Georgia O´Keeffe

Georgia Totto O'Keeffe (15 de noviembre de 1887 - 6 de marzo de 1986) fue una pintora y dibujante modernista estadounidense cuya carrera abarcó siete décadas y cuyo trabajo se mantuvo en gran medida independiente de los principales movimientos artísticos.. Llamada la "Madre del modernismo estadounidense", O'Keeffe obtuvo reconocimiento internacional por sus meticulosas pinturas de formas naturales, en particular flores y paisajes inspirados en el desierto, que a menudo se extrajeron y se relacionaron con lugares y entornos en que ella vivió.

Desde 1905, cuando O'Keeffe comenzó sus estudios en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, hasta alrededor de 1920, estudió arte o ganó dinero como ilustradora comercial o maestra para pagar su educación superior. Influenciada por Arthur Wesley Dow, O'Keeffe comenzó a desarrollar su estilo único comenzando con sus acuarelas de sus estudios en la Universidad de Virginia y más dramáticamente en los dibujos al carboncillo que produjo en 1915 que condujeron a la abstracción total. Alfred Stieglitz, marchante de arte y fotógrafo, realizó una exposición de sus obras en 1917. Durante los dos años siguientes, enseñó y continuó sus estudios en el Teachers College de la Universidad de Columbia.

Se mudó a Nueva York en 1918 a pedido de Stieglitz y comenzó a trabajar seriamente como artista. Desarrollaron una relación profesional y personal que condujo a su matrimonio en 1924. O'Keeffe creó muchas formas de arte abstracto, incluidos primeros planos de flores, como las pinturas Red Canna, que muchos se encontró que representaba vulvas, aunque O'Keeffe negó constantemente esa intención. La imputación de la representación de la sexualidad de las mujeres también fue alimentada por fotografías explícitas y sensuales de O'Keeffe que Stieglitz había tomado y exhibido.

O'Keeffe y Stieglitz vivieron juntos en Nueva York hasta 1929, cuando O'Keeffe comenzó a pasar parte del año en el suroeste, lo que le sirvió de inspiración para sus pinturas de paisajes de Nuevo México e imágenes de cráneos de animales., como Cráneos de vaca: rojo, blanco y azul y Maza blanca con cabeza de carnero y Little Hills. Después de la muerte de Stieglitz, vivió en Nuevo México en Georgia O'Keeffe Home and Studio en Abiquiú hasta los últimos años de su vida, cuando residió en Santa Fe. En 2014, la pintura de 1932 de O'Keeffe Jimson Weed/White Flower No. 1 se vendió por 44.405.000 dólares. Después de su muerte, se estableció el Museo Georgia O'Keeffe en Santa Fe.

Primeros años y educación (1887–1916)

Georgia O'Keeffe nació el 15 de noviembre de 1887 en una granja en la ciudad de Sun Prairie, Wisconsin. Sus padres, Francis Calyxtus O'Keeffe e Ida (Totto) O'Keeffe, eran productores de leche. Su padre era de ascendencia irlandesa. Su abuelo materno, George Victor Totto, por quien se nombró a O'Keeffe, fue un conde húngaro que llegó a los Estados Unidos en 1848.

O'Keeffe fue el segundo de siete hijos. Asistió a la Town Hall School en Sun Prairie. A los 10 años, había decidido convertirse en artista. Con sus hermanas, Ida y Anita, recibió instrucción artística de la acuarelista local Sara Mann. O'Keeffe asistió a la escuela secundaria en la Academia del Sagrado Corazón en Madison, Wisconsin, como huésped entre 1901 y 1902. A fines de 1902, los O'Keeffe se mudaron de Wisconsin al vecindario unido de Peacock Hill en Williamsburg. Virginia, donde el padre de O'Keeffe inició un negocio de fabricación de bloques de hormigón fundido rústico en previsión de una demanda del bloque en el comercio de construcción de la península de Virginia, pero la demanda nunca se materializó. O'Keeffe se quedó en Wisconsin asistiendo a Madison Central High School hasta que se unió a su familia en Virginia en 1903. Completó la escuela secundaria como interna en el Instituto Episcopal de Chatham en Virginia (ahora Chatham Hall), y se graduó en 1905. En Chatham, fue miembro de la hermandad de mujeres Kappa Delta.

O'Keeffe enseñó y dirigió el departamento de arte en West Texas State Normal College, cuidando a su hermana menor, Claudia, a pedido de su madre. En 1917, visitó a su hermano, Alexis, en un campamento militar en Texas antes de que partiera hacia Europa durante la Primera Guerra Mundial. Mientras estuvo allí, creó la pintura La bandera, que expresaba su ansiedad y depresión. sobre la guerra

• Trabajos tempranos
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  Untitled (Vase of Flowers), 1903-1905, acuarela en papel, Georgia Museo O'Keeffe

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  Untitled (Dead Rabbit with the Copper Pot), 1908, Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York

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  Scrapbook (The Rotunda at University of Virginia), 1912–1914, acuarela en papel, Universidad de Virginia

Formación académica

De 1905 a 1906, O'Keeffe estuvo matriculada en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, donde estudió con John Vanderpoel y fue la mejor de su clase. Como resultado de contraer fiebre tifoidea, tuvo que tomarse un año libre de su educación. En 1907, asistió a la Art Students League en la ciudad de Nueva York, donde estudió con William Merritt Chase, Kenyon Cox y F. Luis Mora. En 1908, ganó el premio de naturaleza muerta William Merritt Chase de la Liga por su pintura al óleo Conejo muerto con olla de cobre. Su premio fue una beca para asistir a la escuela de verano al aire libre de la Liga en Lake George, Nueva York. Mientras estuvo en la ciudad de Nueva York, O'Keeffe visitó galerías, como 291, propiedad de su futuro esposo, el fotógrafo Alfred Stieglitz. La galería promovió el trabajo de artistas y fotógrafos de vanguardia de Estados Unidos y Europa.

En 1908, O'Keeffe descubrió que no podría financiar sus estudios. Su padre se había arruinado y su madre estaba gravemente enferma de tuberculosis. No estaba interesada en una carrera como pintora basada en la tradición mimética que había formado la base de su formación artística. Tomó un trabajo en Chicago como artista comercial y trabajó allí hasta 1910, cuando regresó a Virginia para recuperarse del sarampión y luego se mudó con su familia a Charlottesville, Virginia. No pintó durante cuatro años y dijo que el olor a trementina la enfermaba. Comenzó a enseñar arte en 1911. Uno de sus puestos fue en su antigua escuela, el Instituto Episcopal de Chatham, en Virginia.

Primeras abstracciones

Tomó una clase de arte de verano en 1912 en la Universidad de Virginia con Alon Bement, quien era miembro del cuerpo docente del Colegio de Maestros de la Universidad de Columbia. Con Bement, se enteró de las ideas innovadoras de Arthur Wesley Dow, el colega de Bement. El enfoque de Dow estuvo influenciado por los principios de diseño y composición del arte japonés. Comenzó a experimentar con composiciones abstractas ya desarrollar un estilo personal que se alejaba del realismo. De 1912 a 1914, enseñó arte en las escuelas públicas de Amarillo en el Panhandle de Texas y fue asistente de enseñanza de Bement durante los veranos. Tomó clases en la Universidad de Virginia durante dos veranos más. También tomó una clase en la primavera de 1914 en el Teachers College de la Universidad de Columbia con Dow, quien influyó aún más en su forma de pensar sobre el proceso de hacer arte. Sus estudios en la Universidad de Virginia, basados en los principios de Dow, fueron fundamentales en el desarrollo de O'Keeffe como artista. A través de su exploración y crecimiento como artista, ayudó a establecer el movimiento modernista estadounidense.

• Primeras abstracciones
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  Dibujo especial No. 2, 1915, carbón de carbón sobre papel pintado, Galería Nacional de Arte

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  No. 8, 1916, carbón en papel, Museo Whitney

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  Sunrise, 1916, acuarela en papel

Dio clases en el Columbia College de Columbia, Carolina del Sur, a finales de 1915, donde completó una serie de abstracciones al carboncillo muy innovadoras basadas en sus sensaciones personales. A principios de 1916, O'Keeffe estaba en Nueva York en el Teachers College de la Universidad de Columbia. Envió por correo los dibujos al carboncillo a una amiga y ex compañera de clase en Teachers College, Anita Pollitzer, quien se los llevó a Alfred Stieglitz en su galería 291 a principios de 1916. Stieglitz descubrió que eran las "cosas más puras, finas y sinceras que habían existido". entró 291 en mucho tiempo" y dijo que le gustaría mostrárselos. En abril de ese año, Stieglitz exhibió diez de sus dibujos en 291.

Después de realizar más cursos en Columbia a principios de 1916 y dar clases de verano para Bement, se convirtió en directora del departamento de arte en West Texas State Normal College, en Canyon, Texas, a partir del otoño de 1916. O'Keeffe, que disfrutaba de amaneceres y atardeceres, desarrolló una afición por los colores intensos y nocturnos. Sobre la base de una práctica que comenzó en Carolina del Sur, O'Keeffe pintó para expresar sus sensaciones y sentimientos más privados. En lugar de esbozar un diseño antes de pintar, creaba diseños libremente. O'Keeffe continuó experimentando hasta que creyó que realmente capturó sus sentimientos en la acuarela, Light Coming on the Plains No. I (1917).

• Abstracción
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  Luz en las llanuras No II, 1917, acuarela en papel de prensa, Museo Amon Carter de Arte Americano

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  Serie 1, No. 8, 1918, pintura al óleo sobre lienzo, Lenbachhaus, Munich

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  Música azul y verde, 1921, óleo sobre lienzo, Art Institute of Chicago

Comenzó una serie de pinturas en acuarela basadas en el paisaje y las amplias vistas durante sus caminatas, incluidas pinturas vibrantes del Cañón de Palo Duro. Ella "capturó un paisaje monumental en esta configuración simple, fusionando pigmentos azules y verdes en graduaciones tonales casi indistintas que simulan el efecto pulsante de la luz en el horizonte del Panhandle de Texas", " según la autora Sharyn Rohlfsen Udall.

• Palo Duro Canyon
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  Cañón con Cuervos, 1917, acuarela y grafito en papel, Georgia O'Keeffe Museum

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  No. 20, aceite a bordo, 1916-1917, Museo de Arte Milwaukee

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  Palo Duro Canyon, 1916-1917, acuarela, West Texas A implicaM University

Nueva York (1918-1930)

Círculo Stieglitz

En 1918, O'Keeffe se mudó a Nueva York cuando Stieglitz le ofreció apoyo financiero, una residencia y un lugar para pintar. Desarrollaron una estrecha relación personal y luego se casaron, mientras él promocionaba su trabajo. Stieglitz también desaconsejó su uso de la acuarela, que se asociaba con mujeres artistas amateur. Según el historiador de arte Charles Eldredge, "la pareja disfrutó de una posición destacada en el floreciente arte de Nueva York durante la década de 1920".

O'Keeffe llegó a conocer a muchos de los primeros modernistas estadounidenses que formaban parte del círculo de artistas de Stieglitz, incluidos los pintores Charles Demuth, Arthur Dove, Marsden Hartley, John Marin y los fotógrafos Paul Strand y Edward Steichen.. La fotografía de Strand, así como la de Stieglitz, inspiraron el trabajo de O'Keeffe. Stieglitz, cuya Galería 291 cerró en 1917, ahora podía dedicar más tiempo a su propia práctica fotográfica, produciendo una serie de fotografías de formas naturales, estudios de nubes (una serie conocida como Equivalentes) y retratos de O'Keeffe. Antes de casarse con Stieglitz, los dibujos y las pinturas de O'Keeffe solían ser abstractos, aunque a partir de 1924 comenzó a ampliar su vocabulario visual para incluir más imágenes figurativas, generalmente tomadas de la naturaleza y a menudo pintadas. en serie".

Cuadros de flores

O'Keeffe comenzó a crear imágenes simplificadas de elementos naturales, como hojas, flores y rocas. Inspirada en el precisionismo, La manzana verde, completada en 1922, representa su noción de una vida sencilla y significativa. O'Keeffe dijo ese año, "es solo por selección, por eliminación y por énfasis que obtenemos el verdadero significado de las cosas". Música azul y verde expresa los sentimientos de O'Keeffe sobre la música a través del arte visual, utilizando colores llamativos y sutiles.

También en 1922, el periodista Paul Rosenfeld comentó "[la] esencia de la feminidad impregna sus imágenes", citando su uso del color y las formas como metáforas del cuerpo femenino. Este mismo artículo también describe sus pinturas de manera sexual. O'Keeffe, más famosa por su representación de flores, realizó unas 200 pinturas de flores, que a mediados de la década de 1920 eran representaciones de flores a gran escala, como vistas a través de una lente de aumento, como Amapolas orientales y varias pinturas Red Canna. Pintó su primera pintura de flores a gran escala, Petunia, No. 2, en 1924 y se exhibió por primera vez en 1925. Hacer representaciones ampliadas de objetos creaba una sensación de asombro e intensidad emocional. En 1924, Stieglitz organizó una muestra que mostraba las obras de arte de O'Keeffe junto con sus fotografías en Anderson Galleries y ayudó a organizar otras exposiciones durante los años siguientes.

• Canna Roja (1915-1923)
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  Canna roja, 1915, Yale University Art Gallery

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  Canna roja, 1919, aceite a bordo, High Museum of Art, Atlanta

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  Canna roja, 1923, pintura al óleo sobre lienzo, Pennsylvania Academy of the Fine Arts

Cuadros de rascacielos

Después de haberse mudado a un apartamento en el piso 30 del Hotel Shelton en 1925, O'Keeffe comenzó una serie de pinturas de los rascacielos y el horizonte de Nueva York. Una de sus obras más notables, que demuestra su habilidad para representar los edificios en el estilo Precisionist, es el Radiator Building–Night, New York. Otros ejemplos son New York Street with Moon (1925), The Shelton with Sunspots, N.Y. (1926) y City Night (1926). Hizo un paisaje urbano, East River from the Thirtieth Story of the Shelton Hotel en 1928, una pintura de su vista del East River y las fábricas que emiten humo en Queens. Al año siguiente, realizó sus últimas pinturas del horizonte y rascacielos de la ciudad de Nueva York y viajó a Nuevo México, que se convirtió en una fuente de inspiración para su trabajo.

El Museo de Brooklyn realizó una retrospectiva de su trabajo en 1927. En 1928, Stieglitz anunció que seis de sus pinturas de calas se vendieron a un comprador anónimo en Francia por 25 000 dólares estadounidenses, pero no hay evidencia de que esta transacción haya ocurrido de la manera en que Stieglitz informado. Como resultado de la atención de la prensa, las pinturas de O'Keeffe se vendieron a un precio más alto a partir de ese momento.

Nuevo México (1930-1986)

Para 1929, viajó a Santa Fe por primera vez, acompañada de su amiga Rebecca (Beck) Strand y se quedó en Taos con Mabel Dodge Luhan, quien les proporcionó estudios a las mujeres. Desde su habitación tenía una vista clara de las Montañas Taos así como de la morada (centro de reuniones) de los Hermanos de la Fraternidad Piadosa de Nuestro Padre Jesús Nazareno, también conocido como los Penitentes. Posteriormente, visitó Nuevo México casi anualmente desde 1929 en adelante, a menudo permaneciendo allí varios meses seguidos, regresando a Nueva York cada invierno para exhibir su trabajo en la galería de Stieglitz. O'Keeffe realizó muchos viajes con la manada, exploró las escarpadas montañas y los desiertos de la región ese verano y luego visitó el cercano rancho D. H. Lawrence, donde completó su ahora famosa pintura al óleo, El árbol de Lawrence., actualmente propiedad del Wadsworth Athenaeum en Hartford, Connecticut. O'Keeffe visitó y pintó la cercana e histórica Iglesia de la Misión de San Francisco de Asís en Ranchos de Taos. Hizo varias pinturas de la iglesia, al igual que muchos artistas, y su pintura de un fragmento de la misma recortada contra el cielo la capturó desde una perspectiva única.

En Nuevo México, recolectó rocas y huesos del suelo del desierto y los convirtió en temas de su trabajo junto con las formas arquitectónicas y paisajísticas distintivas de la zona. Conocida como una solitaria, O'Keeffe a menudo exploraba la tierra que amaba en su Ford Modelo A, que compró y aprendió a conducir en 1929. A menudo hablaba de su afición por Ghost Ranch y el norte de Nuevo México, como en 1943, cuando explicó: 'Un lugar de sentimiento solitario tan hermoso e intacto, una parte tan fina de lo que yo llamo 'Faraway'. Es un lugar que he pintado antes... incluso ahora debo hacerlo de nuevo." O'Keeffe no trabajó desde finales de 1932 hasta mediados de la década de 1930 debido a crisis nerviosas. Era una artista popular que recibía encargos mientras sus obras se exhibían en Nueva York y otros lugares.

Motivos de calaveras y desiertos

En 1933 y 1934, O'Keeffe se recuperó en las Bermudas y regresó a Nuevo México en 1934. En agosto de 1934, se mudó a Ghost Ranch, al norte de Abiquiú. En 1940, se mudó a una casa en la propiedad del rancho. Los acantilados multicolores que rodean el rancho inspiraron algunos de sus paisajes más famosos. Entre 1934 y 1936, completó una serie de pinturas de paisajes inspiradas en el desierto de Nuevo México, a menudo con representaciones destacadas de cráneos de animales, incluidos Rams Head with Hollyhock (1935) y Deer' s Cabeza con Pedernal (1936) así como Días de verano (1936). En 1936, completó lo que se convertiría en una de sus pinturas más conocidas, Días de verano. Representa una escena del desierto con un cráneo de ciervo con flores silvestres vibrantes. Parecido a Cabeza de carnero con malvarrosa, mostraba el cráneo flotando sobre el horizonte.

• Calaveras y motivos del desierto
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  Días de verano, 1936, aceite sobre lienzo, Whitney Museum of American Art

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  Ram's Head White Hollyhock y Little Hills, 1935, aceite sobre lienzo, Brooklyn Museum

En 1938, la agencia de publicidad N. W. Ayer & Son se acercó a O'Keeffe para crear dos pinturas para Hawaiian Pineapple Company (ahora Dole Food Company) para usar en publicidad. Otros artistas que produjeron pinturas de Hawái para la publicidad de Hawaiian Pineapple Company incluyen a Lloyd Sexton, Jr., Millard Sheets, Yasuo Kuniyoshi, Isamu Noguchi y Miguel Covarrubias. La oferta llegó en un momento crítico en la vida de O'Keeffe: ella tenía 51 años y su carrera parecía estancarse (los críticos calificaban su enfoque en Nuevo México como limitado y calificaban sus imágenes del desierto como " una especie de producción en masa").

Llegó a Honolulu el 8 de febrero de 1939 a bordo del SS Lurline y pasó nueve semanas en Oahu, Maui, Kauai y la isla de Hawái. Con mucho, el período más productivo y vívido fue en Maui, donde se le dio total libertad para explorar y pintar. Pintó flores, paisajes y anzuelos tradicionales hawaianos. De vuelta en Nueva York, O'Keeffe completó una serie de 20 pinturas sensuales y verdes. Sin embargo, no pintó la piña solicitada hasta que Hawaiian Pineapple Company envió una planta a su estudio de Nueva York.

Durante la década de 1940, O'Keeffe realizó dos retrospectivas de una sola mujer, la primera en el Instituto de Arte de Chicago (1943). La segunda fue en 1946, cuando fue la primera mujer artista en tener una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Manhattan. El Museo Whitney comenzó un esfuerzo por crear el primer catálogo de su trabajo a mediados de la década de 1940.

Abiquiú y paisajes

En 1945, O'Keeffe compró una segunda casa, una hacienda abandonada en Abiquiú, que renovó para convertirla en una casa y un estudio. Se mudó permanentemente a Nuevo México en 1949, pasando tiempo tanto en Ghost Ranch como en la casa Abiquiú que convirtió en su estudio.

Todd Webb, un fotógrafo que conoció en la década de 1940, se mudó a Nuevo México en 1961. A menudo la tomaba fotografías, al igual que muchos otros fotógrafos estadounidenses importantes, quienes constantemente presentaban a O'Keeffe como " solitario, de figura severa y hecho a sí mismo." Si bien se sabía que O'Keeffe tenía una "personalidad quisquillosa," Las fotografías de Webb la retratan con una especie de 'tranquilidad y calma'. sugiriendo una amistad relajada y revelando nuevos contornos del carácter de O'Keeffe.

En la década de 1940, O'Keeffe realizó una extensa serie de pinturas de lo que se conoce como "Black Place", a unas 150 millas (240 km) al oeste de su casa en Ghost Ranch. O'Keeffe dijo que Black Place se parecía a "una milla de elefantes con colinas grises y arena blanca a sus pies". Realizó pinturas del "Lugar Blanco", una formación rocosa blanca ubicada cerca de su casa en Abiquiú. En 1946, comenzó a convertir las formas arquitectónicas de su casa en Abiquiú —el muro del patio y la puerta— en temas de su obra. Otra pintura distintiva fue Ladder to the Moon, de 1958. O'Keeffe produjo una serie de arte con nubes, como Sky above the Clouds a mediados de la década de 1960 que fueron inspirada en sus vistas desde las ventanas del avión. El Museo de Arte de Worcester realizó una retrospectiva de su trabajo en 1960 y diez años después, el Museo Whitney de Arte Estadounidense montó la Exposición retrospectiva de Georgia O'Keeffe.

Carrera tardía y muerte

En 1972, O'Keeffe perdió gran parte de su vista debido a la degeneración macular, dejándola solo con visión periférica. Dejó de pintar al óleo sin ayuda en 1972. En 1973, O'Keeffe contrató a John Bruce "Juan" Hamilton como asistente interno y luego como cuidador. Hamilton era alfarero. Hamilton le enseñó a O'Keeffe a trabajar con arcilla, la alentó a que volviera a pintar a pesar del deterioro de su vista y la ayudó a escribir su autobiografía. Trabajó para ella durante 13 años. La autobiografía del artista, Georgia O'Keeffe, publicada en 1976 por Viking Press, incluía Summer Days (1936) en la portada. Se convirtió en un éxito de ventas. Durante la década de 1970, realizó una serie de obras en acuarela. Continuó trabajando con lápiz y carboncillo hasta 1984.

O'Keeffe se volvió cada vez más frágil a finales de los 90. Se mudó a Santa Fe en 1984, donde murió el 6 de marzo de 1986, a la edad de 98 años. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas fueron esparcidas, como ella quiso, en los terrenos alrededor de Ghost Ranch. Después de la muerte de O'Keeffe, su familia impugnó su testamento porque los codicilos que se le agregaron en la década de 1980 habían dejado la mayor parte de su patrimonio de 65 millones de dólares a Hamilton. El caso finalmente se resolvió fuera de los tribunales en julio de 1987. El caso se convirtió en un famoso precedente en la planificación patrimonial.

Receptor

Premios y distinciones

En 1938, O'Keeffe recibió un título honorario de "Doctor en Bellas Artes" del Colegio de William & María. Más tarde, O'Keeffe fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras y en 1966 fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias. Entre sus premios y honores, O'Keeffe recibió el premio M. Carey Thomas en Bryn Mawr College en 1971 y dos años más tarde recibió un título honorífico de la Universidad de Harvard.

En 1977, el presidente Gerald Ford entregó a O'Keeffe la Medalla Presidencial de la Libertad, el mayor honor que se otorga a los civiles estadounidenses. En 1985, el presidente Ronald Reagan le otorgó la Medalla Nacional de las Artes. En 1993, fue incluida en el Salón Nacional de la Fama de la Mujer.

Crítica de arte y erudición

Las pinturas de lotos de O'Keeffe pueden tener vínculos más profundos con las imágenes y el simbolismo de la vulva. En la mitología egipcia, las flores de loto son un símbolo del útero, y en la mitología india, son símbolos directos de las vulvas. La historiadora del arte feminista Linda Nochlin y autora del influyente ensayo de 1971 titulado "¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?", también interpretó Black Iris III (1926) como un metáfora de una vulva.

El marchante de arte Samuel Kootz fue uno de los críticos de O'Keeffe que, aunque la consideraba 'la única mujer artista destacada'; (en palabras de Marilyn Hall Mitchell), consideraba que la expresión sexual en su trabajo (y en el trabajo de otros artistas) era artísticamente problemática. Kootz afirmó que "la afirmación del sexo solo puede obstaculizar los talentos de un artista, porque es un acto de desafío, de agravio, en el que la conciencia de estas cualidades retrasa las afirmaciones naturales del pintor".

O'Keeffe se mantuvo firme contra las interpretaciones sexuales de su trabajo y durante cincuenta años sostuvo que no había conexión entre las vulvas y su obra de arte. En respuesta a algunas de las críticas, O'Keeffe afirmó: 'Cuando la gente lee símbolos eróticos en mis pinturas, en realidad están hablando de sus propios asuntos'. Ella atribuyó a otros artistas' ataques a su obra a la proyección psicológica. O'Keeffe también fue vista como una feminista revolucionaria; sin embargo, la artista rechazó estas nociones y afirmó que "la feminidad es irrelevante" y que "no tiene nada que ver con la creación o el logro del arte".

Vida privada

En junio de 1918, O'Keeffe aceptó la invitación de Stieglitz de mudarse a Nueva York desde Texas después de que él le prometiera que le proporcionaría un estudio tranquilo donde pudiera pintar. Al cabo de un mes, tomó la primera de muchas fotografías de ella desnuda en el apartamento de su familia mientras su esposa no estaba. Su esposa regresó a casa una vez mientras su sesión aún estaba en curso. Ella había sospechado durante un tiempo que algo estaba pasando entre los dos y le dijo que dejara de ver a O'Keeffe o se largara. Stieglitz se fue de casa inmediatamente y encontró un lugar en la ciudad donde él y O'Keeffe pudieran vivir juntos. Durmieron separados durante más de dos semanas. A finales de mes estaban juntos en la misma cama, y a mediados de agosto, cuando visitaron Oaklawn, la propiedad de verano de la familia Stieglitz en Lake George, en el norte del estado de Nueva York, "eran como dos adolescentes enamorados". Varias veces al día subían corriendo las escaleras hasta su dormitorio, tan ansiosas de hacer el amor que empezaban a quitarse la ropa mientras corrían." También por esta época, O'Keeffe se enfermó durante la pandemia de gripe de 1918.

En febrero de 1921, las fotografías de Stieglitz de O'Keeffe se incluyeron en una exposición retrospectiva en Anderson Galleries. Stieglitz comenzó a fotografiar a O'Keeffe cuando ella lo visitó en la ciudad de Nueva York para ver su exposición de 1917 y continuó tomando fotografías, muchas de las cuales estaban desnudas. Creó una sensación pública. Cuando se retiró de la fotografía en 1937, había realizado más de 350 retratos y más de 200 fotos de desnudos de ella. En 1978, escribió sobre lo distante que se había vuelto de ellos: "Cuando miro las fotografías que Stieglitz me tomó, algunas de ellas hace más de sesenta años, me pregunto quién es esa persona". Es como si en mi única vida hubiera vivido muchas vidas."

Debido a los retrasos legales causados por la primera esposa de Stieglitz y su familia, tardaría seis años antes de que obtuviera el divorcio. En 1924, O'Keeffe y Stieglitz se casaron. Durante el resto de sus vidas juntos, su relación fue "una colusión... un sistema de tratos y compensaciones, acordado tácitamente y llevado a cabo, en su mayor parte, sin intercambiar una palabra". Al preferir la evasión a la confrontación en la mayoría de los temas, O'Keeffe fue el principal agente de colusión en su sindicato," según la biógrafa Benita Eisler. Vivían principalmente en la ciudad de Nueva York, pero pasaban los veranos en la finca de la familia de su padre, Oaklawn, en Lake George, en el norte del estado de Nueva York.

O'Keeffe y Stieglitz tenían una relación abierta, lo que podía ser doloroso para O'Keeffe cuando Stieglitz tenía aventuras con mujeres. En 1928, Stieglitz inició una relación a largo plazo con Dorothy Norman, quien también estaba casada, y O'Keeffe perdió un proyecto para crear un mural para el Radio City Music Hall. Fue hospitalizada por depresión. A sugerencia de Maria Chabot y Mabel Dodge Luhan, O'Keeffe comenzó a pasar los veranos pintando en Nuevo México en 1929. Viajó en tren con su amiga la pintora Rebecca Strand, esposa de Paul Strand, a Taos., donde vivían con su patrón que les facilitó estudios. En 1933, O'Keeffe estuvo hospitalizado durante dos meses después de sufrir una crisis nerviosa, en gran parte debido a la aventura de Stieglitz con Dorothy Norman. No volvió a pintar hasta enero de 1934.

O'Keeffe continuó visitando Nuevo México, sin su esposo, y creó un nuevo conjunto de obras basadas en el desierto. O'Keeffe se liberó de los 'roles de género estrictos' y adoptó "género neutral" ropa, al igual que otras mujeres profesionales en Santa Fe y Taos que experimentaron "espacio psicológico y libertad sexual" allá.

Poco después de que O'Keeffe llegara a Nuevo México para pasar el verano en 1946, Stieglitz sufrió una trombosis cerebral (derrame cerebral). Inmediatamente voló a Nueva York para estar con él. Murió el 13 de julio de 1946. Ella enterró sus cenizas en el lago George. Pasó los siguientes tres años principalmente en Nueva York arreglando su patrimonio,

Tuvo una estrecha relación con Beck Strand. Disfrutaron pasar tiempo juntos, viajar y vivir con "júbilo". Beck dijo que era más ella misma cuando estaba con O'Keeffe. Según Foursome, un libro sobre O'Keeffe, Stieglitz y Beck y Paul Strand, las mujeres tenían una relación heterosexual. Además, el libro afirma que las cartas que algunos concluyen que significaban que eran parejas sexuales son incongruentes con la forma en que las dos mujeres vivían sus vidas.

Frida Kahlo conoció a O'Keeffe en diciembre de 1931 en la ciudad de Nueva York en la inauguración de la exposición individual de Diego Rivera en el MOMA, después de lo cual se desarrolló una amistad. Siguieron siendo amigos y se mantuvieron en contacto cuando O'Keeffe se recuperó de un ataque de nervios en un hospital y luego en las Bermudas. Ambas mujeres visitaron las casas de la otra en un par de ocasiones en la década de 1950.

Entre los invitados que la visitaron en el rancho a lo largo de los años se encontraban Charles y Anne Lindbergh, la cantautora Joni Mitchell, el poeta Allen Ginsberg y el fotógrafo Ansel Adams. Viajó y acampó en "Black Place" a menudo con su amiga, Maria Chabot, y más tarde con Eliot Porter.

Legado

Museo de Georgia O'Keeffe

O'Keeffe fue una leyenda que comenzó en la década de 1920, conocida tanto por su espíritu independiente y su modelo a seguir femenino como por sus obras de arte dramáticas e innovadoras. Nancy y Jules Heller dijeron: "Lo más destacable de O'Keeffe fue la audacia y singularidad de sus primeros trabajos". En ese momento, incluso en Europa, había pocos artistas que exploraran la abstracción. Aunque sus obras pueden mostrar elementos de diferentes movimientos modernistas, como el surrealismo y el precisionismo, su trabajo es únicamente su propio estilo.

Una parte sustancial de los activos de su patrimonio se transfirió a la Fundación Georgia O'Keeffe, una organización sin fines de lucro. El Museo Georgia O'Keeffe abrió sus puertas en Santa Fe en 1997. Los activos incluían una gran cantidad de su trabajo, fotografías, materiales de archivo y su casa, biblioteca y propiedad en Abiquiú. La Casa y Estudio Georgia O'Keeffe en Abiquiú fue designada Monumento Histórico Nacional en 1998, y ahora es propiedad del Museo Georgia O'Keeffe. Una especie fosilizada de arcosaurio fue nombrada Effigia okeeffeae ("O'Keeffe's Ghost") en enero de 2006, "en honor a Georgia O'Keeffe por sus numerosas pinturas de las tierras baldías en Ghost Ranch y su interés en la cantera Coelophysis cuando fue descubierta". En noviembre de 2016, el Museo Georgia O'Keeffe reconoció la importancia de su tiempo en Charlottesville al dedicar una exposición con acuarelas que había creado durante tres veranos. Se titulaba O'Keeffe en la Universidad de Virginia, 1912-1914.

Cultura popular

En 1991, PBS emitió la producción de American Playhouse A Marriage: Georgia O'Keeffe and Alfred Stieglitz, protagonizada por Jane Alexander como O'Keeffe y Christopher. Plummer como Alfred Stieglitz. En 1996, el Servicio Postal de EE. UU. emitió una estampilla de 32 centavos en honor a O'Keeffe. En 2013, en el 100.º aniversario del Armory Show, el USPS emitió una estampilla con Paisaje de Black Mesa, Nuevo México/Out Back of Marie's II, 1930 como parte de su serie Modern Art in America. Lifetime Television produjo una película biográfica de Georgia O'Keeffe protagonizada por Joan Allen como O'Keeffe, Jeremy Irons como Alfred Stieglitz, Henry Simmons como Jean Toomer, Ed Begley Jr. como Lee, el hermano de Stieglitz, y Tyne Daly. como Mabel Dodge Luhan. Se estrenó el 19 de septiembre de 2009.

El 20 de noviembre de 2014, O'Keeffe's Jimson Weed/White Flower No 1 (1932) se vendió por $44,405,000 en 2014 en una subasta a la heredera de Walmart Alice Walton, más de tres veces el récord mundial anterior en subasta para cualquier artista femenina.

Sufragio femenino y feminismo

En Equal Under the Sky: Georgia O'Keeffe and Twentieth Century Feminism, Linda M. Grasso documenta la participación de por vida de O'Keeffe en el feminismo y las mujeres' 39; s cuestiones. O'Keeffe alcanzó la mayoría de edad como mujer y artista en la década de 1910, en el apogeo del movimiento por el sufragio femenino y el intenso fermento artístico del modernismo. Grasso señala que "los modernistas defendieron la ruptura, la innovación y la audacia en las formas, estilos y perspectivas del arte" y que O'Keeffe "se creó a sí misma como artista cuando el feminismo y el modernismo estaban interrelacionados". Ya en 1915, O'Keeffe leía con entusiasmo libros y artículos sobre el sufragio femenino y la política cultural, como Women as World Builders: Studies in Modern Feminism. Se habló mucho en esta era sobre la "Nueva Mujer" liberada de las restricciones y costumbres victorianas y persiguiendo su propia vida, educación y libre expresión. O'Keeffe estuvo en diálogo activo con su amiga sufragista Anita Pollitzer, con quien intercambió cartas sobre el tema. Pollitzer, de hecho, fue la primera persona en presentar a Alfred Stieglitz la obra de arte de O'Keeffe. También estaba leyendo a Charlotte Perkins Gilman y Olive Schreiner, entre otros, junto con la revista radical The Masses, y dando conferencias sobre la bailarina modernista Isadora Duncan. En un debate con Michael Gold en 1930, O'Keeffe dijo que estaba 'interesada en la opresión de las mujeres de todas las clases'. Gross escribe: "Ella mantuvo una afiliación con el Partido Nacional de la Mujer e hizo declaraciones públicas sobre la discriminación de género y los derechos de las mujeres en entrevistas, discursos, cartas y artículos en la década de 1970".;

Recibió una aceptación sin precedentes como mujer artista del mundo de las bellas artes debido a sus poderosas imágenes gráficas y, una década después de mudarse a la ciudad de Nueva York, era la artista estadounidense mejor pagada. Era conocida por un estilo distintivo en todos los aspectos de su vida.

La obra de Mary Beth Edelson Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) se apropió de The Last Supper de Leonardo da Vinci, con las cabezas de destacadas mujeres artistas en un collage sobre el cabezas de Cristo y sus apóstoles. La cabeza de Juan el Apóstol fue reemplazada por Nancy Graves y la de Cristo por Georgia O'Keeffe. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía histórica religiosa y del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista". Judy Chicago otorgó a O'Keeffe un lugar destacado en su obra The Dinner Party (1979) en reconocimiento a lo que muchas destacadas artistas feministas consideraban una introducción innovadora de imágenes sensuales y feministas en sus obras de arte. Aunque las feministas celebraron a O'Keeffe como la creadora de la 'iconografía femenina', ella no se consideraba feminista. No le gustaba que la llamaran "mujer artista" y quería ser considerado un "artista".

Publicaciones

• O'Keeffe, Georgia (1976). Georgia O'Keeffe. New York: Viking Press. ISBN 978-0-670-33710-1.
• O'Keeffe, Georgia (1988). Algunas memorias de dibujos. Albuquerque, NM: University of New Mexico Press. ISBN 978-0-8263-1113-9.
• O'Keeffe, Georgia (1993). Georgia O'Keeffe: American and Modern. New Haven: Universidad de Yale. ISBN 978-0-300-05581-8.

De su correspondencia

• Giboire, Clive, ed. (1990). Lovingly, Georgia: The Complete Correspondence of Georgia O'Keeffe " Anita Pollitzer. New York: Simon & Schuster. ISBN 978-0-671-69236-0.
• Greenough, Sarah, Ed. (2011). My Faraway One: Selected Letters of Georgia O'Keeffe and Alfred Stieglitz. Vol. Uno, 1915-1933 (ed anotado). New Haven, CT: Universidad de Yale Prensa. ISBN 978-0-300-16630-9.