Fred Zinnemann

Alfred Fred Zinnemann (29 de abril de 1907 - 14 de marzo de 1997) fue un director de cine estadounidense nacido en el Imperio austríaco. Ganó cuatro Premios de la Academia por dirigir y producir películas en varios géneros, incluidos thrillers, westerns, cine negro y adaptaciones teatrales. Hizo 25 largometrajes durante sus 50 años de carrera.

Fue uno de los primeros directores en insistir en usar locaciones auténticas y en mezclar estrellas con civiles para dar más realismo a sus películas. Dentro de la industria del cine, fue considerado un inconformista por tomar riesgos y, por lo tanto, crear películas únicas, y muchas de sus historias son dramas sobre individuos solitarios y con principios probados por eventos trágicos. Según un historiador, el estilo de Zinnemann demostró su sentido de "realismo psicológico y su aparente determinación de hacer imágenes valiosas que, sin embargo, son muy entretenidas".

Entre sus películas se encuentran The Search (1948), The Men (1950), High Noon (1952), From Aquí a la eternidad (1953), ¡Oklahoma! (1955), La historia de la monja (1959), Un hombre para todas las estaciones (1966), El día del chacal (1973) y Julia (1977). Sus películas han recibido 65 nominaciones al Oscar, ganando 24; El mismo Zinnemann fue nominado a diez y ganó Mejor Director por De aquí a la eternidad (1953), Mejor Película y Mejor Director por Un hombre para todas las estaciones (1966), y Mejor Documental, Temas Cortos para Benjy (1951).

Zinnemann dirigió y presentó a varias estrellas en sus debuts cinematográficos en Estados Unidos, incluidos Marlon Brando, Rod Steiger, Pier Angeli, Julie Harris, Brandon deWilde, Montgomery Clift, Shirley Jones y Meryl Streep. Dirigió 19 actores a las nominaciones al Oscar, incluidos Frank Sinatra, Montgomery Clift, Audrey Hepburn, Glynis Johns, Paul Scofield, Robert Shaw, Wendy Hiller, Jason Robards, Vanessa Redgrave, Jane Fonda, Gary Cooper y Maximilian Schell.

Primeros años

Zinnemann nació en Rzeszów, hijo de Anna (Feiwel) y Oskar Zinnemann, médico. Sus padres eran judíos austríacos. Tenía un hermano menor. Mientras crecía en Austria, quería convertirse en músico, pero se graduó en derecho en la Universidad de Viena en 1927.

Mientras estudiaba derecho, se sintió atraído por las películas y convenció a sus padres para que lo dejaran estudiar producción cinematográfica en París. Después de estudiar durante un año en la Ecole Technique de Photographie et Cinématographie de París, se convirtió en camarógrafo y encontró trabajo en varias películas en Berlín, antes de emigrar a Hollywood. Sus dos padres fueron asesinados durante el Holocausto.

Carrera como director

Carrera temprana

Zinnemann trabajó en Alemania con varios otros principiantes (Billy Wilder y Robert Siodmak también trabajaron con él en la película de 1929 People on Sunday) después de estudiar cine en Francia. Su inclinación por el realismo y la autenticidad es evidente en su primer largometraje La ola (1936), filmado en México con actores en su mayoría no profesionales reclutados entre los lugareños, que es uno de los primeros ejemplos de social realismo en el cine narrativo. De hecho, a principios de la década, Zinnemann había trabajado con el documentalista Robert Flaherty, "probablemente la mayor influencia individual en mi trabajo como cineasta", dijo.

Aunque estaba fascinado por la cultura artística de Alemania, con su teatro, música y películas, también era consciente de que el país atravesaba una profunda crisis económica. Se desencantó de Berlín después de ver continuamente la ostentación decadente y el lujo coexistiendo con un desempleo desesperado. Las clases ricas se estaban moviendo más hacia la derecha política y los pobres hacia la izquierda. "La emoción había comenzado hacía mucho tiempo a desplazar a la razón," él dijo. Como resultado del clima político cambiante, junto con el hecho de que el cine sonoro había llegado a Europa, que técnicamente no estaba preparada para producir el suyo propio, la producción cinematográfica en toda Europa se desaceleró drásticamente. Zinnemann, entonces de solo 21 años, consiguió que sus padres & # 39; permiso para ir a Estados Unidos, donde esperaba que las oportunidades cinematográficas fueran mayores.

Llegó a Nueva York a fines de octubre de 1929, en el momento de la caída de la bolsa. A pesar del pánico financiero que comenzó entonces, descubrió que Nueva York era un entorno cultural diferente:

Nueva York fue una experiencia estupenda, llena de emoción, con una vitalidad y ritmo que luego carece totalmente de Europa. Fue como si hubiera dejado un continente de zombis y entrado en un lugar lleno de energía y poder increíbles.

Tomó un autobús Greyhound a Hollywood unos meses después de completar su primer esfuerzo como director para la película de protesta cultural mexicana, The Wave, en Alvarado, México. Estableció su residencia en North Hollywood con Henwar Rodakiewicz, Gunther von Fritsch y Ned Scott, todos colaboradores del proyecto mexicano. Uno de los primeros trabajos de Zinnemann en Hollywood fue como extra en All Quiet on the Western Front (1930). Dijo que muchos de los otros extras eran ex aristócratas rusos y oficiales de alto rango que huyeron a Estados Unidos después de la revolución rusa en 1917.

Tenía veintidós años, pero dijo que se sentía mayor que los cuarentones de Hollywood. Pero estaba jubiloso porque entonces estaba seguro de que "este era el lugar en el que uno podía respirar libremente y pertenecer". Pero después de unos años se desilusionó con los talentos limitados de las élites de Hollywood.

Década de 1940

Montomery Clift en su película debut, La búsqueda (1948)

Después de cierto éxito como director de cortometrajes, se graduó en largometrajes en 1942, produciendo dos misterios B, Kid Glove Killer y Eyes in the Night antes de obtener su gran romper con La séptima cruz (1944), protagonizada por Spencer Tracy, que se convirtió en su primer éxito. La película se basó en Anna Seghers' novela y, aunque filmada completamente en el backlot de MGM, hizo un uso realista de los actores alemanes refugiados incluso en los papeles más pequeños. El personaje central, un prisionero fugitivo interpretado por Tracy, se considera comparativamente pasivo y fatalista. Sin embargo, es objeto de la heroica ayuda de los alemanes antinazis. En cierto sentido, el personaje más dinámico de la película no es el personaje de Tracy, sino un humilde trabajador alemán interpretado por Hume Cronyn, que pasa de ser un simpatizante de los nazis a un opositor activo del régimen mientras ayuda a Tracy.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Zinnemann se enteró de que sus padres habían sido asesinados en el Holocausto. Estaba frustrado por su contrato de estudio, que dictaba que no tenía elección en la dirección de películas como Little Mister Jim (1946) y My Brother Talks to Horses (1947) a pesar de su falta de interés en su tema. Sin embargo, su siguiente película, The Search (1948), ganó un Oscar por guión y aseguró su posición en el establecimiento de Hollywood. Rodada en la Alemania devastada por la guerra, la película está protagonizada por Montgomery Clift en su debut en la pantalla como un soldado que cuida a un niño checo perdido traumatizado por la guerra. Le siguió Act of Violence (1948), un crudo film noir protagonizado por Van Heflin como un prisionero de guerra embrujado, Robert Ryan como su irascible ex amigo, Janet Leigh como la esposa de Heflin, y Mary Astor como una prostituta simpática. Zinnemann consideró Act of Violence como el primer proyecto en el que "se sintió cómodo sabiendo exactamente lo que quería y exactamente cómo conseguirlo".

Década de 1950

The Men (1950) protagonizada por Marlon Brando como un veterano de guerra parapléjico. Fue la primera película de Brando. Zinnemann filmó muchas escenas en un hospital de California donde los pacientes reales servían como extras. Le siguió Teresa (1951), protagonizada por Pier Angeli.

Quizás la obra más conocida de Zinnemann es High Noon (1952), una de las primeras 25 películas estadounidenses elegidas en 1989 por el National Film Registry. Con sus exámenes psicológicos y morales de su héroe agente de la ley Marshall Will Kane, interpretado por Gary Cooper y su innovadora cronología en la que el tiempo de pantalla se aproximaba a la cuenta regresiva de 80 minutos hasta la hora de la confrontación, la película rompió el molde del western formulado. Trabajando en estrecha colaboración con el director de fotografía y amigo de toda la vida, Floyd Crosby, filmó sin filtros, dando al paisaje un duro "noticiero" calidad que chocaba con la cinematografía más pictórica de los westerns de John Ford. Durante la producción, estableció una fuerte relación con Gary Cooper, fotografiando al actor envejecido en muchos primeros planos ajustados que lo mostraban sudando y, en un momento, incluso llorando en la pantalla.

El guionista Carl Foreman aparentemente pretendía que High Noon fuera una alegoría de la vendetta del senador Joseph McCarthy contra los presuntos comunistas. Sin embargo, Zinnemann no estuvo de acuerdo e insistió, tarde en su vida, en que los temas de la película, para él, eran más amplios y tenían más que ver con la conciencia y la valentía independiente e intransigente. Él dice, "High Noon "no es un western, en lo que a mí respecta; resulta que está ambientado en el Viejo Oeste."

El crítico de cine Stephen Prince sugiere que el personaje de Kane en realidad representa a Zinnemann, quien trató de crear una atmósfera de amenaza inminente en el horizonte, un miedo al 'fascismo' potencial, representado por la pandilla de asesinos pronto. llegando Zinnemann explicó el contexto general de muchas de sus películas: "Una de las cosas cruciales hoy [es] tratar de preservar nuestra civilización".

Prince agrega que Zinnemann, al enterarse de que sus padres fueron asesinados en el Holocausto, quería que Kane estuviera dispuesto a "luchar en lugar de huir", a diferencia de todos los demás en la ciudad. Como resultado, "Zinnemann se alía a sí mismo" con el héroe de la película. Zinnemann explica el tema de la película y su relevancia en los tiempos modernos:

Lo vi como un gran hilo de película, lleno de gente enormemente interesante... pero más tarde me di cuenta que esto era no un mito occidental regular. Había algo oportuno – y atemporal – sobre eso, algo que tenía un efecto directo en la vida hoy. Para mí fue la historia de un hombre que debe tomar una decisión según su conciencia. Su ciudad – símbolo de una democracia que se ha vuelto blanda – enfrenta una amenaza horrible a la forma de vida de su pueblo. Decidido a resistir, y en profundos problemas, se mueve por todo el lugar buscando apoyo pero encontrando que no hay nadie que lo ayude; cada uno tiene una razón propia para no involucrarse. Al final, él debe encontrar su destino elegido todo por sí mismo, las puertas y ventanas de su ciudad firmemente cerradas contra él. Es una historia que todavía sucede en todas partes, todos los días.

Para su adaptación cinematográfica de la obra de teatro The Member of the Wedding (1952), Zinnemann eligió a Julie Harris como protagonista de la película, de 12 años, aunque ya tenía 26. años. Dos años antes, Harris había creado el papel en Broadway al igual que los otros dos actores principales, Ethel Waters y Brandon deWilde.

La siguiente película de Zinnemann, De aquí a la eternidad (1953), basada en la novela de James Jones, fue nominada a 13 Premios de la Academia y ganaría 8, incluido Mejor Película y Mejor Director. Zinnemann luchó duro con el productor Harry Cohn para elegir a Montgomery Clift como el personaje de Prewitt, aunque Frank Sinatra, que estaba en el punto más bajo de su popularidad, se eligió a sí mismo para el papel de 'Maggio'. contra los deseos de Zinnemann. Sinatra más tarde ganaría un Oscar al Mejor Actor de Reparto. De aquí a la eternidad también presentó a Deborah Kerr, mejor conocida por sus papeles remilgados y correctos, como una mujeriego del ejército. Donna Reed interpretó el papel de Alma "Lorene" Burke, una prostituta y amante del personaje de Montgomery Clift que le valió un Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto en 1953.

Don Murray y Eva Marie Saint en Un odio de lluvia (1957)

En Oklahoma! (1955), la versión de Zinnemann del musical de Rodgers y Hammerstein, el formato de pantalla ancha Todd-AO hizo su debut, al igual que los jóvenes de la película. estrella, Shirley Jones. También fue una expresión de la fe y el optimismo continuos de Zinnemann sobre Estados Unidos, con su energía y exuberancia.

Su siguiente película fue A Hatful of Rain (1957), protagonizada por Don Murray, Eva Marie Saint y Anthony Franciosa, y estaba basada en la obra de Michael V. Gazzo. Es una historia dramática sobre un joven casado con una adicción secreta a la morfina que intenta dejar de fumar y sufre dolorosos síntomas de abstinencia. La película fue un riesgo para Zinnemann, ya que las representaciones cinematográficas de la adicción a las drogas y la abstinencia eran raras en la década de 1950.

Zinnemann completó la década de 1950 con La historia de una monja (1959), con Audrey Hepburn en el papel de la hermana Luke, una monja que finalmente abandona la vida religiosa para unirse a la familia belga. resistencia en la Segunda Guerra Mundial. La película se basó en la vida de Marie Louise Habets. Hepburn, que renunció a la oportunidad de interpretar a Ana Frank para trabajar en La historia de una monja, consideró que la película era su mejor y más personal obra. El estilo de Zinnemann de cortar de primer plano a primer plano estuvo fuertemente influenciado por La pasión de Juana de Arco (1928) de Carl Theodor Dreyer, su película favorita. Estaba agradecido de que fuera fácil trabajar con Hepburn:

Nunca he visto a nadie más disciplinado, más amable o más dedicado a su trabajo que Audrey. No había ego, ni pedir favores adicionales; había la mayor consideración para sus compañeros de trabajo.

Década de 1960

The Sundowners (1960), protagonizada por Robert Mitchum y Deborah Kerr como marido y mujer del interior de Australia, obtuvo más nominaciones a los Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actriz (Kerr) y Mejor Actriz de Reparto (Glynis Johns), pero no ganó ninguna. Behold A Pale Horse (1964) fue una epopeya posterior a la Guerra Civil española basada en el libro Killing a Mouse on Sunday de Emeric Pressburger y protagonizada por Gregory Peck, Anthony Quinn y Omar. Sharif, pero fue un fracaso tanto crítico como comercial; Zinnemann admitiría más tarde que la película "realmente no funcionó".

En 1965 fue miembro del jurado en el 4º Festival Internacional de Cine de Moscú.

La suerte de Zinnemann cambió una vez más con A Man for All Seasons (1966), escrita por Robert Bolt a partir de su propia obra y protagonizada por Paul Scofield como Sir Thomas More, retratándolo como un hombre impulsado por la conciencia a su destino final. La película ganó seis Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor (Scofield) y Mejor Director, el segundo Oscar de Zinnemann hasta la fecha. La película también se inscribió en el 5º Festival Internacional de Cine de Moscú.

Después de esto, Zinnemann estaba listo para dirigir una adaptación de Man's Fate para MGM. Sin embargo, el proyecto se cerró en 1969 y el estudio intentó responsabilizar a Zinnemann por al menos $ 1 millón de los $ 3,5 millones que ya se habían gastado en la preproducción. En protesta, Zinnemann presentó una demanda contra el estudio y pasarían cuatro años antes de que hiciera su próxima película.

Década de 1970

A principios de la década de 1970, Zinnemann había estado sin trabajo desde la cancelación de Man's Fate; creía que había "marcado el final de una era en la creación de imágenes y el amanecer de una nueva, cuando los abogados y contadores comenzaron a reemplazar a los artistas como jefes de los estudios y cuando un apretón de manos ya no era un apretón de manos". 34; Sin embargo, Universal le ofreció la oportunidad de dirigir El día del chacal (1973), basada en la novela de suspenso más vendida de Frederick Forsyth. La película estaba protagonizada por Edward Fox como un asesino inglés contratado para matar al presidente francés Charles de Gaulle, y Michael Lonsdale como el detective francés encargado de detenerlo. Zinnemann estaba intrigado por la oportunidad de dirigir una película en la que el público ya podría adivinar el final (el Chacal fallando en su misión), y se alegró cuando finalmente se convirtió en un éxito entre el público.

El día del chacal fue seguido cuatro años después por Julia (1977), basada en una historia del libro Pentimento de Lillian Demonios, hombre. La película fue protagonizada por Jane Fonda como Hellman y Vanessa Redgrave como su mejor amiga Julia, una heredera estadounidense condenada al fracaso que abandona la seguridad y la comodidad de una gran riqueza para dedicar su vida a la causa antinazi en Alemania. La película fue nominada a 11 Premios de la Academia y ganó tres, a Mejor Guión (Alvin Sargent), Mejor Actor de Reparto (Jason Robards) y Mejor Actriz de Reparto para Redgrave, quien provocó abucheos dispersos en la noche de los Oscar por su 'Zionist hoodlums'. #34; discurso de aceptación. Zinnemann pensó que la actuación de Fonda fue extraordinaria y que también merecía un Oscar.

Década de 1980

La última película de Zinnemann fue Five Days One Summer (1982), filmada en Suiza y basada en el cuento Maiden, Maiden de Kay Boyle. Fue protagonizada por Sean Connery y Betsy Brantley como una 'pareja'. de vacaciones en los Alpes en la década de 1930, y un joven Lambert Wilson como guía de montañismo que sospecha mucho de su relación. La película fue un fracaso tanto crítico como comercial, aunque varios críticos le dirían a Zinnemann en años posteriores que la consideraban un logro subestimado. Zinnemann culpó al fracaso comercial y de crítica de la película por su retiro del cine: "No estoy diciendo que fuera una buena película". Pero había un grado de crueldad en las críticas. El placer que algunas personas sintieron al derribar la película realmente dolió."

Últimos años y muerte

A menudo se considera que Zinnemann asestó un golpe contra la discriminación por edad en Hollywood. La historia apócrifa cuenta que en la década de 1980, durante una reunión con un joven ejecutivo de Hollywood, Zinnemann se sorprendió al descubrir que el ejecutivo no sabía quién era, a pesar de haber ganado cuatro premios de la Academia y haber dirigido muchos de los premios de Hollywood. s películas más grandes. Cuando el joven ejecutivo le pidió a Zinnemann que enumerara lo que había hecho en su carrera, Zinnemann supuestamente respondió: "Claro". Tú primero." En Hollywood, la historia se conoce como "Tú primero," y a menudo se alude cuando los creadores veteranos descubren que los advenedizos no están familiarizados con su trabajo.

Zinnemann insistió: "He estado tratando de repudiar esa historia durante años". Me parece que Billy Wilder me lo contó sobre sí mismo.

Zinnemann murió de un infarto en Londres, Inglaterra, el 14 de marzo de 1997. Tenía 89 años. Los restos de Zinneman fueron incinerados en el cementerio de Kensal Green y los restos incinerados fueron recogidos del cementerio. Su esposa murió el 18 de diciembre de 1997.

Estilo de dirección

La formación de Zinnemann en la realización de documentales y su experiencia personal contribuyeron a su estilo como "realista social". Con sus primeras películas entre 1937 y 1942 comenzó a usar esa técnica, y con High Noon en 1952, posiblemente su mejor película, creó la atmósfera tensa coordinando el tiempo de la pantalla con el tiempo real.

Debido a que comenzó su carrera cinematográfica como camarógrafo, sus películas están fuertemente orientadas hacia los aspectos visuales. También dijo que independientemente del tamaño de la parte de un actor, pasa mucho tiempo discutiendo los roles con cada actor por separado y en profundidad. "De esta manera nos aseguramos mucho antes de que comience la filmación que estamos en la misma onda," él dice.

Las películas de Zinnemann son en su mayoría dramas sobre individuos solitarios y con principios puestos a prueba por eventos trágicos, incluidos High Noon (1952), From Here to Eternity (1953); La historia de la monja (1959); Un hombre para todas las estaciones (1966); y Julia (1977). Considerado un artesano consumado, Zinnemann tradicionalmente dotó a su trabajo de una meticulosa atención a los detalles para crear realismo, y tenía un don intuitivo para el casting y una preocupación por los dilemas morales de sus personajes. Su filosofía sobre la dirección influyó en el director Alan Parker:

Mi mentor era el gran director, Fred Zinnemann, a quien solía mostrar todas mis películas hasta que murió. Me dijo algo que siempre intento mantenerme en la cabeza cada vez que decido qué película hacer después. Me dijo que hacer una película era un gran privilegio, y nunca deberías perderla.

En De aquí a la eternidad, por ejemplo, agregó imágenes reales del noticiero del ataque japonés a Pearl Harbor, lo que mejoró y dramatizó la historia. De manera similar, en A Hatful of Rain, usó un estilo documental para presentar la adicción a las drogas en la vida real en Nueva York. Zinnemann volvió a incorporar imágenes de noticiarios en Behold a Pale Horse, sobre la Guerra Civil española. El día del chacal, un thriller político sobre un intento de asesinar a Charles de Gaulle, se rodó en exteriores al estilo de un noticiario, mientras que Julia situó a los personajes en escenarios auténticos, como en un viaje en tren lleno de suspenso de París a Moscú durante la Segunda Guerra Mundial. Según un historiador, el estilo de Zinnemann 'demuestra el sentido de realismo psicológico del director y su aparente determinación de hacer películas que valgan la pena y que, sin embargo, sean muy entretenidas'.

Honores y premios

• Premio de la Academia para el Mejor Sujeto Corto, One-Reel: Que las madres puedan vivir (1938).
• Golden Globe for Best Film Promoting International Entendimiento: "La búsqueda" (1948).
• Premio de la Academia para el Mejor Corto Documental: Benjy (1951).
• Premio Círculo de crítica de cine de Nueva York para el mejor director: High Noon (1952).
• Premio de la Academia al Mejor Director, Directores Guild of America (DGA) Premio al logro Directorial Destacado en Motion Pictures: Desde aquí hasta la eternidad (1953).
• Premio Círculo de crítica de cine de Nueva York para el mejor director: La historia de la monja (1959).
• Premio de la Academia al Mejor Director, Premio del Círculo de Crítica de Cine de Nueva York al Mejor Director, y Premio a la Guild de los Directores de América (DGA) por el logro Directorial Destacado en Motion Pictures: Un hombre para todas las estaciones (1966).
• D. W. Griffith Award, 1971.
• Orden de Artes y Letras, Francia, 1982.
• Premio al logro de la vida en el Congreso de los Estados Unidos, 1987.
• John Huston Award, Artists Right Foundation, 1994.

Filmografía

Largometrajes

Cortometrajes

Películas inacabadas