Henry cowell
Henry Dixon Cowell (11 de marzo de 1897 - 10 de diciembre de 1965) fue un compositor, escritor, pianista, editor y profesor estadounidense. Cowell, que se ganó la reputación de ser un intérprete extremadamente controvertido y un compositor excéntrico, se convirtió en una figura destacada de la música de vanguardia estadounidense durante la primera mitad del siglo XX; sus escritos y su música sirvieron como una gran influencia para artistas similares en ese momento, incluido Lou Harrison, George Antheil y John Cage, entre otros. Es considerado uno de los compositores más importantes e influyentes de Estados Unidos.
Cowell fue mayormente autodidacta y desarrolló un lenguaje musical único, a menudo combinando melodías populares, contrapunto disonante, orquestación poco convencional y temas del paganismo irlandés. Fue uno de los primeros defensores e innovadores de muchas técnicas y sensibilidades de composición modernistas, muchas para el piano, incluido el piano de cuerdas, el piano preparado, los grupos de tonos y la notación gráfica.
Primeros años
Infancia
Cowell nació el 11 de marzo de 1897 en la zona rural de Menlo Park, California, un suburbio de San Francisco. Su padre, Henry Blackwood 'Harry' Cowell, fue un poeta romántico e inmigrante reciente del condado de Clare, Irlanda. Su madre, Clara "Clarissa" Cowell (de soltera Dixon), era una activista política, autora y nativa de American Plains, que tenía 46 años cuando dio a luz a Henry, además de ser diez años mayor que su esposo. La ascendencia de Clarissa era igualmente escocesa e irlandesa, aunque su linaje paterno había estado en Estados Unidos durante siglos, con figuras que incluían al astrónomo Jeremiah Dixon, uno de los topógrafos detrás de la línea estadounidense Mason-Dixon. Después de conocerse por primera vez, los dos se casaron rápidamente y adoptaron un estilo de vida bohemio, residiendo en una cabaña pequeña y tosca (luego demolida en 1936) que Harry había construido en las afueras de la ciudad, donde eventualmente nacería Henry. Fue en sus primeros años cuando Henry tuvo su primera exposición a la música.
Sus padres solían cantarle las canciones populares de sus países de origen, y pronto sería capaz de recitarlas antes de aprender a hablar. Durante las visitas ocasionales al centro de San Francisco, también recordó haber escuchado la música tradicional de Indonesia, China, Japón y otros. La familia recibió pequeños instrumentos de amigos y vecinos, incluido un arpa de mandolina y un violín de un cuarto de tamaño, el último por el cual el joven Henry se interesó, convirtiéndolo en su instrumento preferido durante algunos años. Finalmente, su madre decidió suspender tanto las lecciones privadas como su carrera en la escuela pública después de que Cowell sufriera episodios severos de corea de Sydenham y escarlatina, de los cuales eventualmente se recuperaría.
Debido a un romance en curso con Harry y una amante francesa, los Cowell se divorciaron amistosamente en 1903, cuando Henry tenía 5 años. A partir de entonces, fue criado en Chinatown por su madre, quien lo infundió con sus fuertes creencias anarquistas y feministas. Fue durante este tiempo que exhibió un fuerte desafío a los estereotipos de género: se negó a cortarse el cabello, a menudo usaba ropa de mujer y adornaba el color rosa mientras prefería que lo llamaran "Sra. Jones”. También tuvo más exposiciones musicales cuando interactuaba con sus nuevos amigos asiático-estadounidenses y sus familias en el vecindario. Después del terremoto de San Francisco de 1906, gran parte de las posesiones y recuerdos de los Cowell fueron destruidos en el incendio que siguió, después del cual Henry y su madre huyeron del estado de California. Sin un lugar permanente para vivir, Henry residía con la familia lejana y los amigos de su madre en las llanuras americanas y el medio oeste, y más tarde en la ciudad de Nueva York. Los maestros de escuela de esta época a menudo tomaban nota de su "genio musical" y personalidad excéntrica, pero se veían obstaculizados por la "extrema pobreza". Lewis Terman, un eventual pionero de la prueba de coeficiente intelectual, se reunió con el joven Henry durante la breve estadía de la familia en la zona rural de Iowa. Postularía que Cowell tenía un "lenguaje casi literario". Ningún profesor universitario de inglés podría haberlo mejorado. Y fue tan natural. Su conversación respira inteligencia. Tuve la sensación de que ningún niño sin escolarizar que no fuera un genio de primer orden podría hablar así... y "Aunque el coeficiente intelectual es satisfactorio, lo igualan muchos otros. [...] Pero solo hay un Henry." La carrera de Clarissa como escritora feminista progresista no le reportó mucho dinero, y cuando finalmente regresaron a San Francisco, ella había contraído una enfermedad terminal de cáncer de mama. Encontraron su casa destruida por el terremoto anterior y saqueada por vándalos después de haber estado desocupada durante tanto tiempo. Los vecinos albergaron a los dos cuando Henry, que entonces tenía trece años, lo restauró. Para mantenerlos financieramente a flote, Cowell tomó pequeños trabajos como recolectar y vender bulbos de flores en la estación de tren de Menlo Park, trabajo de limpieza, agricultura y limpieza de los gallineros de un vecino.
Educación y carrera temprana
Aunque no recibió educación musical formal (y poca educación de cualquier tipo más allá de la tutela en casa de su madre), comenzó a componer piezas clásicas breves a mediados de su adolescencia. Cowell ahorró el dinero que pudo con trabajos ocasionales y, a la edad de quince años, compró un piano vertical usado por $ 60 ($ 1,772 en 2022). El piano ayudó significativamente a su producción compositiva: en 1914, había escrito más de 100 piezas, incluida su primera pieza superviviente para piano solo, la repetitiva Anger Dance (originalmente Mad Dance). Comenzaba a experimentar en serio, a menudo golpeando el teclado con todas sus fuerzas y haciendo rodar el huevo de zurcir de su madre por las cuerdas. En el mismo año, a la edad de 17 años, Cowell se matriculó en la Universidad de California, Berkeley, para estudiar composición con el renombrado musicólogo y compositor estadounidense Charles Seeger. Seeger más tarde tomaría nota de sus "búsquedas simultáneas pero completamente separadas de libre composición y disciplinas académicas". Después de mostrarle a Seeger los borradores de su música, animó a Cowell a escribir sobre los métodos y la teoría detrás de sus grupos de tonos, que luego se convertirían en el borrador de su libro Nuevos recursos musicales.
Todavía un adolescente, Cowell escribió la pieza del piano Moción dinámica (1916), su primer trabajo importante para explorar las posibilidades del grupo de tonos (
escucha(help·info)). Requiere que el intérprete use ambos antebrazos para jugar acordes secundal masivos y pide que las teclas se mantengan sin sonar para extender sus cúmulos disonantes tonos a través de la resonancia simpática. Después de dos años en Berkeley, Seeger recomendó que el estudio de Cowell en el Instituto de Arte Musical (más tarde la Escuela Juilliard de Música) en Nueva York. Cowell sólo estudió allí durante tres meses (octubre de 1916 a enero de 1917) antes de salir, creyendo que la atmósfera musical era demasiado sofocante e inspirante. Fue en Nueva York, sin embargo, donde conoció a Leo Ornstein compositor de piano modernista. Los dos colaborarían en décadas posteriores.
En febrero de 1917, Cowell se alistó en el ejército para evitar ser reclutado en la Primera Guerra Mundial y ver un combate militar directo. Sirvió en el centro de entrenamiento de ambulancias en Camp Crane, Allentown, Pensilvania, donde tuvo un breve período como asistente del director de la banda durante unos meses. En octubre de 1918, Cowell fue trasladado a Fort Ontario en Oswego, Nueva York. Lo habían trasladado justo antes de que un brote de gripe española matara a trece hombres en Camp Crane.
Tiempo en Halcyon
Cowell pronto regresó a California, donde se involucró con Halcyon, una comunidad teosófica en el sur de California. Cowell se unió a la comuna después de hacerse amigo del poeta irlandés-estadounidense y ex residente de Menlo Park, John Osborne Varian. La conexión de Cowell con la música folclórica irlandesa de su padre significó que instantáneamente se sintiera atraído por Varian, el nacionalismo irlandés, las leyendas celtas y la teosofía en general. Aunque los residentes de Halcyon adoptaron un estilo de vida tolerante y de tendencia comunista, sus preferencias musicales se consideraron bastante conservadoras para la época. Varian lo describió como "raggtime santificado [sic]" y "música de himnos rehimnificada [sic]". Cowell logró convencer a los miembros de que aceptaran su música y escribió música programática e incidental para interpretar en Halcyon. En 1917, Cowell escribió la música para la producción teatral de Varian The Building of Banba; el preludio que compuso, The Tides of Manaunaun, con sus ricos y sugerentes grupos, se convertiría en la obra más famosa y ampliamente interpretada de Cowell. La simbología irlandesa se convertiría más tarde en un tema más amplio en su música, como una extensión involuntaria del movimiento de renacimiento celta del siglo XX.
Carrera musical
Nueva música y primeras giras
A principios de la década de 1920, Cowell realizó numerosas giras por América del Norte y Europa como pianista, con la ayuda financiera de sus antiguos tutores, interpretando sus propias obras experimentales, exploraciones fundamentales de atonalidad, politonalidad, polirritmos y modos no occidentales. Dio su recital debut en Nueva York, realizó una gira por Francia y Alemania y se convirtió en el primer músico estadounidense en visitar la Unión Soviética, y muchos de estos conciertos provocaron grandes alborotos y protestas. Fue en una de estas giras que en 1923, su amigo Richard Buhlig le presentó a Cowell a la joven pianista Grete Sultan en Berlín. Trabajaron en estrecha colaboración, un aspecto vital para el desarrollo personal y artístico de Grete Sultan. Más tarde, Cowell causó tal impresión con su técnica de grupo de tonos que los destacados compositores europeos Béla Bartók y Alban Berg solicitaron su permiso para adoptarla.
En una carta dirigida a su amigo el 10 de enero de 1924, Cowell escribió: "He dado un golpe en Londres y Berlín, y he tenido algunos muy buenos, y algunos muy malos avisos de ambos lugares". Un nuevo método avanzado por Cowell durante este período, en piezas como Aeolian Harp (1923) y Respuesta de Fairy (1929), fue lo que apuñaló "a piano de cuerda", en lugar de usar las llaves para tocar, el pianista llega dentro del instrumento y se arrastra, barre y manipula directamente las cuerdas. Los esfuerzos de Cowell con técnicas de piano de cuerda fueron la principal inspiración para el desarrollo de John Cage del piano preparado. En piezas de música de cámara temprana, como Cuarteto romántico (1915–17) y Cuarteto Eufométrico (1916-1919) escucha(help·info)), Cowell fue pionero en un enfoque compositivo que llamó "rhythm-harmony": "Ambos cuartetos son polifónicos, y cada hilo melódico tiene su propio ritmo", explicó. "Incluso el canon en el primer movimiento del Romántico tiene diferentes longitudes de notas para cada voz."
En 1919, Cowell había comenzado a escribir Nuevos recursos musicales, que finalmente se publicaría después de una extensa revisión en 1930. En el libro, Cowell discutió la variedad de conceptos rítmicos y armónicos innovadores que usó en su composiciones (y otras que todavía eran enteramente especulativas). Habla de series armónicas y "la influencia que ha ejercido sobre la música a lo largo de su historia, cuántos materiales musicales de todas las épocas se relacionan con ella, y cómo, por diversos medios de aplicación de sus principios de muy diferentes maneras, se puede ensamblar una gran paleta de materiales musicales." Tendría un poderoso efecto en la vanguardia musical estadounidense durante décadas. John Cage copió a mano el libro y luego estudió a Cowell, y Conlon Nancarrow se referiría a él años más tarde como "la mayor influencia de todo lo que he leído en la música".
El incidente de Leipzig
Durante su primera gira por Europa, Cowell tocó en la famosa sala de conciertos Gewandhaus en Leipzig, Alemania, el 15 de octubre de 1923. Recibió una recepción notoriamente hostil durante este concierto, y algunos musicólogos e historiadores modernos se refirieron al evento como un punto de inflexión en la carrera interpretativa de Cowell. A medida que avanzaba más en el concierto, guardando deliberadamente las piezas más ruidosas y provocativas para el final, la recepción de la audiencia se volvió cada vez más hostil. Se escucharon jadeos y gritos, y Cowell recordó haber escuchado a un hombre en las primeras filas amenazar con sacarlo físicamente del escenario si no se detenía. Mientras tocaba el cuarto movimiento Antinomy de su Five Encores to Dynamic Motion, más tarde recordó:
[...] el público estaba gritando, estampando y aplaudiendo y asistiendo hasta que apenas pude escucharme. Se levantaron durante la mayor parte de la actuación y se acercaron a mí y al piano como podían. [...] Algunos de los que desaprobaban mis métodos estaban tan emocionados que casi me amenazaban con violencia física. Aquellos que les gustaba la música los retuvieron.
Durante esta emoción, un caballero saltó de una de las primeras filas, sacudió el puño hacia Cowell y dijo: "¿Halten Sie uns für Idioten in Deutschland?" (“¿Nos toman por idiotas en Alemania?”), mientras otros le tiraban a la cara las notas del programa del concierto y demás parafernalia. Aproximadamente un minuto después, un grupo enojado de miembros de la audiencia subió al escenario, seguido por un segundo grupo más solidario. Los dos grupos comenzaron a gritar y confrontarse, lo que eventualmente se convirtió en una gran confrontación física y disturbios en el escenario, luego de lo cual se llamó de inmediato a la policía de Leipzig. Cowell recordó más tarde sobre el incidente: "La policía subió al escenario y arrestó a 20 jóvenes, la audiencia estaba en un estado absoluto de histeria, ¡y yo todavía estaba tocando!" Como no presentaba lesiones físicas graves, las autoridades de Leipzig decidieron no internarlo en el centro médico local. Después de que concluyó el concierto y se despejó el escenario, estaba notablemente conmocionado y nervioso cuando hizo una reverencia para la audiencia que quedaba y abandonó el salón.
En los días siguientes, la prensa local de Leipzig fue increíblemente dura con respecto a Cowell, la actuación y su estilo musical en general. El Leipziger Abendpost calificó el evento como “[...] un rasgueo tan sin sentido y un golpeteo tan repulsivo del teclado no solo con las manos, sino también con los puños, los antebrazos y los codos, que uno debe llámalo una grosera obscenidad, por decirlo suavemente, ofrecer tal cacofonía al público, que al final se lo tomó a broma”. El Leipziger Neuste-Nachrichten también se refirió a sus técnicas como "grotescos musicales".
Más tarde se hicieron comparaciones entre este evento y otras actuaciones desenfrenadas de compositores experimentales y futuristas en Europa, incluido el estreno en París de La consagración de la primavera de Stravinsky una década antes, y las actuaciones del futurista italiano Luigi Russolo.
Más experimentación
El interés de Cowell por el ritmo armónico, como se analiza en Nuevos recursos musicales, lo llevó en 1930 a encargar a Léon Theremin que inventara el Rhythmicon, o Polyrhythmophone, un instrumento de teclado transponible capaz de tocar notas en ritmos periódicos proporcionales a la serie armónica de un tono fundamental elegido. La primera caja de ritmos electrónica del mundo, con un sistema de producción de sonido basado en fotorreceptores propuesto por Cowell (no un sistema tipo theremin, como afirman incorrectamente algunas fuentes), podría producir hasta dieciséis patrones rítmicos diferentes simultáneamente, con síncopa opcional. Cowell escribió varias composiciones originales para el instrumento, incluido un concierto orquestado, y Theremin construyó dos modelos más. Pronto, sin embargo, el Rhythmicon sería virtualmente olvidado, permaneciendo así hasta la década de 1960, cuando el productor de música pop progresiva Joe Meek experimentó con su concepto rítmico.
Cowell prosiguió un enfoque compositivo radical a mediados de los años 30, con piezas de piano en solitario que permanecen en el corazón de su producción — importantes obras de esta época incluyen The Banshee (1925), que requieren numerosos métodos de juego como pizzicato y barrido longitudinal y raspado de las cuerdas (La Banshee (1925).escucha(help·info)), y la maníaca, llena de racimo Tigre (1930), inspirado en el famoso poema de William Blake. Gran parte de la reputación pública de Cowell siguió basándose en su técnica pianista de marca: un crítico para el Noticias de San Francisco, escribiendo en 1932, se refirió a los "famosos 'grupos de tono' de Cowell, probablemente la contribución más sorprendente y original que cualquier americano todavía ha contribuido al campo de la música." Un compositor prolífico de canciones (que escribiría más de 180 durante su carrera), Cowell regresó en 1930–31 a Aeolian Harp, adaptándolo como acompañamiento a un escenario vocal de un poema de su padre, ¿Qué edad tiene la canción? Construyó sobre su obra sustancial de música de cámara, con piezas como el Adagio para Cello y Thunder Stick (1924) que exploraban la instrumentación inusual y otros que eran aún más progresistas: Six Casual Developments (1933), para el clarinete y el piano, suena como algo que Jimmy Giuffre componería treinta años después. Su Ostinato Pianissimo (1934) lo puso en la vanguardia de aquellos que escriben partituras originales para conjunto de percusión. También creó piezas de gran tamaño contundentes durante este período, como el Concierto para piano y orquesta (1928) — con sus tres movimientos, "Polyharmony", "Tone Cluster", y "Counter Rhythm" (escucha(help·info)) - y el Sinfonietta (1928), cuyo escherzo Anton Webern realizó en Viena. A principios de la década de 1930, Cowell comenzó a profundizar seriamente en procedimientos aleatoricos, creando oportunidades para que los intérpretes determinen los elementos primarios de la realización de una partitura. Una de sus principales piezas de cámara, Cuarteto mosaico (Cuarteto de cuerda No. 3) (1935), está marcado como una colección de cinco movimientos sin secuencia preordenada.
New Music Society y trabajo de empresario
Cowell fue la figura central en un círculo de compositores de vanguardia que incluía a sus buenos amigos Carl Ruggles y Dane Rudhyar, así como a Leo Ornstein, John Becker, Colin McPhee, el expatriado francés Edgard Varèse y Ruth Crawford, a quien convenció a Charles Seeger para que asumiera como estudiante (Crawford y Seeger eventualmente se casarían). Cowell y su círculo a veces eran referidos en la prensa como "ultramodernistas," una etiqueta cuya definición es flexible y de origen poco claro (también se ha aplicado a algunos compositores fuera del círculo inmediato, como George Antheil, ya algunos de sus discípulos, como Nancarrow); Virgil Thomson los denominó "becarios de investigación rítmica". En 1925, Cowell organizó la New Music Society, una de cuyas actividades principales fue organizar conciertos de sus obras, junto con las de aliados artísticos como Wallingford Riegger y Arnold Schoenberg, el último de los cuales más tarde le pediría a Cowell que tocara para su clase de composición. durante una de sus giras europeas. Menos de dos años después, Cowell fundó el periódico New Music Quarterly, que publicaría muchas partituras nuevas importantes bajo su dirección, tanto de los ultramodernistas como de muchos otros compositores, incluidos Ernst Bacon, Otto Luening, Paul Bowles y Aaron Copland. Antes de la publicación del primer número, solicitó contribuciones de un compositor entonces desconocido que se convertiría en uno de sus amigos más cercanos, Charles Ives. Principales partituras de Ives, incluida la Comedia de su cuarta sinfonía, El cuatro de julio, 34 canciones y 19 canciones, recibiría su primera publicación en New Music; a su vez, Ives brindaría apoyo financiero a una serie de proyectos de Cowell (incluido, años más tarde, la propia Nueva Música). Muchas de las partituras publicadas en el diario de Cowell se hicieron aún más accesibles a medida que el sello discográfico que estableció en 1934, New Music Recordings, emitía interpretaciones de ellas.
El movimiento ultramodernista había expandido su alcance en 1928, cuando Cowell dirigió un grupo que incluía a Ruggles, Varèse, su compañero expatriado Carlos Salzedo, el compositor estadounidense Emerson Whithorne y el compositor mexicano Carlos Chávez en la fundación de la Asociación Panamericana de Compositores, dedicada a promover compositores de todo el hemisferio occidental y crear una comunidad entre ellos que trascendiera las fronteras nacionales. Su concierto inaugural, realizado en la ciudad de Nueva York en marzo de 1929, contó exclusivamente con música latinoamericana, incluidas obras de Chávez, el compositor brasileño Heitor Villa-Lobos, el compositor cubano Alejandro García Caturla y el cubano nacido en Francia Amadeo Roldán. Su siguiente concierto, en abril de 1930, se centró en los ultramodernistas estadounidenses, con obras de Cowell, Crawford, Ives, Rudhyar y otros como Antheil, Henry Brant y Vivian Fine. Durante los siguientes cuatro años, Nicolas Slonimsky dirigió conciertos patrocinados por la asociación en Nueva York, en toda Europa y, en 1933, en Cuba. El mismo Cowell había actuado allí en 1930 y se reunió con Caturla, a quien estaba publicando en New Music. Cowell continuaría trabajando tanto en su nombre como en el de Roldán, cuya Rítmica No. 5 (1930) fue la primera pieza independiente de música clásica occidental escrita específicamente para un conjunto de percusión. Durante esta era, Cowell también difundió los ultra-modernists' credo experimental como un maestro de composición y teoría de gran prestigio; entre sus muchos estudiantes se encontraban George Gershwin, Lou Harrison, quien dijo que pensaba en Cowell como 'el mentor de los mentores'; y John Cage, quien proclamó a Cowell "el sésamo abierto para la nueva música en Estados Unidos".
El estímulo de la música de Caturla y Roldán, con sus ritmos orgullosamente africanos, y de Chávez, cuyo trabajo a menudo involucraba instrumentos y temas de los pueblos indígenas de México, era algo natural para Cowell. Al crecer en la costa oeste, estuvo expuesto a una gran cantidad de lo que ahora se conoce como "música del mundo"; junto con aires y bailes irlandeses, se encontró con música de China, Japón y Tahití. Estas primeras experiencias ayudaron a formar su perspectiva musical inusualmente ecléctica, ejemplificada por su famosa declaración: "Quiero vivir en todo el mundo de la música". Continuó investigando la música clásica india y, a fines de la década de 1920, comenzó a impartir un curso, "Música de los pueblos del mundo" en la New School for Social Research de Nueva York y en otros lugares: la tutela de Harrison bajo Cowell comenzaría cuando se inscribiera en una versión del curso en San Francisco. En 1931, una beca Guggenheim le permitió a Cowell ir a Berlín para estudiar musicología comparada (la predecesora de la etnomusicología) con Erich von Hornbostel. También estudió teoría carnática y gamelán con destacados instructores del sur de la India (P. Sambamoorthy), Java (Raden Mas Jodjhana) y Bali (Ramaleislan).
Encarcelamiento
El 23 de mayo de 1936, Cowell fue arrestado en Menlo Park, California por un delito de "moral" cargo por supuestamente tener sexo oral con un hombre de diecisiete años. Después de negar inicialmente la acusación, bajo más preguntas admitió no solo el acto, sino también actos sexuales adicionales con el adolescente y otros jóvenes en el área, incluso durante su tiempo en Halcyon más de una década antes. Las autoridades nunca lo acusaron de pedofilia o abuso sexual, pero dado que a los jóvenes generalmente se les llamaba 'chicos'; en ese momento, los periódicos sensacionalistas y muchos en el público hicieron suposiciones incorrectas, lo que dañó gravemente la reputación pública que tenía junto con la revelación de sus actividades homosexuales. Mientras estaba en prisión y a la espera de una audiencia judicial, escribió una confesión completa acompañada de una solicitud de clemencia sobre la base de que "no era exclusivamente homosexual, sino que de hecho estaba enamorado de una mujer con la que esperaba casarse". Se recibieron cartas sugerentes y otros artefactos tanto de Cowell como de los jóvenes que hablaron con la policía, que luego serían utilizados por la fiscalía en su juicio. Cowell finalmente decidió hacer caso omiso de sus abogados y declararse culpable, por razones desconocidas. El juez Maxwell McNutt negó la libertad condicional y recibió la sentencia estándar de uno a quince años. En agosto de 1937, después de una audiencia de libertad condicional, la junta de indultos fijó su período de encarcelamiento en la sentencia máxima posible, una década y media.
Cowell finalmente pasaría cuatro años en la prisión estatal de San Quentin, durante una era tumultuosa de la historia de la prisión. El ex alcaide Clinton Duffy diría que "tenía la reputación de ser una de las penitenciarías más primitivas del mundo". El abuso físico por parte de los guardias y funcionarios era común para el llamado "mal comportamiento", a menudo a través de latigazos y hambre. Durante su encarcelamiento, varios psicólogos destacados evaluaron al compositor de acuerdo con las teorías de la homosexualidad ahora ignoradas, y luego expresaron su fe en la idea de posiblemente 'rehabilitar'. el compositor. A pesar de la coacción, Cowell usó su tiempo allí para enseñar música a sus compañeros de prisión, dirigir la banda de la prisión y continuar escribiendo a su prolífico ritmo habitual, produciendo alrededor de sesenta composiciones. Estos incluyeron dos piezas principales para conjunto de percusión: el Pulse de tonos orientales (1939) y el memorablemente sepulcral Return (1939). También continuó sus experimentos con la música aleatoria: para los tres movimientos de la Amerind Suite (1939), escribió cinco versiones, cada una más difícil que la anterior. Se invita a los intérpretes de la pieza a ejecutar simultáneamente dos o incluso tres versiones del mismo movimiento en varios pianos. En Ritournelle (Larghetto and Trio) (1939) para la pieza de danza Marriage at the Eiffel Tower, exploró lo que llamó un "elástico" forma. Los veinticuatro compases del Larghetto y los ocho del Trío son modulares cada uno; aunque Cowell ofrece algunas sugerencias, cualquier hipotéticamente puede incluirse o no y reproducirse una o varias veces, lo que permite que la pieza se estire o se contraiga a voluntad de los intérpretes. voluntad: el objetivo práctico es dar al coreógrafo la libertad de ajustar la duración y el carácter de una pieza de danza sin las restricciones habituales impuestas por una composición musical preescrita.
Cowell había contribuido al proyecto de la Torre Eiffel a instancias de Cage, quien no fue el único que prestó apoyo a su amigo y antiguo maestro. Él y otros compositores homosexuales como Aaron Copland y su protegido Lou Harrison empatizaron fácilmente con su persecución. Harrison diría en 1937, "[la] falta predominante de percepción equilibrada en la gran masa nunca fue tan evidente para mí antes". La causa de Cowell había sido asumida por compositores y músicos de todo el país, uno de los más vocales de los cuales fue su antiguo maestro y colaborador, Charles Seeger. Sin embargo, algunos, incluido Ives, rompieron temporalmente el contacto con él. Cowell finalmente obtuvo la libertad condicional en 1940; se mudó al condado de Westchester, Nueva York mientras estaba bajo supervisión, y residió con el compositor y amigo expatriado australiano Percy Grainger y su esposa en White Plains. Al año siguiente, Cowell se casó con Sidney Hawkins Robertson, un destacado estudioso de la música folclórica que había sido fundamental para ganar su libertad. Cowell recibió oficialmente un indulto del gobernador de California, Culbert Olson, el 28 de diciembre de 1942.
Vida posterior
Reclusión y cambio de estilo
A pesar del indulto, que le permitió trabajar en la Oficina de Información de Guerra, creando programas de radio para transmitir en el extranjero, su arresto, encarcelamiento y notoriedad concomitante tuvieron un efecto devastador en Cowell. Conlon Nancarrow, al conocerlo por primera vez en 1947, informó: "La impresión que tuve fue que era una persona aterrorizada, con la sensación de que 'lo iban a atrapar'". #39;" A menudo, los reporteros lo molestaban para que comentara las circunstancias de sus crímenes y arresto, pero a menudo se negaba a hacerlo. La experiencia tuvo un efecto duradero en su música: la producción compositiva de Cowell se volvió sorprendentemente más conservadora poco después de su liberación de San Quentin, con ritmos más simples y un lenguaje armónico más tradicional.
Muchas de sus últimas obras se basan en la música folclórica estadounidense, como la serie de dieciocho Hymn and Fuguing Tunes (1943–64); La música folclórica sin duda había desempeñado un papel en varias de las composiciones de antes de la guerra de Cowell, pero las transformaciones provocativas que habían sido su firma ahora estaban en gran parte abandonadas. Y, como observó Nancarrow, el encarcelamiento de Cowell tuvo otras consecuencias: "Por supuesto, después de eso, políticamente, mantuvo la boca completamente cerrada". También había sido radical políticamente antes."
Ya no era un radical artístico, Cowell mantuvo una inclinación progresista y continuó siendo un líder (junto con Harrison y McPhee) en la incorporación de modismos musicales no occidentales, como el Ongaku de influencia japonesa. i> (1957), Sinfonía n.° 13, "Madras" (1956-1958) (que tuvo su estreno en la ciudad del mismo nombre) y Homenaje a Irán (1959). Sus canciones más convincentes y conmovedoras datan de esta época, incluidas Music I Heard (sobre un poema de Conrad Aiken; 1961) y Firelight and Lamp (sobre un poema de Gene Baro; 1962). Cowell fue elegido miembro del Instituto Estadounidense de Artes y Letras en 1951. Habiendo reconciliado su amistad con Ives, Cowell, en colaboración con su esposa, escribió el primer estudio importante sobre la música de Ives y brindó un apoyo crucial a Harrison como su antiguo alumno defendió el redescubrimiento de Ives. Cowell reanudó la enseñanza (Burt Bacharach, J. H. Kwabena Nketia e Irwin Swack se encontraban entre sus estudiantes de posguerra) y se desempeñó como consultor de Folkways Records durante más de una década a partir de principios de la década de 1950, escribiendo notas y editando colecciones como Música of the World's Peoples (1951–61) (también presentó un programa de radio del mismo nombre) y Primitive Music of the World (1962). En 1963 grabó interpretaciones vívidas y escrutadoras de veinte de sus piezas fundamentales para piano para un álbum de Folkways. Quizás liberado por el paso del tiempo y su propia antigüedad, en sus últimos años Cowell volvió a producir una serie de obras individualistas, como Thesis (Symphony No. 15; 1960) y 26 Simultaneous Mosaics (1963).
Últimos años y muerte
En octubre de 1964, a Cowell se le diagnosticó oficialmente cáncer colorrectal después de que un médico descubriera una gran cantidad de pólipos en su sistema durante un examen. Se decidió que no se podía operar, ya que no se diagnosticó durante demasiado tiempo y se tragó casi por completo el intestino grueso. Cowell murió el 10 de diciembre de 1965 en su casa de Shady, Woodstock, Nueva York, después de sufrir una serie de derrames cerebrales y sucumbir a la enfermedad.
Composiciones
Con una carrera que abarcó más de medio siglo, Cowell escribió en una amplia gama de estilos con su propio toque idiosincrásico, incluidos el serialismo, el jazz, el romanticismo, el neoclasicismo, la vanguardia, la música noise, el minimalismo, etc. se cree que escribió más de 940 composiciones en total, la mayoría para piano solo, aunque algunas se han perdido o destruido desde entonces. Su amplio catálogo musical se divide típicamente en tres períodos: un período temprano experimental y salvaje, un período medio más refinado y técnico, y un período tardío neorromántico.
Legado
Recepción
La música de Henry Cowell cubre un rango más amplio tanto en la expresión como en la técnica que en cualquier otro compositor viviente. Sus experimentos comenzaron hace tres décadas en ritmo, en armonía, y en sonoridades instrumentales fueron considerados entonces por muchos como salvajes. Hoy son la Biblia de los jóvenes y todavía, a los conservadores, "avanzados".... Ningún otro compositor de nuestro tiempo ha producido un cuerpo de obras tan radicales y tan normales, tan penetrantes y tan completos. Añadir a esta producción masiva su larga e influyente carrera como pedagogo, y el logro de Henry Cowell se vuelve impresionante. No hay otro como él. Ser fecundo y derecho se da a pocos. — Virgil Thomson, 1953
Cowell sigue siendo una figura un tanto oscura en la historia de la música estadounidense y de la música experimental en general. En su época, las opiniones sobre su música y sus actuaciones estaban increíblemente mezcladas. Algunos críticos musicales de la época lo llamaron un "genio creativo", que tocaba "fantásticamente bien", mientras que otros se referían a sus composiciones como "sin ley, sin rastro de contrapunto". " y el "pico del pensamiento atonal" , el último de los cuales Cowell usó sarcásticamente como promoción en una gira siguiente.
Algunos de los puntos de vista más prácticos fueron ofrecidos por críticos como Evelyn Wells de The San Francisco Call and Post, "Las composiciones de Cowell son como el mejor orden de las pinturas, uno debe mantenerse alejado, a distancias respetuosas, antes de que el orden resulte del caos, y las coloridas motas de sonido se resuelvan en un solo tema." La intención de la prensa internacional era más enfatizar sus tendencias interpretativas poco convencionales y violentas, con titulares como los de The Daily Mail: "Piano tocado con el codo. Dedos demasiado limitados para el Sr. Cowell. Resultado como una guardería en rebelión." y The Daily Express: "Elbow Pianist. Una prueba maravillosa para el instrumento."
Fue considerado un educador muy respetado y promotor de la música clásica en Estados Unidos durante el período New Music de su vida. Sin embargo, después de su arresto y la posterior controversia, muchos en la industria de la prensa y la música se negaron a tomarlo en serio o prestarle mucha atención, como resultado de la paranoia con respecto a su sexualidad.
Contribuciones a la música
Muchas de las técnicas que Cowell inventó o promovió siguen siendo relevantes en el ámbito de la música actual. Desde entonces, los grupos de tonos en la música han sido utilizados por destacados compositores clásicos como Béla Bartók, George Crumb, Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, Einojuhani Rautavaara y Krzysztof Penderecki, entre otros. Los teclistas de rock experimental y progresivo como Keith Emerson, Rick Wright y John Cale emplearían de manera similar el uso de técnicas de piano de cuerdas y grupos en sus actuaciones, junto con los pianistas de free jazz Dave Burrell, Cecil Taylor, Sun Ra, etc.
Su libro Nuevos recursos musicales de 1930 todavía se considera un recurso útil para los compositores, noventa años después de su publicación, y ha sido defendido por sus colegas y estudiantes posteriores.
Discografía seleccionada
Grabaciones de Cowell
- Henry Cowell: Música de piano (Smithsonian Folkways 40801)—performances of twenty of his compositions for single piano, including Moción dinámica, Las mareas de Manaunaun, Aeolian Harp, The Banshee, y Tigre, y una pista de comentarios (album pictured in article)
- Cuentos de Nuestro Campo (American Columbia 78rpm Set X 235, grabado el 5 de julio de 1941)—la Orquesta Juvenil All-Americana dirigida por Leopold Stokowski, con Cowell como solista de piano
Grabaciones seleccionadas
- American Piano Concertos: Henry Cowell (col legno 20064) – piezas de gran tamaño, incluyendo Concerto para Piano y Orquesta y Sinfonietta, así como Las mareas de Manaunaun y otras piezas para piano solo; interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Radio Saarbrücken, Michael Stern, director, Stefan Litwin—piano
- The Bad Boys!: George Antheil, Henry Cowell, Leo Ornstein (hatHUT 6144) - piezas de piano solo, incluyendo Baile de la ira, Las mareas de Manaunaun, y Tigre; realizado por Steffen Schleiermacher
- Bailando con Henry (mode 101)—solo y piezas de cámara, incluyendo dos versiones de Ritournelle (Larghetto); realizada por California Parallèle Ensemble, Nicole Paiement–conductor y director, Josephine Gandolfi—piano
- Henry Cowell (Primera Edición 0003) - piezas orquestales, incluyendo Ongaku y Tesis (Sinfonía No 15); interpretada por Louisville Orchestra, Robert S. Whitney y Jorge Mester –conductores
- Henry Cowell: un retrato continuo, vol. 1 (Naxos 8.559192) y Vol. 2 (Naxos 8.559193)—solo, cámaras, vocales y piezas de gran tamaño; realizado por Continuum, Cheryl Seltzer y Joel Sachs—directores
- Henry Cowell: Mosaic (modo 72/73)-solo y piezas de cámara, incluyendo Cuarteto romántico, Cuarteto Eufométrico, Cuarteto mosaico (Cuarteto de cuerda No. 3), Regreso, y tres versiones de 26 Mosaicos simultáneos; realizado por Colorado String Quartet y Musicians Accord
- Henry Cowell: Juego persa (Composers Recordings Inc. CRI-114 grabó abril de 1957 y volvió a publicarse en Citadel CTD 88123) — Cuatro movimientos para Chamber Orchestra, Leopold Stokowski—conductor
- Henry Cowell: Juego persa (Koch 3-7220-2 HI) piezas orquestales y de gran tamaño, incluyendo Hymn y Fuguing Tune No. 2; interpretada por la orquesta de Manhattan Chamber, Richard Auldon Clark —conductor
- Nueva música: Composiciones de piano de Henry Cowell (Nuevo Albion 103) - piezas de piano solo, incluyendo
- Canciones de Henry Cowell (Albany-Troy 240) ¿Qué edad tiene la canción?, Música que escuché, y Luz de fuego y lámpara; interpretada por Mary Ann Hart —mezzo-soprano, Robert Osborne—bass-baritone, Jeanne Golan—pianist
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