Guitarra jazz

Las guitarras eléctricas de Hollowbody son bastante comunes en el jazz; el Gibson ES-175 es un ejemplo clásico. Ha estado en producción continuamente desde 1949.

Guitarra de jazz puede referirse a un tipo de guitarra eléctrica o a un estilo de tocar la guitarra en el jazz, que usa amplificación eléctrica para aumentar el volumen de las guitarras acústicas.

A principios de la década de 1930, los músicos de jazz buscaban amplificar su sonido para que se escuchara en grandes orquestas ruidosas. Cuando los guitarristas de las grandes bandas cambiaron de guitarra acústica a guitarra semiacústica y comenzaron a usar amplificadores, les permitió tocar solos. La guitarra de jazz tuvo una influencia importante en el jazz a principios del siglo XX. Aunque las primeras guitarras utilizadas en el jazz eran acústicas y las guitarras acústicas todavía se usan a veces en el jazz, la mayoría de los guitarristas de jazz desde la década de 1940 han tocado con una guitarra amplificada eléctricamente o una guitarra eléctrica.

Tradicionalmente, los guitarristas eléctricos de jazz usan una tapa arqueada con una caja de resonancia hueca relativamente ancha, orificios en forma de F estilo violín, un "puente flotante" y una pastilla magnética. También se utilizan guitarras de cuerpo sólido, producidas en masa desde principios de la década de 1950.

Los estilos de interpretación de la guitarra de jazz incluyen combinar con voces de acordes de jazz (y en algunos casos, líneas de bajo que caminan) y soplar (improvisar) sobre progresiones de acordes de jazz con frases de estilo jazz. y adornos Comping se refiere a tocar acordes debajo de la melodía de una canción o las improvisaciones en solitario de otro músico.

Historia

1900-mediados de la década de 1930

El ritmo de cuerdas y acordes se puede escuchar en grupos que incluían instrumentos estilo banda militar, como metales, saxofones, clarinetes y tambores, como los primeros grupos de jazz. A medida que la guitarra acústica se convirtió en un instrumento más popular a principios del siglo XX, los fabricantes de guitarras comenzaron a construir guitarras más fuertes que serían útiles en una gama más amplia de entornos.

La Gibson L5, una guitarra archtop acústica que se fabricó por primera vez en 1923, fue una de las primeras guitarras de estilo "jazz" que utilizaron los primeros guitarristas de jazz como Eddie Lang. En la década de 1930, la guitarra comenzó a desplazar al banjo como el principal instrumento de ritmo de cuerdas en la música de jazz, porque la guitarra podía usarse para expresar acordes de mayor complejidad armónica y tenía un tono algo más apagado que combinaba bien con el contrabajo., que, en ese momento, había reemplazado casi por completo a la tuba como el instrumento de bajo dominante en la música de jazz.

Finales de la década de 1930-1960

A finales de la década de 1930 y durante la década de 1940, el apogeo del jazz de big band y la música swing, la guitarra era un importante instrumento de la sección rítmica. Algunos guitarristas, como Freddie Green de la banda de Count Basie, desarrollaron un estilo de acompañamiento específico para la guitarra. Sin embargo, pocas de las grandes bandas presentaban solos de guitarra amplificados, que se hacían en cambio en el contexto de un pequeño combo. Los solistas de guitarra de jazz más importantes de este período incluyeron al virtuoso manouche Django Reinhardt, Oscar Moore, que se presentó con el trío de Nat "King" Cole, y Charlie Christian de la banda y el sexteto de Benny Goodman, que fue un gran influencia a pesar de su temprana muerte a los 25 años.

La gran banda de Duke Ellington tenía una sección de ritmo que incluía un guitarrista de jazz, un bajista doble y un batería (no visible).

No fue hasta el surgimiento a gran escala de pequeños combos de jazz en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial que la guitarra despegó como un instrumento versátil, que se utilizó tanto en la sección rítmica como un instrumento melódico destacado e improvisador solista. De la mano de George Barnes, Kenny Burrell, Herb Ellis, Barney Kessel, Jimmy Raney y Tal Farlow, que habían absorbido el lenguaje del bebop, la guitarra empezó a verse como un instrumento de jazz “serio”. Las guitarras eléctricas mejoradas, como la ES-175 de Gibson (lanzada en 1949), dieron a los músicos una mayor variedad de opciones tonales. Desde la década de 1940 hasta la de 1960, músicos como Wes Montgomery, Joe Pass y Jim Hall sentaron las bases de lo que ahora se conoce como "guitarra de jazz" jugando.

Década de 1970

El pionero de la fusión de Jazz John McLaughlin en un festival en Limburgerhof, Alemania, 2008

A medida que surgió la fusión jazz-rock a principios de la década de 1970, muchos músicos cambiaron a guitarras de cuerpo sólido más orientadas al rock. Otros guitarristas de jazz, como Grant Green y Wes Montgomery, recurrieron a aplicar sus habilidades a estilos orientados al pop que fusionaban el jazz con el soul y el R&B, como los tríos de órgano al estilo del soul jazz. Los músicos de jazz más jóvenes aprovecharon la oleada de géneros populares eclécticos como el blues, el rock y el funk para llegar a nuevas audiencias. Los guitarristas en el ámbito de la fusión fusionaron el lenguaje melódico y armónico post-bop de músicos como John Coltrane, McCoy Tyner, Ornette Coleman y Miles Davis con un tono de rock duro (y generalmente muy fuerte) creado por guitarristas como Cream. 39;s Eric Clapton, que había redefinido el sonido de la guitarra para aquellos que no estaban familiarizados con los músicos negros de blues de Chicago y, antes de eso, con la región del delta del Mississippi en la que se basaba su estilo. Con los Bluesbreakers de John Mayall, Clapton subió el volumen de un sonido del que Buddy Guy, Freddie King, B.B. King y otros ya habían sido pioneros y que era fluido, con fuertes vibratos de dedos, cuerdas dobladas y velocidad a través de potentes amplificadores Marshall.

Los músicos de fusión como John McLaughlin adoptaron el sonido fluido y poderoso de guitarristas de rock como Clapton y Jimi Hendrix. McLaughlin fue un maestro innovador, incorporando hard jazz con los nuevos sonidos de Clapton, Hendrix, Beck y otros. Más tarde, McLaughlin formó la Orquesta Mahavishnu, una banda de fusión históricamente importante que tocó en lugares con entradas agotadas a principios de la década de 1970 y, como resultado, produjo una progenie interminable de guitarristas de fusión. Intérpretes como Pat Martino, Al Di Meola, Larry Coryell, John Abercrombie, John Scofield y Mike Stern (los dos últimos ex alumnos de la banda de Miles Davis) crearon un nuevo lenguaje para la guitarra que introdujo el jazz a una nueva generación de fans. Al igual que los íconos del rock-blues que los precedieron, los guitarristas de fusión generalmente tocaban sus instrumentos de cuerpo sólido a través de una amplificación estilo rock de estadio y 'efectos' de procesamiento de señal. como distorsión simulada, wah-wah, divisores de octava, compresión y pedales de brida. También simplemente subieron el volumen al máximo para crear un overdrive natural como el de los músicos de blues rock.

De 1980 a 2000

A principios de la década de 1980, los experimentos radicales de fusión de principios de la década de 1970 dieron paso a sonidos de jazz suave más aptos para la radio. El guitarrista Pat Metheny mezcló los sonidos del rock, el blues, el country y la música “mundial”, manteniendo una base sólida en el bebop y el cool jazz, tocando tanto una guitarra acústica de tapa plana como una guitarra eléctrica con un tono más suave y apacible. que fue endulzado con un efecto brillante conocido como "chorusing". Durante la década de 1980, una escuela de jazz neotradicional buscó reconectarse con el pasado. De acuerdo con esa estética, los jóvenes guitarristas de esta época buscaban un tono limpio y redondo y, a menudo, tocaban guitarras arch-top tradicionales de cuerpo hueco sin efectos electrónicos, con frecuencia a través de amplificadores de válvulas.

A medida que músicos como Bobby Broom, Peter Bernstein, Howard Alden, Russell Malone y Mark Whitfield revivieron los sonidos de la guitarra de jazz tradicional, también hubo un resurgimiento de la luthierie archtop (construcción de guitarras). A principios de la década de 1990, muchos pequeños luthiers independientes comenzaron a fabricar guitarras archtop. En la década de 2000, la forma de tocar la guitarra de jazz sigue cambiando. Algunos guitarristas incorporan una influencia del jazz latino, la música de club de baile estilo jazz ácido usa muestras de Wes Montgomery, y guitarristas como Bill Frisell continúan desafiando la categorización.

Tipos de guitarras

Guitarras archtop

Una guitarra epiteléfono hueca con agujeros "F" de estilo violín.

Mientras que el jazz se puede tocar en cualquier tipo de guitarra, desde un instrumento acústico hasta una guitarra eléctrica de cuerpo sólido como una Fender Stratocaster, la guitarra archtop de profundidad completa se conoce como la "guitarra de jazz" prototípica. " Las guitarras Archtop son guitarras acústicas de cuerdas de acero con una gran caja de resonancia, tapa arqueada, orificios en F estilo violín, un "puente flotante" y pastillas magnéticas o piezoeléctricas. Los primeros fabricantes de guitarras de jazz incluyen a Gibson, Epiphone, D'Angelico y Stromberg. La guitarra eléctrica se conecta a un amplificador de guitarra para que suene lo suficientemente alto para la interpretación. Los amplificadores de guitarra tienen controles de ecualizador que permiten al guitarrista cambiar el tono del instrumento, enfatizando o des-enfatizando ciertas bandas de frecuencia. El uso de efectos de reverberación, a menudo incluidos en los amplificadores de guitarra, ha sido durante mucho tiempo parte del sonido de la guitarra de jazz. Particularmente desde la era de la fusión de jazz de la década de 1970, algunos guitarristas de jazz también han utilizado pedales de efectos como pedales de overdrive, pedales de chorus y pedales de wah.

Las primeras guitarras utilizadas en el jazz eran acústicas, luego reemplazadas por una configuración eléctrica típica de dos pastillas humbucker. En la década de 1990, hubo un resurgimiento del interés entre los guitarristas de jazz por las guitarras acústicas archtop con pastillas flotantes. Las guitarras archtop acústicas originales fueron diseñadas para mejorar el volumen: por esa razón, fueron construidas para usarse con cuerdas de guitarra relativamente pesadas. Incluso después de que la electrificación se convirtiera en la norma, los guitarristas de jazz siguieron ajustando cuerdas de 0,012" calibre o más pesado por razones de tono, y también prefieren cuerdas planas. La parte superior arqueada característica puede estar hecha de una pieza sólida de madera que se talla en forma de arco, o una pieza de madera laminada (esencialmente un tipo de madera contrachapada) que se presiona para darle forma. El abeto se usa a menudo para las tapas y el arce para los fondos. Las guitarras Archtop se pueden producir en masa, como la serie Ibanez Artcore, o hechas a mano por luthiers como Robert Benedetto.

Otras guitarras

• La guitarra Selmer-Maccaferri está fuertemente asociada con Django Reinhardt y giro gitano.
• La guitarra resonadora fue utilizada (pero no exclusivamente) por Oscar Aleman.
• Las guitarras de cuerda de nylon están asociadas con el jazz latino, por ejemplo en el trabajo de Charlie Byrd y Laurindo Almeida.
• Las guitarras planas de acero (en particular las guitarras de Ovation) se han utilizado en el "acústico trineo" de John McLaughlin, Larry Coryell y Al Di Meola.
• Las guitarras eléctricas de cuerpo sólido se han utilizado en Jazz-rock, por ejemplo por Bill Frisell y Stanley Jordan. El Telecaster en particular tiene un jazz seguido, por ejemplo, Ed Bickert y Ted Greene.
• Guitarras sintetizadoras en jazz-rock y jazz vanguardista, por ejemplo por Allan Holdsworth y Pat Metheny.
• Siete guitarras de cuerdas de George van Eps, Lenny Breau, Bucky Pizzarelli y Howard Alden.
• Guitarra de ocho cuerdas de Ralph Patt.

Elementos musicales

Ritmo

La guitarra rítmica de jazz a menudo consiste en una ejecución de métricas impares con mucha textura que incluye un uso generoso de acordes exóticos y difíciles de tocar. En el compás de 4/4, es común tocar intervalos de 2,5 tiempos, como en el 2 y luego en el medio tiempo o "y" después de 4. Los guitarristas de jazz pueden tocar acordes "adelante" del tiempo, tocando el acorde una corchea balanceada antes del cambio de acorde real. Los acordes generalmente no se tocan de manera rítmica repetitiva, como lo haría un guitarrista rítmico de rock.

Armonía

Los guitarristas de jazz utilizan su conocimiento de la armonía y la teoría del jazz para crear "expresiones" de acordes de jazz. que enfatizan las notas 3 y 7 del acorde. Algunas voces de acordes más sofisticadas también incluyen las notas 9, 11 y 13 del acorde. En algunos estilos de jazz moderno, los acordes de séptima dominantes en una melodía pueden contener novenas alteradas (ya sea aplanadas por un semitono, que se denomina "novena plana", o acentuadas por un semitono, que se denomina "9a".;9 sostenido"); 11ths (acentuado por un semitono, que se llama "undécimo sostenido"); 13ths (típicamente aplanado por un semitono, que se llama "13th bemol").

Los guitarristas de jazz necesitan aprender sobre una variedad de acordes diferentes, incluidos acordes de séptima mayor, sexta mayor, séptima menor, séptima menor/mayor, séptima dominante, acordes disminuidos, semidisminuidos y aumentados. Además, necesitan aprender sobre transformaciones de acordes (p. ej., acordes alterados, como los 'acordes dominantes altos' descritos anteriormente), sustituciones de acordes y técnicas de rearmonización. Algunos guitarristas de jazz utilizan su conocimiento de las escalas y acordes de jazz para proporcionar un acompañamiento al estilo de un bajo ambulante.

Los guitarristas de jazz aprenden a tocar estos acordes en la gama de diferentes progresiones de acordes utilizadas en el jazz, como la omnipresente progresión ii-V-I, la progresión de blues estilo jazz (que, en contraste con una progresión de 12 compases estilo blues, puede tener dos o más cambios de acordes por compás) la forma de blues de estilo jazz menor, los "cambios de ritmo" basados en I-vi-ii-V; y la variedad de progresiones de acordes ricas en modulación utilizadas en baladas de jazz y estándares de jazz. Los guitarristas también pueden aprender a usar los tipos de acordes, los estilos de rasgueo y los pedales de efectos (por ejemplo, efecto de coro o fuzzbox) que se usan en la música de fusión jazz-latin, jazz-funk y jazz-rock de la década de 1970.

Melodía

Los guitarristas de jazz integran los componentes básicos de escalas y patrones de arpegio en frases rítmicas y melódicas equilibradas que forman un solo cohesivo. Los guitarristas de jazz a menudo intentan imbuir su fraseo melódico con el sentido de la respiración natural y el fraseo legato que usan los trompetistas, como los saxofonistas. Además, un guitarrista de jazz' las improvisaciones en solitario tienen que tener un impulso rítmico y "timefeel" que crea una sensación de "swing" y "ranura." Los guitarristas de jazz más experimentados aprenden a tocar con diferentes "timefeels" como jugar "por delante del ritmo" o "detrás del ritmo" para crear o liberar tensión.

Otro aspecto del estilo de guitarra de jazz es el uso de adornos estilísticamente apropiados, como notas decorativas, diapositivas y notas silenciadas. Cada subgénero o época del jazz tiene diferentes ornamentos que forman parte del estilo de ese subgénero o época. Los guitarristas de jazz suelen aprender los estilos de ornamentación apropiados escuchando grabaciones destacadas de un estilo determinado o era del jazz. Algunos guitarristas de jazz también toman prestadas técnicas de ornamentación de otros instrumentos de jazz, como el préstamo de Wes Montgomery de tocar melodías en octavas paralelas, que es una técnica de piano de jazz. Los guitarristas de jazz también tienen que aprender a agregar tonos de paso, usar "tonos de guía" y tonos de acordes de la progresión de acordes para estructurar sus improvisaciones.

En las décadas de 1970 y 1980, con la fusión de jazz y rock en la guitarra, los guitarristas de jazz incorporaron enfoques de solos de guitarra de rock, como solos basados en riffs y el uso de patrones de escalas pentatónicas y de blues. Algunos guitarristas usaron distorsión influenciada por Jimi Hendrix y efectos de wah-wah para obtener un tono sostenido y pesado, o incluso usaron técnicas de trituración de guitarra de fuego rápido, como tapping y flexión de barra de trémolo. El guitarrista Al Di Meola, que comenzó su carrera con Return to Forever en 1974, fue uno de los primeros guitarristas en tocar en un "shred" estilo, una técnica utilizada más tarde en el rock y el heavy metal. Di Meola usó punteos alternativos para realizar secuencias muy rápidas de notas en sus solos.

Improvisación

Cuando los guitarristas de jazz improvisan, utilizan las escalas, los modos y los arpegios asociados con los acordes en la progresión de acordes de una melodía. El enfoque de la improvisación ha cambiado desde las primeras épocas de la guitarra de jazz. Durante la era del swing, muchos solistas improvisaban "de oído" embelleciendo la melodía con adornos y notas de paso. Sin embargo, durante la era del bebop, el ritmo acelerado y las complicadas progresiones de acordes hicieron cada vez más difícil tocar 'de oído'. Junto con otros improvisadores, como saxofones y pianistas, los guitarristas de jazz de la era del bebop comenzaron a improvisar sobre los cambios de acordes utilizando escalas (escala de tonos completos, escala cromática, etc.) y arpegios. Los guitarristas de jazz tienden a improvisar en torno a las relaciones entre acordes y escalas, en lugar de reelaborar la melodía, posiblemente debido a su familiaridad con los acordes resultantes de su función de acompañamiento. Una fuente de ideas melódicas para la improvisación es la transcripción de solos improvisados de grabaciones. Esto proporciona a los guitarristas de jazz una fuente de "licks", frases e ideas melódicas que incorporan intactas o en variaciones, y es una forma establecida de aprender de las generaciones anteriores de músicos.

Estilos de interpretación

Ritmo de big band

En las big bands de jazz, populares durante las décadas de 1930 y 1940, el guitarrista es considerado una parte integral de la sección rítmica (guitarra, batería y bajo). Por lo general, tocaban cuatro rasgueos regulares en el compás, aunque es posible cierta cantidad de improvisación armónica. Freddie Green, guitarrista de la orquesta Count Basie, fue un destacado exponente de este estilo. Las armonías suelen ser mínimas; por ejemplo, la nota raíz a menudo se omite suponiendo que la proporcionará el bajista.

Reunión en grupos pequeños

Cuando los guitarristas de jazz tocan acordes debajo de la melodía de una canción o de las improvisaciones en solitario de otro músico, se llama "comping", abreviatura de "acompañamiento". El estilo de acompañamiento en la mayoría de los estilos de jazz difiere de la forma en que los instrumentos de cuerdas acompañan en muchos estilos populares de música. En muchos estilos populares de música, como el rock y el pop, el guitarrista rítmico suele tocar los acordes de manera rítmica, lo que establece el ritmo o ritmo de una melodía. Por el contrario, en muchos estilos de jazz moderno dentro de grupos más pequeños, el guitarrista toca mucho más escasamente, entremezclando acordes periódicos y voces delicadas en pausas en la melodía o solo, y usando períodos de silencio. Los guitarristas de jazz suelen utilizar una amplia variedad de inversiones al componer, en lugar de utilizar únicamente voces estándar.

Melodía de acordes y solos sin acompañamiento

En este estilo, el guitarrista pretende interpretar una canción completa (armonía, melodía y bajo) de forma parecida a como lo hace un guitarrista clásico o un pianista. Las raíces de acordes no se pueden dejar al bajista en este estilo. Los acordes en sí se pueden usar de forma escasa o más densa, según el jugador individual y su arreglo de una pieza en particular. En el estilo disperso, un acorde completo a menudo se toca solo al comienzo de una frase melódica. Las texturas de acordes más densas, por el contrario, se acercan a los solos de acordes (ver más abajo). Un tercer enfoque es mantener una línea de bajo constante y ocupada, como un pianista de Nueva Orleans. Aquí, no se tocan más de dos o tres notas a la vez, y la armonía completa se indica mediante el arpegio. Los exponentes de este estilo a menudo provienen de un entorno country, folk o ragtime, como Chet Atkins, aunque a veces también lo emplean practicantes de jazz directos, por ejemplo, Martin Taylor. La melodía de acordes a menudo se toca con una púa (ver Tal Farlow, George Benson y otros); mientras que el fingerstyle, como lo practican Joe Pass, George van Eps, Ted Greene, Robert Conti, Lenny Breau o el punteo híbrido como lo practican Ed Bickert, Laszlo Sirsom y otros, permite un enfoque polifónico más complejo de los solos sin acompañamiento.

"Soplar" o solos de una sola nota

En general, se considera que Charlie Christian y Django Reinhardt iniciaron el uso de la guitarra para tocar melodías e improvisaciones sobre otros instrumentos, el primero usando una forma temprana de amplificación, el segundo tocando con fuerza en una guitarra acústica. A lo largo de los años, los guitarristas de jazz han podido tocar solos en modismos de jazz estándar, como bebop, cool jazz, etc., al mismo tiempo que han absorbido influencias de guitarristas de rock, como el uso de efectos electrónicos.

Solo de acordes

Los guitarristas de jazz no se limitan a la improvisación de una sola nota. Cuando se trabaja con acompañamiento, los solos de acordes se crean improvisando acordes (armonía) y melodía simultáneamente, generalmente en el registro superior de las cuerdas 1, 2, 3 y 4. Wes Montgomery se destacó por tocar coros sucesivos en notas individuales, luego octavas y finalmente un solo de acordes: esto se puede escuchar en su improvisación sobre el estándar Lover Man (Oh, Where Can You Be?). Al tocar sin acompañamiento, los guitarristas de jazz pueden crear solos de acordes tocando el bajo, la melodía y los acordes, de forma individual o simultánea, en cualquiera o todas las cuerdas, como el trabajo de Lenny Breau, Joe Pass, Martin Taylor y otros. Esta técnica también se puede incorporar a los solos sin acompañamiento: por ejemplo, las "improvisaciones" de Django Reinhardt, como llamaba a sus piezas solistas.