Fusión de jazz
Jazz fusión (también conocido como fusión, jazz rock y jazz progresivo) es un género musical que se desarrolló a fines de la década de 1960 cuando los músicos combinaron la armonía y la improvisación del jazz con la música rock, el funk y el ritmo y el blues. Los músicos de jazz, en particular aquellos que habían crecido escuchando rock and roll, empezaron a utilizar guitarras eléctricas, amplificadores y teclados que eran populares en el rock and roll.
Los arreglos de fusión de jazz varían en complejidad. Algunos emplean vampiros basados en ritmos fijos en una sola tecla o un solo acorde con una melodía simple y repetida. Otros usan progresiones de acordes elaboradas, compases no convencionales o melodías con contramelodías. Estos arreglos, ya sean simples o complejos, suelen incluir secciones improvisadas que pueden variar en longitud, al igual que en otras formas de jazz.
Al igual que con el jazz, la fusión de jazz puede emplear instrumentos de viento de madera y metal, como la trompeta y el saxofón, pero otros instrumentos suelen sustituirlos. Es menos probable que una banda de jazz fusión use piano y contrabajo, y es más probable que use guitarra eléctrica, piano eléctrico, sintetizadores y bajo.
El término "jazz rock" a veces se usa como sinónimo de "fusión de jazz" y por música interpretada por bandas de rock de finales de los 60 y 70 que agregaron elementos de jazz a su música. Después de una década de popularidad durante la década de 1970, la fusión amplió sus enfoques experimentales y de improvisación durante la década de 1980 en paralelo con el desarrollo de un estilo apto para la radio llamado jazz suave. La experimentación continuó en las décadas de 1990 y 2000. Los álbumes de fusión, incluso aquellos que están hechos por el mismo grupo o artista, pueden incluir una variedad de estilos musicales. En lugar de ser un estilo musical codificado, la fusión puede verse como una tradición o enfoque musical.
Historia
Coryell y dos mundos
Cuando John Coltrane murió en 1967, el rock era la música más popular en Estados Unidos, y la revista DownBeat llegó al extremo de declarar en un titular que: "Jazz tal como lo conocemos Muerto'. AllMusic afirma que "hasta alrededor de 1967, los mundos del jazz y el rock estaban casi completamente separados".
El guitarrista Larry Coryell, a veces llamado el padrino de la fusión, se refirió a una generación de músicos que había crecido con el rock and roll cuando dijo: "Amamos a Miles pero también a los Rolling Stones".; En 1966 fundó la banda Free Spirits con Bob Moses en la batería y grabó el primer álbum de la banda, Out of Sight and Sound, lanzado en 1967. Ese mismo año DownBeat comenzó a informar sobre la música rock. Después de Free Spirits, Coryell formó parte de un cuarteto liderado por el vibrafonista Gary Burton, lanzando el álbum Duster con su influencia de guitarra rockera. Burton produjo el álbum Tomorrow Never Knows para Count's Jam Band, que incluía a Coryell, Mike Nock y Steve Marcus, todos ellos exalumnos de Berklee College en Boston.
Los pioneros de la fusión enfatizaron la exploración, la energía, la electricidad, la intensidad, el virtuosismo y el volumen. Charles Lloyd tocó una combinación de rock y jazz en el Festival de Jazz de Monterey en 1966 con un cuarteto que incluía a Keith Jarrett y Jack DeJohnette. Lloyd adoptó los adornos de la escena del rock psicodélico de California tocando en el local de rock Fillmore West, vistiendo ropa colorida y dando a sus álbumes títulos como Dream Weaver y Forest Flower, que fueron los álbumes de jazz más vendidos en 1967. El flautista Jeremy Steig experimentó con el jazz en su banda Jeremy & los Sátiros con el vibrafonista Mike Mainieri. El sello de jazz Verve lanzó el primer álbum (Freak Out) del guitarrista de rock Frank Zappa en 1966. Rahsaan Roland Kirk actuó con Jimi Hendrix en el Ronnie Scott's Jazz Club de Londres.
Miles Davis se conecta
Como miembros de la banda de Miles Davis, Chick Corea y Herbie Hancock tocaron el piano eléctrico en Filles de Kilimanjaro. Davis escribió en su autobiografía que en 1968 había estado escuchando a Jimi Hendrix, James Brown y Sly and the Family Stone. Cuando Davis grabó Bitches Brew en 1969, abandonó en su mayoría el ritmo swing en favor de un backbeat de rock and roll y ritmos de bajo. El álbum "mezclaba jazz libre soplado por un gran conjunto con teclados electrónicos y guitarra, además de una mezcla densa de percusión". Davis tocaba su trompeta como una guitarra eléctrica, conectado a efectos y pedales electrónicos.
Al final del primer año, Bitches Brew vendió 400.000 copias, cuatro veces el promedio de un álbum de Miles Davis. Durante los siguientes dos años, el distante Davis grabó con más frecuencia, trabajó con muchos acompañantes, apareció en televisión y actuó en locales de rock. Con la misma rapidez, Davis probó la lealtad de los fanáticos del rock al continuar experimentando. Su productor, Teo Macero, insertó material previamente grabado en la banda sonora de Jack Johnson, Live-Evil y On the Corner.
Aunque Bitches Brew le dio un disco de oro, el uso de instrumentos eléctricos y ritmos rockeros generó consternación entre algunos críticos de jazz, quienes acusaron a Davis de traicionar la esencia del jazz. El crítico musical Kevin Fellezs comentó que algunos miembros de la comunidad de jazz consideraban que la música rock era menos sofisticada y más comercial que el jazz.
El álbum de Davis de 1969 In a Silent Way se considera su primer álbum de fusión. Compuesto por dos suites improvisadas de lado a lado editadas en gran medida por Teo Macero, el álbum fue hecho por pioneros de la fusión de jazz: Corea, Hancock, Tony Williams, Wayne Shorter, Joe Zawinul y John McLaughlin.
A Tribute to Jack Johnson (1971) ha sido citado como "el disco de jazz eléctrico más puro jamás realizado" y "uno de los discos de jazz rock más notables de la época".
Según el periodista musical Zaid Mudhaffer, el término "fusión de jazz" fue acuñado en una reseña de Song of Innocence de David Axelrod cuando se lanzó en 1968. Axelrod dijo que Davis había tocado el álbum antes de concebir Bitches Brew.
Se ramifican los acompañantes de Davis
Miles Davis fue uno de los primeros músicos de jazz en incorporar jazz fusión en su material. También demostró ser un buen juez de acompañantes talentosos. Varios de los músicos que eligió para sus primeros trabajos de fusión tuvieron éxito en sus propias bandas. Su guitarrista, John McLaughlin, se diversificó y formó su propio grupo de fusión Mahavishnu Orchestra. Combinando música clásica india, jazz y rock psicodélico, crearon un estilo completamente nuevo, tal como lo había hecho Davis. Los álbumes en vivo de Davis durante este período, incluidos Live-Evil y Miles Davis at Fillmore, incluyeron a McLaughlin.
Davis abandonó la música en 1975 debido a problemas con las drogas y el alcohol, pero sus acompañantes aprovecharon las perspectivas creativas y financieras que se habían abierto. Herbie Hancock trajo elementos de funk, disco y música electrónica a álbumes de éxito comercial como Head Hunters (1973) y Feets, Don't Fail Me Now (1979).). Varios años después de grabar Miles in the Sky con Davis, el guitarrista George Benson se convirtió en vocalista con suficientes éxitos pop como para eclipsar su anterior carrera en el jazz.
Mientras Davis estuvo fuera de juego, Chick Corea ganó protagonismo. A principios de la década de 1970, Corea combinó jazz, rock, pop y música brasileña en Return to Forever, una banda que incluía a Stanley Clarke en el bajo y Al DiMeola en la guitarra eléctrica. Corea dividió el resto de su carrera entre música acústica y eléctrica, no comercial y comercial, jazz y pop rock, con una banda para cada uno: la Akoustic Band y la Elektric Band.
Tony Williams fue miembro de la banda de Davis desde 1963. Williams reflexionó: "Quería crear una atmósfera diferente a la que había estado... Qué mejor manera de hacerlo que volverse eléctrico?" Dejó Davis para formar Tony Williams Lifetime con el guitarrista inglés John McLaughlin y el organista Larry Young. La banda combinó la intensidad y el volumen del rock con la espontaneidad del jazz. El álbum debut Emergency! fue grabado tres meses antes que Bitches Brew.
Aunque McLaughlin había trabajado con Miles Davis, estaba más influenciado por Jimi Hendrix y había tocado con los músicos de rock ingleses Eric Clapton y Mick Jagger antes de crear la Orquesta Mahavishnu casi al mismo tiempo que Corea comenzó Return to Forever. McLaughlin había sido miembro de Lifetime de Tony Williams. Aportó a su música muchos de los elementos que interesaron a otros músicos en la década de 1960 y principios de la de 1970: contracultura, rock and roll, instrumentos electrónicos, virtuosismo en solitario, experimentación, mezcla de géneros e interés por lo exótico, como la música india.. Formó la Orquesta Mahavishnu con el baterista Billy Cobham, el violinista Jerry Goodman, el bajista Rick Laird y el teclista Jan Hammer. La banda lanzó su primer álbum, The Inner Mounting Flame, en 1971. Hammer fue pionera en el uso del sintetizador Minimoog con efectos de distorsión. Su uso de la rueda de inflexión de tono hizo que un teclado sonara como una guitarra eléctrica. La Orquesta Mahavishnu fue influenciada tanto por el rock psicodélico como por la música clásica india. La primera formación de la banda se separó después de dos álbumes de estudio y un álbum en vivo, pero McLaughlin formó otro grupo en 1974 bajo el mismo nombre con el violinista de jazz Jean-Luc Ponty, uno de los primeros violinistas eléctricos.
A finales de los 70, Lee Ritenour, Stuff, George Benson, Spyro Gyra, The Crusaders y Larry Carlton lanzaron álbumes de fusión.
Jazz-rock
El término "jazz-rock" (o "jazz/rock") se usa a veces como sinónimo de "fusión de jazz". A veces se ha citado a Free Spirits como la primera banda de jazz rock.
Bandas de rock como Colosseum, Chicago, Blood, Sweat & Tears, Chase, Soft Machine, Nucleus, Brand X, Mothers of Invention e IF mezclaron jazz y rock con instrumentos eléctricos. Davis' el jazz fusión era "pura melodía y color tonal", mientras que la música de Frank Zappa era más "compleja" e "impredecible". Zappa lanzó el álbum en solitario Hot Rats en 1969. El álbum contenía piezas instrumentales largas con influencia del jazz. Zappa lanzó dos álbumes, The Grand Wazoo y Waka/Jawaka, en 1972, que estaban influenciados por el jazz. George Duke y Aynsley Dunbar jugaron en ambos. La banda de la década de 1970 Steely Dan ha sido elogiada por el crítico musical Neil McCormick por su "suave e inteligente fusión de jazz y rock".
Los artistas de jazz de las décadas de 1960 y 1970 tuvieron un gran impacto en muchos grupos de rock de esa época, como Santana y Frank Zappa. Tomaron el fraseo y la armonía del jazz y los incorporaron a la música rock moderna, cambiando significativamente la historia de la música y allanando el camino para los artistas que seguirían sus pasos. Carlos Santana, en particular, le ha dado mucho crédito a Miles Davis y la influencia que tuvo en su música. Mientras que Miles Davis combinó el jazz con influencias modales y del rock, Carlos Santana las combinó con ritmos y sentimientos latinos, dando forma a un género completamente nuevo, el rock latino. Otros artistas de rock como Gary Moore, The Grateful Dead, Jimi Hendrix y The Allman Brothers Band han tomado influencias del blues, el jazz, el blues rock, el jazz rock y las han incorporado a su propia música.
Según AllMusic, el término jazz rock "puede referirse a las bandas de fusión más ruidosas, salvajes y electrificadas del campo del jazz, pero la mayoría de las veces describe a los artistas que provienen del lado rock de la ecuación... jazz El rock surgió por primera vez a finales de los 60 como un intento de fusionar el poder visceral del rock con la complejidad musical y los fuegos artificiales de improvisación del jazz. Dado que el rock a menudo enfatizaba la franqueza y la simplicidad sobre el virtuosismo, el jazz rock generalmente surgió de los subgéneros de rock más ambiciosos artísticamente de finales de los 60 y principios de los 70: la psicodelia, el rock progresivo y el movimiento de cantautores. "
Según el escritor de jazz Stuart Nicholson, el jazz rock era paralelo al free jazz al estar "a punto de crear un lenguaje musical completamente nuevo en la década de 1960". Dijo que los álbumes Emergency! (1969) de Tony Williams Lifetime y Agharta (1975) de Miles Davis "sugerían el potencial de evolucionar hacia algo que eventualmente podría se define a sí mismo como un género totalmente independiente, bastante aparte del sonido y las convenciones de todo lo que había sucedido antes." Este desarrollo fue sofocado por el comercialismo, dijo Nicholson, ya que el género "mutó en una especie peculiar de música pop con influencias de jazz que eventualmente se estableció en la radio FM" a finales de la década de 1970.
En la década de 1970, la fusión estadounidense se combinaba en el Reino Unido con el rock progresivo y la música psicodélica. Las bandas que formaron parte de este movimiento incluyeron Brand X (con Phil Collins de Genesis), Bruford (Bill Bruford de Yes), Nucleus (dirigida por Ian Carr) y Soft Machine. En toda Europa y el mundo este movimiento creció gracias a bandas como Magma en Francia, Passport en Alemania, Leb i Sol y September en Yugoslavia, y los guitarristas Jan Akkerman (Holanda), Volker Kriegel (Alemania), Terje Rypdal (Noruega), Jukka Tolonen (Finlandia), Ryo Kawasaki (Japón) y Kazumi Watanabe (Japón).
Metal de jazz
Jazz metal es la fusión del jazz fusión y el jazz rock con el heavy metal. El género está estrechamente relacionado con el mathcore, el metal progresivo y el punk jazz, así como con sus microgéneros. Se sabe que Rollins Band combina el heavy metal con el jazz y, a partir de finales de la década de 1990, King Crimson comenzó a explorar el metal industrial, mezclado con su sonido de rock progresivo. Del mismo modo, Animals as Leaders' Los álbumes The Joy of Motion (2014) y The Madness of Many (2016) han sido descritos como metal progresivo combinado con jazz fusión.
Jazzpop
Jazz pop (o pop-jazz, también llamado jazzy pop) es música pop con instrumentos de jazz, producción suave, comercialmente viable y compatible con la radio. En el jazz pop, la música tiene menos improvisación, pero conserva la melodía y el swing del jazz. Robert Palmer de The New York Times citó que el jazz pop debe distinguirse del jazz rock. Ejemplos de músicos de jazz-pop son Kenny G, Bob James y George Benson.
Jazz suave
A principios de la década de 1980, gran parte del género de fusión original se subsumió en otras ramas del jazz y el rock, especialmente el jazz suave, un subgénero de fusión apto para la radio que está influenciado por el R&B, el funk y la música pop. El jazz suave se remonta al menos a fines de la década de 1960, cuando el productor Creed Taylor trabajó con el guitarrista Wes Montgomery en tres álbumes orientados a la música popular. Taylor fundó CTI Records y muchos artistas de jazz establecidos grabaron para CTI, incluidos Freddie Hubbard, Chet Baker, George Benson y Stanley Turrentine. Los álbumes bajo la guía de Taylor estaban dirigidos tanto a fanáticos del pop como del jazz.
La fusión del jazz y la música pop/rock tomó una dirección más comercial a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, en forma de composiciones con una paleta de sonido más suave que podía encajar cómodamente en una lista de reproducción de radio de rock suave. El artículo de la guía AllMusic sobre la fusión afirma que "lamentablemente, a medida que se convirtió en una fuente de ingresos y el rock declinó artísticamente a partir de mediados de los 70, gran parte de lo que se denominó fusión era en realidad una combinación de jazz con música pop fácil de escuchar y R&B ligero."
Michael y Randy Brecker produjeron jazz influenciado por el funk con solistas. David Sanborn fue considerado un "conmovedor" y "influyente" voz. Sin embargo, Kenny G fue criticado tanto por los fanáticos de la fusión y el jazz como por algunos músicos, aunque se convirtió en un gran éxito comercial. El crítico musical George Graham sostiene que el "llamado 'smooth jazz' El sonido de gente como Kenny G no tiene nada del fuego y la creatividad que marcaron lo mejor de la escena fusión durante su apogeo en la década de 1970."
Otros estilos
Punk-jazz
En la década de 1990, otro tipo de fusión adoptó un enfoque más intenso. Bill Laswell produjo muchos álbumes en este movimiento, como Ask the Ages del guitarrista vanguardista Sonny Sharrock y Arc of the Testimony con la banda Arcana de Laswell. Niacin (banda) fue formada por el bajista de rock Billy Sheehan, el baterista Dennis Chambers y el organista John Novello.
En Londres, The Pop Group comenzó a mezclar free jazz y reggae en su forma de punk rock. En la ciudad de Nueva York, ninguna ola se inspiró en el free jazz y el punk. Ejemplos de este estilo incluyen a la Reina de Siam de Lydia Lunch, James Chance and the Contortions, quienes mezclaron música soul con free jazz y punk rock, y Lounge Lizards, el primer grupo en llamarse a sí mismos punk-jazz
John Zorn tomó nota del énfasis en la velocidad y la disonancia que estaba prevaleciendo en el punk rock y las incorporó al free jazz con el lanzamiento del álbum Spy vs Spy en 1986. El álbum fue un colección de melodías de Ornette Coleman tocadas al estilo thrashcore. En el mismo año, Sonny Sharrock, Peter Brötzmann, Bill Laswell y Ronald Shannon Jackson grabaron el primer álbum bajo el nombre de Last Exit, una mezcla de thrash y free jazz.
Jazz funk
El jazz-funk se caracteriza por un fuerte ritmo de fondo (groove), sonidos electrificados y una temprana prevalencia de sintetizadores analógicos. La integración de la música y los estilos funk, soul y R&B en el jazz dio como resultado la creación de un género cuyo espectro es bastante amplio y va desde la fuerte improvisación del jazz hasta el soul, el funk o la música disco con arreglos de jazz, riffs de jazz, solos de jazz, ya veces voces de soul.
El jazz-funk es principalmente un género estadounidense, donde fue popular durante la década de 1970 y principios de la de 1980, pero también logró un gran atractivo en el circuito de clubes de Inglaterra a mediados de la década de 1970. El jazz-funk conserva una sensación más fuerte de ritmo y R&B en comparación con parte de la producción de fusión de jazz, y está más arreglado y presenta más improvisación que el soul jazz.
Base M
M-Base ("conjunto macrobásico de improvisación estructurada") se centra en un movimiento iniciado en la década de 1980. Comenzó como un grupo de jóvenes músicos afroamericanos en Nueva York que incluía a Steve Coleman, Greg Osby y Gary Thomas, desarrollando un sonido complejo pero con ritmo. En la década de 1990, la mayoría de los participantes de M-Base recurrieron a la música más convencional, pero Coleman, el participante más activo, continuó desarrollando su música de acuerdo con el concepto de M-Base. M-Base pasó de ser un colectivo flexible a una 'escuela' informal.
Jazz afrocubano
El jazz afrocubano, una de las primeras formas de jazz latino, es una fusión de ritmos afrocubanos basados en claves con armonías de jazz y técnicas de improvisación. El jazz afrocubano surgió a principios de la década de 1940 con los músicos cubanos Mario Bauza y Frank Grillo "Machito" en la banda Machito and his Afro-Cubans en la ciudad de Nueva York. En 1947, las colaboraciones del innovador del bebop Dizzy Gillespie con el percusionista cubano Chano Pozo introdujeron los ritmos e instrumentos afrocubanos, sobre todo las congas y los bongos, en la escena del jazz de la Costa Este. Las primeras combinaciones de jazz con música cubana, como 'Manteca' de Gillespie y Pozo. y 'Mangó Mangüé' de Charlie Parker y Machito, se conocían comúnmente como 'Cubop', abreviatura de Cuban bebop. Durante sus primeras décadas, el movimiento de jazz afrocubano fue más fuerte en Estados Unidos que en Cuba.
Influencia en la música rock
Según el bajista Randy Jackson, el jazz fusión es un género difícil de tocar. “Elegí jazz fusión porque estaba tratando de convertirme en el máximo músico técnico, capaz de tocar cualquier cosa. La fusión de jazz para mí es la música más difícil de tocar. Tienes que ser muy hábil con tu instrumento. Tocar cinco tempos al mismo tiempo, por ejemplo. Quería probar la música más dura porque sabía que si podía hacer eso, podía hacer cualquier cosa."
Los solos de guitarra técnicamente desafiantes, los solos de bajo y la percusión sincopada de compás impar de Jazz Rock Fusion comenzaron a incorporarse al género de metal progresivo centrado técnicamente a principios de la década de 1990. El rock progresivo, con su afinidad por los solos largos, diversas influencias, firmas de tiempo no estándar y música compleja, tenía valores musicales muy similares a los del jazz fusión. Algunos ejemplos destacados de rock progresivo mezclado con elementos de fusión son la música de Gong, King Crimson, Ozric Tentacles y Emerson, Lake & Palmero.
La banda de death metal Atheist produjo los álbumes Unquestionable Presence en 1991 y Elements en 1993 que contenían percusión muy sincopada, cambios de compás, partes instrumentales, interludios acústicos y ritmos latinos.. Meshuggah atrajo la atención internacional por primera vez con el lanzamiento de 1995 Destroy Erase Improve por su fusión de death metal rápido, thrash metal y metal progresivo con elementos de fusión de jazz. Cynic grabó una forma compleja y poco ortodoxa de jazz fusión influenciado por el death metal experimental con su álbum de 1993 Focus. En 1997, la guitarrista del Guitar Institute of Technology, Jennifer Batten, bajo el nombre de Tribal Rage: Momentum de Jennifer Batten, lanzó Momentum, un híbrido instrumental de rock, fusión y sonidos exóticos. Mudvayne está fuertemente influenciado por el jazz, especialmente en la forma de tocar del bajista Ryan Martinie.
Puya incorpora con frecuencia influencias de la música jazz americana y latina.
Otra banda de metal-fusión de jazz progresivo totalmente instrumental más cerebral, Planet X, lanzó Universe en 2000 con Tony MacAlpine, Derek Sherinian (ex-Dream Theater) y Virgil Donati (quien ha tocado con Scott Henderson de Tribal Tech). La banda combina solos de guitarra estilo fusión y percusión sincopada de compás impar con la pesadez del metal. La banda de tech-prog-fusion metal Aghora se formó en 1995 y lanzó su primer álbum, homónimo Aghora, grabado en 1999 con Sean Malone y Sean Reinert, ambos ex miembros de Cynic. Gordian Knot, otra banda de metal progresivo experimental vinculada a Cynic, lanzó su álbum debut en 1999 que exploraba una variedad de estilos, desde jazz fusión hasta metal. El Mars Volta está extremadamente influenciado por el jazz fusión, utilizando giros progresivos e inesperados en los patrones de batería y líneas instrumentales. El estilo de la banda progresiva uzbeka Fromuz se describe como "prog fusion". En largas improvisaciones instrumentales, la banda pasa de la fusión del rock y la música ambiental del mundo al jazz y al hard rock progresivo.