del éxito de Toy Story (1995) de Pixar y Shrek (2001) de DreamWorks Animation, la animación por computadora se convirtió en la técnica de animación dominante en los EE. UU. y muchos otros países. Incluso la animación que parecía tradicional se creaba cada vez más con computadoras, con la ayuda, por ejemplo, de técnicas de cel-shading para replicar el aspecto muy apreciado de la animación tradicional (el verdadero cel-shading en tiempo real se introdujo por primera vez en 2000 por Jet Set de Sega Radio para su consola Dreamcast). Para 2004, solo se seguían creando pequeñas producciones con técnicas tradicionales.

Las primeras décadas del siglo XXI también vieron cómo las películas en 3D se generalizaban en los cines. El proceso de producción y el estilo visual de CGI se presta perfectamente para la visualización en 3D, mucho más que los estilos y métodos de animación tradicionales. Sin embargo, muchas películas animadas tradicionalmente pueden ser muy efectivas en 3D. Disney lanzó con éxito una versión en 3D de El Rey León en 2011, seguida de La Bella y la Bestia en 2012. Una versión en 3D planificada de La Sirenita se canceló cuando La Bella y la Bestia y dos títulos de Pixar convertidos en 3D no tuvieron el éxito suficiente en el taquilla.

Disney-Pixar

Disney comenzó a producir sus propias funciones animadas por computadora de estilo 3D con Dinosaur y Chicken Little, pero continuó haciendo funciones animadas con un aspecto tradicional: The Emperor's New Groove (2000), Atlantis: The Lost Empire (2001), Lilo & Stitch (2002).), Treasure Planet (2002), Brother Bear (2003) y Home on the Range (2004).

Treasure Planet y Home on the Range fueron grandes fracasos con grandes presupuestos y parecía que Disney solo continuaría con la animación por computadora en 3D. El análisis financiero de 2006 demostró que Disney había perdido dinero en sus producciones de animación de los diez años anteriores. Mientras tanto, las funciones CGI de Pixar funcionaron extremadamente bien. Para cambiar las cosas, Disney adquirió Pixar en 2006 y puso el control creativo sobre Pixar y Walt Disney Animation Studios en manos de John Lasseter de Pixar como parte del trato. Los estudios seguirían siendo entidades legales separadas. Bajo Lasseter, el estudio de Disney desarrolló proyectos de animación de estilo tradicional y 3D.

El cortometraje teatral How to Hook Up Your Home Theater (2007) probó si los nuevos procesos de animación sin papel podrían usarse para una apariencia similar a las caricaturas de las décadas de 1940 y 1950, con Goofy regresando a su papel de "Everyman" en su primera aparición en solitario en 42 años.

La película de Ron Clements y John Musker La princesa y el sapo (2009) fue un éxito comercial y crítico moderado, pero no el éxito de regreso de las películas tradicionales que el estudio esperaba que fuera. Su fracaso percibido se atribuyó principalmente al uso de "princesa" en el título, lo que provocó que los espectadores potenciales pensaran que era solo para niñas pequeñas y anticuado.

Winnie the Pooh (2011) recibió críticas favorables, pero fracasó en la taquilla y se convirtió en la última película tradicional de Disney hasta la fecha. Frozen (2013) se concibió originalmente en el estilo tradicional, pero cambió a 3D CGI para permitir la creación de ciertos elementos visuales requeridos. Se convirtió en el mayor éxito de Disney en ese momento, superando tanto a The Lion King como a Toy Story 3 de Pixar como la película animada más taquillera de todos los tiempos y ganando el primer Premio de la Academia del estudio a la mejor película animada.

Animado

Especialmente fuera de América del Norte, la animación dibujada a mano siguió siendo muy popular, sobre todo en Japón, donde el anime de estilo tradicional siguió siendo la técnica dominante. La popularidad del anime siguió aumentando a nivel nacional, con un récord de 340 series de anime transmitidas por televisión en 2015, así como a nivel internacional, con un bloque dedicado a Toonami en Cartoon Network (1997–2008) y Adult Swim (desde 2012) y con transmisión. servicios como Netflix y Amazon Prime otorgan licencias y producen una cantidad cada vez mayor de anime.

Ghibli continuó su enorme éxito con Miyazaki's Spirited Away (2001),ハウルの動く城 (Howl's Moving Castle) (2004),崖の上のポニョ (Ponyo) (2008) y風立ちぬ (The Wind Rises) (2013) y Hiromasa Yonebayashi借 り ぐ ら し の ア リ エ ッ テ ィ (El mundo secreto de Arrietty) (2010), recaudando más de $ 100 millones en todo el mundo y apareciendo en el top 10 de las películas de anime más taquilleras de todos los tiempos (a partir de 2020). かぐや姫の物語 (The Tale of the Princess Kaguya) (2013) de Takahata fue nominada al Oscar a la Mejor Película de Animación de la Academia y muchos otros premios.

Makoto Shinkai dirigió君の名は。(Your Name) (2016, la película de anime más taquillera de todos los tiempos a nivel internacional) y天気の子 (Weathering with You) (2019).

Detener el movimiento

Después del trabajo pionero de J. Stuart Blackton, Segundo de Chomón y Arthur Melbourne-Cooper, el stop motion se convirtió en una rama de la animación que ha sido mucho menos dominante que la animación a mano y la animación por computadora. No obstante, ha habido muchas películas y series de televisión stop motion exitosas. Entre los animadores cuyo trabajo con marionetas animadas ha recibido el mayor reconocimiento se encuentran Wladyslaw Starewicz, George Pal y Henry Selick. Los títulos populares que usan arcilla animada incluyen Gumby (1953), Mio Mao (1970), The Red and the Blue (1976), Pingu (1990-2000) y muchas producciones de Aardman Animations (Morph (1977) y Wallace and Gromit (1989)).

En manos de cineastas influyentes como Jan Svankmajer y Brothers Quay, el stop motion ha sido considerado como un medio altamente artístico.

Hasta que fue reemplazado en gran medida por los efectos animados por computadora, el stop motion también era una técnica popular para los efectos especiales en las películas de acción en vivo. El pionero Willis O'Brien y su protegido Ray Harryhausen animaron muchos monstruos y criaturas para películas de acción real de Hollywood, utilizando modelos o marionetas con armaduras. En comparación, la animación dibujada a mano se ha combinado con relativa frecuencia con la acción en vivo, pero generalmente de manera obvia y, a menudo, se usa como un truco sorprendente que combina un mundo "real" y un mundo de fantasía o de sueños. Solo muy ocasionalmente se ha utilizado la animación dibujada a mano como efectos especiales convincentes (por ejemplo, en el clímax de Highlander (1986)).

Animación recortada

Las técnicas de recorte se utilizaron con relativa frecuencia en películas animadas hasta que la animación cel se convirtió en el método estándar (al menos en los Estados Unidos). Los primeros largometrajes de animación, de Quirino Cristiani y Lotte Reiniger, eran animaciones recortadas.

Antes de 1934, la animación japonesa utilizaba principalmente técnicas de recorte en lugar de animación en cel, porque el celuloide era demasiado caro.

Dado que los recortes a menudo se han dibujado a mano y algunas producciones combinan varias técnicas de animación, la animación de recortes a veces puede parecerse mucho a la animación tradicional dibujada a mano.

Si bien a veces se usa como un método de animación simple y económico en programas para niños (por ejemplo, en Ivor the Engine), la animación recortada sigue siendo un medio relativamente artístico y experimental en manos, por ejemplo, de Harry Everett Smith, Terry Gilliam y Jim Blashfield.

Hoy en día, la animación de estilo recortado se produce con frecuencia usando computadoras, con imágenes escaneadas o gráficos vectoriales que reemplazan los materiales cortados físicamente. South Park es un ejemplo notable de la transición, ya que su episodio piloto se hizo con recortes de papel antes de cambiar a un software de computadora. Las elecciones estilísticas similares y las combinaciones con diferentes técnicas en la animación por computadora han hecho que sea más difícil diferenciar entre los estilos de animación "tradicional", recortado y Flash.

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