Henri Matisse

Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un artista visual francés, conocido tanto por su uso del color como por su dibujo fluido y original. Fue dibujante, grabador y escultor, pero es conocido principalmente como pintor. Matisse es comúnmente considerado, junto con Pablo Picasso, como uno de los artistas que mejor ayudó a definir los desarrollos revolucionarios en las artes visuales a lo largo de las primeras décadas del siglo XX, responsable de importantes desarrollos en pintura y escultura.

El intenso colorismo de las obras que pintó entre 1900 y 1905 le dio notoriedad como uno de los Fauves ("bestias salvajes" en francés). Muchas de sus mejores obras fueron creadas en la década posterior a 1906, cuando desarrolló un estilo riguroso que enfatizaba las formas planas y el patrón decorativo. En 1917, se mudó a un suburbio de Niza en la Riviera francesa, y el estilo más relajado de su trabajo durante la década de 1920 le valió elogios de la crítica como defensor de la tradición clásica de la pintura francesa. Después de 1930, adoptó una simplificación de forma más audaz. Cuando la mala salud en sus últimos años le impidió pintar, creó un importante cuerpo de trabajo en el medio del collage de papel cortado.

Su dominio del lenguaje expresivo del color y el dibujo, mostrado en un cuerpo de trabajo que abarca más de medio siglo, le valió el reconocimiento como una figura destacada en el arte moderno.

Temprana edad y educación

Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el departamento de Nord en el norte de Francia en la víspera de Año Nuevo de 1869, el hijo mayor de un rico comerciante de granos. Creció en Bohain-en-Vermandois, Picardie, Francia. En 1887, se fue a París para estudiar derecho, trabajando como administrador judicial en Le Cateau-Cambrésis después de obtener su título. Comenzó a pintar por primera vez en 1889, después de que su madre le trajera materiales de arte durante un período de convalecencia tras un ataque de apendicitis. Descubrió "una especie de paraíso", como lo describió más tarde, y decidió convertirse en artista, decepcionando profundamente a su padre.

En 1891, regresó a París para estudiar arte en la Académie Julian con William-Adolphe Bouguereau y en la Ecole Nationale des Beaux-Arts con Gustave Moreau. Inicialmente pintó naturalezas muertas y paisajes en un estilo tradicional, en el que alcanzó una habilidad razonable. Matisse estuvo influenciado por las obras de maestros anteriores como Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Nicolas Poussin y Antoine Watteau, así como por artistas modernos, como Édouard Manet, y por el arte japonés. Chardin fue uno de los pintores más admirados por Matisse; como estudiante de arte hizo copias de cuatro de las pinturas de Chardin en el Louvre.

En 1896, Matisse, un estudiante de arte desconocido en ese momento, visitó al pintor australiano John Russell en la isla Belle Île frente a la costa de Bretaña. Russell lo introdujo en el impresionismo y en la obra de Vincent van Gogh, que había sido amigo de Russell, y le regaló un dibujo de Van Gogh. El estilo de Matisse cambió por completo; abandonando su paleta de colores tierra por colores vivos. Más tarde dijo que Russell fue su maestro y que Russell le había explicado la teoría del color. El mismo año, Matisse exhibió cinco pinturas en el salón de la Société Nationale des Beaux-Arts, dos de las cuales fueron compradas por el estado.

Con la modelo Caroline Joblau, tuvo una hija, Marguerite, nacida en 1894. En 1898 se casó con Amélie Noellie Parayre; los dos criaron a Marguerite juntos y tuvieron dos hijos, Jean (nacido en 1899) y Pierre (nacido en 1900). Marguerite y Amélie sirvieron a menudo como modelos para Matisse.

En 1898, siguiendo el consejo de Camille Pissarro, fue a Londres para estudiar las pinturas de JMW Turner y luego realizó un viaje a Córcega. A su regreso a París en febrero de 1899, trabajó junto a Albert Marquet y conoció a André Derain, Jean Puy y Jules Flandrin. Matisse se sumergió en el trabajo de otros y se endeudó comprando obras de pintores que admiraba. El trabajo que colgó y exhibió en su casa incluía un busto de yeso de Rodin, una pintura de Gauguin, un dibujo de Van Gogh y Las tres bañistas de Cézanne. En el sentido de la estructura pictórica y el color de Cézanne, Matisse encontró su principal inspiración.

Muchas de las pinturas de Matisse de 1898 a 1901 utilizan una técnica divisionista que adoptó después de leer el ensayo de Paul Signac, " D'Eugène Delacroix au Néo-impressionisme ".

En mayo de 1902, los padres de Amélie se vieron envueltos en un gran escándalo financiero, el caso Humbert. Su madre (que era el ama de llaves de la familia Humbert) y su padre se convirtieron en chivos expiatorios del escándalo, y su familia se vio amenazada por turbas furiosas de víctimas de fraude. Según la historiadora de arte Hilary Spurling, "su exposición pública, seguida del arresto de su suegro, dejó a Matisse como el único sostén de una familia extendida de siete". Durante 1902 y 1903, Matisse adoptó un estilo de pintura que era comparativamente sombrío y preocupado por la forma, un cambio posiblemente destinado a producir obras vendibles durante esta época de dificultades materiales. Habiendo hecho su primer intento de escultura, una copia de Antoine-Louis Barye, en 1899, dedicó gran parte de su energía a trabajar en arcilla, completandoEl esclavo en 1903.

Pinturas tempranas

• Estudio de Gustave Moreau, 1894-1895
• Blue Pot and Lemon (1897), Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
• Le Mur Rose, 1898, Museo Judío de Frankfurt
• Fruit and Coffeepot (1898), Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
• Jarrón de girasoles (1898), Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
• Estudio de un desnudo, 1899, Museo de Arte Bridgestone, Tokio
• Bodegón con compota, manzanas y naranjas, 1899, Colección The Cone, Museo de Arte de Baltimore
• Vajilla sobre una mesa (1900), Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia

Fauvismo

El fauvismo como estilo comenzó alrededor de 1900 y continuó más allá de 1910. El movimiento como tal duró solo unos pocos años, 1904-1908, y tuvo tres exposiciones. Los líderes del movimiento fueron Matisse y André Derain. La primera exposición individual de Matisse fue en la galería de Ambroise Vollard en 1904, sin mucho éxito. Su afición por el color brillante y expresivo se hizo más pronunciada después de que pasó el verano de 1904 pintando en St. Tropez con los neoimpresionistas Signac y Henri-Edmond Cross. En ese año, pintó la más importante de sus obras en estilo neoimpresionista, Luxe, Calme et Volupté.En 1905, viajó nuevamente hacia el sur para trabajar con André Derain en Collioure. Sus pinturas de este período se caracterizan por formas planas y líneas controladas, utilizando el puntillismo de una manera menos rigurosa que antes.

Matisse y un grupo de artistas ahora conocidos como "Fauves" exhibieron juntos en una sala del Salon d'Automne en 1905. Las pinturas expresaban emociones con colores salvajes, a menudo disonantes, sin tener en cuenta los colores naturales del sujeto. Matisse mostró Ventana abierta y Mujer con sombrero en el Salón. El crítico Louis Vauxcelles comentó una escultura solitaria rodeada de una "orgía de tonos puros" como "Donatello chez les fauves" (Donatello entre las fieras), refiriéndose a una escultura de tipo renacentista que compartía habitación con ellos. Su comentario se imprimió el 17 de octubre de 1905 en Gil Blas, un diario, y pasó a ser de uso popular.La exposición obtuvo duras críticas: "Se ha arrojado un bote de pintura a la cara del público", dijo la crítica Camille Mauclair, pero también una atención favorable. Cuando Gertrude y Leo Stein compraron la pintura que recibió una condena especial, La mujer con sombrero de Matisse, la moral del asediado artista mejoró considerablemente.

Matisse fue reconocido como líder de los fauves, junto con André Derain; los dos eran rivales amistosos, cada uno con sus propios seguidores. Otros miembros fueron Georges Braque, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck. El pintor simbolista Gustave Moreau (1826–1898) fue el maestro inspirador del movimiento. Como profesor en la École des Beaux-Arts de París, impulsó a sus alumnos a pensar fuera de las líneas de la formalidad y seguir sus visiones.

En 1907, Guillaume Apollinaire, comentando sobre Matisse en un artículo publicado en La Falange, escribió: "No estamos aquí en presencia de una empresa extravagante o extremista: el arte de Matisse es eminentemente razonable". Pero el trabajo de Matisse de la época también encontró críticas vehementes y le resultó difícil mantener a su familia. Su pintura Nu bleu (1907) fue quemada en efigie en el Armory Show de Chicago en 1913.

El declive del movimiento fauvista después de 1906 no afectó la carrera de Matisse; muchas de sus mejores obras fueron creadas entre 1906 y 1917, cuando formaba parte activa de la gran concentración de talentos artísticos de Montparnasse, aunque no encajaba del todo, con su apariencia conservadora y sus estrictos hábitos de trabajo burgueses. Continuó absorbiendo nuevas influencias. Viajó a Argelia en 1906 estudiando arte africano y primitivismo. Después de ver una gran exposición de arte islámico en Munich en 1910, pasó dos meses en España estudiando el arte morisco. Visitó Marruecos en 1912 y nuevamente en 1913 y mientras pintaba en Tánger hizo varios cambios en su trabajo, incluido el uso del negro como color. El efecto en el arte de Matisse fue una nueva audacia en el uso del color intenso y no modulado, como enL'Atelier Rouge (1911).

Matisse tuvo una larga asociación con el coleccionista de arte ruso Sergei Shchukin. Creó una de sus principales obras, La Danse, especialmente para Shchukin como parte de una comisión de dos pinturas, la otra pintura es Música, 1910. Una versión anterior de La Danse (1909) se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Ciudad.

Obras seleccionadas: París, 1901-1910

• Jardines de Luxemburgo, 1901, Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
• Platos y frutas, 1901, Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
• Un vistazo a Notre-Dame al final de la tarde, 1902, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York
• Nu (Carmelita), 1904, Museo de Bellas Artes, Boston
• Luxe, Calme et Volupté, 1904, Musée d'Orsay, París, Francia
• Paisaje en Collioure, 1905, Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York
• Ventana abierta, Collioure, 1905, Galería Nacional de Arte, Washington, DC
• Retrato de Madame Matisse (La línea verde), 1905, Statens Museum for Kunst, Copenhague, Dinamarca
• Le bonheur de vivre, 1905–6, Fundación Barnes, Filadelfia, Pensilvania
• Autorretrato con camiseta a rayas 1906, Statens Museum for Kunst, Copenhague, Dinamarca
• El joven marinero II, 1906, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
• Jarrón, botella y fruta, 1906, Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
• Desnudo azul, 1907, Museo de Arte de Baltimore, Baltimore, Maryland
• La coiffure, 1907, Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgart, Alemania
• Madras Rouge, The Red Turban, 1907, Fundación Barnes, Filadelfia, Pensilvania(Exhibido en el Armory Show de 1913)
• Le Luxe II, 1907–08, Statens Museum for Kunst, Copenhague, Dinamarca
• Les trois baigneuses (Tres bañistas), 1907, Instituto de Arte de Minneapolis, Minneapolis
• Bañistas con una tortuga, 1908, Museo de Arte de Saint Louis, St. Louis
• Juego de bolos, 1908, Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
• La Danse (primera versión), 1909, Museo de Arte Moderno, Nueva York
• Bodegón con danza, 1909, Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
• La Danse (segunda versión), 1910, Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
• Les Capucines (Capuchinas con la danza II), 1910–12, Museo Pushkin, Moscú, Rusia
• Música, 1910, Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia

Escultura

• Henri Matisse, 1900–1904, Le Serf (El siervo, Der Sklave), bronce
• Henri Matisse, 1905, Sueño, madera, exposición Blue Rose (Голубая Роза), 1907, lugar desconocido
• Henri Matisse, 1906–07, Nu couché, I (Desnudo reclinado, I), bronce, exhibido en Montross Gallery, Nueva York, 1915
• Henri Matisse, 1907, Despertar, yeso, exposición Salón del Toisón de Oro (Салон Золотого Руна) 1908
• Henri Matisse, 1908, Figura decorativa, bronce

Gertrude Stein, Académie Matisse y las hermanas Cone

Alrededor de abril de 1906, Matisse conoció a Pablo Picasso, que era 11 años menor que él.Los dos se convirtieron en amigos de toda la vida, así como en rivales, y a menudo se los compara. Una diferencia clave entre ellos es que Matisse dibujó y pintó de la naturaleza, mientras que Picasso estaba más inclinado a trabajar desde la imaginación. Los temas pintados con mayor frecuencia por ambos artistas fueron mujeres y naturalezas muertas, siendo más probable que Matisse colocara sus figuras en interiores completamente realizados. Matisse y Picasso se reunieron por primera vez en el salón de París de Gertrude Stein con su pareja Alice B. Toklas. Durante la primera década del siglo XX, los estadounidenses en París —Gertrude Stein, sus hermanos Leo Stein, Michael Stein y la esposa de Michael, Sarah— fueron importantes coleccionistas y partidarios de las pinturas de Matisse. Además, las dos amigas americanas de Gertrude Stein de Baltimore, las hermanas Cone Claribel y Etta, se convirtieron en los principales mecenas de Matisse y Picasso, coleccionando cientos de sus pinturas y dibujos. La colección Cone ahora se exhibe en el Museo de Arte de Baltimore.

Si bien numerosos artistas visitaron el salón Stein, muchos de estos artistas no estaban representados entre las pinturas de las paredes en 27 rue de Fleurus. Mientras que las obras de Renoir, Cézanne, Matisse y Picasso dominaron la colección de Leo y Gertrude Stein, la colección de Sarah Stein enfatizó particularmente a Matisse.

Contemporáneos de Leo y Gertrude Stein, Matisse y Picasso se convirtieron en parte de su círculo social y se unieron rutinariamente a las reuniones que tenían lugar los sábados por la noche en el número 27 de la rue de Fleurus. Gertrude atribuyó los inicios de los salones de los sábados por la noche a Matisse, comentando:

Cada vez con más frecuencia, la gente comenzó a visitar para ver las pinturas de Matisse, y los Cézannes: Matisse traía gente, todos traían a alguien, y venían a cualquier hora y empezaba a ser un fastidio, y así empezaron las tardes de los sábados..

Entre los conocidos de Pablo Picasso que también frecuentaban las noches de los sábados estaban Fernande Olivier (amante de Picasso), Georges Braque, André Derain, los poetas Max Jacob y Guillaume Apollinaire, Marie Laurencin (amante de Apollinaire y artista por derecho propio) y Henri Rousseau.

Sus amigos organizaron y financiaron la Académie Matisse de París, una escuela privada y no comercial en la que Matisse instruía a jóvenes artistas. Funcionó desde 1907 hasta 1911. La iniciativa de la academia provino de los Stein y los Dômier, con la participación de Hans Purrmann, Patrick Henry Bruce y Sarah Stein.

Matisse pasó siete meses en Marruecos desde 1912 hasta 1913, produciendo alrededor de 24 pinturas y numerosos dibujos. Sus frecuentes temas orientalistas de pinturas posteriores, como las odaliscas, se remontan a este período. Goldfish en acuarios también se convirtió en un tema recurrente en el arte de Matisse después de su viaje a Marruecos.

Obras seleccionadas: París, 1910-1917

• Bodegón con geranios, 1910, Pinakothek der Moderne, Munich, Alemania
• L'Atelier Rouge, 1911, Museo de Arte Moderno, Nueva York
• La conversación, c.1911, The Hermitage, San Petersburgo, Rusia
• Ventana en Tánger, 1911–12, Museo Pushkin de Bellas Artes, Moscú
• Zorah en la terraza, 1912, Museo Pushkin de Bellas Artes, Moscú, Rusia
• Le Rifain assis, 1912–13, 200 × 160 cm. Fundación Barnes
• Retrato de la esposa del artista, 1913, Museo del Hermitage, San Petersburgo
• La glace sans tain (La ventana azul), 1913, Museo de Arte Moderno
• Mujer en un taburete alto, 1914, Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York
• Vista de Notre-Dame, 1914, Museo de Arte Moderno
• Les poissons rouges (Interior con una pecera), Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, París
• Ventana francesa en Collioure, 1914. Musée National d'Art Moderne, París
• La cortina amarilla, 1915, Museo de Arte Moderno de Nueva York
• Auguste Pellerin II, 1916–17, Musée National d'Art Moderne, París
• El pintor y su modelo (Le Peintre dans son atelier), 1916–17, Musée National d'Art Moderne, París
• Tres hermanas y la mesa de mármol rosa (Les Trois sœurs à La Table de marbre rose), 1917, Fundación Barnes, Filadelfia
• Retrato de familia (La lección de música), 1917, óleo sobre lienzo, 245,1 x 210,8 cm, Fundación Barnes

Después de París

En 1917, Matisse se mudó a Cimiez en la Riviera francesa, un suburbio de la ciudad de Niza. Su trabajo de la década que siguió a esta reubicación muestra una relajación y un ablandamiento de su enfoque. Este "retorno al orden" es característico de gran parte del arte posterior a la Primera Guerra Mundial y puede compararse con el neoclasicismo de Picasso y Stravinsky, así como con el retorno al tradicionalismo de Derain. Las pinturas de odaliscas orientalistas de Matisse son características de la época; si bien este trabajo fue popular, algunos críticos contemporáneos lo encontraron superficial y decorativo.

A fines de la década de 1920, Matisse volvió a participar activamente en colaboraciones con otros artistas. Trabajó no solo con franceses, holandeses, alemanes y españoles, sino también con algunos estadounidenses e inmigrantes estadounidenses recientes.

Después de 1930, apareció en su obra un nuevo vigor y una simplificación más audaz. El coleccionista de arte estadounidense Albert C. Barnes convenció a Matisse para que produjera un gran mural para la Fundación Barnes, The Dance II, que se completó en 1932; la Fundación posee varias docenas de otras pinturas de Matisse. Este movimiento hacia la simplificación y un presagio de la técnica del recorte también es evidente en su pintura Gran desnudo reclinado (1935). Matisse trabajó en esta pintura durante varios meses y documentó el progreso con una serie de 22 fotografías, que envió a Etta Cone.

Años de la segunda guerra mundial

La esposa de Matisse, Amélie, que sospechaba que él estaba teniendo una aventura con su joven compañera emigrante rusa, Lydia Delectorskaya, terminó su matrimonio de 41 años en julio de 1939, dividiendo sus posesiones en partes iguales entre ellos. Delectorskaya intentó suicidarse disparándose en el pecho; Sorprendentemente, ella sobrevivió sin secuelas graves, regresó con Matisse y trabajó con él por el resto de su vida, administrando su hogar, pagando las cuentas, mecanografiando su correspondencia, manteniendo registros meticulosos, ayudando en el estudio y coordinando su trabajo. asuntos de negocios.

Matisse estaba de visita en París cuando los nazis invadieron Francia en junio de 1940, pero logró regresar a Niza. Su hijo, Pierre, para entonces dueño de una galería en Nueva York, le rogó que huyera mientras pudiera. Matisse estaba a punto de partir hacia Brasil para escapar de la ocupación de Francia, pero cambió de opinión y se quedó en Niza, en la Francia de Vichy. "Me parecía que iba a desertar", escribió a Pierre en septiembre de 1940. "Si todos los que tienen algún valor se van de Francia, ¿qué queda de Francia?". Aunque nunca fue miembro de la resistencia, se convirtió en un motivo de orgullo para los franceses ocupados que uno de sus artistas más aclamados decidiera quedarse, aunque, por supuesto, al no ser judío, tenía esa opción.

Si bien los nazis ocuparon Francia de 1940 a 1944, fueron más indulgentes en sus ataques contra el "arte degenerado" en París que en las naciones de habla alemana bajo su dictadura militar. A Matisse se le permitió exhibir junto con otros ex fauvistas y cubistas a quienes Hitler había afirmado inicialmente despreciar, aunque sin ningún artista judío, cuyas obras habían sido eliminadas de todos los museos y galerías franceses; cualquier artista francés que exhibiera en Francia tenía que firmar un juramento asegurando su estatus de "ario", incluido Matisse. También trabajó como artista gráfico y realizó ilustraciones en blanco y negro para varios libros y más de cien litografías originales en los Estudios Mourlot de París.

En 1941, a Matisse le diagnosticaron cáncer de duodeno. La cirugía, si bien tuvo éxito, resultó en complicaciones graves por las que casi muere. Estar postrado en cama durante tres meses resultó en el desarrollo de una nueva forma de arte usando papel y tijeras.

Ese mismo año, una estudiante de enfermería llamada Monique Bourgeois respondió a un anuncio colocado por Matisse para una enfermera. Se desarrolló una amistad platónica entre Matisse y Bourgeois. Descubrió que ella era una artista aficionada y le enseñó acerca de la perspectiva. Después de que Bourgeois dejó el puesto para unirse a un convento en 1944, Matisse a veces la contactaba para pedirle que modelara para él. Bourgeois se convirtió en monja dominicana en 1946 y Matisse pintó una capilla en Vence, un pequeño pueblo al que se mudó en 1943, en su honor.

Matisse permaneció aislado en su mayor parte en el sur de Francia durante la guerra, pero su familia estuvo íntimamente involucrada con la resistencia francesa. Su hijo Pierre, el marchante de arte de Nueva York, ayudó a los artistas franceses judíos y antinazis que representaba a escapar de la Francia ocupada y entrar en los Estados Unidos. En 1942, Pierre realizó una exposición en Nueva York, "Artistas en el exilio", que se convertiría en legendaria. La esposa separada de Matisse, Amélie, era mecanógrafa de la clandestinidad francesa y fue encarcelada durante seis meses. Matisse se sorprendió cuando escuchó que su hija Marguerite, que había estado activa en la Résistance durante la guerra, fue torturada (casi hasta la muerte) por la Gestapo en una prisión de Rennes y sentenciada al campo de concentración de Ravensbrück en Alemania.Marguerite logró escapar del tren a Ravensbrück, que se detuvo durante un ataque aéreo aliado; sobrevivió en el bosque en el caos de los últimos días de la guerra hasta que fue rescatada por compañeros de la resistencia. El alumno de Matisse, Rudolf Levy, fue asesinado en el campo de concentración de Auschwitz en 1944.

Ultimos años

Recortes

Diagnosticado con cáncer abdominal en 1941, Matisse se sometió a una cirugía que lo dejó dependiente de una silla de ruedas y, a menudo, postrado en cama. La pintura y la escultura se habían convertido en desafíos físicos, por lo que recurrió a un nuevo tipo de medio. Con la ayuda de sus asistentes, comenzó a crear collages de papel recortado o decoupage. Cortaba hojas de papel, prepintadas con gouache por sus asistentes, en formas de diferentes colores y tamaños, y las acomodaba para formar composiciones animadas. Inicialmente, estas piezas eran de tamaño modesto, pero finalmente se transformaron en murales o en obras del tamaño de una habitación. El resultado fue una complejidad distinta y dimensional, una forma de arte que no era exactamente pintura, pero tampoco escultura.Llamó a los últimos catorce años de su vida "une seconde vie", es decir, su segunda vida. Al hablar de su trabajo, Matisse mencionó que, si bien su movilidad era limitada, podía deambular por los jardines en la forma de su obra de arte.

Aunque el recorte de papel fue el medio principal de Matisse en la última década de su vida, su primer uso registrado de la técnica fue en 1919 durante el diseño de la decoración de Le chant du rossignol, una ópera compuesta por Igor Stravinsky. Albert C. Barnes dispuso que se hicieran plantillas de cartón con las dimensiones inusuales de las paredes sobre las que Matisse, en su estudio de Niza, fijó la composición de formas de papel pintado. Otro grupo de recortes se realizó entre 1937 y 1938, mientras Matisse trabajaba en la escenografía y el vestuario de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev. Sin embargo, fue solo después de su operación que, postrado en cama, Matisse comenzó a desarrollar la técnica del recorte como una forma propia, en lugar de su origen utilitario anterior.

Se mudó a la cima de la colina de Vence, Francia en 1943, donde produjo su primer gran proyecto recortado para su libro de artista titulado Jazz. Sin embargo, estos recortes se concibieron como diseños para las impresiones de estarcido que se verían en el libro, más que como obras pictóricas independientes. En este punto, Matisse todavía pensaba en los recortes como algo separado de su principal forma de arte. Su nueva comprensión de este medio se desarrolla con la introducción de 1946 para Jazz. Tras resumir su trayectoria, Matisse se refiere a las posibilidades que ofrece la técnica del cut-out, insistiendo en que “un artista nunca debe ser prisionero de sí mismo, prisionero de un estilo, prisionero de una reputación, prisionero del éxito…”.

El número de recortes concebidos de forma independiente aumentó constantemente después de Jazz, y eventualmente condujo a la creación de obras de tamaño mural, como Oceanía the Sky y Oceania the Sea de 1946. Bajo la dirección de Matisse, Lydia Delectorskaya, su asistente de estudio, fijó libremente las siluetas de pájaros, peces y vegetación marina directamente en las paredes de la habitación. Las dos piezas de Oceanía, sus primeros recortes de esta escala, evocan un viaje a Tahití que realizó años antes.

En mayo de 1954, su recorte The Gavilla se exhibió en el Salón de Mai y tuvo éxito. La obra de arte fue un encargo de los coleccionistas estadounidenses Sr. y Sra. Brody y luego el recorte se adaptó a una cerámica para su casa en Los Ángeles. Ahora se encuentra en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.

Capilla y museo

En 1948, Matisse comenzó a preparar diseños para la Chapelle du Rosaire de Vence, lo que le permitió expandir esta técnica dentro de un contexto verdaderamente decorativo. La experiencia de diseñar las ventanas de la capilla, las casullas y la puerta del sagrario, todo planeado con el método de recorte, tuvo el efecto de consolidar el medio como su enfoque principal. Terminando su última pintura en 1951 (y la escultura final el año anterior), Matisse utilizó el recorte de papel como su único medio de expresión hasta su muerte.

Este proyecto fue el resultado de la estrecha amistad entre Matisse y Bourgeois, ahora sor Jacques-Marie, a pesar de ser ateo. Se habían vuelto a encontrar en Vence y comenzaron la colaboración, una historia relatada en su libro de 1992 Henri Matisse: La Chapelle de Vence y en el documental de 2003 "A Model for Matisse".

En 1952, estableció un museo dedicado a su obra, el Museo Matisse en Le Cateau, y este museo es ahora la tercera colección más grande de obras de Matisse en Francia.

Según David Rockefeller, el trabajo final de Matisse fue el diseño de una vidriera instalada en Union Church of Pocantico Hills, cerca de la finca Rockefeller al norte de la ciudad de Nueva York. "Fue su última creación artística; la maqueta estaba en la pared de su dormitorio cuando murió en noviembre de 1954", escribe Rockefeller. La instalación se completó en 1956.

Muerte

Matisse murió de un infarto a la edad de 84 años el 3 de noviembre de 1954. Está enterrado en el cementerio del Monastère Notre Dame de Cimiez, en el barrio de Cimiez de Niza.

Legado

La primera pintura de Matisse adquirida por una colección pública fue Bodegón con geranios (1910), expuesta en la Pinakothek der Moderne.

Su obra The Plum Blossoms (1948) fue comprada el 8 de septiembre de 2005 para el Museo de Arte Moderno por Henry Kravis y la nueva presidenta del museo, Marie-Josée Drouin. El precio estimado fue de 25 millones de dólares. Anteriormente, el público no la había visto desde 1970. En 2002, una escultura de Matisse, Desnudo reclinado I (Amanecer), se vendió por 9,2 millones de dólares, un récord para una escultura del artista.

La hija de Matisse, Marguerite, a menudo ayudó a los estudiosos de Matisse con ideas sobre sus métodos de trabajo y sus obras. Murió en 1982 mientras compilaba un catálogo de la obra de su padre.

El hijo de Matisse, Pierre Matisse (1900–1989), abrió una galería de arte moderno en la ciudad de Nueva York durante la década de 1930. La Galería Pierre Matisse, que estuvo activa desde 1931 hasta 1989, representó y exhibió a muchos artistas europeos y algunos estadounidenses y canadienses en Nueva York, a menudo por primera vez. Expuso a Joan Miró, Marc Chagall, Alberto Giacometti, Jean Dubuffet, André Derain, Yves Tanguy, Le Corbusier, Paul Delvaux, Wifredo Lam, Jean-Paul Riopelle, Balthus, Leonora Carrington, Zao Wou Ki, Sam Francis y Simon Hantaï, los escultores Theodore Roszak, Raymond Mason y Reg Butler, y varios otros artistas importantes, incluido el trabajo de Henri Matisse.

El nieto de Henri Matisse, Paul Matisse, es un artista e inventor que vive en Massachusetts. La bisnieta de Matisse, Sophie Matisse, es una artista activa. Les Heritiers Matisse funciona como su patrimonio oficial. El representante estadounidense de los derechos de autor de Les Heritiers Matisse es la Artists Rights Society.

El Musée Matisse de Niza, un museo municipal, tiene una de las colecciones más grandes del mundo de las obras de Matisse, rastreando sus inicios artísticos y su evolución hasta sus últimas obras. El museo, inaugurado en 1963, está ubicado en la Villa des Arènes, una villa del siglo XVII en el barrio de Cimiez.

Arte saqueado por los nazis

Numerosas obras de arte de Matisse fueron incautadas por los nazis o saqueadas de coleccionistas judíos o cambiadas de manos en ventas forzadas durante los años nazis. En los últimos veinte años, varias obras de arte de Matisse han sido restituidas a los herederos de sus dueños anteriores al Tercer Reich, incluyendo Le Mur Rose, del Museo Pompidou de Francia a los herederos de Henry Fuld, " Femme Assise", descubierta en el alijo de El hijo de Hildebrand Gurlitt en Munich, La vallée de la Stour, que había pertenecido a Anna Jaffé, encontrado en el Museo La Chaux-de-Fonds y muchos otros.

La German Lost Art Foundation enumera 38 obras de arte de Matisse en la base de datos de Internet de Lost Art.

Exposiciones recientes

Henri Matisse: The Cut-Outs se exhibió en la Tate Modern de Londres, de abril a septiembre de 2014. El espectáculo fue el más grande y extenso de los recortes jamás montados, incluidas aproximadamente 100 maquetas de papel, tomadas de colecciones públicas y privadas internacionales. así como una selección de dibujos, grabados, libros ilustrados, vidrieras y textiles relacionados. En total, la retrospectiva contó con 130 obras que abarcan su práctica desde 1937 hasta 1954. La muestra de la Tate Modern fue la primera en su historia en atraer a más de medio millón de personas.

Luego, la muestra viajó al Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde estuvo en exhibición hasta el 10 de febrero de 2015. El recorte recién conservado, The Swimming Pool, que había estado fuera de la vista durante más de 20 años antes, regresó a las galerías como la pieza central de la exposición.

Lista parcial de obras

• Mujer leyendo (1894), Museo Nacional de Arte Moderno de París
• Le Mur Rose (1898), Museo Nacional de Arte Moderno
• Canal du Midi (1898), Museo Thyssen-Bornemisza
• Notre-Dame, une fin d'après-midi (1902), Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York
• Luxe, Calme, et Volupté (1904), Musée National d'Art Moderne
• Raya verde (1905)
• La ventana abierta (1905)
• Mujer con sombrero (1905)
• Les toits de Collioure (1905)
• Paisaje en Collioure (1905)
• Le bonheur de vivre (1906)
• El joven marinero II (1906)
• Autorretrato con camiseta a rayas (1906)
• Madrás Rouge (1907)
• Desnudo azul (1907), Museo de Arte de Baltimore
• El postre: armonía en rojo (La habitación roja) (1908)
• Bañistas con una tortuga (1908), Museo de Arte de Saint Louis, Missouri
• La danza (1909)
• Bodegón con geranios (1910)
• L'Atelier Rouge (1911)
• La conversación (1908-1912)
• Zorah en la terraza (1912)
• Pez dorado (1912)
• La asistencia de Rifain (1912)
• Ventana en Tánger (1912)
• Le rideau jaune (La cortina amarilla) (1915)
• La ventana (1916), Instituto de Artes de Detroit, Michigan
• El pintor y su modelo (1916-17)
• El parabrisas, en el camino a Villacoublay (1917), Museo de Arte de Cleveland
• La lección de música (1917)
• Interior A Niza (1920)
• Festival de las Flores, Niza (1923), Museo de Arte de Cleveland
• Odalisca con los brazos levantados (1923), Galería Nacional de Arte, Washington, DC
• Odalisca amarilla (1926)
• The Dance II (1932), mural tríptico (45 pies por 15 pies) en la Fundación Barnes de Filadelfia
• Túnica violeta y anémones (1937)
• Mujer con abrigo morado (1937)
• Le Rêve de 1940 (El sueño de 1940) (1940)
• La blusa romana (1940)
• Interior con un jarrón etrusco (1940), Museo de Arte de Cleveland
• El lanzador de Couteaux (1943)
• Annelies, tulipanes blancos y anémonas (1944), Museo de Arte de Honolulu
• L'Asie (1946)
• Dos filetes, fond jaune et rouge (1947)
• Jazz (1947)
• Las flores del ciruelo (1948)
• Capilla de Santa María del Rosario (1948-1951)
• Bestias del mar (1950)
• Maschera facial (1951)
• Las penas del rey (1952)
• Hoja negra sobre fondo verde (1952)
• La negra (1952)
• Desnudo azul II (1952)
• El caracol (1953)
• Le Bateau (1954) Este gouache causó un pequeño revuelo cuando el MoMA lo exhibió por error al revés durante 47 días en 1961.

Ilustraciones

• Jean Cocteau, Bertrand Guégan (1892–1943); L'almanach de Cocagne pour l'an 1920–1922, Dédié aux vrais Gourmands Et aux Francs Buveurs

Escritos

• Notas de un pintor ("Note d'un peintre"), 1908
• Notas del pintor sobre el dibujo ("Notes d'un peintre sur son dessin"), julio de 1939
• jazz, 1947
• Matisse on Art, recopilado por Jack D. Flam, 1973, ISBN 0-7148-1518-7
• Charlando con Henri Matisse: La entrevista perdida de 1941, Getty Publications, 2013, ISBN 978-1-60606-128-2

Representación en los medios y la literatura

Dramatizaciones cinematográficas

• En 2011 se propuso una película llamada Masterpiece, sobre el artista y su relación con Monique Bourgeois. Deepa Mehta pretendía dirigir con Al Pacino para interpretar a Henri Matisse.
• Matisse fue interpretado por Yves-Antoine Spoto en la película Midnight in Paris de 2011.
• Matisse fue interpretado por Joss Ackland en la producción de Merchant Ivory de Surviving Picasso de 1996.

Exposición en pantalla

• La retrospectiva de Matisse del Museo de Arte Moderno fue parte de la serie de películas "Exposición en pantalla", que transmite producciones a las salas de cine.
• La película Matisse From MoMA and Tate Modern combina imágenes de alta definición de las galerías con comentarios de curadores, administradores del museo y, a través de la narración de palabras del pasado, del propio Matisse. "Queremos mostrar la exposición lo mejor que podamos a la audiencia que no puede llegar", dijo el director Phil Grabsky. Inspirándose en un "cine de eventos" similar producido por el Met, Grabsky comenzó su serie para simular la experiencia de pasear por una exhibición de arte.

Literatura

• El cuento de Ray Bradbury "La ficha de póquer vigilante de H. Matisse" contiene una alusión al artista pintando un ojo en una ficha de póquer para que un hombre estadounidense lo use como monóculo.
• En Running in the Family de Michael Ondaatje, hay una sección llamada 'No me hables de Matisse'
• En Trópico de Cáncer de Henry Miller hay varias páginas que exaltan las obras y la importancia de "el sabio brillante" Matisse, su héroe.

Música

• El compositor británico Peter Seabourne escribió un septeto "La tristeza del rey" (2007) inspirado en el tardío corte de papel La Tristesse du Roi.