Gabriel faure

Fauré en 1907

Gabriel Urbain Fauré (francés: [ɡabʁi.ɛl yʁbɛ̃ foʁe]; 12 de mayo de 1845 - 4 de noviembre de 1924) fue un compositor, organista, pianista y profesor francés. Fue uno de los compositores franceses más destacados de su generación y su estilo musical influyó en muchos compositores del siglo XX. Entre sus obras más conocidas se encuentran sus Pavane, Requiem, Sicilienne, nocturnos para piano y las canciones "Après un rêve" y "Claro de luna". Aunque sus composiciones más conocidas y accesibles son generalmente las primeras, Fauré compuso muchas de sus obras más respetadas en sus últimos años, en un estilo armónica y melódicamente más complejo.

Fauré nació en una familia culta pero no especialmente musical. Su talento se hizo evidente cuando era un niño. A la edad de nueve años, fue enviado a la escuela de música École Niedermeyer en París, donde se formó para ser organista de iglesia y director de coro. Entre sus maestros estuvo Camille Saint-Saëns, quien se convirtió en un amigo para toda la vida. Después de graduarse de la universidad en 1865, Fauré se ganaba la vida modestamente como organista y profesor, lo que le dejaba poco tiempo para la composición. Cuando alcanzó el éxito en su mediana edad, ocupando los importantes puestos de organista de la Église de la Madeleine y director del Conservatorio de París, todavía le faltaba tiempo para componer; se retiraba al campo en las vacaciones de verano para concentrarse en la composición. En sus últimos años, fue reconocido en Francia como el principal compositor francés de su época. En 1922 se le rindió en París un homenaje musical nacional sin precedentes, encabezado por el presidente de la República Francesa. Fuera de Francia, la música de Fauré tardó décadas en ser ampliamente aceptada, excepto en Gran Bretaña, donde tuvo muchos admiradores durante su vida.

Se ha descrito que la música de Fauré vincula el fin del romanticismo con el modernismo del segundo cuarto del siglo XX. Cuando nació, Chopin aún componía, y en el momento de la muerte de Fauré, se escuchaba el jazz y la música atonal de la Segunda Escuela Vienesa. El Grove Dictionary of Music and Musicians, que lo describe como el compositor más avanzado de su generación en Francia, señala que sus innovaciones armónicas y melódicas influyeron en la enseñanza de la armonía para las generaciones posteriores. Durante los últimos veinte años de su vida, sufrió una sordera progresiva. En contraste con el encanto de su música anterior, sus obras de este período son a veces esquivas y de carácter retraído, y otras veces turbulentas y apasionadas.

Biografía

Primeros años

Fauré nació en Pamiers, Ariège, en el sur de Francia, el quinto hijo y el menor de seis hijos de Toussaint-Honoré Fauré (1810–85) y Marie-Antoinette-Hélène Lalène-Laprade (1809–87). Según el biógrafo Jean-Michel Nectoux, la familia Fauré data del siglo XIII en esa parte de Francia. La familia había sido en un momento terrateniente importante, pero en el siglo XIX sus medios se redujeron. El abuelo paterno del compositor, Gabriel, era un carnicero cuyo hijo se convirtió en maestro de escuela. En 1829 se casaron los padres de Fauré. Su madre era hija de un miembro menor de la nobleza. Fue el único de los seis hijos que mostró talento musical; sus cuatro hermanos seguían carreras en el periodismo, la política, el ejército y el servicio civil, y su hermana tenía una vida tradicional como esposa de un servidor público.

El joven Fauré fue enviado a vivir con una madre adoptiva hasta los cuatro años. Cuando su padre fue nombrado director de la École Normale d'Instituteurs, una escuela de formación de profesores, en Montgauzy, cerca de Foix, en 1849, Fauré volvió a vivir con su familia. Existía una capilla anexa a la escuela, que Fauré recordaba en el último año de su vida:

Crecí, un niño bastante tranquilo y bien hecho, en un área de gran belleza.... Pero lo único que recuerdo es claramente el harmonio en esa pequeña capilla. Cada vez que pude escapar corrí allí y me regalé.... Toqué atrozmente... ningún método en absoluto, bastante sin técnica, pero sí recuerdo que era feliz; y si eso es lo que significa tener una vocación, entonces es una cosa muy agradable.

Fauré como estudiante, 1864

Una anciana ciega, que vino a escuchar y dar consejos al niño, le contó a su padre el don de Fauré para la música. En 1853 Simon-Lucien Dufaur de Saubiac, de la Asamblea Nacional, escuchó tocar a Fauré y aconsejó a Toussaint-Honoré que lo enviara a la École de Musique Classique et Religieuse (Escuela de Música Clásica y Religiosa), más conocida como École Niedermeyer de Paris., que Louis Niedermeyer estaba instalando en París. Después de reflexionar durante un año, el padre de Fauré estuvo de acuerdo y se llevó al niño de nueve años a París en octubre de 1854.

Con la ayuda de una beca del obispo de su diócesis natal, Fauré se alojó en la escuela durante 11 años. El régimen era austero, las habitaciones sombrías, la comida mediocre y el uniforme exigido elaborado. La enseñanza musical, sin embargo, fue excelente. Niedermeyer, cuyo objetivo era producir organistas y directores de coro calificados, se centró en la música de iglesia. Los tutores de Fauré fueron Clément Loret para órgano, Louis Dietsch para armonía, Xavier Wackenthaler para contrapunto y fuga, y Niedermeyer para piano, canto llano y composición.

Cuando Niedermeyer murió en marzo de 1861, Camille Saint-Saëns se hizo cargo de los estudios de piano e introdujo la música contemporánea, incluida la de Schumann, Liszt y Wagner. Fauré recordó en su vejez: "Después de dejar que las lecciones se acabaran, iba al piano y nos revelaba aquellas obras de los maestros de las que el riguroso carácter clásico de nuestro programa de estudio nos mantenía a distancia y quienes, además, en aquellos lejanos años, apenas se conocían.... En ese momento yo tenía 15 o 16 años, y de esa época data el apego casi filial... la inmensa admiración, la incesante gratitud que [he] tenido por él, a lo largo de mi vida."

Saint-Saëns disfrutaba mucho del progreso de su alumno, al que ayudaba siempre que podía; Nectoux comenta que en cada paso de la carrera de Fauré, la 'sombra de Saint-Saëns' puede darse por sentada en la práctica." La estrecha amistad entre ellos duró hasta que Saint-Saëns murió sesenta años después.

Fauré ganó muchos premios mientras estaba en la escuela, incluido un premier prix en composición para el Cantique de Jean Racine, op. 11, la primera de sus obras corales en ingresar al repertorio regular. Dejó la escuela en julio de 1865, como Laureado en órgano, piano, armonía y composición, con un diploma de Maître de Chapelle.

Organista y compositor

Al dejar la École Niedermeyer, Fauré fue nombrado organista de la Iglesia de Saint-Sauveur, en Rennes, Bretaña. Asumió el cargo en enero de 1866. Durante sus cuatro años en Rennes, complementó sus ingresos tomando alumnos privados, dando "innumerables lecciones de piano". Siguiendo las indicaciones regulares de Saint-Saëns, continuó componiendo, pero no sobrevive ninguna de sus obras de este período. Se aburría en Rennes y tenía una relación incómoda con el párroco, que dudaba acertadamente de las convicciones religiosas de Fauré. A Fauré se le veía regularmente salir a hurtadillas durante el sermón para fumar un cigarrillo y, a principios de 1870, cuando se presentó a tocar en misa un domingo todavía con su traje de noche, después de haber estado fuera toda la noche en un baile, se le pidió que renunciara. Casi de inmediato, con la discreta ayuda de Saint-Saëns, consiguió el puesto de organista adjunto en la iglesia de Notre-Dame de Clignancourt, al norte de París. Permaneció allí sólo unos meses. Al estallar la guerra franco-prusiana en 1870 se ofreció como voluntario para el servicio militar. Participó en la acción para levantar el sitio de París y vio acción en Le Bourget, Champigny y Créteil. Fue galardonado con una Croix de Guerre.

Personal y estudiantes de la Escuela Niedermeyer, 1871. Fauré en primera fila segundo de izquierda; André Messager en segunda fila de derecha

Después de la derrota de Francia ante Prusia, hubo un breve y sangriento conflicto dentro de París de marzo a mayo de 1871 durante la Comuna. Fauré escapó a Rambouillet, donde vivía uno de sus hermanos, y luego viajó a Suiza, donde ocupó un puesto de profesor en la École Niedermeyer, que se había trasladado temporalmente allí para evitar la violencia en París. Su primer alumno en la escuela fue André Messager, de quien se convirtió en amigo de toda la vida y colaborador ocasional. Las composiciones de Fauré de este período no reflejaron abiertamente la agitación y el derramamiento de sangre. Algunos de sus colegas, incluidos Saint-Saëns, Gounod y Franck, produjeron elegías y odas patrióticas. Fauré no lo hizo, pero según su biógrafa Jessica Duchen, su música adquirió "una nueva tristeza, una oscura sensación de tragedia... evidente principalmente en sus canciones de este período, incluyendo L'Absent , Seule! y La Chanson du pêcheur."

Cuando Fauré regresó a París en octubre de 1871, fue nombrado director de coro en la Église Saint-Sulpice bajo la dirección del compositor y organista Charles-Marie Widor. En el ejercicio de sus funciones, escribió varios cánticos y motetes, pocos de los cuales se han conservado. Durante algunos servicios, Widor y Fauré improvisaron simultáneamente en los dos órganos de la iglesia, tratando de atrapar al otro con cambios repentinos de tonalidad. Fauré asistía regularmente a los salones musicales de Saint-Saëns y a los de Pauline Viardot, a quien Saint-Saëns le presentó.

Fauré fue miembro fundador de la Société Nationale de Musique, formada en febrero de 1871 bajo la presidencia conjunta de Romain Bussine y Saint-Saëns, para promover la nueva música francesa. Otros miembros incluyeron a Georges Bizet, Emmanuel Chabrier, Vincent d'Indy, Henri Duparc, César Franck, Édouard Lalo y Jules Massenet. Fauré se convirtió en secretario de la sociedad en 1874. Muchas de sus obras se presentaron por primera vez en los conciertos de la sociedad.

Fauré en 1875

En 1874, Fauré se mudó de Saint-Sulpice a la Église de la Madeleine, actuando como suplente del organista principal, Saint-Saëns, durante las muchas ausencias de gira de este último. Algunos admiradores de la música de Fauré han lamentado que, aunque tocó el órgano profesionalmente durante cuatro décadas, no dejó composiciones solistas para el instrumento. Era conocido por sus improvisaciones, y Saint-Saëns dijo de él que era 'un organista de primera cuando quería serlo'. Fauré prefería el piano al órgano, que tocaba solo porque le proporcionaba un ingreso regular. Duchen especula que definitivamente no le gustaba el órgano, posiblemente porque "para un compositor de tanta delicadeza de matices y tanta sensualidad, el órgano simplemente no era lo suficientemente sutil".

El año 1877 fue significativo para Fauré, tanto en lo profesional como en lo personal. En enero, su primera sonata para violín se interpretó en un concierto de la Société Nationale con gran éxito, marcando un punto de inflexión en su carrera como compositor a la edad de 31 años. Nectoux considera la obra como la primera gran obra maestra del compositor. En marzo, Saint-Saëns se retiró de la Madeleine, sucedido como organista por Théodore Dubois, su director de coro; Fauré fue designado para reemplazar a Dubois. En julio, Fauré se comprometió con la hija de Pauline Viardot, Marianne, de quien estaba profundamente enamorado. Para su gran pesar, ella rompió el compromiso en noviembre de 1877, por razones que no están claras. Para distraer a Fauré, Saint-Saëns lo llevó a Weimar y le presentó a Franz Liszt. Esta visita le dio a Fauré el gusto por los viajes al extranjero, que se entregó por el resto de su vida. A partir de 1878, Messager y él viajaron al extranjero para ver óperas de Wagner. Vieron Das Rheingold y Die Walküre en la Ópera de Colonia; el ciclo completo Ring en la Hofoper de Munich y en el Her Majesty's Theatre de Londres; y Die Meistersinger en Munich y en Bayreuth, donde también vieron a Parsifal. Con frecuencia interpretaron como pieza de fiesta su composición conjunta, los irreverentes Souvenirs de Bayreuth. Esta obra para piano corta y acelerada a cuatro manos evoca temas de The Ring. Fauré admiraba a Wagner y tenía un conocimiento detallado de su música, pero fue uno de los pocos compositores de su generación que no estuvo bajo la influencia musical de Wagner.

Años intermedios

Fauré por John Singer Sargent, 1889

En 1883, Fauré se casó con Marie Fremiet, la hija de un destacado escultor, Emmanuel Fremiet. Nectoux comenta que Marie era 'sin belleza, ingenio o fortuna... estrecha y fría', pero registra que 'a pesar de todo [Fauré] todavía sentía ternura hacia ella'. El matrimonio fue afectuoso, pero Marie era, en palabras de Nectoux, 'una que se queda en casa', y no compartía el deseo de su marido de salir por las noches. y se sintió resentido por sus frecuentes ausencias, su disgusto por la vida doméstica - "horreur du domicile" - y sus aventuras amorosas, mientras ella permanecía en casa. Aunque Fauré valoraba a Marie como amiga y confidente, y le escribía a menudo, a veces a diario, cuando estaba fuera de casa, ella no compartía su naturaleza apasionada, que encontraba satisfacción en otros lugares. Fauré y su esposa tuvieron dos hijos. El primero, nacido en 1883, Emmanuel Fauré-Fremiet (Marie insistió en combinar su apellido con el de Fauré), se convirtió en un biólogo de reputación internacional. El segundo hijo, Philippe, nacido en 1889, se convirtió en escritor; sus obras incluyeron historias, obras de teatro y biografías de su padre y su abuelo.

Los relatos contemporáneos coinciden en que Fauré era extremadamente atractivo para las mujeres; en frase de Duchen, "sus conquistas fueron legión en los salones de París." Tras un vínculo romántico con la cantante Emma Bardac hacia 1892, seguido de otro con la compositora Adela Maddison, en 1900 Fauré conoció a la pianista Marguerite Hasselmans, hija de Alphonse Hasselmans. Esto condujo a una relación que duró el resto de la vida de Fauré. Él la mantuvo en un apartamento de París y ella actuó abiertamente como su compañera.

Fauré y Marie en 1889

Para mantener a su familia, Fauré pasó la mayor parte de su tiempo dirigiendo los servicios diarios en Madeleine y dando lecciones de piano y armonía. Sus composiciones le reportaron una cantidad insignificante, porque su editor las compró directamente, pagándole un promedio de 60 francos por canción, y Fauré no recibió regalías. Durante este período, escribió varias obras de gran formato, además de muchas piezas para piano y canciones, pero destruyó la mayoría de ellas después de algunas representaciones, conservando solo algunos movimientos para reutilizar motivos. Entre las obras que sobreviven de este período se encuentra el Réquiem, iniciado en 1887 y revisado y ampliado, a lo largo de los años, hasta su versión final que data de 1901. Después de su primera interpretación, en 1888, el sacerdote a cargo le dijo al compositor, "No necesitamos estas novedades: el repertorio de Madeleine es bastante rico."

De joven, Fauré había sido muy alegre; un amigo escribió sobre su "regocijo juvenil, incluso algo infantil." A partir de los treinta sufrió episodios de depresión, que describió como 'bazo', posiblemente causados primero por su compromiso roto y su falta de éxito como compositor. En 1890, un encargo prestigioso y remunerado para escribir una ópera con letra de Paul Verlaine fue abortado por la incapacidad del poeta, ebrio, para entregar un libreto. Fauré se sumió en una depresión tan profunda que sus amigos se preocuparon seriamente por su salud. Winnaretta de Scey-Montbéliard, siempre buena amiga de Fauré, lo invitó a Venecia, donde tenía un palazzo en el Gran Canal. Recuperó el ánimo y comenzó a componer de nuevo, escribiendo la primera de sus cinco Mélodies de Venise, con letra de Verlaine, cuya poesía seguía admirando a pesar de la debacle operística.

Emma Bardac

Por esta época, o poco después, comenzó la relación de Fauré con Emma Bardac; en palabras de Duchen, "por primera vez, a los cuarenta y tantos años, experimentó una relación satisfactoria y apasionada que se prolongó durante varios años". Sus principales biógrafos coinciden en que este asunto inspiró una explosión de creatividad y una nueva originalidad en su música, ejemplificada en el ciclo de canciones La bonne chanson. Fauré escribió la Dolly Suite para dúo de piano entre 1894 y 1897 y la dedicó a la hija de Bardac, Hélène, conocida como "Dolly". Algunas personas sospechaban que Fauré era el padre de Dolly, pero biógrafos como Nectoux y Duchen creen que es poco probable. Se cree que el romance de Fauré con Emma Bardac comenzó después del nacimiento de Dolly, aunque no hay evidencia concluyente de ninguna manera.

Durante la década de 1890, la fortuna de Fauré mejoró. Cuando Ernest Guiraud, profesor de composición en el Conservatorio de París, murió en 1892, Saint-Saëns animó a Fauré a postularse para el puesto vacante. La facultad del Conservatorio consideró a Fauré como peligrosamente moderno, y su director, Ambroise Thomas, bloqueó el nombramiento, declarando: "Fauré? ¡Nunca! Si es nombrado, renuncio." Sin embargo, Fauré fue destinado a otro de los puestos de Guiraud, inspector de los conservatorios de música de las provincias francesas. No le gustaban los viajes prolongados por el país que implicaba el trabajo, pero el puesto le proporcionó un ingreso estable y le permitió dejar de enseñar a alumnos aficionados.

Reloj a la izquierda: Saint-Saëns, Thomas, Massenet, Dubois

En 1896 murió Ambroise Thomas y Théodore Dubois asumió la dirección del Conservatorio. Fauré sucedió a Dubois como organista principal de Madeleine. Dubois' El movimiento tuvo más repercusiones: Massenet, profesor de composición en el Conservatorio, esperaba suceder a Thomas, pero se había excedido al insistir en ser nombrado de por vida. Fue rechazado, y cuando se nombró a Dubois en su lugar, Massenet renunció a su cátedra con furia. Fauré fue designado en su lugar. Enseñó a muchos compositores jóvenes, incluidos Maurice Ravel, Florent Schmitt, Charles Koechlin, Louis Aubert, Jean Roger-Ducasse, George Enescu, Paul Ladmirault, Alfredo Casella y Nadia Boulanger. Desde el punto de vista de Fauré, sus alumnos necesitaban una base sólida en las habilidades básicas, que estaba feliz de delegar a su asistente André Gedalge. Su propia parte consistió en ayudarlos a hacer uso de estas habilidades de la manera que se adaptó a los talentos de cada estudiante. Roger-Ducasse escribió más tarde: "Tomando lo que los alumnos estaban trabajando, evocaba las reglas de la forma en cuestión... y se refería a ejemplos, siempre extraídos de los maestros". Ravel siempre recordó la apertura de mente de Fauré como profesor. Después de haber recibido el Cuarteto de Cuerdas de Ravel con menos entusiasmo del habitual, Fauré pidió ver el manuscrito de nuevo unos días después, diciendo: "Podría haberme equivocado". El musicólogo Henry Prunières escribió: "Lo que Fauré desarrolló entre sus alumnos fue el gusto, la sensibilidad armónica, el amor por las líneas puras, por las modulaciones inesperadas y coloridas; pero nunca les dio [recetas] para componer según su estilo y por eso todos buscaron y encontraron sus propios caminos en direcciones muy diferentes, y muchas veces opuestas."

Las obras de Fauré de los últimos años del siglo incluyen música incidental para el estreno en inglés de Pelléas et Mélisande (1898) y Prométhée de Maurice Maeterlinck. i>, una tragedia lírica compuesta para el anfiteatro de Béziers. Escrita para actuaciones al aire libre, la obra está compuesta por enormes fuerzas instrumentales y vocales. Su estreno en agosto de 1900 fue un gran éxito, y se revivió en Béziers al año siguiente y en París en 1907. Una versión con orquestación para fuerzas normales del tamaño de un teatro de ópera se presentó en la Ópera de París en mayo de 1917 y recibió más de cuarenta actuaciones en París a partir de entonces.

De 1903 a 1921, Fauré escribió regularmente críticas musicales para Le Figaro, un papel en el que no se sentía cómodo. Nectoux escribe que la amabilidad natural y la amplitud de miras de Fauré lo predisponían a enfatizar los aspectos positivos de una obra.

Jefa del Conservatorio de París

Maurice Ravel

En 1905 estalló un escándalo en los círculos musicales franceses por el principal premio musical del país, el Prix de Rome. El alumno de Fauré, Ravel, había sido eliminado prematuramente en su sexto intento por este premio, y muchos creían que elementos reaccionarios dentro del Conservatorio habían jugado un papel en ello. Dubois, que se convirtió en objeto de mucha censura, adelantó su retiro y renunció de inmediato. Designado en su lugar, y con el apoyo del gobierno francés, Fauré cambió radicalmente la administración y el plan de estudios. Nombró jueces externos independientes para decidir sobre admisiones, exámenes y concursos, una medida que enfureció a los profesores que habían dado un trato preferencial a sus alumnos privados; sintiéndose privados de un ingreso extra considerable, muchos de ellos renunciaron. Fauré fue apodado "Robespierre" por miembros descontentos de la vieja guardia mientras modernizaba y ampliaba la gama de música que se enseñaba en el Conservatorio. Como dice Nectoux, "donde Auber, Halévy y especialmente Meyerbeer habían reinado supremos... ahora era posible cantar un aria de Rameau o incluso algo de Wagner - hasta ahora un nombre prohibido dentro del Conservatorio's. paredes". El plan de estudios se amplió para abarcar desde la polifonía renacentista hasta las obras de Debussy.

La nueva posición de Fauré lo dejó en una mejor posición financiera. Sin embargo, aunque también se hizo mucho más conocido como compositor, dirigir el Conservatorio no le dejó más tiempo para la composición que cuando luchaba por ganarse la vida como organista y profesor de piano. Tan pronto como terminaba el año laboral, en los últimos días de julio, dejaba París y pasaba los dos meses hasta principios de octubre en un hotel, generalmente junto a uno de los lagos suizos, para concentrarse en la composición. Entre sus obras de este período se encuentran su ópera lírica, Pénélope (1913), y algunas de sus canciones posteriores más características (por ejemplo, el ciclo La chanson d'Ève, Op. 95, completada en 1910) y piezas para piano (Nocturnos núms. 9–11; Barcarolles núms. 7–11, escritas entre 1906 y 1914).

Fauré a finales del siglo

Fauré fue elegido miembro del Institut de France en 1909, después de que su suegro y Saint-Saëns, ambos miembros establecidos desde hace mucho tiempo, hicieran campaña enérgicamente a su favor. Ganó la votación por un estrecho margen, con 18 votos contra 16 del otro candidato, Widor. En el mismo año, un grupo de jóvenes compositores dirigido por Ravel y Koechlin rompió con la Société Nationale de Musique, que bajo la presidencia de Vincent d'Indy se había convertido en una organización reaccionaria, y formó un nuevo grupo, la Société musicale indépendante. Si bien Fauré aceptó la presidencia de esta sociedad, también siguió siendo miembro de la anterior y continuó en los mejores términos con d'Indy; su única preocupación era el fomento de la nueva música. En 1911 supervisó el traslado del Conservatorio a un nuevo local en la rue de Madrid.

Durante este tiempo, Fauré desarrolló serios problemas de audición. No solo comenzó a quedarse sordo, sino que los sonidos se distorsionaron, de modo que las notas altas y bajas le sonaron dolorosamente desafinadas.

El comienzo del siglo XX vio un aumento en la popularidad de la música de Fauré en Gran Bretaña y, en menor medida, en Alemania, España y Rusia. Visitó Inglaterra con frecuencia, y una invitación para tocar en el Palacio de Buckingham en 1908 le abrió muchas otras puertas en Londres y más allá. Estuvo en Londres para el estreno de la Primera Sinfonía de Elgar en 1908 y cenó con el compositor. Más tarde, Elgar le escribió a su amigo en común Frank Schuster que Fauré "era un verdadero caballero, el tipo más alto de francés y yo lo admiraba mucho". Elgar intentó que el Réquiem de Fauré se presentara en el Festival de los Tres Coros, pero finalmente no tuvo su estreno en inglés hasta 1937, casi cincuenta años después de su primera representación en Francia. Compositores de otros países también amaban y admiraban a Fauré. En la década de 1880, Tchaikovsky lo había considerado "adorable"; Albéniz y Fauré fueron amigos y corresponsales hasta la temprana muerte del primero en 1909; Richard Strauss buscó su consejo; y en los últimos años de Fauré, el joven estadounidense Aaron Copland era un devoto admirador.

El estallido de la Primera Guerra Mundial casi deja varado a Fauré en Alemania, donde había ido para su retiro anual de composición. Se las arregló para llegar de Alemania a Suiza y de allí a París. Permaneció en Francia durante la guerra. Cuando un grupo de músicos franceses encabezados por Saint-Saëns intentó organizar un boicot a la música alemana, Fauré y Messager se desvincularon de la idea, aunque el desacuerdo no afectó su amistad con Saint-Saëns. Fauré no reconoció el nacionalismo en la música, viendo en su arte "un lenguaje propio de un país tan por encima de todos los demás que se arrastra hacia abajo cuando tiene que expresar sentimientos o rasgos individuales que pertenecen a alguna nación en particular". 34; No obstante, era consciente de que su propia música era más respetada que amada en Alemania. En enero de 1905, mientras visitaba Frankfurt y Colonia para dar conciertos de su música, había escrito: "Las críticas a mi música han sido que es un poco fría y demasiado bien educada". No hay duda al respecto, el francés y el alemán son dos cosas diferentes."

Últimos años y legado

En 1920, a la edad de 75 años, Fauré se retiró del Conservatorio debido a su creciente sordera y fragilidad. En ese año recibió la Grand-Croix de la Légion d'honneur, un honor poco común para un músico. En 1922 el presidente de la república, Alexandre Millerand, encabezó un homenaje público a Fauré, un homenaje nacional, descrito en The Musical Times como "una espléndida celebración en la Sorbona, en la que participaron los más ilustres artistas franceses, [lo que] le produjo una gran alegría. Fue un espectáculo conmovedor, de hecho: el de un hombre presente en un concierto de sus propias obras y capaz de escuchar ni una sola nota. Se sentó mirando al frente pensativo y, a pesar de todo, agradecido y contento."

Nacional hommage a Fauré, 1922. Fauré y el presidente Millerand están en la caja entre las estatuas

Fauré sufrió problemas de salud en sus últimos años, provocados en parte por fumar mucho. A pesar de esto, permaneció disponible para los jóvenes compositores, incluidos los miembros de Les Six, la mayoría de los cuales le eran devotos. Nectoux escribe: "En la vejez alcanzó una especie de serenidad, sin perder nada de su notable vitalidad espiritual, pero más bien alejado del sensualismo y la pasión de las obras que escribió entre 1875 y 1895."

En sus últimos meses, Fauré luchó por completar su cuarteto de cuerda. Veinte años antes había sido el dedicado del cuarteto de cuerdas de Ravel. Ravel y otros instaron a Fauré a componer uno propio. Se negó durante muchos años, alegando que era demasiado difícil. Cuando finalmente se decidió a escribirlo, lo hizo con temor y le dijo a su esposa: "He formado un cuarteto para cuerdas, sin piano". Este es un género que Beethoven en particular hizo famoso, y hace que todos aquellos que no son Beethoven estén aterrorizados por él." Trabajó en la pieza durante un año y la terminó el 11 de septiembre de 1924, menos de dos meses antes de su muerte, y trabajó muchas horas hasta el final para completarla. El cuarteto se estrenó tras su muerte; rechazó una oferta para que se interpretara en privado para él en sus últimos días, ya que su audición se había deteriorado hasta el punto en que los sonidos musicales se distorsionaban horriblemente en su oído.

Fauré murió en París de neumonía el 4 de noviembre de 1924 a la edad de 79 años. Recibió un funeral de estado en la Église de la Madeleine y está enterrado en el cementerio de Passy en París.

Después de la muerte de Fauré, el Conservatorio abandonó su radicalismo y se volvió resistente a las nuevas tendencias en la música, y la práctica armónica del propio Fauré se presentó como el límite más lejano de la modernidad, más allá del cual los estudiantes no deberían ir.. Su sucesor, Henri Rabaud, director del Conservatorio de 1922 a 1941, declaró "el modernismo es el enemigo". La generación de estudiantes nacidos entre las guerras rechazó esta premisa obsoleta y se inspiró en Bartók, la Segunda Escuela de Viena y las últimas obras de Stravinsky.

En un homenaje al centenario en 1945, la musicóloga Leslie Orrey escribió en The Musical Times, "'Más profundo que Saint-Saëns, más variado que Lalo, más espontáneo que d'Indy, más clásico que Debussy, Gabriel Fauré es el maestro por excelencia de la música francesa, el espejo perfecto de nuestro genio musical.' Tal vez, cuando los músicos ingleses conozcan mejor su trabajo, estas palabras de Roger-Ducasse no parezcan un elogio excesivo, pero no más de lo que le corresponde."

Música

Página de manuscritos del Requiem

Aaron Copland escribió que aunque las obras de Fauré se pueden dividir en las habituales "tempranas", "medias" y "tarde" períodos, no hay una diferencia tan radical entre sus primeros y últimos modales como es evidente con muchos otros compositores. Copland encontró premoniciones del Fauré tardío incluso en las obras más tempranas, y rastros del Fauré temprano en las obras de su vejez: "Los temas, las armonías, la forma, han permanecido esencialmente iguales, pero con cada nueva obra han cambiado. todos se vuelven más frescos, más personales, más profundos." Cuando nació Fauré, Berlioz y Chopin seguían componiendo; este último fue una de las primeras influencias de Fauré. En sus últimos años, Fauré desarrolló técnicas compositivas que presagiaban la música atonal de Schoenberg y, aún más tarde, se inspiró discretamente en las técnicas del jazz. Duchen escribe que las primeras obras como el Cantique de Jean Racine están en la tradición del romanticismo francés del siglo XIX, pero sus últimas obras son tan modernas como cualquiera de las obras de sus alumnos.

Las influencias en Fauré, particularmente en sus primeros trabajos, incluyeron no solo a Chopin sino también a Mozart y Schumann. Los autores de The Record Guide (1955), Sackville-West y Shawe-Taylor, escribieron que Fauré aprendió la moderación y la belleza de la superficie de Mozart, la libertad tonal y las largas líneas melódicas de Chopin, " y de Schumann, las repentinas felicidades en las que abundan sus secciones de desarrollo, y esas codas en las que se iluminan breve pero mágicamente movimientos completos." Su trabajo se basó en la sólida comprensión de las estructuras armónicas que obtuvo en la École Niedermeyer del sucesor de Niedermeyer, Gustave Lefèvre. Lefèvre escribió el libro Traité d'harmonie (París, 1889), en el que expone una teoría armónica que difiere significativamente de la teoría clásica de Rameau, dejando de prohibir ciertos acordes como "disonante". Mediante el uso de disonancias leves sin resolver y efectos coloristas, Fauré se anticipó a las técnicas de los compositores impresionistas.

En contraste con su estilo armónico y melódico, que fue más allá de los límites de su época, los motivos rítmicos de Fauré tendían a ser sutiles y repetitivos, con poco para romper el flujo de la línea, aunque usaba síncopas discretas. similares a los encontrados en las obras de Brahms. Copland se refirió a él como "el Brahms de Francia". El crítico musical Jerry Dubins sugiere que Fauré "representa el vínculo entre el romanticismo alemán tardío de Brahms... y el impresionismo francés de Debussy".

Para Sackville-West y Shawe-Taylor, las últimas obras de Fauré no muestran el fácil encanto de su música anterior: "la deliciosa armonía romántica que siempre había estado firmemente respaldada por una sola tonalidad, más tarde dio paso a un estilo severamente monocromático, lleno de cambios enarmónicos, y creando la impresión de varios centros tonales empleados simultáneamente."

Música vocal

Fauré es considerado como uno de los maestros de la canción artística francesa, o mélodie. Ravel escribió en 1922 que Fauré había salvado la música francesa del dominio del Lied alemán. Dos años más tarde, el crítico Samuel Langford escribió sobre Fauré: "Seguramente, casi más que cualquier otro escritor del mundo, dominaba la facultad de crear una canción de una sola pieza y con una intensidad sostenida de humor que la convertía en una sola canción". pensamiento". En un artículo de 2011, el pianista y escritor Roy Howat y la musicóloga Emily Kilpatrick escribieron:

Su devoción a mélodie abarca su carrera, desde el "Le papillon et la fleur" de 1861 hasta el ciclo magistral L'horizon chimérique, compuso sesenta años y más de cien canciones más tarde. Las canciones de Fauré son ahora repertorio básico para estudiantes y profesionales, cantados en conservatorios y salas de recital en todo el mundo.

Desde el punto de vista de Copland, las primeras canciones, escritas en las décadas de 1860 y 1870 bajo la influencia de Gounod, a excepción de canciones aisladas como "Après un rêve" o "Au bord de l'eau", muestran pocas señales del artista por venir. Con el segundo volumen de las sesenta canciones recopiladas escritas durante las próximas dos décadas, Copland juzgó, llegaron los primeros ejemplos maduros del 'fauré real'. Puso como ejemplo "Les berceaux", "Les roses d'Ispahan" y especialmente "Clair de lune" como "tan hermosas, tan perfectas, que incluso han penetrado en América", y llamaron la atención sobre melodías menos conocidas como "Le secret", "Nocturne", y "Les presentes". Fauré también compuso varios ciclos de canciones. Cinq mélodies "de Venise", op. 58 (1891), fue descrito por Fauré como un tipo novedoso de suite de canciones, en su uso de temas musicales recurrentes a lo largo del ciclo. Para el ciclo posterior La bonne chanson, op. 61 (1894), había cinco de esos temas, según Fauré. También escribió que La bonne chanson fue su composición más espontánea, con Emma Bardac cantándole el material nuevo escrito cada día. Entre obras posteriores se encuentran ciclos extraídos de los poemas de Charles van Lerberghe, La chanson d'Ève (1910) y Le jardin clos (1914).

Cantique de Jean Racine

Un trabajo coral más corto de Fauré

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El Réquiem, op. 48, interpretada por primera vez en 1888, no fue compuesta para la memoria de una persona específica sino, en palabras de Fauré, "por el placer de hacerlo". Se ha descrito como "una canción de cuna de la muerte" por su tono predominantemente suave. Fauré omitió el Dies irae, aunque la referencia al día del juicio aparece en Libera me, que, como Verdi, añadió al texto litúrgico normal. Fauré revisó el Réquiem a lo largo de los años, y ahora se utilizan varias versiones interpretativas diferentes, desde la primera, para pequeñas fuerzas, hasta la revisión final con orquesta completa.

Las óperas de Fauré no han encontrado un lugar en el repertorio habitual. Prométhée es la más olvidada de las dos, con solo un puñado de representaciones en más de un siglo. Copland consideró Pénélope (1913) una obra fascinante, y una de las mejores óperas escritas desde Wagner; señaló, sin embargo, que la música es, en su conjunto, 'claramente no teatral'. La obra utiliza leitmotivs, y los dos roles principales requieren voces de calidad heroica, pero estas son las únicas formas en que la obra es wagneriana. En el estilo tardío de Fauré, "la tonalidad se estira con fuerza, sin romperse". En las raras ocasiones en que se ha puesto en escena la pieza, la opinión crítica generalmente ha elogiado la calidad musical de la partitura, pero ha variado en cuanto a la eficacia dramática de la obra. Cuando la ópera se presentó por primera vez en Londres en 1970, en una producción estudiantil de la Royal Academy of Music, Peter Heyworth escribió: "Una partitura que ofrece ricas recompensas a un oído atento puede, no obstante, dejar de cortar mucho hielo en el teatro.... La mayor parte de la música es demasiado recesiva para ser teatralmente efectiva." Sin embargo, después de una producción de 2006 en el Festival de Wexford, Ian Fox escribió: Pénélope de Fauré es una verdadera rareza y, aunque se anticipó algo de música encantadora, fue una sorpresa. qué seguro era el toque teatral del compositor."

Obras para piano

Los principales conjuntos de obras para piano de Fauré son trece nocturnos, trece barcarolas, seis improvisados y cuatro valses-caprices. Estos conjuntos fueron compuestos a lo largo de las décadas de su carrera y muestran el cambio en su estilo de un encanto juvenil sin complicaciones a una introspección final enigmática, pero a veces ardiente, a través de un período turbulento en su mediana edad. Sus otras piezas notables para piano, incluidas obras más cortas o colecciones compuestas o publicadas como conjunto, son Romances sans paroles, Ballade in F♯ mayor, Mazurka en B♭ mayor, Tema y variaciones en C♯ minor y Huit pièces brèves. Para dúo de piano, Fauré compuso la Dolly Suite y, junto con su amigo y antiguo alumno André Messager, una exuberante parodia de Wagner en la breve suite Souvenirs de Bayreuth.

Las obras para piano a menudo utilizan figuras arpegiadas, con la melodía intercalada entre las dos manos, e incluyen sustituciones de dedos naturales para los organistas. Estos aspectos los hacen intimidantes para algunos pianistas. Incluso un virtuoso como Liszt dijo que encontraba la música de Fauré difícil de tocar. Las primeras obras para piano están claramente influenciadas por Chopin. Una influencia aún mayor fue Schumann, cuya música para piano Fauré amaba más que ninguna otra. En opinión de Copland, fue con el sexto Nocturne que Fauré emergió por completo de la sombra de cualquier predecesor. El pianista Alfred Cortot dijo: "Hay pocas páginas en toda la música comparables a estas". El crítico Bryce Morrison ha señalado que los pianistas suelen preferir tocar las encantadoras obras para piano anteriores, como el Impromptu n.º 2, en lugar de las obras para piano posteriores, que expresan "una pasión y un aislamiento tan privados, una alternancia de ira y resignación". #34; que los oyentes se quedan inquietos. En su música para piano, como en la mayoría de sus obras, Fauré rehuyó el virtuosismo en favor de la lucidez clásica a menudo asociada con los franceses. No estaba impresionado por los pianistas puramente virtuosos, diciendo: "Cuanto más grandes son, peor me tocan".

Obras orquestales y de cámara

Fauré no estaba muy interesado en la orquestación y, en ocasiones, pidió a sus antiguos alumnos, como Jean Roger-Ducasse y Charles Koechlin, que orquestaran sus conciertos y obras de teatro. En palabras de Nectoux, el estilo orquestal generalmente sobrio de Fauré refleja "una actitud estética definida... La idea del timbre no fue determinante en el pensamiento musical de Fauré". No le atraían las combinaciones extravagantes de tonos y colores, que consideraba autoindulgentes o un disfraz por falta de verdadera invención musical. Les dijo a sus alumnos que debería ser posible producir una orquestación sin recurrir a glockenspiels, celestas, xilófonos, campanas o instrumentos eléctricos. Debussy admiró la sobriedad de la orquestación de Fauré, encontrando en ella la transparencia que buscaba en su propio ballet Jeux de 1913; Poulenc, por el contrario, describió la orquestación de Fauré como "un abrigo de plomo... barro instrumental". Las obras orquestales más conocidas de Fauré son las suites Masques et bergamasques (basadas en música para un entretenimiento dramático, o divertissement comique), que él mismo orquestó, Dolly, orquestada por Henri Rabaud, y Pelléas et Mélisande, que se basa en música incidental para la obra de Maeterlinck; la versión teatral fue orquestada por Koechlin, pero el propio Fauré reelaboró la orquestación para la suite publicada.

Pièce for Oboe and Harp

Arreglado para el baszón y el piano, realizado por Kathleen Walsh (bassoon) y Amy Crane (piano)

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Élégie

Realizado por Hans Goldstein (cello) y Eli Kalman (piano)

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Fantaisie

Realizado por Alex Murray (flute) y Martha Goldstein (piano)

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En el repertorio de cámara, sus dos cuartetos para piano, en do menor y sol menor, particularmente el primero, se encuentran entre las obras más conocidas de Fauré. Su otra música de cámara incluye dos quintetos para piano, dos sonatas para violonchelo, dos sonatas para violín, un trío para piano y un cuarteto de cuerda. Copland (escrito en 1924 antes de que se terminara el cuarteto de cuerdas) sostuvo que el segundo quinteto (en Do menor, Opus 115) era la obra maestra de Fauré: "... un pozo puro de espiritualidad... extremadamente clásico, lo más alejado posible del temperamento romántico." Otros críticos han tenido una opinión menos favorable: The Record Guide comentó: "El flujo incesante y el esquema de color restringido de la última manera de Fauré, como se ejemplifica en este Quinteto, necesitan mucho cuidado". gestión, para que no se vuelvan tediosos." El último trabajo de Fauré, el Cuarteto de Cuerdas, ha sido descrito por los críticos de la revista Gramophone como una meditación íntima sobre las últimas cosas, y "un trabajo extraordinario desde cualquier punto de vista, etéreo y de otro mundo con temas que parecen estar constantemente dibujados hacia el cielo."

Grabaciones

Fauré hizo rollos de piano con su música para varias compañías entre 1905 y 1913. Entre 1898 y 1905 se realizaron más de cien grabaciones de la música de Fauré, en su mayoría canciones, con algunas obras breves de cámara, a cargo de intérpretes. incluidos los cantantes Jean Noté y Pol Plançon y músicos como Jacques Thibaud y Alfred Cortot. En la década de 1920, una variedad de las canciones más populares de Fauré estaban grabadas, incluidas "Après un rêve" cantada por Olga Haley, y "Automne" y "Claro de luna" cantada por Ninon Vallin. En la década de 1930, artistas más conocidos grabaron piezas de Fauré, incluidos Georges Thill ("En prière") y Jacques Thibaud y Alfred Cortot (Violin Sonata No. 1 y Berceuse). La siciliana de Pelléas et Mélisande fue grabada en 1938.

En la década de 1940 había algunas obras más de Fauré en los catálogos. Una encuesta realizada por John Culshaw en diciembre de 1945 seleccionó grabaciones de obras para piano interpretadas por Kathleen Long (incluido el Nocturne No. 6, Barcarolle No. 2, Thème et Variations, Op. 73 y Ballade Op. 19 en su versión orquestal dirigida por Boyd Neel), el Réquiem dirigido por Ernest Bourmauck y siete canciones cantadas por Maggie Teyte. La música de Fauré comenzó a aparecer con más frecuencia en las discográficas. lanzamientos en la década de 1950. The Record Guide, 1955, enumeró el Piano Quartet No. 1, el Piano Quintet No. 2, el String Quartet, ambas Sonatas para violín, la Cello Sonata No. 2, dos nuevas grabaciones del Réquiem y los ciclos completos de canciones La bonne chanson y La chanson d'Ève.

En la era del LP y, en particular, del CD, las compañías discográficas han creado un catálogo sustancial de la música de Fauré, interpretada por músicos franceses y no franceses. Varias grabaciones modernas de la música de Fauré se han hecho públicas como ganadoras de premios anuales organizados por Gramophone y la BBC. Se han grabado conjuntos de sus principales obras orquestales con directores como Michel Plasson (1981) y Yan Pascal Tortelier (1996). Todas las principales obras de cámara de Fauré han sido grabadas, con músicos como el Ysaÿe Quartet, Domus, Paul Tortelier, Arthur Grumiaux y Joshua Bell. Las obras para piano completas han sido grabadas por Kathryn Stott (1995) y Paul Crossley (1984–85), con conjuntos sustanciales de las principales obras para piano de Germaine Thyssens-Valentin, (Jean-Philippe Collard (1982–84), Pascal Rogé (1990) y Kun-Woo Paik (2002).Todas las canciones de Fauré han sido grabadas en CD, incluido un conjunto completo (2005), presentado por el acompañante Graham Johnson, con los solistas Jean-Paul Fouchécourt, Felicity Lott, John Mark Ainsley y Jennifer Smith, entre otros. El Réquiem y las obras corales más cortas también están bien representadas en el disco. Pénélope se ha grabado dos veces, con los elencos encabezados por Régine Crespin en 1956, y Jessye Norman en 1981, dirigida respectivamente por Désiré-Émile Inghelbrecht y Charles Dutoit.Prométhée no se ha grabado en su totalidad, pero se grabaron extensos extractos bajo la dirección de Roger Norrington (1980).

Evaluación moderna

Un artículo de 2001 sobre Fauré en el Diccionario biográfico de músicos de Baker concluye así:

La estatura de Fauré como compositor es sin menoscabo por el paso del tiempo. Desarrolló un lenguaje musical propio; mediante la aplicación sutil de los viejos modos, evocó el aura del arte eternamente fresco; usando discordias suaves y efectos colorísticos especiales, anticipó procedimientos de impresionismo; en sus obras de piano, rehusó virtuosidad a favor de la lucidez clásica de los maestros franceses de la clavecina; la línea melódica vocal de sus canciones francesas. Su gran Requiem y su Élégie para Cello y Piano han entrado en el repertorio general.

El biógrafo de Fauré, Nectoux, escribe en el Grove Dictionary of Music and Musicians que Fauré es ampliamente considerado como el mayor maestro de la canción francesa y que, junto con las mélodies, las obras de cámara se ubican como "la contribución más importante de Fauré a la música". El crítico Robert Orledge escribe: "Su genio fue el de la síntesis: reconcilió elementos tan opuestos como la modalidad y la tonalidad, la angustia y la serenidad, la seducción y la fuerza dentro de un único estilo no ecléctico, como en Pelléas et Mélisande suite, su obra maestra sinfónica. La cualidad de renovación constante dentro de un rango aparentemente limitado... es una faceta notable de su genio, y el estilo sobrio y elíptico de su cuarteto de cuerda único sugiere que su estilo intensamente autodisciplinado aún se estaba desarrollando en el momento de su muerte. 34;.

Notas y referencias

Notas

Referencias