Franco zappa
Frank Vincent Zappa (21 de diciembre de 1940 - 4 de diciembre de 1993) fue un músico, compositor y director de orquesta estadounidense. Su obra se caracteriza por el inconformismo, la improvisación libre, la experimentación sonora, el virtuosismo musical y la sátira de la cultura americana. En una carrera de más de 30 años, Zappa compuso obras de rock, pop, jazz, jazz fusión, orquestal y musique concrète, y produjo casi todos los más de 60 álbumes que lanzó con su banda the Mothers of Invention y como solista. Zappa también dirigió largometrajes y videos musicales, y diseñó portadas de álbumes. Es considerado uno de los músicos más innovadores y estilísticamente diversos de su generación.
Como compositor e intérprete autodidacta, Zappa tuvo diversas influencias musicales que lo llevaron a crear música que a veces era difícil de categorizar. Mientras era adolescente, adquirió un gusto por el modernismo clásico del siglo XX, el ritmo y blues afroamericano y la música doo-wop. Comenzó a escribir música clásica en la escuela secundaria, al mismo tiempo que tocaba la batería en bandas de ritmo y blues, y luego cambió a la guitarra eléctrica. Su álbum de estudio debut con Mothers of Invention, Freak Out! (1966), combinó canciones en formato de rock and roll convencional con improvisaciones colectivas y collages de sonido generados en estudio. Continuó con este enfoque ecléctico y experimental ya sea que el formato fundamental fuera rock, jazz o música clásica.
La producción de Zappa está unificada por una continuidad conceptual que él denominó "Proyecto/Objeto", con numerosas frases musicales, ideas y personajes que reaparecen en sus álbumes. Sus letras reflejaban sus puntos de vista iconoclastas de los procesos, estructuras y movimientos sociales y políticos establecidos, a menudo con humor, y ha sido descrito como el "padrino" de comedia rock. Fue un crítico estridente de la educación convencional y la religión organizada, y un defensor directo y apasionado de la libertad de expresión, la autoeducación, la participación política y la abolición de la censura. A diferencia de muchos otros músicos de rock de su generación, desaprobaba el consumo de drogas recreativas, pero apoyaba la despenalización y la regulación.
Zappa fue un artista muy productivo y prolífico con una posición crítica controvertida; los partidarios de su música admiraron su complejidad compositiva, mientras que los detractores encontraron que carecía de profundidad emocional. Tuvo mayor éxito comercial fuera de los Estados Unidos, particularmente en Europa. Aunque trabajó como artista independiente, Zappa se basó principalmente en los acuerdos de distribución que había negociado con los principales sellos discográficos. Sigue siendo una gran influencia en músicos y compositores. Sus muchos honores incluyen su inducción póstuma en 1995 al Salón de la Fama del Rock and Roll y el premio Grammy Lifetime Achievement Award de 1997.
Décadas de 1940 a 1960: vida temprana y carrera
Infancia
Zappa nació el 21 de diciembre de 1940 en Baltimore, Maryland. Su madre, Rose Marie (de soltera Colimore), era de ascendencia italiana (napolitana y siciliana) y francesa.; su padre, cuyo nombre se convirtió en inglés a Francis Vincent Zappa, era un inmigrante de Partinico, cerca de Palermo en la isla italiana de Sicilia, con ascendencia griega y árabe.
Frank, el mayor de cuatro hijos, se crió en un hogar ítalo-estadounidense donde sus abuelos a menudo hablaban italiano. La familia se mudaba a menudo porque su padre, químico y matemático, trabajaba en la industria de la defensa. Después de un tiempo en Florida en la década de 1940, la familia regresó a Maryland, donde el padre de Zappa trabajaba en las instalaciones de guerra química Edgewood Arsenal del campo de pruebas de Aberdeen, dirigidas por el ejército de los EE. UU. Debido a la proximidad de su hogar al arsenal, que almacenaba gas mostaza, se guardaban máscaras de gas en el hogar en caso de accidente. Este arreglo de vivienda tuvo un efecto profundo en Zappa, y las referencias a los gérmenes, la guerra de gérmenes, las dolencias y la industria de la defensa aparecen con frecuencia a lo largo de su obra.
El padre de Zappa a menudo traía equipos de laboratorio llenos de mercurio desde su lugar de trabajo y se los daba a Zappa para que jugaran con ellos. Zappa dijo que cuando era niño "solía jugar con él todo el tiempo", a menudo ponía mercurio líquido en el piso y usaba un martillo para rociar gotas de mercurio en un patrón circular, cubriendo finalmente todo el piso. de su dormitorio con ellos. Se sabe que la exposición infantil al mercurio elemental tóxico en las bases militares aumenta el riesgo de desarrollar cáncer de próstata en la edad adulta. Zappa fue diagnosticado con cáncer de próstata terminal en 1990 a los 49 años y murió en 1993 a los 52 años.
Zappa a menudo se enfermaba cuando era niño, sufría de asma, dolores de oído y problemas de sinusitis. Un médico trató su sinusitis insertando una bolita de radio en cada una de las fosas nasales de Zappa. En ese momento, se sabía poco sobre los peligros potenciales de incluso pequeñas cantidades de radiación terapéutica, y aunque desde entonces se ha afirmado que el tratamiento con radio nasal tiene conexiones causales con el cáncer, ningún estudio ha proporcionado suficiente evidencia para confirmarlo.
Las imágenes nasales y las referencias aparecen en su música y letras, así como en las portadas de álbumes de collage creadas por su colaborador de mucho tiempo, Cal Schenkel. Zappa creía que sus enfermedades infantiles podrían deberse a la exposición al gas mostaza, liberado por la instalación de guerra química cercana, y su salud empeoró cuando vivía en Baltimore. En 1952, su familia se mudó por razones de salud a Monterey, California, donde su padre enseñó metalurgia en la Escuela Naval de Posgrado. Pronto se mudaron al vecindario de Clairemont en San Diego, y luego a la cercana ciudad de El Cajon, antes de finalmente regresar a San Diego.
Primeros intereses musicales
Desde No tenía ningún tipo de entrenamiento formal, no me importaba si escuchaba a Lightnin' Slim, o un grupo vocal llamado las Joyas..., o Webern, o Varèse, o Stravinsky. Para mí fue buena música.
Frank Zappa, 1989
Zappa se unió a su primera banda en Mission Bay High School en San Diego como baterista. Aproximadamente al mismo tiempo, sus padres compraron un fonógrafo, lo que le permitió desarrollar su interés por la música y comenzar a construir su colección de discos. Según The Rough Guide to Rock (2003), "cuando era adolescente, Zappa estaba simultáneamente cautivado por el R&B negro (Johnny 'Guitar' Watson, Guitar Slim), doo-wop (The Channels, The Velvets), el modernismo de Igor Stravinsky y Anton Webern, y los experimentos sonoros disonantes de Edgard Varese."
Los sencillos de R&B fueron las primeras compras de Zappa, y comenzaron una gran colección que conservó por el resto de su vida. Estaba interesado en los sonidos por sí mismos, en particular los sonidos de los tambores y otros instrumentos de percusión. A los doce años, obtuvo un redoblante y comenzó a aprender los conceptos básicos de la percusión orquestal. El profundo interés de Zappa por la música clásica moderna comenzó cuando leyó un artículo en la revista LOOK sobre la cadena de tiendas de discos Sam Goody que alababa su capacidad para vender un LP tan oscuro como The Complete Works. de Edgard Varèse, volumen uno. El artículo describía la composición de percusión Ionisation de Varèse, producida por EMS Recordings, como "un extraño revoltijo de tambores y otros sonidos desagradables". Zappa decidió buscar la música de Varèse. Después de buscar durante más de un año, Zappa encontró una copia (se fijó en el LP debido a la foto de Varèse con aspecto de "científico loco" en la portada). Como no tenía suficiente dinero consigo, convenció al vendedor para que le vendiera el disco con descuento. Así comenzó su pasión de toda la vida por la música de Varèse y la de otros compositores clásicos modernos. También le gustaba la música clásica italiana que escuchaban sus abuelos, especialmente las arias de ópera de Puccini.
Para 1956, la familia Zappa se había mudado a Lancaster, una pequeña ciudad agrícola y aeroespacial en Antelope Valley, en el desierto de Mojave, cerca de la Base de la Fuerza Aérea Edwards; más tarde se referiría a Sun Village (una ciudad cercana a Lancaster) en la pista de 1973 'Village of the Sun'. La madre de Zappa lo animó en sus inquietudes musicales. Aunque no le gustaba la música de Varèse, fue lo suficientemente indulgente como para hacerle a su hijo una llamada de larga distancia al compositor de Nueva York como regalo de cumpleaños número quince. Desafortunadamente, Varèse estaba en Europa en ese momento, por lo que Zappa habló con la esposa del compositor y ella le sugirió que volviera a llamar más tarde. En una carta, Varèse le agradeció su interés y le habló de una composición en la que estaba trabajando llamada "Déserts". Viviendo en la ciudad del desierto de Lancaster, Zappa encontró esto muy emocionante. Varèse lo invitó a visitar si alguna vez venía a Nueva York. El encuentro nunca se llevó a cabo (Varèse murió en 1965), pero Zappa enmarcó la carta y la mantuvo a la vista por el resto de su vida.
En Antelope Valley High School, Zappa conoció a Don Glen Vliet (quien luego cambió su nombre a Don Van Vliet y adoptó el nombre artístico de Captain Beefheart). Zappa y Vliet se hicieron buenos amigos, compartieron un interés por los discos de R&B y se influyeron musicalmente a lo largo de sus carreras. Casi al mismo tiempo, Zappa comenzó a tocar la batería en una banda local, los Blackouts. La banda era racialmente diversa e incluía a Euclid James "Motorhead" Sherwood, quien más tarde se convirtió en miembro de Mothers of Invention. El interés de Zappa por la guitarra creció y en 1957 recibió su primer instrumento. Entre sus primeras influencias se encuentran Johnny "Guitar" Watson, Howlin' Lobo y Clarence 'Gatemouth' Marrón. En las décadas de 1970 y 1980, invitó a Watson a actuar en varios álbumes. Zappa consideró los solos como el equivalente a formar "esculturas de aire", y desarrolló un estilo ecléctico, innovador y muy personal. También fue influenciado por el compositor egipcio Halim El-Dabh.
El interés de Zappa por la composición y los arreglos floreció en sus últimos años de escuela secundaria. En su último año, estaba escribiendo, arreglando y dirigiendo piezas de vanguardia para la orquesta de la escuela. Se graduó de Antelope Valley High School en 1958 y luego reconoció a dos de sus maestros de música en la portada del álbum de 1966 Freak Out! Debido a las frecuentes mudanzas de su familia, Zappa asistió al menos a seis escuelas secundarias diferentes, y como estudiante a menudo se aburría y distraía al resto de la clase con payasadas juveniles. En 1959, asistió a Chaffey College, pero se fue después de un semestre y mantuvo desde entonces un desdén por la educación formal, sacando a sus hijos de la escuela a los 15 años y negándose a pagar la universidad.
Zappa se fue de casa en 1959 y se mudó a un pequeño apartamento en Echo Park, Los Ángeles. Después de conocer a Kathryn J. "Kay" Sherman durante su breve período de estudio privado de composición con el profesor Karl Kohn de Pomona College, se mudaron juntos a Ontario y se casaron el 28 de diciembre de 1960. Zappa trabajó durante un breve período en publicidad como redactor publicitario. Su estancia en el mundo comercial fue breve, pero le proporcionó información valiosa sobre su funcionamiento. A lo largo de su carrera, se interesó mucho en la presentación visual de su trabajo, diseñando algunas de las portadas de sus discos y dirigiendo sus propias películas y videos.
Estudio Z
Zappa intentó ganarse la vida como músico y compositor y tocó en diferentes clubes nocturnos, algunos con una nueva versión de los Blackouts. Las primeras grabaciones profesionales de Zappa, dos bandas sonoras de las películas de bajo presupuesto The World's Greatest Sinner (1962) y Run Home Slow (1965) fueron más gratificante económicamente. La partitura anterior fue encargada por el actor y productor Timothy Carey y se grabó en 1961. Contiene muchos temas que aparecieron en discos posteriores de Zappa. La última banda sonora se grabó en 1963 después de que se completara la película, pero fue encargada por uno de los antiguos maestros de secundaria de Zappa en 1959 y es posible que Zappa haya trabajado en ella antes de que se filmara la película. Se pueden escuchar extractos de la banda sonora en el álbum póstumo The Lost Episodes (1996).
A principios de la década de 1960, Zappa escribió y produjo canciones para otros artistas locales, a menudo trabajando con el cantautor Ray Collins y el productor Paul Buff. Sus "Memorias de El Monte" fue grabado por los Penguins, aunque solo apareció Cleve Duncan del grupo original. Buff era dueño del pequeño Pal Recording Studio en Cucamonga, que incluía una grabadora de cinco pistas única que había construido. En ese momento, solo un puñado de los estudios comerciales más sofisticados tenían instalaciones multipista; el estándar de la industria para estudios más pequeños seguía siendo mono o de dos pistas. Aunque ninguna de las grabaciones de la época logró un gran éxito comercial, Zappa ganó suficiente dinero para permitirle en 1963 organizar un concierto de su música orquestal y transmitirlo y grabarlo. En marzo de ese mismo año, Zappa apareció en el programa nocturno sindicado de Steve Allen tocando una bicicleta como instrumento musical, usando baquetas y un arco prestado de la banda&# El bajista de 39, procedió a puntear, golpear e inclinar los radios de la bicicleta, produciendo sonidos extraños y cómicos de su nuevo instrumento. Con Captain Beefheart, Zappa grabó algunas canciones bajo el nombre de The Soots. Fueron rechazados por Dot Records. Más tarde, los Mothers también fueron rechazados por Columbia Records por no tener "potencial comercial", un veredicto que Zappa citó posteriormente en la portada de Freak Out!
En 1964, después de que su matrimonio comenzara a romperse, se mudó al estudio Pal y comenzó a trabajar de manera rutinaria 12 horas o más por día grabando y experimentando con doblajes y manipulación de cintas de audio. Esto estableció un patrón de trabajo que perduró durante la mayor parte de su vida. Con la ayuda de sus ingresos por la composición de películas, Zappa se hizo cargo del estudio de manos de Paul Buff, quien ahora trabajaba con Art Laboe en Original Sound. Se le cambió el nombre a Studio Z. Studio Z rara vez se reservaba para grabaciones de otros músicos. En cambio, se mudaron amigos, en particular James 'Motorhead'. Sherwood. Zappa comenzó a actuar en bares locales como guitarrista con un poderoso trío, los Muthers, para mantenerse.
Un artículo en la prensa local que describe a Zappa como "el Rey del Cine de Cucamonga" llevó a la policía local a sospechar que estaba haciendo películas pornográficas. En marzo de 1965, un oficial encubierto de la brigada antivicio se acercó a Zappa y aceptó una oferta de $ 100 (equivalente a $ 860 en 2021) para producir una sugerente cinta de audio para una supuesta despedida de soltero. Zappa y una amiga grabaron un episodio erótico fingido. Cuando Zappa estaba a punto de entregar la cinta, fue arrestado y la policía despojó al estudio de todo el material grabado. Se avisó a la prensa de antemano, y el The Daily Report del día siguiente escribió que "los investigadores de Vice Squad paralizaron las grabadoras de una película libre y dinámica y estudio de grabación aquí el viernes y arrestó a un productor de cine autoproclamado". Zappa fue acusado de "conspiración para cometer pornografía". Este cargo de delito grave se redujo y fue sentenciado a seis meses de cárcel por un delito menor, con todos menos diez días suspendidos. Su breve encarcelamiento dejó una marca permanente y fue fundamental para la formación de su postura antiautoritaria. Zappa perdió varias grabaciones realizadas en Studio Z en el proceso, ya que la policía devolvió solo 30 de las 80 horas de cinta incautadas. Eventualmente, ya no pudo pagar el alquiler del estudio y fue desalojado. Zappa logró recuperar algunas de sus posesiones antes de que el estudio fuera demolido en 1966.
Finales de la década de 1960: las madres de la invención
Formación
En 1964, Ray Collins le pidió a Zappa que asumiera el cargo de guitarrista en la banda local de R&B Soul Giants, luego de una pelea entre Collins y el guitarrista original del grupo. Zappa aceptó y pronto asumió el liderazgo y el papel de co-cantante principal (aunque nunca se consideró un cantante, ni entonces ni después). Convenció a los otros miembros de que deberían tocar su música para aumentar las posibilidades de obtener un contrato discográfico. La banda debutó en el Broadside Club en Pomona, California y pasó a llamarse Mothers desde que este concierto tuvo lugar el 10 de mayo de 1964, el Día de la Madre. Aumentaron sus reservas después de comenzar una asociación con el manager Herb Cohen y gradualmente llamaron la atención sobre la floreciente escena musical underground de Los Ángeles. A principios de 1966, el destacado productor discográfico Tom Wilson los vio cuando tocaban 'Trouble Every Day', una canción sobre los disturbios de Watts. Wilson había sido aclamado como productor de Bob Dylan y Simon & Garfunkel, y fue uno de los pocos afroamericanos que trabajaba como productor de música pop de un sello importante en ese momento. Wilson firmó con la división Mothers to the Verve de MGM, que se había ganado una sólida reputación por sus lanzamientos de grabaciones de jazz moderno en las décadas de 1940 y 1950, pero intentaba diversificarse hacia audiencias de pop y rock. Verve insistió en que la banda se rebautizara oficialmente como Mothers of Invention, ya que Mother era la abreviatura de hijo de puta, un término que, aparte de sus significados profanos, puede denotar a un músico habilidoso.
Álbum debut: Freak Out!
Con Wilson acreditado como productor, las Mothers of Invention, aumentadas por una orquesta de estudio, grabaron el innovador Freak Out! (1966), que, después de Bob Dylan, Blonde on Blonde, fue el segundo álbum doble de rock jamás lanzado. Mezclaba R&B, doo-wop, musique concrète y collages sonoros experimentales que capturaban el "freak" subcultura de Los Ángeles en ese momento. Aunque no estaba satisfecho con el producto final, Freak Out estableció de inmediato a Zappa como una nueva voz radical en la música rock, proporcionando un antídoto contra la 'cultura de consumo implacable de Estados Unidos'. El sonido era crudo, pero los arreglos eran sofisticados. Mientras grababan en el estudio, algunos de los músicos de sesión adicionales se sorprendieron de que se esperara que leyeran las notas de las partituras de las listas con Zappa dirigiéndolas, ya que no era estándar al grabar música rock. La letra elogiaba el inconformismo, menospreciaba a las autoridades y tenía elementos dadaístas. Sin embargo, había un lugar para las canciones de amor aparentemente convencionales. La mayoría de las composiciones son de Zappa, lo que sentó un precedente para el resto de su carrera discográfica. Tenía control total sobre los arreglos y las decisiones musicales e hizo la mayoría de las sobregrabaciones. Wilson proporcionó la influencia y las conexiones de la industria y pudo proporcionar al grupo los recursos financieros necesarios. Aunque Wilson pudo proporcionar a Zappa and the Mothers un extraordinario grado de libertad artística para la época, la grabación no salió del todo según lo planeado. En una entrevista de radio de 1967, Zappa explicó que la extravagante canción de cierre de 11 minutos del álbum, "Return of the Son of Monster Magnet" no estaba terminado. La pista, tal como aparece en el álbum, era solo una pista de acompañamiento para una pieza mucho más compleja, pero MGM se negó a permitir el tiempo de grabación adicional necesario para completarla. Para disgusto de Zappa, se emitió sin terminar.
Durante la grabación de Freak Out!, Zappa se mudó a una casa en Laurel Canyon con su amiga Pamela Zarubica, quien apareció en el álbum. La casa se convirtió en un lugar de reunión (y de vida) para muchos músicos y groupies de Los Ángeles de la época, a pesar de la desaprobación de Zappa por su consumo de drogas ilícitas. Después de una breve gira promocional tras el lanzamiento de Freak Out!, Zappa conoció a Adelaide Gail Sloatman. Él se enamoró en 'un par de minutos' y ella se mudó a la casa durante el verano. Se casaron en 1967, tuvieron cuatro hijos y permanecieron juntos hasta la muerte de Zappa.
Wilson produjo nominalmente a Mothers' segundo álbum Absolutely Free (1967), que se grabó en noviembre de 1966 y luego se mezcló en Nueva York, aunque en ese momento Zappa tenía el control de facto de la mayoría de las facetas de la producción. Contó con la interpretación extendida de Mothers of Invention y se centró en canciones que definieron el estilo compositivo de Zappa de introducir cambios rítmicos abruptos en canciones que se construyeron a partir de diversos elementos. Algunos ejemplos son "Gente de plástico" y 'Brown Shoes Don't Make It', que contenía letras que criticaban la hipocresía y el conformismo de la sociedad estadounidense, pero también la contracultura de la década de 1960. Como dijo Zappa, "somos satíricos, y queremos satirizarlo todo". Al mismo tiempo, Zappa había grabado material para un álbum de obras orquestales que se lanzaría bajo su propio nombre, Lumpy Gravy, lanzado por Capitol Records en 1967. Debido a problemas contractuales, el álbum fue retirado. Zappa aprovechó para reestructurar radicalmente los contenidos, añadiendo diálogos improvisados recién grabados. Una vez resueltos los problemas contractuales, el álbum fue reeditado por Verve en 1968. Se trata de un "increíblemente ambicioso proyecto musical", un "monumento a John Cage", que entrelaza temas orquestales, hablados palabras y ruidos electrónicos a través de técnicas radicales de edición de audio.
Período de Nueva York (1966–1968)
The Mothers of Invention tocaron en Nueva York a fines de 1966 y se les ofreció un contrato en el Teatro Garrick (en 152 Bleecker Street, arriba del Café au Go Go) durante la Pascua de 1967. Esto resultó exitoso y Herb Cohen extendió la reserva, que finalmente duró medio año. Como resultado, Zappa y su esposa Gail, junto con Mothers of Invention, se mudaron a Nueva York. Sus espectáculos se convirtieron en una combinación de actos improvisados que mostraban los talentos individuales de la banda, así como interpretaciones precisas de la música de Zappa. Todo fue dirigido por Zappa usando señales con las manos. Los artistas invitados y la participación del público se convirtieron en una parte habitual de los espectáculos del Teatro Garrick. Una noche, Zappa logró atraer a algunos marines estadounidenses de la audiencia al escenario, donde procedieron a desmembrar una gran muñeca, después de que Zappa les dijo que fingiran que era un "bebé gook".
En 1967, el cineasta Ed Seeman le pagó a Zappa 2000 dólares para que produjera música para un comercial de televisión de pastillas para la tos de Luden. La música de Zappa coincidió con la animación de Seeman y el anuncio ganó un premio Clio por "Mejor uso del sonido". Una versión alternativa de la banda sonora, llamada 'The Big Squeeze', apareció más tarde en el álbum póstumo de Zappa de 1996 'The Lost Episodes'. Esta versión carece de la narración de Seeman.
Mientras vivía en la ciudad de Nueva York, e interrumpido por la primera gira europea de la banda, Mothers of Invention grabó el álbum ampliamente considerado como el pico del trabajo del grupo de fines de la década de 1960, We& #39;re Only in It for the Money (lanzado en 1968). Fue producido por Zappa, con Wilson acreditado como productor ejecutivo. A partir de entonces, Zappa produjo todos los álbumes lanzados por Mothers of Invention y como solista. We're Only in It for the Money presentó algunas de las ediciones y producciones de audio más creativas que se han escuchado en la música pop, y las canciones satirizaron despiadadamente los fenómenos hippie y flower power. Muestra música de surf de sus días en Studio Z en el collage de audio Nasal Retentive Caliope Music. La foto de portada parodiaba la de los Beatles' Sargento. Pepper's Lonely Hearts Club Band. La portada fue proporcionada por Cal Schenkel, a quien Zappa conoció en Nueva York. Esto inició una colaboración de por vida en la que Schenkel diseñó portadas para numerosos álbumes de Zappa y Mothers.
Reflejando el enfoque ecléctico de Zappa hacia la música, el próximo álbum, Cruising with Ruben & los Jets (1968), fue muy diferente. Representaba una colección de canciones doo-wop; los oyentes y los críticos no estaban seguros de si el álbum era una sátira o un tributo. Zappa comentó más tarde que el álbum fue concebido como las composiciones de Stravinsky en su período neoclásico: "Si él pudiera tomar las formas y los clichés de la era clásica y pervertirlos, ¿por qué no hacer lo mismo?... hacer doo-wop en los años cincuenta?" El tema de apertura de La consagración de la primavera de Stravinsky se canta en 'Fuente de amor'.
En 1967 y 1968, Zappa hizo dos apariciones con los Monkees. La primera aparición fue en un episodio de su serie de televisión, 'The Monkees Blow Their Minds', donde Zappa, disfrazado de Mike Nesmith, entrevista a Nesmith, quien está disfrazado de Zappa. Después de la entrevista, Zappa destruye un automóvil con un mazo mientras suena la canción "Mother People" obras de teatro. Más tarde hizo un cameo en The Monkees' película Head donde, guiando a una vaca, le dice a Davy Jones "la juventud de Estados Unidos depende de ti para mostrarles el camino". Zappa respetó a los Monkees y reclutó a Micky Dolenz para los Mothers, pero RCA/Columbia/Colgems no liberaron a Dolenz de su contrato.
A fines de la década de 1960, Zappa continuó desarrollando el lado comercial de su carrera. Él y Herb Cohen formaron los sellos Bizarre Records y Straight Records para aumentar el control creativo y producir grabaciones de otros artistas. Estos sellos fueron distribuidos en Estados Unidos por Warner Bros. Records. Las grabaciones de Zappa/Mothers aparecieron en Bizarre junto con Wild Man Fischer y Lenny Bruce. Straight lanzó el álbum doble Trout Mask Replica para Captain Beefheart y lanzamientos de Alice Cooper, The Persuasions y los GTO.
En las Madres' segunda gira europea en septiembre/octubre de 1968 actuaron para el Internationale Essener Songtage en el Grugahalle en Essen, Alemania; en el Tivoli de Copenhague, Dinamarca; para programas de televisión en Alemania (Beat-Club), Francia e Inglaterra; en el Concertgebouw de Ámsterdam; en el Royal Festival Hall de Londres; y en el Olympia de París.
Disolución
Zappa y Mothers of Invention regresaron a Los Ángeles a mediados de 1968, y los Zappa se mudaron a una casa en Laurel Canyon Boulevard, solo para mudarse nuevamente a Woodrow Wilson Drive. Este fue el hogar de Zappa por el resto de su vida. A pesar de tener éxito en Europa, a Mothers of Invention no les estaba yendo bien financieramente. Sus primeros discos tenían una orientación vocal, pero a medida que Zappa escribía más jazz instrumental y música de estilo clásico para los conciertos de la banda, el público estaba confundido. Zappa sintió que el público no pudo apreciar su "música de cámara eléctrica".
En 1969 había nueve miembros en la banda y Zappa apoyaba al grupo con sus regalías editoriales, tocaran o no. A fines de 1969, Zappa disolvió la banda. A menudo citó la tensión financiera como la razón principal, pero también comentó sobre los miembros de la banda & # 39; falta de diligencia. Muchos miembros de la banda estaban amargados por la decisión de Zappa, y algunos lo tomaron como una señal del perfeccionismo de Zappa a expensas del sentimiento humano. Otros estaban irritados por 'sus formas autocráticas', ejemplificadas por el hecho de que Zappa nunca se hospedaba en el mismo hotel que los miembros de la banda. Varios miembros jugaron para Zappa en los próximos años. Las grabaciones restantes de la banda de este período se recopilaron en Weasels Ripped My Flesh y Burnt Weeny Sandwich (ambos lanzados en 1970).
Después de disolver Mothers of Invention, Zappa lanzó el aclamado álbum en solitario Hot Rats (1969). Presenta, por primera vez registrada, a Zappa tocando solos de guitarra extendidos y contiene una de sus composiciones más perdurables, "Peaches en Regalia", que reapareció varias veces en futuras grabaciones. Fue respaldado por músicos de sesión de jazz, blues y R&B, incluido el violinista Don "Sugarcane" Harris, los bateristas John Guerin y Paul Humphrey, el multiinstrumentista y ex miembro de Mothers of Invention Ian Underwood, y el multiinstrumentista Shuggie Otis en el bajo, junto con una aparición especial de Captain Beefheart en la única pista vocal, 'Willie the Chulo. Se convirtió en un álbum popular en Inglaterra y tuvo una gran influencia en el desarrollo de la fusión jazz-rock.
Década de 1970
Renacimiento de las Madres y cine
En 1970, Zappa conoció al director de orquesta Zubin Mehta. Organizaron un concierto de mayo de 1970 donde Mehta dirigió la Filarmónica de Los Ángeles aumentada por una banda de rock. Según Zappa, la música se escribió principalmente en habitaciones de motel durante la gira con Mothers of Invention. Algo de esto apareció más tarde en la película 200 Motels. Aunque el concierto fue un éxito, la experiencia de Zappa trabajando con una orquesta sinfónica no fue feliz. Su insatisfacción se convirtió en un tema recurrente a lo largo de su carrera; a menudo sentía que la calidad de la interpretación de su material entregado por las orquestas no era proporcional al dinero que gastaba en conciertos y grabaciones orquestales.
Más tarde, en 1970, Zappa formó una nueva versión de los Mothers (a partir de ese momento, abandonó principalmente "of Invention"). Incluía al baterista británico Aynsley Dunbar, el tecladista de jazz George Duke, Ian Underwood, Jeff Simmons (bajo, guitarra rítmica) y tres miembros de las Tortugas: el bajista Jim Pons y los cantantes Mark Volman y Howard Kaylan, quienes, debido a persistentes problemas legales. y problemas contractuales, adoptó el nombre artístico "The Phlorescent Leech and Eddie", o "Flo & Eddie'.
Esta versión de Mothers debutó en el siguiente álbum en solitario de Zappa Chunga's Revenge (1970), al que siguió la banda sonora del álbum doble de la película 200 moteles (1971), con las Mothers, la Royal Philharmonic Orchestra, Ringo Starr, Theodore Bikel y Keith Moon. Codirigida por Zappa y Tony Palmer, fue filmada en una semana en Pinewood Studios en las afueras de Londres. Surgieron tensiones entre Zappa y varios miembros del elenco y del equipo antes y durante el rodaje. La película trata libremente sobre la vida en la carretera como músico de rock. Fue el primer largometraje fotografiado en cinta de video y transferido a película de 35 mm, un proceso que permitió efectos visuales novedosos. Fue lanzado con críticas mixtas. La partitura se basó en gran medida en la música orquestal, y la insatisfacción de Zappa con el mundo de la música clásica se intensificó cuando un concierto, programado en el Royal Albert Hall después de la filmación, fue cancelado porque un representante del lugar consideró que algunas de las letras eran obscenas. En 1975, perdió una demanda contra el Royal Albert Hall por incumplimiento de contrato.
Después de 200 Motels, la banda se fue de gira, lo que resultó en dos álbumes en vivo, Fillmore East – June 1971 y Just Another Band from L.A.; el último incluía la pista de 20 minutos 'Billy the Mountain', la sátira de Zappa sobre la ópera rock ambientada en el sur de California. Esta pista era representativa de las representaciones teatrales de la banda, que usaban canciones para crear bocetos basados en escenas de 200 Motels, así como nuevas situaciones que a menudo representaban a los miembros de la banda. Encuentros sexuales en la carretera.
Accidente, atentado y secuelas
El 4 de diciembre de 1971, Zappa sufrió el primero de dos reveses graves. Mientras actuaban en el Casino de Montreux en Suiza, las Mothers' el equipo fue destruido cuando una bengala encendida por un miembro de la audiencia inició un incendio que incendió el casino. Inmortalizado en la canción de Deep Purple "Smoke on the Water", el evento y las consecuencias inmediatas se pueden escuchar en el álbum pirata Swiss Cheese/Fire, lanzado legalmente como parte de Compilación Beat the Boots II de Zappa. Después de perder $ 50,000 (equivalente a $ 335,000 en 2021) en equipo y una semana de descanso, las Mothers tocaron en el Rainbow Theatre de Londres con equipo alquilado. Durante el bis, un miembro de la audiencia celoso por el enamoramiento de su novia con Zappa lo empujó fuera del escenario hacia el foso de la orquesta con piso de concreto. La banda pensó que Zappa había muerto: había sufrido fracturas graves, traumatismo craneoencefálico y lesiones en la espalda, la pierna y el cuello, así como una laringe aplastada, lo que finalmente hizo que su voz bajara un tercio después de curarse.
Después del ataque, Zappa necesitó usar una silla de ruedas durante un período prolongado, lo que imposibilitó las giras durante más de medio año. Al regresar al escenario en septiembre de 1972, Zappa todavía usaba un aparato ortopédico en la pierna, tenía una cojera notable y no podía estar de pie por mucho tiempo mientras estaba en el escenario. Zappa notó que una pierna sanó "más corta que la otra" (una referencia encontrada más tarde en la letra de las canciones 'Zomby Woof' y 'Dancin' Fool'), lo que provoca dolor de espalda crónico. Mientras tanto, las Mothers quedaron en el limbo y eventualmente formaron el núcleo de la banda de Flo y Eddie cuando se establecieron por su cuenta.
En diciembre de 1972, David Walley publicó la primera biografía de Zappa, titulada "Sin potencial comercial". Zappa fue severamente crítico y lo calificó como "un libro rápido, de bolsillo y sensacional". Afirmó que contenía "inexactitudes graves", describió la escritura como "mano de obra no de calidad" y afirmó que Walley había "acabado de juntar un montón de citas". A pesar de las quejas de Zappa, el libro se publicó más tarde en una edición actualizada en 1980 y nuevamente en 1996 después de la muerte de Zappa.
Álbumes en solitario: Waka/Jawaka y The Grand Wazoo
Durante 1971–1972, Zappa lanzó dos LP en solitario fuertemente orientados al jazz, Waka/Jawaka y The Grand Wazoo, que se grabaron durante el despido forzoso de la gira de conciertos. utilizando alineaciones flotantes de jugadores de sesión y ex alumnos de Mothers. Musicalmente, los álbumes eran similares a Hot Rats en el sentido de que presentaban pistas instrumentales extendidas con solos extendidos. Zappa comenzó a hacer giras nuevamente a fines de 1972. Su primer esfuerzo fue una serie de conciertos en septiembre de 1972 con una gran banda de 20 miembros conocida como Grand Wazoo. A esto le siguió una versión reducida conocida como Petit Wazoo que recorrió los Estados Unidos durante cinco semanas, de octubre a diciembre de 1972.
Top 10 de álbumes: Apostrophe (')
Luego, Zappa se formó y realizó una gira con grupos más pequeños que incluían a Ian Underwood (cañas, teclados), Ruth Underwood (vibraciones, marimba), Sal Márquez (trompeta, voz), Napoleon Murphy Brock (saxo, flauta y voz), Bruce Fowler (trombón), Tom Fowler (bajo), Chester Thompson (batería), Ralph Humphrey (batería), George Duke (teclados, voz) y Jean-Luc Ponty (violín).
En 1973, las etiquetas Bizarre y Straight se descontinuaron. Zappa y Cohen luego crearon DiscReet Records, también distribuido por Warner. Zappa continuó con una alta tasa de producción durante la primera mitad de la década de 1970, incluido el álbum en solitario Apostrophe (') (1974), que alcanzó el número 10, el más alto de su carrera, en el Billboard ayudadas por el éxito de la lista No. 86 "Don't Eat The Yellow Snow". Otros álbumes de la época son Over-Nite Sensation (1973), que contenía varios futuros conciertos favoritos, como "Dinah-Moe Humm" y "Montana", y los álbumes Roxy & Elsewhere (1974) y One Size Fits All (1975), que presentan versiones en constante cambio de una banda que todavía se llama Mothers, y se destacan por las interpretaciones ajustadas de canciones de jazz fusión muy difíciles. en piezas como "Inca Roads", "Echidna's Arf (Of You)" y "Be-Bop Tango (Of the Old Jazzmen's Church)". Una grabación en vivo de 1974, Ya no puedes hacer eso en el escenario, vol. 2 (1988), captura "todo el espíritu y la excelencia de la banda de 1973–1975". Zappa lanzó Bongo Fury (1975), que contó con una grabación en vivo en la sede mundial de Armadillo en Austin de una gira el mismo año que lo reunió con Captain Beefheart por un breve período. Más tarde se distanciaron por un período de años, pero estuvieron en contacto al final de la vida de Zappa.
Rupturas de negocios y giras
En 1976, Zappa produjo el álbum Good Singin', Good Playin' para Grand Funk Railroad. La relación de Zappa con el gerente de mucho tiempo Herb Cohen terminó en mayo de 1976. Después de que Cohen cobró uno de los cheques de regalías de Zappa de Warner y se quedó con el dinero, Zappa demandó a Cohen. Zappa también estaba molesto con Cohen por firmar actos que no aprobaba. Cohen presentó una demanda contra Zappa a cambio, que congeló el dinero que Zappa y Cohen esperaban recibir de un acuerdo extrajudicial con MGM/Verve sobre los derechos de las primeras grabaciones de Mothers of Invention de Zappa. El acuerdo de MGM se finalizó a mediados de 1977 después de dos años de negociaciones. El litigio con Cohen también impidió que Zappa tuviera acceso a cualquiera de sus materiales previamente grabados durante los juicios. Por lo tanto, Zappa llevó sus copias maestras personales del álbum Zoot Allures (1976) directamente a Warner, sin pasar por DiscReet. Tras la separación de Cohen, Zappa contrató a Bennett Glotzer como nuevo gerente.
A fines de 1976, Zappa estaba molesto con Warner por la promoción inadecuada de sus grabaciones y estaba ansioso por seguir adelante lo antes posible. En marzo de 1977, Zappa entregó cuatro álbumes (cinco LP de larga duración) a Warner para completar su contrato. Estos álbumes contenían grabaciones realizadas principalmente entre 1972 y 1976. Warner no cumplió con las obligaciones contractuales con Zappa y, en respuesta, presentó una demanda por incumplimiento de contrato multimillonaria. Durante un largo debate legal, Warner finalmente lanzó los cuatro álbumes en disputa durante 1978 y 1979, uno de ellos en forma censurada. Además, en 1977, Zappa preparó una caja de cuatro LP llamada Läther (pronunciado "leather") y negoció la distribución con Phonogram Inc. para su publicación en el sello Zappa Records. La caja de Läther estaba programada para su lanzamiento en Halloween de 1977, pero una acción legal de Warner obligó a Zappa a archivar este proyecto.
En diciembre de 1977, Zappa apareció en la estación de radio KROQ-FM de Pasadena, California, y reprodujo todo el álbum Läther, mientras animaba a los oyentes a grabar la transmisión en cinta. Ambos conjuntos de grabaciones (cinco LP y cuatro LP) tienen mucho del mismo material, pero cada uno también tiene un contenido único. Los álbumes integran muchos aspectos del trabajo de Zappa de la década de 1970: rock pesado, obras orquestales y complejos instrumentos de jazz, junto con los distintivos solos de guitarra de Zappa. Läther se lanzó oficialmente de forma póstuma en 1996. Todavía se debate si Zappa había concebido el material como un conjunto de cuatro LP desde el principio, o solo más tarde cuando trabajaba con Phonogram.
Aunque Zappa finalmente obtuvo los derechos de todo su material creado bajo los contratos de MGM y Warner, las diversas demandas significaron que, durante un período, los únicos ingresos de Zappa provenían de las giras, que por lo tanto hizo extensamente entre 1975 y 1977 con bandas relativamente pequeñas, principalmente orientadas al rock. El baterista Terry Bozzio se convirtió en un miembro regular de la banda, Napoleon Murphy Brock se quedó por un tiempo y se unió el bajista original de Mothers of Invention, Roy Estrada. Entre otros músicos estaban el bajista Patrick O'Hearn, el cantante y guitarrista Ray White y el teclista y violinista Eddie Jobson. En diciembre de 1976, Zappa apareció como invitado musical destacado en el programa de televisión de NBC Saturday Night Live. La canción de Zappa 'I'm the Slime' fue interpretada con la voz en off del locutor de cabina de SNL Don Pardo, quien también presentó "Peaches En Regalia" en la misma emisión. En 1978, Zappa se desempeñó como presentador y acto musical en el programa y como actor en varios sketches. Las actuaciones incluyeron una colaboración musical improvisada con el miembro del elenco John Belushi durante la pieza instrumental 'The Purple Lagoon'. Belushi apareció como su personaje Samurai Futaba tocando el saxo tenor con la dirección de Zappa.
La banda de Zappa tuvo una serie de shows navideños en la ciudad de Nueva York en 1976, cuyas grabaciones aparecen en Zappa in New York (1978) y también en el cuatro LP Läther. La banda incluía a Ruth Underwood y una sección de vientos (con Michael y Randy Brecker). Mezcla instrumentales complejos como "The Black Page" y canciones humorísticas como "Titties and Beer". La primera composición, escrita originalmente para batería pero luego desarrollada para bandas más grandes, es notoria por su complejidad en estructura rítmica y pasajes cortos y densamente arreglados.
Zappa in New York también presentó una canción sobre el criminal sexual Michael H. Kenyon, "The Illinois Enema Bandit", en la que Don Pardo proporciona la narración inicial. Como muchas canciones del álbum, contenía numerosas referencias sexuales, lo que provocó que muchos críticos objetaran y se sintieran ofendidos por el contenido. Zappa desestimó las críticas al señalar que él era un periodista que informaba sobre la vida tal como la veía. Antes de su posterior lucha contra la censura, comentó: "¿Qué piensas de una sociedad que es tan primitiva que se aferra a la creencia de que ciertas palabras en su idioma son tan poderosas que podrían corromperte en el momento en que las escuchas?". ?" Los álbumes restantes lanzados por Warner sin la aprobación de Zappa fueron Studio Tan en 1978 y Sleep Dirt y Orchestral Favourites en 1979. Estos lanzamientos no fueron promovidos y fueron pasados por alto en gran medida en medio de la prensa sobre los problemas legales de Zappa.
Disquera Zappa Records
Zappa lanzó dos de sus proyectos más importantes en 1979. Estos fueron el álbum más vendido de su carrera, Sheik Yerbouti, y lo que la autora Kelley Lowe llamó la "obra maestra de buena fe" 34;, El garaje de Joe.
El álbum doble Sheik Yerbouti apareció en marzo de 1979 y fue el primer lanzamiento que apareció en Zappa Records. Contenía el sencillo nominado al Grammy "Danzando' Fool", que alcanzó el puesto 45 en las listas Billboard. También contenía 'Jewish Princess', que llamó la atención cuando un grupo judío, la Liga Antidifamación (ADL), intentó evitar que la canción recibiera difusión por radio debido a su supuesta letra antisemita. Zappa negó con vehemencia cualquier sentimiento antisemita y descartó a la ADL como una "organización ruidosa que intenta presionar a la gente para fabricar una imagen estereotipada de los judíos que se adapte a su idea de pasar un buen rato". El éxito comercial del álbum se debió en parte a 'Bobby Brown'. Debido a su letra explícita sobre el encuentro de un joven con una 'bollera de nombre Freddie', la canción no se transmitió en los EE. UU., pero encabezó las listas de éxitos en varios países europeos donde El inglés no es el idioma principal.
Joe's Garage inicialmente tuvo que ser lanzado en dos partes debido a las condiciones económicas. El primero fue un LP sencillo Joe's Garage Act I en septiembre de 1979, seguido de un LP doble Joe's Garage Acts II y III en noviembre de 1979 Los álbumes presentan al cantante Ike Willis como el personaje principal 'Joe'. en una ópera rock sobre el peligro de los sistemas políticos, la supresión de la libertad de expresión y de música —inspirada en parte por la revolución islámica iraní de 1979 que había ilegalizado la música— y sobre la "extraña relación que tienen los estadounidenses con el sexo y la sexualidad". franqueza". El primer acto contiene la canción "Catholic Girls" (una respuesta a las controversias de 'Jewish Princess'), y la canción principal, que también se lanzó como sencillo. El segundo y tercer actos tienen improvisaciones de guitarra extendidas, que se grabaron en vivo y luego se combinaron con pistas de acompañamiento de estudio. Zappa describió este proceso como xenocronía. En este período, la banda incluía al baterista Vinnie Colaiuta (con quien Zappa tenía una relación musical particularmente fuerte). Joe's Garage contiene una de las piezas de guitarra más famosas de Zappa. #34;, "Sandía en heno de Pascua". Este trabajo apareció más tarde como un conjunto de tres LP o dos CD.
Zappa era conocido por su cabello largo desde mediados de la década de 1960, pero Gail se lo cortó en agosto de 1979. Ese otoño canceló los planes de la gira y se quedó en casa para celebrar los cumpleaños de dos de sus hijos en septiembre. En este momento, Zappa también completó los estudios Utility Muffin Research Kitchen (UMRK), que estaban ubicados en su casa, lo que le dio total libertad en su trabajo.
El 21 de diciembre de 1979 se estrenó en Nueva York la película Baby Snakes de Zappa. El lema de la película era "Una película sobre personas que hacen cosas que no son normales". La película de 2 horas y 40 minutos se basó en imágenes de conciertos en Nueva York alrededor de Halloween de 1977, con una banda que incluía al teclista Tommy Mars y al percusionista Ed Mann (quienes regresarían en giras posteriores), así como al guitarrista Adrian Belew. También contenía varias secuencias extraordinarias de animación con plastilina de Bruce Bickford, quien anteriormente había proporcionado secuencias de animación a Zappa para un especial de televisión de 1974 (que estuvo disponible en el video de 1982 The Dub Room Special). A la película no le fue bien en distribución cinematográfica, pero ganó el Premier Grand Prix en el Primer Festival Internacional de Música de París en 1981.
Décadas de 1980 y 1990
Zappa cortó lazos con Phonogram después de que el distribuidor se negara a lanzar su canción 'I Don't Wanna Get Drafted', que se grabó en febrero de 1980. El sencillo fue lanzado de forma independiente por Zappa en los Estados Unidos. Unidos y fue recogido por CBS Records a nivel internacional.
Después de pasar gran parte de 1980 de gira, Zappa lanzó Tinsel Town Rebellion en 1981. Fue el primer lanzamiento de su propio Barking Pumpkin Records, y contiene canciones extraídas de una gira de 1979, una pista de estudio y material de las giras de 1980. El álbum es una mezcla de instrumentales complicados y el uso de Zappa de sprechstimme (canción o voz hablada), una técnica de composición utilizada por compositores como Arnold Schoenberg y Alban Berg, que muestra algunos de los más bandas consumadas que Zappa haya tenido (principalmente con el baterista Vinnie Colaiuta). Si bien algunas letras aún generaron controversia entre los críticos, algunos de los cuales las encontraron sexistas, la sátira política y sociológica en canciones como la canción principal y "The Blue Light" han sido descritos como una "crítica hilarante de la voluntad del pueblo estadounidense de creer cualquier cosa". El álbum también se destaca por la presencia del guitarrista Steve Vai, quien se unió a la banda de gira de Zappa a finales de 1980.
El mismo año se lanzó el álbum doble You Are What You Is. El álbum incluía un tema instrumental complejo, 'Tema del 3er Movimiento de Calzado Siniestro', pero consistía principalmente en canciones de rock con comentarios sociales sardónicos de Zappa: letras satíricas dirigidas a los adolescentes, los medios de comunicación y los religiosos. y la hipocresía política. "Todo tonto" es una diatriba sobre la religión, al igual que 'Cuenta bancaria celestial', en la que Zappa arremete contra los evangelistas televisivos como Jerry Falwell y Pat Robertson por su supuesta influencia en la administración estadounidense, así como por el uso que hacen de la religión como medio de recaudar dinero. Canciones como "Society Pages" y "Soy un chico hermoso" muestran la consternación de Zappa con la era Reagan y su 'búsqueda obscena de riqueza y felicidad'. Zappa hizo su único video musical para una canción de este álbum: "You Are What You Is" – dirigida por Jerry Watson, producida por Paul Flattery. El video fue prohibido en MTV, aunque Mike Judge lo presentó más tarde en Beavis & Butthead episodio 'Canoa'.
En 1981, Zappa también lanzó tres álbumes instrumentales, Shut Up 'n Play Yer Guitar, Shut Up 'N Play Yer Guitar Some More, y The Return of the Son of Shut Up 'N Play Yer Guitar, que inicialmente se vendieron por correo, pero luego se lanzaron a través de CBS Records (ahora Sony Music Entertainment) debido a la demanda popular..
Los álbumes se enfocan exclusivamente en Frank Zappa como solista de guitarra, y las pistas son predominantemente grabaciones en vivo de 1979 a 1980; destacan las habilidades de improvisación de Zappa con "hermosas actuaciones del grupo de apoyo también". Otro álbum solo de guitarra, Guitar, fue lanzado en 1988, y un tercero, Trance-Fusion, que Zappa completó poco antes de su muerte, fue lanzado en 2006.
Zappa luego amplió sus apariciones en televisión en un papel no musical. Fue actor o locutor en episodios de Faerie Tale Theatre de Shelley Duvall, Miami Vice y The Ren & Espectáculo Stimpy. Una parte de voz en Los Simpson nunca se materializó, para decepción del creador Matt Groening (Groening era vecino de Zappa y fanático de toda la vida).
"Chica del valle" y actuaciones clásicas
En mayo de 1982, Zappa lanzó Ship Arriving Too Late to Save a Drowning Witch, que incluía su sencillo más vendido, la canción nominada al premio Grammy "Valley Girl" (superando el puesto 32 en las listas Billboard). En la letra improvisada de la canción, la hija de Zappa, Moon, satirizó el dialecto de las adolescentes del Valle de San Fernando, que popularizó muchos "Valspeak" Expresiones como "amordazarme con una cuchara", "seguro, seguro", "grody al máximo" y "vomitar";.
En 1983, se lanzaron dos proyectos diferentes, comenzando con The Man from Utopia, un trabajo orientado al rock. El álbum es ecléctico, con la participación vocal de 'Dangerous Kitchen'. y "The Jazz Discharge Party Hats", ambas continuaciones de las excursiones sprechstimme en Tinseltown Rebellion. El segundo álbum, London Symphony Orchestra, vol. I, contenía composiciones orquestales de Zappa dirigidas por Kent Nagano e interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Londres (LSO). Un segundo registro de estas sesiones, London Symphony Orchestra, vol. II se lanzó en 1987. El material se grabó con un programa muy ajustado y Zappa proporcionó todos los fondos, ayudado por el éxito comercial de 'Valley Girl'. Zappa no estaba satisfecho con las grabaciones de LSO. Una de las razones es 'Strictly Genteel', que se grabó después de que la sección de trompetas había salido a tomar unas copas en un descanso: la pista necesitó 40 ediciones para ocultar las notas desafinadas.
El director Nagano, que estaba satisfecho con la experiencia, señaló que "para ser justos con la orquesta, la música es humanamente muy, muy difícil". Algunas críticas señalaron que las grabaciones eran la mejor representación del trabajo orquestal de Zappa hasta el momento. En 1984, Zappa se asoció nuevamente con Nagano y la Orquesta Sinfónica de Berkeley para una presentación en vivo de A Zappa Affair con orquesta aumentada, títeres de tamaño natural y escenarios en movimiento. Aunque fue aclamado por la crítica, el trabajo fue un fracaso financiero y solo se representó dos veces. Zappa fue invitado por el organizador de la conferencia Thomas Wells para ser el orador principal en la Sociedad Estadounidense de Compositores Universitarios en la Universidad Estatal de Ohio. Fue allí donde Zappa entregó su famoso "Bingo! Ahí va su mandato" dirección, y tenía dos de sus piezas de orquesta, "Dupree's Paradise" y "¿La aviación naval en el arte?" interpretada por la Sinfónica de Colón y la Orquesta de Cámara ProMúsica de Colón. La relación gerencial de Zappa con Bennett Glotzer finalizó en 1984. A partir de ese momento, Gail actuó como cogerente con Frank para todos sus intereses comerciales.
Trabajos Synclavier
Durante el resto de su carrera, gran parte del trabajo de Zappa estuvo influenciado por su uso del Synclavier, uno de los primeros sintetizadores digitales, como herramienta de composición e interpretación. Según Zappa, "Con el Synclavier, se puede invitar a cualquier grupo de instrumentos imaginarios a tocar los pasajes más difíciles... con una precisión de un milisegundo, siempre". A pesar de que esencialmente eliminó la necesidad de músicos, Zappa vio al Synclavier y a los músicos de la vida real como algo separado.
En 1984, lanzó cuatro álbumes. Boulez dirige Zappa: The Perfect Stranger contiene obras orquestales encargadas y dirigidas por el célebre director, compositor y pianista Pierre Boulez (quien figuraba como una influencia en Freak Out!), y interpretado por su Ensemble InterContemporain. Estos se yuxtapusieron con piezas de Synclavier de estreno. Una vez más, Zappa no estaba satisfecho con las interpretaciones de sus obras orquestales, considerándolas poco ensayadas, pero en las notas del álbum agradece respetuosamente las demandas de precisión de Boulez. Las piezas de Synclavier contrastaron con las obras orquestales, ya que los sonidos se generaron electrónicamente y no, como fue posible poco después, se muestrearon.
El álbum Thing-Fish era un ambicioso conjunto de tres discos al estilo de una obra de Broadway que trata sobre un distópico "qué pasaría si..." escenario que involucra feminismo, homosexualidad, fabricación y distribución del virus del SIDA, y un programa de eugenesia conducido por el gobierno de los Estados Unidos. Las nuevas voces se combinaron con pistas lanzadas anteriormente y nueva música de Synclavier; "la obra es un extraordinario ejemplo de bricolaje".
Francesco Zappa, una interpretación de Synclavier de obras del compositor del siglo XVIII Francesco Zappa, también se lanzó en 1984.
Comercialización
El negocio de mercadería de pedidos por correo de Zappa, Barfko-Swill, estaba dirigido por Gerry Fialka, quien también trabajó para Zappa como archivista y asistente de producción de 1983 a 1993 y contestó el teléfono de la línea directa de Barking Pumpkin Records de Zappa.. Fialka aparece dando un recorrido por Barfko-Swill en el lanzamiento en VHS de 1987 (pero no en el lanzamiento de la película original de 1979) de la película Baby Snakes de Zappa. Aparece en los créditos en pantalla como "GERALD FIALKA Cool Guy Who Wraps Stuff So It Doesn't Break". Un breve clip de esta gira también se incluye en el documental de 2020 Zappa.
Medio digital y última gira
Alrededor de 1986, Zappa emprendió un completo programa de reedición de sus primeras grabaciones en vinilo. Supervisó personalmente la remasterización de todos sus álbumes de los años 60, 70 y principios de los 80 para el nuevo medio digital de discos compactos. Ciertos aspectos de estas reediciones fueron criticados por algunos fanáticos por ser infieles a las grabaciones originales. Casi veinte años antes de la llegada de las tiendas de música en línea, Zappa había propuesto reemplazar el "merchandising de discos fonográficos" de música mediante "transferencia directa de digital a digital" a través del teléfono o la televisión por cable (con pagos de regalías y facturación al consumidor integrados automáticamente en el software adjunto). En 1989, Zappa consideró su idea un "fracaso miserable".
El álbum Jazz from Hell, lanzado en 1986, le valió a Zappa su primer premio Grammy en 1988 a la Mejor Interpretación Instrumental de Rock. Excepto por un solo de guitarra en vivo ("St. Etienne"), el álbum incluía exclusivamente composiciones que cobraban vida gracias al Synclavier.
La última gira de Zappa en formato de banda de rock y jazz tuvo lugar en 1988 con un grupo de 12 integrantes que tenía un repertorio de más de 100 composiciones (en su mayoría de Zappa), pero que se separó en circunstancias enconadas antes de que la gira terminara. terminado. La gira fue documentada en los álbumes Broadway the Hard Way (material nuevo con canciones con fuerte énfasis político); La mejor banda que nunca escuchaste en tu vida (Zappa "standards" y una colección ecléctica de versiones de canciones, que van desde el Boléro de Maurice Ravel a Stairway to Heaven de Led Zeppelin; y también, Make a Jazz Noise Here. Las partes también se encuentran en You Can't Do That on Stage Anymore, volúmenes 4 y 6. Las grabaciones de esta gira también aparecen en el álbum de 2006 Trance-Fusion.
Deterioro de la salud
En 1990, Zappa fue diagnosticado con cáncer de próstata terminal. La enfermedad se había estado desarrollando desapercibida durante años y se consideraba inoperable. Después del diagnóstico, Zappa dedicó la mayor parte de su energía a las obras orquestales y Synclavier modernas. Poco antes de su muerte en 1993 completó Civilization Phaze III, un importante trabajo de Synclavier que había comenzado en la década de 1980.
En 1991, Zappa fue elegido para ser uno de los cuatro compositores destacados en el Festival de Frankfurt en 1992 (los otros fueron John Cage, Karlheinz Stockhausen y Alexander Knaifel). Zappa fue abordado por el conjunto de cámara alemán Ensemble Modern, que estaba interesado en tocar su música para el evento. Aunque enfermo, los invitó a Los Ángeles para ensayar nuevas composiciones y nuevos arreglos de material más antiguo. Zappa también se llevaba bien con los músicos, y los conciertos en Alemania y Austria se programaron para finales de año. Zappa también actuó en 1991 en Praga, afirmando que "era la primera vez que tenía una razón para tocar la guitarra en tres años", y que ese momento era solo "el comienzo de un nuevo país". #34;, y pidió al público que "trate de mantener su país único, no lo cambie por algo más".
En septiembre de 1992, los conciertos se llevaron a cabo según lo programado, pero Zappa solo pudo presentarse en dos en Frankfurt debido a una enfermedad. En el primer concierto, dirigió la apertura "Overture" y la final "G-Spot Tornado" así como la teatral "Food Gathering in Post-Industrial America, 1992" y "Bienvenido a los Estados Unidos" (el resto del programa estuvo a cargo del director habitual del conjunto, Peter Rundel). Zappa recibió una ovación de 20 minutos. G-Spot Tornado se realizó con la bailarina canadiense Louise Lecavalier. Fue la última aparición pública profesional de Zappa, ya que el cáncer se estaba extendiendo a tal punto que tenía demasiado dolor para disfrutar de un evento que, por lo demás, encontraba "estimulante". Las grabaciones de los conciertos aparecieron en The Yellow Shark (1993), el último lanzamiento de Zappa durante su vida, y algo de material de los ensayos de estudio apareció en el póstumo Everything Is Healing Nicely (1999).
Muerte
Zappa murió de cáncer de próstata el 4 de diciembre de 1993, en su casa con su esposa e hijos a su lado. En una ceremonia privada al día siguiente, su cuerpo fue enterrado en una tumba en el cementerio Westwood Village Memorial Park, en Los Ángeles. La tumba no está marcada. El 6 de diciembre, su familia anunció públicamente que "el compositor Frank Zappa partió para su gira final justo antes de las 6:00 p. m. del sábado".
Estilo musical y desarrollo
Géneros
Las fases generales de la música de Zappa se han categorizado de diversas formas en rock experimental, jazz, clásica, avant-pop, pop experimental, rock cómico, doo-wop, fusión de jazz, rock progresivo, proto-prog, avant -jazz, y rock psicodélico.
Influencias
Zappa creció influenciado por compositores de vanguardia como Edgard Varèse, Igor Stravinsky y Anton Webern; Los artistas de blues de los años 50 Clarence "Gatemouth" Marrón, Guitar Slim, Howlin' Lobo, Johnny "Guitarra" Watson y B. B. King; el compositor egipcio Halim El-Dabh; grupos de R&B y doo-wop (particularmente grupos locales de pachuco); y jazz moderno. Su origen étnico heterogéneo, y la diversa mezcla social y cultural en y alrededor del área metropolitana de Los Ángeles, fueron cruciales en la formación de Zappa como practicante de la música underground y de su posterior actitud desconfiada y abiertamente crítica hacia la "corriente principal".; movimientos sociales, políticos y musicales. Con frecuencia satirizaba modas musicales como la psicodelia, la ópera rock y la música disco. La televisión también ejerció una fuerte influencia, como lo demuestran las citas de temas de programas y jingles publicitarios que se encuentran en sus obras posteriores.
En su libro The Real Frank Zappa Book, Frank le da crédito al compositor Spike Jones por el uso frecuente de Zappa de divertidos efectos de sonido, ruidos bucales e interjecciones de percusión humorísticas. Después de explicar sus ideas al respecto, dijo: "Le debo esta parte de mi existencia musical a Spike Jones".
Proyecto/Objeto
Los álbumes de Zappa hacen un uso extensivo de pistas con secuencias, uniendo sin interrupciones los elementos de sus álbumes. Su producción total está unificada por una continuidad conceptual que denominó "Proyecto/Objeto", con numerosas frases musicales, ideas y personajes que reaparecen en sus álbumes. También lo llamó "continuidad conceptual", lo que significa que cualquier proyecto o álbum era parte de un proyecto más grande. Todo estaba conectado, y los temas musicales y las letras reaparecieron de forma diferente en álbumes posteriores. Las pistas de continuidad conceptual se encuentran a lo largo de toda la obra de Zappa.
Técnicas
Tocar la guitarra
Zappa es ampliamente reconocido como uno de los solistas de guitarra eléctrica más importantes. En una edición de 1983 de Guitar World, John Swenson declaró: "El hecho es que [Zappa] es uno de los mejores guitarristas que tenemos y es muy poco apreciado como tal". 34; Su estilo idiosincrásico se desarrolló gradualmente y maduró a principios de la década de 1980, momento en el que sus presentaciones en vivo presentaban largos solos improvisados durante muchas canciones. Un artículo de noviembre de 2016 de los editores de la revista Guitar Player escribió: "Rebosantes de motivos sofisticados y ritmos enrevesados, las extensas excursiones de Zappa son más parecidas a sinfonías que a solos de guitarra".." La comparación sinfónica surge de su hábito de introducir temas melódicos que, como las melodías principales de una sinfonía, se repetían con variaciones a lo largo de sus solos. Se le describió además como el uso de una amplia variedad de escalas y modos, animado por "combinaciones rítmicas inusuales". Su mano izquierda era capaz de una técnica de legato suave, mientras que la derecha de Zappa era 'una de las manos más rápidas en el negocio'. En 2016, Dweezil Zappa explicó que un elemento distintivo de la técnica de improvisación de la guitarra de su padre dependía en gran medida de los golpes ascendentes mucho más que muchos otros guitarristas, que son más propensos a usar los golpes descendentes al tocar.
Su canción "Outside Now" de Joe's Garage se burló de la recepción negativa de la técnica de guitarra de Zappa por parte de aquellos con mentalidad más comercial, ya que el narrador de la canción vive en un mundo donde la música está prohibida. e imagina 'notas de guitarra imaginarias que irritarían/Un tipo de tipo ejecutivo', letras que son seguidas por uno de los solos peculiares característicos de Zappa en 11/8 de tiempo. El transcriptor de Zappa, Kasper Sloots, escribió: "Los solos de guitarra de Zappa no están destinados a presumir técnicamente (Zappa no ha afirmado ser un gran virtuoso del instrumento), pero por el placer que da intentar construir una composición justo en frente de una audiencia sin saber cuál será el resultado."
El estilo de guitarra de Zappa no estuvo exento de críticas. El guitarrista y director de orquesta inglés John McLaughlin, cuya banda Mahavishnu Orchestra realizó una gira con Mothers of Invention en 1973, opinó que Zappa era "muy interesante como ser humano y un compositor muy interesante". y que "era muy buen músico pero era un dictador en su banda" y que "estaba tomando solos de guitarra muy largos [cuando tocaba en vivo], solos de guitarra de 10 a 15 minutos y realmente debería haber tomado solos de guitarra de dos o tres minutos, porque eran un poco aburridos".
En 2000, ocupó el puesto 36 en la lista de los 100 mejores artistas del rock duro de VH1. En 2004, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 71 de su lista de los '100 mejores artistas de todos los tiempos', y en 2011 en el puesto 22 de su lista de los " 34;100 mejores guitarristas de todos los tiempos".
Manipulación de cintas
En Nueva York, Zappa utilizó cada vez más la edición de cintas como herramienta de composición. Un excelente ejemplo se encuentra en el álbum doble Uncle Meat (1969), donde la canción "King Kong" está editado de varios estudios y presentaciones en vivo. Zappa había comenzado a grabar conciertos con regularidad y, debido a su insistencia en la afinación y el tiempo precisos, pudo aumentar sus producciones de estudio con extractos de espectáculos en vivo y viceversa. Posteriormente, combinó grabaciones de diferentes composiciones en nuevas piezas, independientemente del tempo o la métrica de las fuentes. Llamó a este proceso "xenocronía" (sincronizaciones extrañas), reflejando el griego "xeno" (alienígena o extraño) y "chronos" (hora).
Vida privada
Zappa estuvo casado con Kathryn J. "Kay" Sherman de 1960 a 1963. En 1967 se casó con Adelaide Gail Sloatman. Él y su segunda esposa tuvieron cuatro hijos: Moon, Dweezil, Ahmet y Diva.
Tras la muerte de Zappa, su viuda Gail creó Zappa Family Trust, que posee los derechos de la música de Zappa y otra producción creativa: se lanzaron más de 60 álbumes durante la vida de Zappa. y 40 póstumamente. Tras la muerte de Gail en octubre de 2015, los niños Zappa recibieron acciones del fideicomiso; Ahmet y Diva recibieron el 30 % cada uno, Moon y Dweezil recibieron el 20 % cada uno.
Creencias y política
Drogas
Zappa afirmó: "Las drogas no se convierten en un problema hasta que la persona que las usa te hace algo o hace algo que afectaría tu vida y que tú no quieres que te suceda. como un piloto de avión que se estrella porque estaba lleno de drogas." Zappa fumó mucho tabaco durante la mayor parte de su vida y criticó las campañas contra el tabaco.
Aunque desaprobaba el consumo de drogas, criticaba la Guerra contra las Drogas, comparándola con la prohibición del alcohol, y afirmaba que el Tesoro de los Estados Unidos se beneficiaría de la despenalización y regulación de las drogas. Al describir sus puntos de vista filosóficos, Zappa afirmó: “Creo que las personas tienen derecho a decidir sus propios destinos; la gente es dueña de sí misma. También creo que, en una democracia, el gobierno existe porque (y solo mientras) los ciudadanos individuales le den una 'licencia temporal para existir', a cambio de la promesa de que se portará bien. En una democracia, eres dueño del gobierno, no te pertenece a ti."
Gobierno y religión
En una entrevista de 1991, Zappa informó que era un demócrata registrado, pero agregó que "eso podría no durar mucho, voy a destruirlo". Al describir sus puntos de vista políticos, Zappa se clasificó a sí mismo como un "conservador práctico". Estaba a favor del gobierno limitado y los impuestos bajos; también afirmó que aprobaba la defensa nacional, la seguridad social y otros programas federales, pero solo si los beneficiarios de dichos programas están dispuestos y pueden pagarlos. Se opuso al reclutamiento militar, diciendo que el servicio militar debería ser voluntario. Estaba a favor del capitalismo, el espíritu empresarial y los negocios independientes, afirmando que los músicos podrían ganar más siendo dueños de sus propios negocios que recaudando regalías. Se opuso al comunismo y afirmó: "Un sistema que no permite la propiedad... tiene, por decirlo suavemente, un defecto de diseño fatal". Siempre animó a sus fanáticos a registrarse para votar en las portadas de los discos y, a lo largo de 1988, tuvo cabinas de registro en sus conciertos. Incluso consideró postularse para presidente de los Estados Unidos como independiente.
Zappa era ateo. Recordó que sus padres eran "bastante religiosos" y tratando de hacerlo ir a la escuela católica a pesar de su resentimiento. Sentía repugnancia hacia la religión organizada (el cristianismo en particular) porque creía que promovía la ignorancia y el antiintelectualismo. Sostuvo la opinión de que la historia del Jardín del Edén muestra que la esencia del cristianismo es oponerse a obtener conocimiento. Algunas de sus canciones, conciertos, entrevistas y debates públicos en la década de 1980 criticaron y ridiculizaron a los republicanos y sus políticas—el presidente Ronald Reagan, la Iniciativa de Defensa Estratégica (SDI), el teleevangelismo y la derecha cristiana—y advirtieron que el gobierno de los Estados Unidos estaba en peligro de convertirse en una 'teocracia fascista'.
A principios de 1990, Zappa visitó Checoslovaquia a petición del presidente Václav Havel. Havel, admirador desde hace mucho tiempo del compromiso de Zappa con la libertad individual, lo designó como el 'Embajador especial de Checoslovaquia en Occidente para el comercio, la cultura y el turismo'. Havel fue fanático de toda la vida de Zappa, quien tuvo una gran influencia en la escena vanguardista y underground de Europa Central en las décadas de 1970 y 1980 (un grupo de rock checo que fue encarcelado en 1976 tomó su nombre de la canción de Zappa de 1968 & #34;Personas de plástico"). Bajo la presión del Secretario de Estado, James Baker, el puesto de Zappa fue retirado. En cambio, Havel nombró a Zappa un agregado cultural no oficial. Zappa planeó desarrollar una empresa de consultoría internacional para facilitar el comercio entre el antiguo Bloque del Este y las empresas occidentales.
Anti-censura
Zappa expresó opiniones sobre la censura cuando apareció en la serie de televisión Crossfire de CNN y debatió temas con el comentarista del Washington Times John Lofton en 1986. El 19 de septiembre, En 1985, Zappa testificó ante el comité de Comercio, Tecnología y Transporte del Senado de los Estados Unidos, atacando al Parents Music Resource Center o PMRC, una organización musical cofundada por Tipper Gore, esposa del entonces senador Al Gore. El PMRC estaba formado por muchas esposas de políticos, incluidas las esposas de cinco miembros del comité, y se fundó para abordar el problema de las letras de las canciones con contenido sexual o satánico. Durante el testimonio de Zappa, afirmó que había un claro conflicto de intereses entre el PMRC debido a las relaciones de sus fundadores con los políticos que entonces intentaban aprobar lo que él denominó el 'Impuesto de cinta en blanco'.." Kandy Stroud, vocera del PMRC, anunció que el Senador Gore (quien cofundó el comité) fue uno de los patrocinadores de esa legislación. Zappa sugirió que las discográficas estaban tratando de que el proyecto de ley se aprobara rápidamente a través de comités, uno de los cuales estaba presidido por el senador Strom Thurmond, quien también estaba afiliado al PMRC. Zappa señaló además que este comité se estaba utilizando como una distracción de la aprobación de ese proyecto de ley, lo que solo beneficiaría a unos pocos en la industria de la música.
Zappa vio sus actividades como un camino hacia la censura y llamó a su propuesta de etiquetado voluntario de registros con contenido explícito "extorsión" de la industria musical.
En su declaración preparada, dijo:
La propuesta de la PMRC es una insensatez mal concebida que no ofrece ningún beneficio real a los niños, infringe las libertades civiles de las personas que no son niños, y promete mantener a los tribunales ocupados durante años tratando con los problemas interpretativos y de ejecución inherentes al diseño de la propuesta. Entiendo que, en la ley, las cuestiones de la Primera Enmienda se deciden con preferencia por la alternativa menos restrictiva. En este contexto, las demandas de la PMRC son el equivalente de tratar la caspa por decapitación.... El establecimiento de un sistema de calificación, voluntario o de otro tipo, abre la puerta a un desfile interminable de programas de control de calidad moral basados en cosas que a ciertos cristianos no les gusta. ¿Y si el próximo grupo de esposas de Washington exige un "J" amarillo grande en todo material escrito o realizado por judíos, para salvar a los niños indefensos de la exposición a la doctrina sionista oculta?
Zappa puso extractos de las audiencias del PMRC con música de Synclavier en su composición "Porn Wars" en el álbum de 1985 Frank Zappa Meets the Mothers of Prevention, y la grabación completa se lanzó en 2010 como Congress Shall Make No Law... Se escucha a Zappa interactuando con los senadores Fritz Hollings, Slade Gorton y Al Gore.
Legado
Zappa tuvo una posición crítica controvertida durante su vida. Como señaló Geoffrey Himes en 1993 después de la muerte del artista, Zappa fue aclamado como un genio por el director de orquesta Kent Nagano y nominado por el presidente checoslovaco Václav Havel para la embajada cultural del país, pero fue rechazado dos veces en vida. para la admisión en el Salón de la Fama del Rock and Roll y los críticos encontraron que carecía de profundidad emocional. En Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981), Robert Christgau desestimó la música de Zappa como "tontería adolescente sexista... con métricas, voces y cambios clave que son tan difíciles de jugar como fáciles de olvidar." Según Himes:
Los admiradores y detractores están de acuerdo en que la música de Zappa, con sus raras firmas de tiempo, armonías no ortodoxas y líneas infinitamente difíciles, supone una rara complejidad cerebral. Pero ahí es donde termina el acuerdo. Algunos aficionados encuentran sus chistes sofoméricos ("No Comer la Nieve Amarilla") y parodias de música pop ("Sheik Yerbouti") un contrapeso crucial a la densidad rara de la música; otros devotos encuentran los chistes una presentación irrelevante a la música mejor apreciada en una cámara o escenario orquestal. Los críticos encuentran el smug iconoclasm del humor un síntoma del vacío esencial de los ejercicios intelectuales de Zappa.
Aclamación y honores
Frank Zappa fue uno de los primeros en intentar derribar las barreras entre rock, jazz y música clásica. A finales de los años sesenta sus Madres de la Invención se deslizarían de la "Petroushka" de Stravinsky en el "Bristol Stomp" de The Dovells antes de romperse en squeales de saxofón inspirados por Albert Ayler
— The Rolling Stone Illustrated History of Rock & Roll, pág. 497
The Rolling Stone Album Guide (2004) escribe: "Frank Zappa incursionó en prácticamente todo tipo de música y, ya sea disfrazado de rockero satírico, fusionista de jazz-rock, virtuoso de la guitarra, mago de la electrónica o innovador orquestal, su genio excéntrico era innegable." Aunque su trabajo se inspiró en muchos géneros diferentes, se consideró que Zappa establecía una expresión coherente y personal.
En 1980, el biógrafo David Walley señaló que "Toda la estructura de su música está unificada, no está claramente dividida por fechas o secuencias de tiempo y todo se construye en un compuesto".
Al comentar sobre la música, la política y la filosofía de Zappa, Barry Miles señaló en 2004 que no se pueden separar: "Era todo uno; todo parte de su 'continuidad conceptual'."
Guitarrista dedicó un número especial a Zappa en 1992, y preguntó en la portada "¿Es FZ America's Best Kept Musical Secret?" El editor Don Menn comentó que el problema era sobre "El compositor más importante que ha surgido de la música popular moderna".
Entre los que contribuyeron al tema se encontraba el compositor y musicólogo Nicolas Slonimsky, quien dirigió representaciones de estreno de obras de Ives y Varèse en la década de 1930. Se hizo amigo de Zappa en la década de 1980 y dijo: "Admiro todo lo que hace Frank, porque prácticamente creó el nuevo milenio musical". Hace un trabajo hermoso, hermoso... Ha sido mi suerte haber vivido para ver el surgimiento de este tipo de música totalmente nuevo."
El director Kent Nagano comentó en la misma edición que "Frank es un genio. Esa es una palabra que no uso a menudo... En el caso de Frank, no es demasiado fuerte... Él es extremadamente alfabetizado musicalmente. No estoy seguro de si el público en general lo sabe." Pierre Boulez dijo en el artículo póstumo de tributo a Zappa de la revista Musician que Zappa "era una figura excepcional porque era parte del mundo del rock y de la música clásica y que ambos tipos de su trabajo sobrevivir."
En 1994, la encuesta de críticos de la revista de jazz DownBeat' colocó a Zappa en su Salón de la Fama. Zappa fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995. Allí se escribió que "Frank Zappa era la mente musical más aguda del rock and roll y el crítico social más astuto". Fue el compositor más prolífico de su época y unió géneros (rock, jazz, música clásica, de vanguardia e incluso novedosa) con una facilidad magistral. Ocupó el puesto 36 en la lista de los 100 mejores artistas de hard rock de VH1 en 2000.
En 2005, la Junta Nacional de Preservación de Grabaciones de EE. UU. incluyó a Estamos solo en esto por el dinero en el Registro Nacional de Grabaciones como la inventiva e iconoclasta de "Frank Zappa' El álbum presenta una postura política única, tanto anticonservadora como anticontracultural, y presenta una sátira mordaz sobre el hippiedom y las reacciones de Estados Unidos a él. El mismo año, la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 71 de su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.
En 2011, ocupó el puesto número 22 en la lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos de la misma revista. En 2016, la revista Guitar World colocó a Zappa en la cima de su lista "15 de los mejores guitarristas de rock progresivo a lo largo de los años".
La calle de Partinico donde vivía su padre en el número 13 de Via Zammatà ha sido renombrada como Via Frank Zappa.
Desde su muerte, varios músicos han sido considerados por la crítica para llenar el nicho artístico dejado por Zappa, en vista de su prolífica producción, eclecticismo y otras cualidades, incluidos Devin Townsend, Mike Patton y Omar Rodríguez-López.
Premios Grammy
En el transcurso de su carrera, Zappa fue nominado a nueve premios Grammy competitivos, lo que resultó en dos victorias (una póstuma). En 1998, recibió el premio Grammy Lifetime Achievement Award.
| Año | Nominee / work | Premio | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1980 | "Rat Tomago" | Mejor Rock Instrumental Ejecución | Nominado |
| "Dancin' Fool" | Mejor rendimiento Vocal Rock masculino | Nominado | |
| 1983 | "Valley Girl" | Mejor Rock Performance por un Duo o Grupo con Vocal | Nominado |
| 1985 | El Stranger perfecto | Mejor nueva composición clásica | Nominado |
| 1988 | "Jazz del infierno" | Mejor Composición Instrumental | Nominado |
| Jazz del infierno | Mejor Rock Instrumental Performance (Orquesta, Grupo o Soloista) | Won | |
| 1989 | Guitarra | Nominado | |
| 1990 | Broadway el camino difícil | Mejor álbum musical de fundición | Nominado |
| 1996 | Phaze de Civilización III | Mejor paquete de grabación – Boxeado | Won |
| 1998 | Frank Zappa | Logros de la vida Premio | Honorable |
Artistas influenciados por Zappa
Muchos músicos, bandas y orquestas de diversos géneros han sido influenciados por la música de Zappa. Artistas de rock como The Plastic People of the Universe, Alice Cooper, Larry LaLonde de Primus, Fee Waybill of the Tubes citan la influencia de Zappa, al igual que artistas de rock progresivo, alternativo, electrónico y vanguardista/experimental como Can, Pere Ubu, Yes, Soft Machine, Henry Cow, Faust, Devo, Kraftwerk, Trey Anastasio y Jon Fishman de Phish, Jeff Buckley, John Frusciante, Steven Wilson y The Aristocrats. Paul McCartney miró al sargento. Pepper's Lonely Hearts Club Band como los Beatles' Freak Out! Jimi Hendrix y actos de heavy rock y metal como Black Sabbath, Living Colour, Simon Phillips, Mike Portnoy, Warren DeMartini, Alex Skolnick, Steve Vai, Strapping Young Lad, System of a Down, y Clawfinger han reconocido a Zappa como inspiración. En la escena de la música clásica, Tomas Ulrich, Meridian Arts Ensemble, Ensemble Ambrosius y Fireworks Ensemble interpretan regularmente las composiciones de Zappa y citan su influencia. Los músicos y compositores de jazz contemporáneos Bobby Sanabria, Bill Frisell y John Zorn se inspiran en Zappa, al igual que la leyenda del funk George Clinton.
Otros artistas afectados por Zappa incluyen al compositor ambiental Brian Eno, al pianista new age George Winston, al compositor electrónico Bob Gluck, al artista parodista y disc jockey Dr. Demento, al parodista y compositor de novedades "Weird Al" Yankovic, el pionero de la música industrial Genesis P-Orridge, la cantante Cree Summer, el artista de música noise Masami Akita de Merzbow, la banda italiana Elio e le Storie Tese y el compositor chileno Cristián Crisosto de Fulano y Mediabanda.
Referencias en artes y ciencias
Científicos de varios campos han honrado a Zappa nombrando nuevos descubrimientos en su honor. En 1967, el paleontólogo Leo P. Plas, Jr., identificó un molusco extinto en Nevada y lo llamó Amaurotoma zappa con la motivación de que, "El nombre específico, zappa, honra a Frank Zappa".
En la década de 1980, el biólogo Ed Murdy nombró a un género de peces gobiid de Nueva Guinea Zappa, con una especie llamada Zappa confluentus. El biólogo Ferdinando Boero nombró a una medusa californiana Phialella zappai (1987), y señaló que tuvo "placer en nombrar esta especie en honor al compositor de música moderna".
Los biólogos belgas Bosmans y Bosselaers descubrieron a principios de la década de 1980 una araña camerunesa, a la que en 1994 llamaron Pachygnatha zappa porque "el lado ventral del abdomen de la hembra de esta especie se parece sorprendentemente el legendario bigote del artista.
Un gen de la bacteria Proteus mirabilis que causa infecciones del tracto urinario fue denominado en 1995 zapA por tres biólogos de Maryland. En su artículo científico, "agradecen especialmente al difunto Frank Zappa por su inspiración y ayuda con la nomenclatura genética". Las regiones repetitivas del genoma del virus tumoral humano KSHV fueron nombradas frnk, vnct y zppa en 1996 por Yuan Chang y Patrick S. Moore, quienes descubrió el virus. Además, una secuencia repetida de 143 pares de bases que se presentaba en dos posiciones se denominó waka/jwka.
A fines de la década de 1990, los paleontólogos estadounidenses Marc Salak y Halard L. Lescinsky descubrieron un fósil de metazoo y lo llamaron Spygori zappania en honor al "fallecido Frank Zappa... cuya misión fue paralela la de los primeros paleontólogos: desafiar las creencias convencionales y tradicionales cuando dichas creencias carecían de raíces en la lógica y la razón".
En 1994, los esfuerzos de cabildeo iniciados por el psiquiatra John Scialli llevaron al Centro de Planetas Menores de la Unión Astronómica Internacional a nombrar un asteroide en honor a Zappa: 3834 Zappafrank. El asteroide fue descubierto en 1980 por el astrónomo checoslovaco Ladislav Brožek, y la cita de su nombre dice que "Zappa era un artista y compositor ecléctico y autodidacta... Antes de 1989, era considerado un símbolo de democracia y libertad". por mucha gente en Checoslovaquia". En 1995, se instaló un busto de Zappa del escultor Konstantinas Bogdanas en Vilnius, la capital lituana 54°40′59″N 25°16′33″E / 54,683°N 25,2759° E / 54.683; 25.2759. La elección de Zappa se explicó como "un símbolo que marcaría el fin del comunismo, pero al mismo tiempo expresaría que no siempre fue pesimismo". Se ofreció una réplica a la ciudad de Baltimore en 2008, y el 19 de septiembre de 2010, el vigésimo quinto aniversario del testimonio de Zappa ante el Senado de los EE. UU., se llevó a cabo una ceremonia de dedicación de la réplica y se inauguró el busto en una biblioteca en la ciudad.
En 2002, se instaló un busto de bronce en la ciudad alemana de Bad Doberan, sede del Zappanale desde 1990, un festival musical anual que celebra Zappa. Por iniciativa de la comunidad de músicos ORWOhaus, la ciudad de Berlín nombró una calle en el distrito de Marzahn "Frank-Zappa-Straße" en 2007. El mismo año, la alcaldesa de Baltimore, Sheila Dixon, proclamó el 9 de agosto como el 'Día de Frank Zappa' oficial de la ciudad. citando los logros musicales de Zappa, así como su defensa de la Primera Enmienda de la Constitución de los Estados Unidos.
Documental Zappa
El documental biográfico Zappa, dirigido por Alex Winter y lanzado el 27 de noviembre de 2020, incluye imágenes inéditas de la bóveda personal de Zappa, a la que la familia Zappa le otorgó acceso. Confianza.
Discografía
Durante su vida, Zappa lanzó 62 álbumes. Desde 1994, Zappa Family Trust ha lanzado 57 álbumes póstumos, haciendo un total de 119 álbumes. El distribuidor de la producción grabada de Zappa es Universal Music Enterprises. En junio de 2022, Zappa Trust anunció que había vendido todo el catálogo de Zappa a Universal Music, incluidas las cintas maestras, los derechos de autor de las canciones y las marcas registradas.
Recorrido
Tour y el video relativo:
- 1971 – Las Madres de la Invención (28 de enero de 1971 los 200 Motels de Frank Zappa)
- 1972 – "Grand Wazoo"
- 1973 – Las Madres de la Invención
- 1974 – 10o Tour Aniversario (27 de agosto de 1974 Hollywood – Una muestra de su extremo)
- 1975 – "Bongo Fury"
- 1976 – World Tour
- 1977 – "Sheik Yerbouti" (31 de octubre de 1977 Nueva York – El Palladium – Bebé Snakes)
- 1978 – World Tour
- 1979 – European Tour
- 1980 – Tour de verano
- 1981 – US-Canada Tour (31 de octubre de 1981 Nueva York – El Palladium – La tortura nunca se detiene)
- 1982 – Europa Tour
- 1984 – 20o Aniversario World Tour (25 de agosto de 1984 Nueva York – El muelle – ¿El humor pertenece a la música?)
- 1988 – El último viaje
Cronología de videos con recorrido:
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