Fotografía

La fotografía es el arte, la aplicación y la práctica de crear imágenes duraderas mediante el registro de la luz, ya sea electrónicamente mediante un sensor de imagen o químicamente mediante un material sensible a la luz, como una película fotográfica. Se emplea en muchos campos de la ciencia, la fabricación (p. ej., fotolitografía) y los negocios, así como sus usos más directos para la producción de arte, películas y videos, propósitos recreativos, pasatiempos y comunicación masiva.

Por lo general, se usa una lente para enfocar la luz reflejada o emitida por los objetos en una imagen real en la superficie sensible a la luz dentro de una cámara durante una exposición cronometrada. Con un sensor de imagen electrónico, esto produce una carga eléctrica en cada píxel, que se procesa electrónicamente y se almacena en un archivo de imagen digital para su visualización o procesamiento posterior. El resultado con la emulsión fotográfica es una imagen latente invisible, que luego se "desarrolla" químicamente en una imagen visible, ya sea negativa o positiva, según el propósito del material fotográfico y el método de procesamiento. Una imagen negativa en película se usa tradicionalmente para crear fotográficamente una imagen positiva en una base de papel, conocida como impresión, ya sea usando una ampliadora o mediante impresión por contacto.

Etimología

La palabra "fotografía" se creó a partir de las raíces griegas φωτός (phōtós), genitivo de φῶς (phōs), "luz" y γραφή (graphé), "representación por medio de líneas" o "dibujo", que en conjunto significan "dibujar con luz"..

Varias personas pueden haber acuñado el mismo término nuevo a partir de estas raíces de forma independiente. Hercules Florence, un pintor e inventor francés que vive en Campinas, Brasil, usó la forma francesa de la palabra, fotografía, en notas privadas que un historiador brasileño cree que fueron escritas en 1834. Esta afirmación es ampliamente difundida, pero aún no es ampliamente reconocida internacionalmente. El primer uso de la palabra por parte del inventor franco-brasileño se hizo ampliamente conocido después de la investigación de Boris Kossoy en 1980.

El periódico alemán Vossische Zeitung del 25 de febrero de 1839 contenía un artículo titulado Photographie, que analizaba varias reivindicaciones de prioridad, especialmente las de Henry Fox Talbot, con respecto a la reivindicación de invención de Daguerre. El artículo es la aparición más antigua conocida de la palabra en la impresión pública. Estaba firmado "JM", que se cree que fue el astrónomo de Berlín Johann von Maedler. Al astrónomo Sir John Herschel también se le atribuye haber acuñado la palabra, independientemente de Talbot, en 1839.

Los inventores Nicéphore Niépce, Henry Fox Talbot y Louis Daguerre parecen no haber conocido ni utilizado la palabra "fotografía", pero se refirieron a sus procesos como "Heliografía" (Niépce), "Dibujo Fotogénico"/"Talbotipo"/"Calotipo" (Talbot) y "Daguerrotipo" (Daguerre).

Historia

Tecnologías precursoras

La fotografía es el resultado de combinar varios descubrimientos técnicos, relacionados con ver una imagen y capturar la imagen. El descubrimiento de la cámara oscura ("cámara oscura" en latín) que proporciona una imagen de una escena se remonta a la antigua China. Los matemáticos griegos Aristóteles y Euclides describieron de forma independiente una cámara oscura en los siglos V y IV a. C. En el siglo VI EC, el matemático bizantino Antemio de Tralles utilizó un tipo de cámara oscura en sus experimentos.

El físico árabe Ibn al-Haytham (Alhazen) (965–1040) también inventó una cámara oscura, así como la primera cámara estenopeica verdadera. La invención de la cámara se remonta a la obra de Ibn al-Haytham. Si bien los efectos de una sola luz que pasa a través de un agujero de alfiler se habían descrito anteriormente, Ibn al-Haytham dio el primer análisis correcto de la cámara oscura, incluidas las primeras descripciones geométricas y cuantitativas del fenómeno, y fue el primero en utilizar una pantalla en una habitación oscura para que una imagen de un lado de un agujero en la superficie pudiera proyectarse en una pantalla del otro lado. También entendió por primera vez la relación entre el punto focal y el agujero de alfiler,y realizó los primeros experimentos con imágenes secundarias, sentando las bases para la invención de la fotografía en el siglo XIX.

Leonardo da Vinci menciona cámaras oscuras naturales que están formadas por cuevas oscuras en el borde de un valle iluminado por el sol. Un agujero en la pared de la cueva actuará como una cámara estenopeica y proyectará una imagen al revés, lateralmente invertida, en una hoja de papel. Los pintores del Renacimiento utilizaron la cámara oscura que, de hecho, proporciona la reproducción óptica en color que domina el arte occidental. Es una caja con un pequeño orificio en un lado, que permite la entrada de rayos de luz específicos, proyectando una imagen invertida en una pantalla de visualización o papel.

El nacimiento de la fotografía estuvo relacionado entonces con la invención de medios para capturar y conservar la imagen producida por la cámara oscura. Albertus Magnus (1193-1280) descubrió el nitrato de plata, y Georg Fabricius (1516-1571) descubrió el cloruro de plata, y las técnicas descritas en el Libro de Óptica de Ibn al-Haytham son capaces de producir fotografías primitivas utilizando materiales medievales.

Daniele Barbaro describió un diafragma en 1566. Wilhelm Homberg describió cómo la luz oscurecía algunos productos químicos (efecto fotoquímico) en 1694. El libro de ficción Giphantie, publicado en 1760, por el autor francés Tiphaigne de la Roche, describía lo que puede interpretarse como fotografía.

Alrededor del año 1800, el inventor británico Thomas Wedgwood hizo el primer intento conocido de capturar la imagen en una cámara oscura por medio de una sustancia sensible a la luz. Usó papel o cuero blanco tratado con nitrato de plata. Aunque logró capturar las sombras de los objetos colocados en la superficie bajo la luz directa del sol, e incluso hizo copias de sombras de pinturas sobre vidrio, se informó en 1802 que "las imágenes formadas por medio de una cámara oscura se han encontrado demasiado débiles para producirlas"., en cualquier tiempo moderado, un efecto sobre el nitrato de plata". Las imágenes de las sombras eventualmente se oscurecieron por todas partes.

Invención

El primer fotograbado permanente fue una imagen realizada en 1822 por el inventor francés Nicéphore Niépce, pero fue destruida en un intento posterior de realizar impresiones a partir de ella. Niépce volvió a tener éxito en 1825. En 1826 o 1827, hizo la Vista desde la ventana de Le Gras, la fotografía más antigua que se conserva de la naturaleza (es decir, de la imagen de una escena del mundo real, tal como se forma en una cámara oscura por un lente).

Debido a que las fotografías de la cámara de Niépce requerían una exposición extremadamente larga (al menos ocho horas y probablemente varios días), buscó mejorar mucho su proceso de betún o reemplazarlo por uno que fuera más práctico. En colaboración con Louis Daguerre, elaboró ​​métodos de procesamiento posteriores a la exposición que produjeron resultados visualmente superiores y reemplazó el betún con una resina más sensible a la luz, pero aún se requerían horas de exposición en la cámara. Con miras a una eventual explotación comercial, los socios optaron por el secreto total.

Niépce murió en 1833 y Daguerre luego reorientó los experimentos hacia los haluros de plata sensibles a la luz, que Niépce había abandonado muchos años antes debido a su incapacidad para hacer que las imágenes que capturaba con ellos fueran resistentes a la luz y permanentes. Los esfuerzos de Daguerre culminaron en lo que más tarde se llamaría el proceso de daguerrotipo. Los elementos esenciales, una superficie plateada sensibilizada por vapor de yodo, desarrollada por vapor de mercurio y "fijada" con agua salada saturada caliente, estaban en su lugar en 1837. El tiempo de exposición requerido se midió en minutos en lugar de horas. Daguerre tomó la primera fotografía confirmada de una persona en 1838 mientras capturaba una vista de una calle de París: a diferencia del otro tráfico de peatones y caballos en el concurrido bulevar, que parece desierto, un hombre que se limpiaba las botas permaneció lo suficientemente quieto durante la exposición de varios minutos para ser visible. La existencia del proceso de Daguerre se anunció públicamente, sin detalles, el 7 de enero de 1839. La noticia causó sensación internacional. Francia pronto accedió a pagarle a Daguerre una pensión a cambio del derecho a presentar su invento al mundo como un regalo de Francia, lo que ocurrió cuando se dieron a conocer las instrucciones de trabajo completas el 19 de agosto de 1839. Ese mismo año, se acredita al fotógrafo estadounidense Robert Cornelius. con tomar el autorretrato fotográfico más antiguo que se conserva.

En Brasil, Hercules Florence aparentemente había comenzado a trabajar en un proceso de papel a base de sal de plata en 1832, y luego lo llamó Photographie.

Mientras tanto, un inventor británico, William Fox Talbot, había logrado crear imágenes de plata en papel toscas pero razonablemente resistentes a la luz ya en 1834, pero mantuvo su trabajo en secreto. Después de leer sobre el invento de Daguerre en enero de 1839, Talbot publicó su método hasta entonces secreto y se dispuso a mejorarlo. Al principio, al igual que otros procesos anteriores al daguerrotipo, la fotografía en papel de Talbot normalmente requería exposiciones de horas en la cámara, pero en 1840 creó el proceso de calotipia, que utilizaba el desarrollo químico de una imagen latente para reducir en gran medida la exposición necesaria y competir con el daguerrotipo. Tanto en su forma original como en el calotipo, el proceso de Talbot, a diferencia del de Daguerre, creó un negativo translúcido que podría usarse para imprimir múltiples copias positivas;El famoso negativo de papel diminuto de Talbot de la ventana Oriel en Lacock Abbey, una de varias fotografías de cámara que hizo en el verano de 1835, puede ser el negativo de cámara más antiguo que existe.

En Francia, Hippolyte Bayard inventó su propio proceso para producir impresiones positivas directas en papel y afirmó haber inventado la fotografía antes que Daguerre o Talbot.

El químico británico John Herschel hizo muchas contribuciones al nuevo campo. Inventó el proceso de cianotipo, más tarde familiar como el "modelo". Fue el primero en utilizar los términos "fotografía", "negativo" y "positivo". Había descubierto en 1819 que el tiosulfato de sodio era un solvente de los haluros de plata, y en 1839 le informó a Talbot (e, indirectamente, a Daguerre) que podía usarse para "fijar" fotografías basadas en haluros de plata y hacerlas completamente resistentes a la luz.. Hizo el primer negativo de vidrio a finales de 1839.

En la edición de marzo de 1851 de The Chemist, Frederick Scott Archer publicó su proceso de colodión en placa húmeda. Se convirtió en el medio fotográfico más utilizado hasta que la placa seca de gelatina, introducida en la década de 1870, finalmente la reemplazó. Hay tres subconjuntos del proceso de colodión; la Ambrotipia (imagen en positivo sobre vidrio), la Ferrotipia o Tintype (imagen en positivo sobre metal) y el negativo de vidrio, que se utilizaba para realizar impresiones en positivo sobre albumen o papel salado.

Durante el resto del siglo XIX se realizaron muchos avances en las placas de vidrio fotográficas y la impresión. En 1891, Gabriel Lippmann introdujo un proceso para realizar fotografías en color natural basado en el fenómeno óptico de la interferencia de las ondas de luz. Su invento científicamente elegante e importante, pero en última instancia poco práctico, le valió el Premio Nobel de Física en 1908.

Las placas de vidrio fueron el medio para la mayoría de las fotografías de cámaras originales desde finales de la década de 1850 hasta la introducción general de películas plásticas flexibles durante la década de 1890. Aunque la comodidad de la película popularizó enormemente la fotografía de aficionados, las primeras películas eran algo más caras y de una calidad óptica notablemente inferior a la de sus equivalentes en placa de vidrio, y hasta finales de la década de 1910 no estaban disponibles en los formatos grandes preferidos por la mayoría de los fotógrafos profesionales, por lo que la El nuevo medio no reemplazó inmediatamente o completamente al anterior. Debido a la estabilidad dimensional superior del vidrio, el uso de placas para algunas aplicaciones científicas, como la astrofotografía, continuó en la década de 1990, y en el nicho de campo de la holografía láser, ha persistido hasta el siglo XXI.

Película

Hurter y Driffield comenzaron un trabajo pionero sobre la sensibilidad a la luz de las emulsiones fotográficas en 1876. Su trabajo permitió diseñar la primera medida cuantitativa de la velocidad de la película.

El primer rollo de película fotográfica flexible fue comercializado por George Eastman, fundador de Kodak en 1885, pero esta "película" original era en realidad un revestimiento sobre una base de papel. Como parte del procesamiento, la capa portadora de la imagen se desprendió del papel y se transfirió a un soporte de gelatina endurecida. El primer rollo de película de plástico transparente siguió en 1889. Estaba hecho de nitrocelulosa altamente inflamable conocida como película de nitrato.

Aunque Kodak introdujo el acetato de celulosa o "película de seguridad" en 1908, al principio encontró solo unas pocas aplicaciones especiales como alternativa a la peligrosa película de nitrato, que tenía la ventaja de ser considerablemente más resistente, un poco más transparente y más barata. El cambio no se completó para las películas de rayos X hasta 1933, y aunque la película de seguridad siempre se usó para películas caseras de 16 mm y 8 mm, la película de nitrato siguió siendo estándar para películas cinematográficas de 35 mm hasta que finalmente se suspendió en 1951.

Las películas siguieron siendo la forma dominante de fotografía hasta principios del siglo XXI, cuando los avances en la fotografía digital atrajeron a los consumidores a los formatos digitales. Aunque la fotografía moderna está dominada por los usuarios digitales, los aficionados y los fotógrafos profesionales siguen utilizando la película. El "aspecto" distintivo de las fotografías basadas en película en comparación con las imágenes digitales probablemente se deba a una combinación de factores, que incluyen: (1) diferencias en la sensibilidad espectral y tonal (densidad-exposición en forma de S (curva H&D) con película vs. curva de respuesta lineal para sensores CCD digitales) (2) resolución y (3) continuidad de tono.

Blanco y negro

Originalmente, toda la fotografía era monocromática o en blanco y negro. Incluso después de que la película a color estuvo disponible, la fotografía en blanco y negro continuó dominando durante décadas, debido a su menor costo, estabilidad química y su aspecto fotográfico "clásico". Los tonos y el contraste entre las zonas claras y oscuras definen la fotografía en blanco y negro. Las imágenes monocromáticas no se componen necesariamente de negros puros, blancos y tonos intermedios de gris, sino que pueden incluir tonos de un tono particular según el proceso. El proceso de cianotipia, por ejemplo, produce una imagen compuesta de tonos azules. El proceso de impresión a la albúmina, revelado públicamente en 1847, produce tonos marrones.

Muchos fotógrafos continúan produciendo algunas imágenes monocromáticas, a veces debido a la permanencia de archivo establecida de materiales a base de haluro de plata bien procesados. Algunas imágenes digitales a todo color se procesan utilizando una variedad de técnicas para crear resultados en blanco y negro, y algunos fabricantes producen cámaras digitales que toman fotografías monocromáticas exclusivamente. La impresión monocromática o la visualización electrónica se pueden utilizar para salvar ciertas fotografías tomadas en color que no son satisfactorias en su forma original; a veces, cuando se presentan como imágenes en blanco y negro o de un solo tono de color, resultan más eficaces. Aunque la fotografía en color ha predominado durante mucho tiempo, todavía se producen imágenes monocromáticas, principalmente por motivos artísticos. Casi todas las cámaras digitales tienen la opción de disparar en monocromo,

Color

La fotografía en color se exploró a partir de la década de 1840. Los primeros experimentos en color requerían exposiciones extremadamente largas (horas o días para las imágenes de la cámara) y no podían "arreglar" la fotografía para evitar que el color se desvaneciera rápidamente cuando se exponía a la luz blanca.

La primera fotografía en color permanente se tomó en 1861 utilizando el principio de separación de tres colores publicado por primera vez por el físico escocés James Clerk Maxwell en 1855. La idea de Maxwell, la base de prácticamente todos los procesos de color prácticos, era tomar tres fotografías separadas en blanco y negro. a través de filtros rojo, verde y azul. Esto proporciona al fotógrafo los tres canales básicos necesarios para recrear una imagen en color. Las impresiones transparentes de las imágenes podrían proyectarse a través de filtros de color similares y superponerse en la pantalla de proyección, un método aditivo de reproducción del color. Se podía producir una impresión en color sobre papel superponiendo impresiones al carbón de las tres imágenes hechas en sus colores complementarios, un método sustractivo de reproducción del color iniciado por Louis Ducos du Hauron a fines de la década de 1860.

El fotógrafo ruso Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii hizo un amplio uso de esta técnica de separación de colores, empleando una cámara especial que expuso sucesivamente las tres imágenes filtradas por colores en diferentes partes de una placa oblonga. Debido a que sus exposiciones no fueron simultáneas, los sujetos inestables exhibieron "franjas" de color o, si se movían rápidamente por la escena, aparecían como fantasmas de colores brillantes en las imágenes proyectadas o impresas resultantes.

La implementación de la fotografía en color se vio obstaculizada por la sensibilidad limitada de los primeros materiales fotográficos, que eran en su mayoría sensibles al azul, solo ligeramente sensibles al verde y prácticamente insensibles al rojo. El descubrimiento de la sensibilización a colorantes por parte del fotoquímico Hermann Vogel en 1873 hizo posible de repente añadir sensibilidad al verde, al amarillo e incluso al rojo. Los sensibilizadores de color mejorados y las mejoras continuas en la sensibilidad general de las emulsiones redujeron constantemente los tiempos de exposición prolongados que alguna vez fueron prohibitivos necesarios para el color, acercándolo cada vez más a la viabilidad comercial.

El autocromo, el primer proceso de color comercialmente exitoso, fue introducido por los hermanos Lumière en 1907. Las placas de autocromo incorporaron una capa de filtro de color de mosaico hecha de granos teñidos de almidón de patata, lo que permitió registrar los tres componentes de color como fragmentos de imágenes microscópicas adyacentes. Después de procesar por inversión una placa Autochrome para producir una transparencia positiva, los granos de almidón sirvieron para iluminar cada fragmento con el color correcto y los diminutos puntos de color se mezclaron en el ojo, sintetizando el color del sujeto mediante el método aditivo. Las placas autocromadas fueron una de varias variedades de placas y películas de pantalla a color aditivas comercializadas entre las décadas de 1890 y 1950.

Kodachrome, la primera película en color "tripack integral" (o "monopack") moderna, fue presentada por Kodak en 1935. Capturó los tres componentes de color en una emulsión multicapa. Se sensibilizó una capa para registrar la parte del espectro dominada por el rojo, otra capa registró solo la parte verde y una tercera registró solo el azul. Sin un procesamiento especial de la película, el resultado sería simplemente tres imágenes en blanco y negro superpuestas, pero se crearon imágenes complementarias de tinte cian, magenta y amarillo en esas capas mediante la adición de acopladores de color durante un procedimiento de procesamiento complejo.

Agfacolor Neu de estructura similar de Agfa se introdujo en 1936. A diferencia de Kodachrome, los acopladores de color en Agfacolor Neu se incorporaron a las capas de emulsión durante la fabricación, lo que simplificó enormemente el procesamiento. Actualmente, las películas en color disponibles todavía emplean una emulsión multicapa y los mismos principios, lo que más se parece al producto de Agfa.

Polaroid introdujo en 1963 la película de color instantánea, utilizada en una cámara especial que producía una impresión en color final única solo uno o dos minutos después de la exposición.

La fotografía en color puede formar imágenes como transparencias positivas, que se pueden usar en un proyector de diapositivas, o como negativos en color destinados a crear ampliaciones en color positivas en papel recubierto especialmente. Esta última es ahora la forma más común de fotografía en color de película (no digital) debido a la introducción de equipos de impresión de fotografías automatizados. Después de un período de transición centrado alrededor de 1995-2005, las cámaras digitales económicas de varios megapíxeles relegaron la película en color a un nicho de mercado. La película sigue siendo la preferencia de algunos fotógrafos debido a su "aspecto" distintivo.

Digital

En 1981, Sony presentó la primera cámara de consumo que utilizaba un dispositivo de carga acoplada para la toma de imágenes, eliminando la necesidad de película: la Sony Mavica. Si bien Mavica guardaba imágenes en el disco, las imágenes se mostraban en la televisión y la cámara no era completamente digital.

La primera cámara digital que grabó y guardó imágenes en formato digital fue la Fujix DS-1P creada por Fujifilm en 1988.

En 1991, Kodak presentó la DCS 100, la primera cámara réflex digital de un solo objetivo disponible en el mercado. Aunque su alto costo impidió otros usos además del fotoperiodismo y la fotografía profesional, nació la fotografía digital comercial.

Las imágenes digitales utilizan un sensor de imagen electrónico para registrar la imagen como un conjunto de datos electrónicos en lugar de cambios químicos en la película. Una diferencia importante entre la fotografía digital y la química es que la fotografía química resiste la manipulación fotográfica porque involucra película y papel fotográfico, mientras que la imagen digital es un medio altamente manipulable. Esta diferencia permite un grado de procesamiento posterior de la imagen que es comparativamente difícil en la fotografía basada en películas y permite diferentes aplicaciones y potenciales comunicativos.

La fotografía digital domina el siglo XXI. Más del 99% de las fotografías tomadas en todo el mundo son a través de cámaras digitales, cada vez más a través de teléfonos inteligentes.

Técnicas

En el proceso de captura de imágenes para fotografía se utiliza una gran variedad de técnicas y medios fotográficos. Estos incluyen la cámara; fotografía dual; medios de espectro completo, ultravioleta e infrarrojo; fotografía de campo de luz; y otras técnicas de imagen.

Cámaras

La cámara es el dispositivo de formación de imágenes, y una placa fotográfica, una película fotográfica o un sensor de imagen electrónico de silicio es el medio de captura. El medio de grabación respectivo puede ser la propia placa o película, o una memoria magnética o electrónica digital.

Los fotógrafos controlan la cámara y el objetivo para "exponer" el material de grabación de luz a la cantidad necesaria de luz para formar una "imagen latente" (en placa o película) o un archivo RAW (en cámaras digitales) que, después del procesamiento adecuado, se convierte en una imagen utilizable. Las cámaras digitales utilizan un sensor de imagen electrónico basado en componentes electrónicos sensibles a la luz, como el dispositivo de carga acoplada (CCD) o la tecnología complementaria de semiconductores de óxido de metal (CMOS). La imagen digital resultante se almacena electrónicamente, pero se puede reproducir en papel.

La cámara (o 'cámara oscura') es una habitación o cámara oscura de la que, en la medida de lo posible, queda excluida toda luz excepto la luz que forma la imagen. Fue descubierta y utilizada en el siglo XVI por pintores. Sin embargo, el sujeto que se está fotografiando debe estar iluminado. Las cámaras pueden variar de pequeñas a muy grandes, toda una habitación que se mantiene a oscuras mientras el objeto a fotografiar está en otra habitación donde se ilumina adecuadamente. Esto era común para la fotografía de reproducción de copias planas cuando se usaban negativos de película grandes (ver Cámara de proceso).

Tan pronto como los materiales fotográficos se volvieron lo suficientemente "rápidos" (sensibles) para tomar fotografías espontáneas o subrepticias, se fabricaron pequeñas cámaras "detectivescas", algunas disfrazadas como un libro, un bolso o un reloj de bolsillo (la cámara Ticka) o incluso ocultas detrás de un Corbata de Ascot con un alfiler de corbata que era realmente la lente.

La cámara de cine es un tipo de cámara fotográfica que toma una secuencia rápida de fotografías en un medio de grabación. A diferencia de una cámara fija, que captura una sola instantánea a la vez, la cámara de cine toma una serie de imágenes, cada una llamada "fotograma". Esto se logra a través de un mecanismo intermitente. Posteriormente, los fotogramas se reproducen en un proyector de películas a una velocidad específica, denominada "velocidad de fotogramas" (número de fotogramas por segundo). Mientras mira, los ojos y el cerebro de una persona fusionan las imágenes separadas para crear la ilusión de movimiento.

Estereoscópico

Las fotografías, tanto monocromáticas como en color, se pueden capturar y mostrar a través de dos imágenes una al lado de la otra que emulan la visión estereoscópica humana. La fotografía estereoscópica fue la primera que capturó figuras en movimiento. Si bien se conoce coloquialmente como fotografía "3-D", el término más preciso es estereoscopia. Estas cámaras se han realizado durante mucho tiempo utilizando películas y, más recientemente, en métodos electrónicos digitales (incluidas las cámaras de los teléfonos móviles).

Fotografía dual

La fotografía dual consiste en fotografiar una escena desde ambos lados de un dispositivo fotográfico a la vez (por ejemplo, una cámara para fotografía dual consecutiva o dos cámaras en red para fotografía dual de plano de portal). El aparato de doble foto se puede utilizar para capturar simultáneamente tanto al sujeto como al fotógrafo, o ambos lados de un lugar geográfico a la vez, agregando así una capa narrativa adicional a la de una sola imagen.

Espectro completo, ultravioleta e infrarrojo

Las películas ultravioleta e infrarroja han estado disponibles durante muchas décadas y se han empleado en una variedad de métodos fotográficos desde la década de 1960. Las nuevas tendencias tecnológicas en la fotografía digital han abierto una nueva dirección en la fotografía de espectro completo, donde las opciones de filtrado cuidadoso a través del ultravioleta, el visible y el infrarrojo conducen a nuevas visiones artísticas.

Las cámaras digitales modificadas pueden detectar parte del espectro ultravioleta, todo el espectro visible y gran parte del infrarrojo cercano, ya que la mayoría de los sensores de imágenes digitales son sensibles entre 350 nm y 1000 nm. Una cámara digital disponible en el mercado contiene un filtro de espejo caliente infrarrojo que bloquea la mayor parte del infrarrojo y un poco del ultravioleta que de otro modo sería detectado por el sensor, reduciendo el rango aceptado de aproximadamente 400 nm a 700 nm.

Reemplazar un espejo caliente o un filtro de bloqueo de infrarrojos con un paso de infrarrojos o un filtro de transmisión de espectro amplio permite que la cámara detecte la luz de espectro más amplio con una mayor sensibilidad. Sin el espejo caliente, los microfiltros de color rojo, verde y azul (o cian, amarillo y magenta) colocados sobre los elementos del sensor dejan pasar cantidades variables de ultravioleta (ventana azul) e infrarrojos (principalmente rojo y algo menos el verde y azul). microfiltros).

Los usos de la fotografía de espectro completo son para fotografía de bellas artes, geología, medicina forense y aplicación de la ley.

Capas

La estratificación es una técnica de composición fotográfica que manipula el primer plano, el sujeto o el plano medio y las capas de fondo de manera que todos trabajen juntos para contar una historia a través de la imagen. Se pueden incorporar capas alterando la distancia focal, distorsionando la perspectiva al colocar la cámara en un punto determinado. Las personas, el movimiento, la luz y una variedad de objetos se pueden utilizar en capas.

Campo de luz

Los métodos digitales de captura de imágenes y procesamiento de visualización han permitido la nueva tecnología de "fotografía de campo de luz" (también conocida como fotografía de apertura sintética). Este proceso permite seleccionar el enfoque a varias profundidades de campo después de capturar la fotografía. Como explicó Michael Faraday en 1846, el "campo de luz" se entiende como de 5 dimensiones, con cada punto en el espacio tridimensional que tiene atributos de dos ángulos más que definen la dirección de cada rayo que pasa por ese punto.

Estos atributos vectoriales adicionales se pueden capturar ópticamente mediante el uso de microlentes en cada punto de píxel dentro del sensor de imagen bidimensional. Cada píxel de la imagen final es en realidad una selección de cada subarreglo ubicado debajo de cada microlente, identificado por un algoritmo de enfoque de captura posterior a la imagen.

Otro

Además de la cámara, existen otros métodos para formar imágenes con luz. Por ejemplo, una máquina fotocopiadora o xerográfica forma imágenes permanentes pero utiliza la transferencia de cargas eléctricas estáticas en lugar de un medio fotográfico, de ahí el término electrofotografía. Los fotogramas son imágenes producidas por las sombras de los objetos proyectadas sobre el papel fotográfico, sin el uso de una cámara. Los objetos también se pueden colocar directamente sobre el cristal de un escáner de imágenes para producir imágenes digitales.

Tipos

Aficionado

Los fotógrafos aficionados toman fotos para uso personal, como pasatiempo o por interés casual, en lugar de un negocio o trabajo. El trabajo amateur de calidad puede ser comparable al de muchos profesionales. Los aficionados pueden llenar un vacío en sujetos o temas que de otro modo no podrían ser fotografiados si no son comercialmente útiles o vendibles. La fotografía amateur creció a finales del siglo XIX debido a la popularización de la cámara de mano. Las redes sociales del siglo XXI y los teléfonos con cámara casi omnipresentes han hecho que la grabación de fotografías y videos sea un fenómeno generalizado en la vida cotidiana. A mediados de la década de 2010, las cámaras de los teléfonos inteligentes agregaron numerosas funciones de asistencia automática, como la gestión del color, la detección de rostros con enfoque automático y la estabilización de imagen, que redujeron significativamente la habilidad y el esfuerzo necesarios para tomar imágenes de alta calidad.

Comercial

La fotografía comercial probablemente se defina mejor como cualquier fotografía por la que se paga al fotógrafo por imágenes en lugar de obras de arte. En este sentido, se podría pagar dinero por el tema de la fotografía o por la fotografía en sí. Los usos mayoristas, minoristas y profesionales de la fotografía se incluirían en esta definición. El mundo fotográfico comercial podría incluir:

• Fotografía publicitaria: fotografías realizadas para ilustrar y vender normalmente un servicio o producto. Estas imágenes, como los packshots, generalmente se realizan con una agencia de publicidad, una firma de diseño o con un equipo de diseño corporativo interno.
• La fotografía arquitectónica se enfoca en capturar fotografías de edificios y estructuras arquitectónicas que sean estéticamente agradables y precisas en términos de representaciones de sus sujetos.
• La fotografía de eventos se enfoca en fotografiar a los invitados y los eventos en su mayoría eventos sociales.
• La fotografía de moda y glamour suele incorporar modelos y es una forma de fotografía publicitaria. La fotografía de moda, como el trabajo presentado en Harper's Bazaar, enfatiza la ropa y otros productos; el glamour enfatiza el modelo y la forma del cuerpo. La fotografía de glamour es popular en la publicidad y en las revistas para hombres. Los modelos en la fotografía de glamour a veces trabajan desnudos.
• La fotografía de producto 360 muestra una serie de fotos para dar la impresión de un objeto giratorio. Esta técnica es comúnmente utilizada por sitios web de comercio electrónico para ayudar a los compradores a visualizar productos.
• La fotografía de conciertos se enfoca en capturar imágenes sinceras tanto del artista o la banda como de la atmósfera (incluida la multitud). Muchos de estos fotógrafos trabajan por cuenta propia y son contratados a través de un artista o su gestión para cubrir un espectáculo específico. Las fotografías de conciertos se utilizan a menudo para promocionar al artista o la banda además del lugar.
• La fotografía de la escena del crimen consiste en fotografiar escenas del crimen como robos y asesinatos. Se puede usar una cámara en blanco y negro o una cámara infrarroja para capturar detalles específicos.
• La fotografía de bodegones generalmente representa temas inanimados, típicamente objetos comunes que pueden ser naturales o hechos por el hombre. La naturaleza muerta es una categoría más amplia para alimentos y algunas fotografías naturales y se puede utilizar con fines publicitarios.
• La fotografía de bienes raíces se enfoca en la producción de fotografías que muestran una propiedad que está a la venta, dichas fotografías requieren el uso de lentes anchas y un amplio conocimiento en fotografía de imágenes de alto rango dinámico.

• La fotografía de alimentos se puede utilizar con fines editoriales, de embalaje o publicitarios. La fotografía de alimentos es similar a la fotografía de naturaleza muerta, pero requiere algunas habilidades especiales.
• El fotoperiodismo puede considerarse un subconjunto de la fotografía editorial. Las fotografías realizadas en este contexto se aceptan como documentación de una noticia.
• Paparazzi es una forma de fotoperiodismo en la que el fotógrafo captura imágenes sinceras de atletas, celebridades, políticos y otras personas destacadas.
• Fotografía de retratos y bodas: fotografías realizadas y vendidas directamente al usuario final de las imágenes.
• La fotografía de paisajes representa lugares.
• La fotografía de vida silvestre demuestra la vida de los animales salvajes.

Arte

Durante el siglo XX, tanto la fotografía de bellas artes como la fotografía documental fueron aceptadas por el mundo del arte de habla inglesa y el sistema de galerías. En los Estados Unidos, un puñado de fotógrafos, incluidos Alfred Stieglitz, Edward Steichen, John Szarkowski, F. Holland Day y Edward Weston, pasaron sus vidas defendiendo la fotografía como arte. Al principio, los fotógrafos de bellas artes intentaron imitar los estilos de pintura. Este movimiento se denomina pictorialismo y, a menudo, utiliza un enfoque suave para lograr un aspecto "romántico" de ensueño. En reacción a eso, Weston, Ansel Adams y otros formaron el Grupo f/64 para defender la 'fotografía directa', la fotografía como algo (muy enfocado) en sí mismo y no como una imitación de otra cosa.

La estética de la fotografía es un tema que sigue discutiéndose regularmente, especialmente en los círculos artísticos. Muchos artistas argumentaron que la fotografía era la reproducción mecánica de una imagen. Si la fotografía es auténticamente arte, entonces la fotografía en el contexto del arte necesitaría una redefinición, como determinar qué componente de una fotografía la hace bella para el espectador. La polémica comenzó con las primeras imágenes "escritas con luz"; Nicéphore Niépce, Louis Daguerre y otros de los primeros fotógrafos recibieron elogios, pero algunos cuestionaron si su trabajo cumplía con las definiciones y propósitos del arte.

Clive Bell en su ensayo clásico Arte afirma que solo la "forma significativa" puede distinguir el arte de lo que no es arte.

Debe haber alguna cualidad sin la cual una obra de arte no puede existir; posesión que, en el más mínimo grado, ningún trabajo es totalmente inútil. ¿Qué es esta cualidad? ¿Qué cualidad comparten todos los objetos que provocan nuestras emociones estéticas? ¿Qué cualidad es común a Sta. ¿Sophia y las vidrieras de Chartres, la escultura mexicana, un cuenco persa, las alfombras chinas, los frescos de Giotto en Padua y las obras maestras de Poussin, Piero della Francesca y Cezanne? Solo una respuesta parece posible: la forma significativa. En cada uno, líneas y colores combinados de manera particular, ciertas formas y relaciones de formas, despiertan nuestras emociones estéticas.

El 7 de febrero de 2007, Sotheby's London vendió la fotografía de 2001 99 Cent II Diptychon por un precio sin precedentes de 3.346.456 dólares a un postor anónimo, lo que la convirtió en la más cara en ese momento.

La fotografía conceptual convierte un concepto o una idea en una fotografía. Aunque lo que se representa en las fotografías son objetos reales, el tema es estrictamente abstracto.

Paralelamente a este desarrollo, la interfaz entonces en gran medida separada entre la pintura y la fotografía se cerró a principios de la década de 1970 con el trabajo de los artistas fotográficos Pierre Cordier (Chimigramm), Chemigram y Josef H. Neumann, Chemogram. En 1974, los quimiogramas de Josef H. Neumann concluyeron la separación del fondo pictórico y la capa fotográfica al mostrar los elementos de la imagen en una simbiosis que nunca antes había existido, como un espécimen único e inconfundible, en una simultaneidad pictórica y al mismo tiempo real. perspectiva fotográfica, usando lentes, dentro de una capa fotográfica, unida en colores y formas. Este quimiograma de Neumann de los años setenta del siglo XX se diferencia así del comienzo de los quimiogramas sin cámara creados anteriormente de un Pierre Cordier y el fotograma Man Ray o László Moholy-Nagy de las décadas anteriores. Estas obras de arte fueron casi simultáneas con la invención de la fotografía por varios artistas importantes que caracterizaron a Hippolyte Bayard, Thomas Wedgwood, William Henry Fox Talbot en sus primeras etapas, y luego a Man Ray y László Moholy-Nagy en los años veinte y por el pintor en los años treinta, Edmund Kesting y Christian Schad colocando objetos directamente sobre papel fotográfico sensibilizado adecuadamente y utilizando una fuente de luz sin cámara.

Fotoperiodismo

El fotoperiodismo es una forma particular de fotografía (la recopilación, edición y presentación de material de noticias para su publicación o transmisión) que emplea imágenes para contar una noticia. Ahora generalmente se entiende que se refiere solo a imágenes fijas, pero en algunos casos el término también se refiere al video utilizado en el periodismo televisivo. El fotoperiodismo se distingue de otras ramas cercanas de la fotografía (por ejemplo, la fotografía documental, la fotografía documental social, la fotografía callejera o la fotografía de celebridades) por cumplir con un marco ético rígido que exige que el trabajo sea honesto e imparcial mientras se cuenta la historia en términos estrictamente periodísticos.. Los fotoperiodistas crean imágenes que contribuyen a los medios de comunicación y ayudan a las comunidades a conectarse entre sí. Los fotoperiodistas deben estar bien informados y bien informados sobre los eventos que suceden justo afuera de su puerta. Ofrecen noticias en un formato creativo que no solo es informativo, sino también entretenido, incluida la fotografía deportiva.

Ciencia y medicina forense

La cámara tiene una larga y distinguida historia como medio para registrar fenómenos científicos desde el primer uso de Daguerre y Fox-Talbot, como eventos astronómicos (eclipses, por ejemplo), pequeñas criaturas y plantas cuando la cámara estaba conectada al ocular de los microscopios. (en fotomicroscopía) y para fotografía macro de especímenes más grandes. La cámara también resultó útil para grabar escenas del crimen y escenas de accidentes, como el colapso del puente Wootton en 1861. Los métodos utilizados en el análisis de fotografías para su uso en casos legales se conocen colectivamente como fotografía forense. Las fotos de la escena del crimen se toman desde tres puntos de vista. Los puntos de vista son visión general, rango medio y primer plano.

En 1845 Francis Ronalds, el Director Honorario del Observatorio de Kew, inventó la primera cámara exitosa para realizar registros continuos de parámetros meteorológicos y geomagnéticos. Diferentes máquinas produjeron rastros fotográficos de 12 o 24 horas de las variaciones minuto a minuto de la presión atmosférica, la temperatura, la humedad, la electricidad atmosférica y los tres componentes de las fuerzas geomagnéticas. Las cámaras se suministraron a numerosos observatorios de todo el mundo y algunas permanecieron en uso hasta bien entrado el siglo XX. Charles Brooke, un poco más tarde, desarrolló instrumentos similares para el Observatorio de Greenwich.

La ciencia utiliza tecnología de imagen derivada del diseño de la cámara Pin Hole. Las máquinas de rayos X tienen un diseño similar a las cámaras Pin Hole con filtros de alta calidad y radiación láser. La fotografía se ha vuelto universal en el registro de eventos y datos en ciencia e ingeniería, y en escenas de crímenes o accidentes. El método se ha extendido mucho mediante el uso de otras longitudes de onda, como la fotografía infrarroja y la fotografía ultravioleta, así como la espectroscopia. Esos métodos se utilizaron por primera vez en la era victoriana y mejoraron mucho más desde entonces.

El primer átomo fotografiado fue descubierto en 2012 por físicos de la Universidad de Griffith, Australia. Usaron un campo eléctrico para atrapar un "ion" del elemento iterbio. La imagen fue grabada en un CCD, una película fotográfica electrónica.

Fotografía de Vida Silvestre

La fotografía de vida silvestre consiste en capturar imágenes de diversas formas de vida silvestre. A diferencia de otras formas de fotografía, como la fotografía de productos o alimentos, la fotografía exitosa de vida silvestre requiere que un fotógrafo elija el lugar y el momento correctos cuando la vida silvestre específica está presente y activa. A menudo requiere mucha paciencia y considerable habilidad y dominio del equipo fotográfico adecuado.

Implicaciones sociales y culturales

Hay muchas preguntas en curso sobre diferentes aspectos de la fotografía. En su Sobre la fotografía (1977), Susan Sontag descarta la objetividad de la fotografía. Este es un tema muy debatido dentro de la comunidad fotográfica. Sontag argumenta: "Fotografiar es apropiarse de lo fotografiado. Significa ponerse uno mismo en cierta relación con el mundo que se siente como conocimiento y, por lo tanto, como poder". Los fotógrafos deciden de qué tomar una foto, qué elementos excluir y qué ángulo enmarcar la foto, y estos factores pueden reflejar un contexto sociohistórico particular. En este sentido, se puede argumentar que la fotografía es una forma subjetiva de representación.

La fotografía moderna ha planteado una serie de preocupaciones sobre su efecto en la sociedad. En La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock (1954), la cámara se presenta como promotora del voyerismo. 'Aunque la cámara es una estación de observación, el acto de fotografiar es más que una observación pasiva'.

La cámara no viola ni posee, aunque puede suponer, entrometerse, traspasar, distorsionar, explotar y, en el extremo más lejano de la metáfora, asesinar: todas las actividades que, a diferencia de los empujones y empujones sexuales, pueden llevarse a cabo desde una perspectiva distancia, y con cierto desapego.

Las imágenes digitales han suscitado preocupaciones éticas debido a la facilidad de manipular fotografías digitales en el posprocesamiento. Muchos fotoperiodistas han declarado que no recortarán sus imágenes o que tienen prohibido combinar elementos de varias fotos para hacer "fotomontajes", haciéndolas pasar como fotografías "reales". La tecnología actual ha hecho que la edición de imágenes sea relativamente sencilla incluso para los fotógrafos novatos. Sin embargo, los cambios recientes del procesamiento en la cámara permiten la toma de huellas dactilares digitales de las fotos para detectar la manipulación con fines de fotografía forense.

La fotografía es una de las nuevas formas de medios que cambia la percepción y cambia la estructura de la sociedad. Se ha causado más inquietud en torno a las cámaras con respecto a la desensibilización. Se han planteado temores de que las imágenes perturbadoras o explícitas sean ampliamente accesibles para los niños y la sociedad en general. En particular, las fotos de guerra y la pornografía están causando revuelo. A Sontag le preocupa que "fotografiar es convertir a las personas en objetos que pueden ser poseídos simbólicamente". La discusión sobre la desensibilización va de la mano con los debates sobre las imágenes censuradas. Sontag escribe sobre su preocupación de que la capacidad de censurar imágenes significa que el fotógrafo tiene la capacidad de construir la realidad.

Una de las prácticas a través de las cuales la fotografía constituye sociedad es el turismo. El turismo y la fotografía se combinan para crear una "mirada turística" en la que el objetivo de la cámara sitúa y define a los habitantes locales. Sin embargo, también se ha argumentado que existe una "mirada inversa" a través de la cual los fotógrafos indígenas pueden posicionar al fotógrafo turístico como un consumidor superficial de imágenes.

Ley

La fotografía está restringida y protegida por la ley en muchas jurisdicciones. La protección de las fotografías se logra normalmente mediante la concesión de derechos de autor o derechos morales al fotógrafo. En los Estados Unidos, la fotografía está protegida como un derecho de la Primera Enmienda y cualquiera es libre de fotografiar cualquier cosa que se vea en espacios públicos siempre que esté a la vista. En el Reino Unido, una ley reciente (Ley contra el terrorismo de 2008) aumenta el poder de la policía para evitar que las personas, incluso los fotógrafos de prensa, tomen fotografías en lugares públicos. En Sudáfrica, cualquier persona puede fotografiar a otra persona, sin su permiso, en espacios públicos y la única restricción específica impuesta sobre lo que el gobierno no puede fotografiar está relacionada con cualquier cosa clasificada como seguridad nacional. Cada país tiene leyes diferentes.