Ficción de la pulpa
Pulp Fiction es una película policiaca estadounidense de 1994 escrita y dirigida por Quentin Tarantino, quien la concibió con Roger Avary. Protagonizada por John Travolta, Samuel L. Jackson, Bruce Willis, Tim Roth, Ving Rhames y Uma Thurman, cuenta varias historias de crímenes en Los Ángeles, California. El título hace referencia a las revistas pulp y las novelas policiacas duras populares a mediados del siglo XX, conocidas por su violencia gráfica y sus diálogos contundentes.
Tarantino escribió Pulp Fiction en 1992 y 1993, incorporando escenas que Avary escribió originalmente para True Romance (1993). Su trama ocurre fuera de orden cronológico. La película también es autorreferencial desde sus primeros momentos, comenzando con una tarjeta de título que da dos definiciones de diccionario de "pulpa". Se dedica un tiempo de pantalla considerable a monólogos y conversaciones informales con diálogos eclécticos que revelan las perspectivas de cada personaje sobre varios temas, y la película presenta una combinación irónica de humor y fuerte violencia. Según los informes, TriStar Pictures rechazó el guión por considerarlo "demasiado demente". Sin embargo, el copresidente de Miramax, Harvey Weinstein, quedó cautivado y la película se convirtió en la primera que Miramax financió por completo.
Pulp Fiction ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1994 y fue un gran éxito comercial y de crítica. Fue nominada a siete premios en la 67ª edición de los Premios de la Academia, incluida la de Mejor Película, y ganó el de Mejor Guión Original; le valió a Travolta, Jackson y Thurman nominaciones a los Premios de la Academia e impulsó sus carreras. Su desarrollo, marketing, distribución y rentabilidad tuvo un efecto arrollador en el cine independiente.
Pulp Fiction es ampliamente considerada como la obra maestra de Tarantino, con especial elogio por su guión. La autorreflexión, la estructura poco convencional y el extenso homenaje y pastiche han llevado a los críticos a describirlo como una piedra de toque del cine posmoderno. A menudo se considera un hito cultural que influye en las películas y otros medios que adoptaron elementos de su estilo. El elenco también fue ampliamente elogiado, con Travolta, Thurman y Jackson obteniendo elogios particulares. En 2008, Entertainment Weekly la nombró la mejor película desde 1983 y ha aparecido en muchas críticas. listas de las mejores películas jamás realizadas. En 2013, Pulp Fiction fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa".
Trama
Estructura narrativa
La narrativa dePulp Fiction' se cuenta en orden cronológico y sigue tres principales historias interrelacionadas que tienen cada una un protagonista diferente: Vincent Vega, un sicario; Butch Coolidge, un boxeador profesional; y Jules Winnfield, socio comercial de Vincent.
La película comienza con un atraco a un restaurante protagonizado por una pareja, luego comienza a pasar de una historia a otra antes de regresar al restaurante para la conclusión. Hay siete secuencias narrativas; las tres historias principales están precedidas por intertítulos:
- "Prologo – El restaurante" (i)
- Prelude to "Vincent Vega and Marsellus Wallace's Wife"
- "Vincent Vega y la esposa de Marsellus Wallace"
- Prelude to "The Gold Watch" (a – flashback, b – present)
- "El reloj de oro"
- "La situación de Bonnie"
- "Epilogo – El restaurante" (ii)
Si las siete secuencias estuvieran ordenadas cronológicamente, serían: 4a, 2, 6, 1, 7, 3, 4b, 5. Las secuencias 1 y 7 se superponen parcialmente y se presentan desde diferentes puntos de vista, al igual que las secuencias 2 y 6. Según Philip Parker, la forma estructural es "una narración episódica con eventos circulares que agregan un principio y un final y permiten hacer referencias a elementos de cada episodio por separado a lo largo de la narración". Otros analistas describen la estructura como una "narrativa circular".
Resumen
Los sicarios Jules Winnfield y Vincent Vega llegan a un apartamento para recuperar un maletín para su jefe, el gángster Marsellus Wallace, de un socio comercial, Brett. Después de que Vincent revisa el contenido del maletín, Jules le dispara a uno de los socios de Brett. Declama un pasaje de la Biblia, y él y Vincent matan a Brett por intentar traicionar a Marsellus. Le llevan el maletín a Marsellus y esperan mientras él soborna al boxeador Butch Coolidge para que se sumerja en su próximo combate.
Al día siguiente, Vincent le compra heroína a su traficante de drogas, Lance. Se dispara y conduce para encontrarse con la esposa de Marsellus, Mia, habiendo accedido a escoltarla mientras Marsellus está fuera de la ciudad. Comen en Jack Rabbit Slim's, un restaurante temático de la década de 1950, participan en un concurso de giros y luego regresan a casa. Mientras Vincent está en el baño, Mia encuentra su heroína y la inhala, confundiéndola con cocaína. Ella sufre una sobredosis; Vincent la lleva rápidamente a la casa de Lance, donde la reviven con una inyección de adrenalina en su corazón. Vincent deja a Mia en su casa y los dos acuerdan nunca contarle a Marsellus sobre el incidente.
Butch apuesta el dinero del soborno a sí mismo y traiciona a Marsellus, ganando la pelea pero matando accidentalmente a su oponente también. Sabiendo que Marsellus enviará sicarios tras él, se prepara para huir con su novia, Fabienne, pero descubre que ella se olvidó de empacar un reloj de oro que le pasó a él a través de su familia. Al regresar a su apartamento para recuperarlo, nota un MAC-10 silenciado en el mostrador de la cocina y escucha la descarga del inodoro. Cuando Vincent sale del baño, Butch lo mata a tiros y se va.
Cuando Marsellus ve a Butch detenido en un semáforo, Butch lo embiste con su auto, dejándolos a ambos heridos y aturdidos. Una vez que Marsellus recupera la conciencia, le dispara a Butch y lo persigue hasta una casa de empeño. Butch gana ventaja y está a punto de dispararle a Marsellus, pero el dueño de la tienda, Maynard, los captura a punta de pistola y los ata y amordaza en el sótano. Maynard y su cómplice Zed llevan a Marsellus a otra habitación y comienzan a violarlo, dejando al "gimp" – una figura silenciosa en un traje de bondage – para vigilar a Butch. Butch se suelta y deja inconsciente al gimp. En lugar de huir, decide salvar a Marsellus y se arma con una katana de la casa de empeño. Mata a Maynard y libera a Marsellus, quien dispara a Zed en la entrepierna con la escopeta de Maynard. Marsellus le informa a Butch que están a mano, que no le cuenten a nadie sobre la violación y que se vayan de Los Ángeles para siempre. Butch recoge a Fabienne en el helicóptero de Zed y se van.
Más temprano, después de que Vincent y Jules hayan matado a Brett en su apartamento, otro hombre sale del baño y les dispara, pero todos los disparos fallan; después de revisarse brevemente en busca de heridas, Jules y Vincent lo matan a tiros. Mientras se alejaba con el socio de Brett, Marvin, Jules afirma que su supervivencia fue un milagro, lo que Vincent niega. Vincent dispara accidentalmente a Marvin en la cara, matándolo y cubriendo de sangre a Vincent, Jules y el interior del auto a plena luz del día. Ocultan el auto en la casa del amigo de Jules, Jimmie, quien exige que aborden el problema antes de que su esposa, Bonnie, regrese a casa. Marsellus envía a un limpiador, Winston Wolfe, quien ordena a Jules y Vincent que limpien el auto, escondan el cuerpo en el maletero, se deshagan de su ropa ensangrentada y lleven el auto a un depósito de chatarra.
En un restaurante, Jules le dice a Vincent que planea retirarse de su vida criminal, convencido de que su "milagroso" la supervivencia en el apartamento era una señal de intervención divina. Mientras Vincent está en el baño, una pareja, "Pumpkin" y 'Honey Bunny', asaltan el restaurante y exigen el maletín de Marsellus. Jules distrae a Pumpkin con su contenido y luego lo domina y lo sujeta a punta de pistola; Honey Bunny se pone histérica y apunta con su arma a Jules. Vincent regresa con su arma apuntándola, pero Jules calma la situación. Recita el pasaje bíblico, expresa ambivalencia sobre su vida criminal y permite que los ladrones tomen su dinero y se vayan. Jules y Vincent salen del restaurante con el maletín en la mano.
Reparto
- John Travolta como Vincent Vega:
- El compañero de Jules, trabajando para Marsellus Wallace. Tarantino fundido Travolta en Ficción de pulso porque Michael Madsen, que había jugado a Vic Vega en Perros de reserva, elegido para aparecer en Kevin Costner Wyatt Earp en su lugar. Madsen ha lamentado desde entonces su decisión. Harvey Weinstein empujó por Daniel Day-Lewis en la parte. Travolta aceptó una tarifa reducida – fuentes dicen que US$100,000 o US$140,000 pero el éxito de la película y su nominación al Premio de la Academia para Best Actor revitalizó su carrera. Vincent es el hermano de Vic Vega aka Mr. Blonde in Perros de reserva (1992), y en 2004, Tarantino discutió una idea para una película protagonizada por Travolta y Madsen como los "Vega Brothers"; el concepto sigue siendo irrealizado.
- Samuel L. Jackson como Jules Winnfield:
- El socio en crimen de Vincent, trabajando para Marsellus Wallace. La primera audición de Jackson fue rebasada por Paul Calderón; Jackson había asumido que la audición era simplemente una lectura. Weinstein lo convenció para audir una segunda vez y su actuación de la última escena del restaurante ganó sobre Tarantino. Jules fue originalmente guionado con un afro gigante, pero el PA de Tarantino compró erróneamente una peluca de jerez. Tarantino fue enfurecido pero Jackson lo convenció para mantenerlo ya que el peinado había ganado popularidad a través del grupo de rap N.W.A. El crítico de cine Owen Gleiberman lo tomó como una "dición cómica sobre la ghettoización de [los negros] en las películas". Jackson recibió una nominación de Oscar para Best Supporting Actor. Calderón aparece en la película como Paul, camarero en el club social de Marsellus, así como asistente de Marsellus. Tarantino escribió el papel de Laurence Fishburne, quien lo rechazó. Según Tarantino, Fishburne lo rechazó porque su equipo no lo vio como un papel protagónico; Fishburne dijo luego que lo rechazó porque sintió la película glamorosa heroína.
- Uma Thurman como Mia Wallace:
- La esposa de Wallace y una actriz aspirante. Miramax favoreció a Holly Hunter o Meg Ryan por el papel de Mia. Alfre Woodard y Meg Tilly también fueron considerados pero Tarantino quería Thurman después de su primera reunión. Dominó el material promocional de la película, apareciendo en una cama con cigarrillo en la mano. Fue nominada para un Oscar para el mejor Actriz de Apoyo. A pesar de ser lanzado en la famosa A-list, Thurman eligió no hacer películas de gran presupuesto hasta Batman & Robin (1997) tres años después.
- Harvey Keitel como Winston Wolfe:
- Un "limpiador" que ayuda a Jules y Vincent. Tarantino escribió la parte de Wolfe para Keitel, que había muerto de hambre Perros de reserva y fue instrumental en su producción. En palabras de Tarantino, "Harvey había sido mi actor favorito desde que tenía 16 años". Keitel había jugado un personaje similarmente empleado en Punto de no retorno (1993).
- Tim Roth como Ringo/"Pumpkin":
- Un ladrón y el novio de Yolanda. Roth había muerto de hambre Perros de reserva junto a Keitel. Había usado un acento americano en Perros de reserva pero usó su acento natural en Londres Ficción de pulso. Aunque Tarantino había escrito la parte con Roth en mente, el jefe de TriStar Mike Medavoy prefirió a Johnny Depp o Christian Slater. A principios de desarrollo, Tarantino había contemplado el casting Roth como Vincent y Gary Oldman como Jules, reescribiendo a los personajes como "dos chicos ingleses".
- Amanda Plummer como Yolanda / "Honey Bunny":
- La novia y compañera de Ringo en el crimen. Tarantino escribió el papel de Yolanda para Plummer para asociarla con Roth. Roth le había presentado a Tarantino, diciendo: "Quiero trabajar con Amanda en una de tus películas pero tiene que tener una pistola muy grande".
- Maria de Medeiros como Fabienne:
- La novia de Butch. Tarantino conoció a Medeiros, actriz portuguesa, mientras viajaba con Perros de reserva alrededor del circuito del festival de cine europeo.
- Ving Rhames como Marsellus Wallace:
- Un jefe del crimen y empleador de Jules y Vincent. Antes de que Rhames fuera lanzado, la parte de Wallace fue ofrecida inicialmente a Max Julien y Sid Haig, pero ambos rechazaron el papel. Según Bender, Rhames dio "una de las mejores audiciones que he visto". Su aclamada actuación le llevó a ser lanzado en características de gran presupuesto como Misión imposible (1996), Con Air (1997) Fuera de la vista (1998).
- Eric Stoltz como Lance:
- El traficante de drogas de Vincent. Gary Oldman fue la opción preferida entre los ejecutivos de TriStar, basado en su retrato de proxeneta de proxeneta Drexl Spivey en Verdadero Romance (1993).
- Rosanna Arquette como Jody:
- La esposa de Lance. Pam Grier leyó por el papel, pero Tarantino no creía que las audiencias encontrarían plausible para Lance gritarle. Tarantino más tarde fundió Grier como el papel principal para Jackie Brown. Ellen DeGeneres también leyó por la parte de Jody. La hermana de Rosanna Alexis (entonces conocida como Robert Arquette) también aparece en la película, como un hombre emergente de un baño para disparar y perder a Vincent y Jules que luego lo matan.
- Christopher Walken como Capitán Koons:
- Un veterano de la Guerra de Vietnam que entrega un joven Butch el reloj de oro codiciado de su padre. Durante el monólogo de Koons, intercalado con descripciones coloridas del Viet Cong, menciona a un soldado llamado "Winocki". Joe Winocki (John Garfield) es un personaje en la película de 1943 Fuerza aérea dirigido por Howard Hawks, uno de los directores favoritos de Tarantino. Tarantino jugó un personaje llamado Desmond Winocki en una aparición de invitados en un episodio de All-American Girl titulado Pulp Sitcom.
- Bruce Willis como Butch Coolidge:
- Un boxeador envejecido en la carrera de Marsellus habiéndole traicionado. Willis ya era una estrella, pero la mayoría de sus películas recientes habían sido críticas y decepciones de box-office. Como lo relató Peter Bart, participando en la película modestamente presupuestada "meant bajando su salario y arriesgando su estatus estrella, pero la estrategia... pagó realmente: Ficción de pulso no sólo traído Willis nuevo respeto como actor pero también le ganó varios millones de dólares". La apariencia de Willis y la presencia física fueron cruciales para Tarantino, "Bruce tiene la mirada de un actor de los 50. No puedo pensar en ninguna otra estrella que tenga esa mirada". La mirada de Butch fue modelada en Aldo Ray en Noche y su comportamiento basado en la representación de Ralph Meeker de Mike Hammer en la de Robert Aldrich Bésame mortalmente. Chandler Lindauer juega un joven Butch.
Bronagh Gallagher interpreta a Trudi, la amiga de Jody, que no hace más que fumar un bong durante la escena en la que Vincent revive a Mia. Según el autor Jason Bailey, "Quentin pensó que sería divertido tener a este observador casual que casualmente estaba allí". Todo esto nació de la experiencia de, cuando vas a la casa de alguien a comprar drogas, siempre hay gente que está ahí. Phil LaMarr interpreta a Marvin, un socio de Jules y Vincent. LaMarr hizo una audición para Tarantino después de que ambos hicieran un espectáculo para un grupo de improvisación unos meses antes. Leyó para los papeles de Jules Winnfield y Brett antes de ser elegido como Marvin. Tarantino aparece como Jules' amigo Jimmie, en cuya casa arreglan un asesinato. Tarantino no estaba seguro de si interpretar a Jimmie o a Lance, y eligió a Jimmie porque quería estar detrás de la cámara durante la escena de la sobredosis de Mia.
Frank Whaley interpreta a Brett, un socio de Jules y Vincent que tiene un maletín solicitado por Marcellus. Whaley conoció a Tarantino mientras filmaba Reservoir Dogs en un laboratorio del Instituto Sundance. Él recuerda: "Terminamos reuniéndonos y pasando tiempo juntos, y me caía bien, así que me alegré mucho cuando me pidió que participara en esta película". Burr Steers aparece como Roger, un amigo de Brett apodado 'Bandada de gaviotas'. por Jules. La escena del enfrentamiento entre Brett y Jules pasó por varias tomas debido a que Steers cometió errores. Steers recordó en una entrevista que le había resultado difícil actuar debido al volumen de los disparos.
Angela Jones interpreta a Esmeralda Villalobos, una taxista que ayuda a Butch a escapar. Su reparto y personaje se inspiraron en su actuación en el cortometraje de 1991 Curdled, que luego se rehizo como un largometraje de 1996 con financiación de Tarantino y nuevamente protagonizado por Jones. Duane Whitaker, Peter Greene y Stephen Hibbert interpretan a Maynard, Zed y el gimp. Según The Daily Beast, estos "tres paletos psicópatas" que violan a Marsellus en el sótano de la tienda de Maynard aluden a la película Deliverance. Steve Buscemi hace un cameo como mesero en Jack Rabbit Slim's, vestido como Buddy Holly. Buscemi, que había aparecido en Reservoir Dogs, fue originalmente considerado para el papel de Jimmie, pero no pudo comprometerse. Kathy Griffin aparece como ella misma.
Producción
Escribir
Roger Avary escribió el primer elemento de lo que se convertiría en el guión de Pulp Fiction en el otoño de 1990:
Tarantino y Avary decidieron escribir un corto, en la teoría de que sería más fácil hacerse que una característica. Pero rápidamente se dieron cuenta de que nadie produce cortos, por lo que la película se convirtió en una trilogía, con una sección de Tarantino, una de Avary, y una de un tercer director que nunca se materializó. Cada uno eventualmente expandió su sección en un script de largometraje.
La inspiración inicial fue la película de antología de terror en tres partes Black Sabbath (1963), del cineasta italiano Mario Bava. El proyecto de Tarantino-Avary se tituló provisionalmente 'Black Mask', en honor a la revista seminal de novela negra. El guión de Tarantino se produjo como Reservoir Dogs, su debut como director; Avary creó la base para el "Gold Watch" argumento de Pulp Fiction.
Con el trabajo en Reservoir Dogs completado, Tarantino volvió a la noción de una película de trilogía: "Tuve la idea de hacer algo que los novelistas tienen la oportunidad de hacer pero los cineastas no".;t: contar tres historias separadas, tener personajes flotando dentro y fuera con diferentes pesos dependiendo de la historia." Tarantino explica que la idea "era básicamente tomar las castañas más antiguas que hayas visto en lo que respecta a las historias de crímenes, las historias más antiguas del libro... Ya sabes, 'Vincent Vega y la esposa de Marsellus Wallace – la historia más antigua sobre... el tipo tiene que salir con la esposa del gran hombre y no tocarla. Ya sabes, has visto la historia un millón de veces. "Estoy usando viejas formas de contar historias y luego hacer que se desvíen a propósito", dice. "Parte del truco es tomar estos personajes de películas, estos personajes de género y estas situaciones de género y aplicarlas a algunas de las reglas de la vida real y ver cómo se desentrañan". En al menos un caso, el del boxeador Butch Coolidge, Tarantino tenía en mente un personaje específico de una clásica historia criminal de Hollywood: "Quería que fuera básicamente como Ralph Meeker como Mike Hammer en Kiss" de Aldrich. Yo mortal [1955]. Quería que fuera un matón y un idiota.
Tarantino se puso a trabajar en el guión de Pulp Fiction en Ámsterdam en marzo de 1992, posiblemente en el Hotel Winston en el Barrio Rojo. Allí se le unió Avary, quien contribuyó con "Pandemonium Reigns" al proyecto y participó en su reescritura, así como en el desarrollo de las nuevas historias que se vincularían con él. Dos escenas escritas originalmente por Avary para el guión de True Romance, acreditadas exclusivamente a Tarantino, se incorporaron al inicio de "The Bonnie Situation": la "miraculous" disparos fallidos por el pistolero oculto y el asesinato del automóvil del asiento trasero. La noción del mundo criminal "limpiador" que se convirtió en el corazón del episodio se inspiró en un cortometraje, Curdled, que Tarantino vio en un festival de cine. Eligió a la actriz principal, Angela Jones, en Pulp Fiction y luego respaldó a los cineastas. producción de una versión de largometraje de Curdled. El guión incluía un par de marcas comerciales inventadas que a menudo aparecían en películas posteriores de Tarantino: hamburguesas Big Kahuna (un vaso de refresco Big Kahuna aparece en Reservoir Dogs) y cigarrillos Red Apple. Mientras trabajaba en el guión, Tarantino también acompañó a Reservoir Dogs en los festivales de cine europeos. Estrenada en los Estados Unidos en octubre de 1992, la película fue un éxito comercial y de crítica. En enero de 1993, se completó el guión de Pulp Fiction.
Financiación
Tarantino y su productor, Lawrence Bender, llevaron el guión a Jersey Films. Incluso antes de ver Reservoir Dogs, Jersey había intentado fichar a Tarantino para su próximo proyecto. Finalmente, se llegó a un acuerdo de desarrollo por valor de alrededor de $ 1 millón: el acuerdo le dio a A Band Apart, la compañía de producción recién formada de Bender y Tarantino, financiamiento inicial e instalaciones de oficina; Jersey obtuvo una parte del proyecto y el derecho de comprar el guión a un estudio. Jersey tuvo una distribución y "primer vistazo" tratar con Columbia TriStar, que pagó a Tarantino por el derecho a considerar ejercer su opción. En febrero, Pulp Fiction apareció en una lista Variety de películas en preproducción en TriStar. En junio, sin embargo, el estudio cambió el guión. Según un ejecutivo del estudio, el jefe de TriStar, Mike Medavoy, lo encontró "demasiado demente". Hubo sugerencias de que TriStar se resistía a respaldar una película con un usuario de heroína; también hubo indicios de que el estudio simplemente consideró que el proyecto tenía un presupuesto demasiado bajo para su imagen deseada de estrella. Avary, que estaba a punto de empezar a rodar su propio debut como director, Killing Zoe, ha dicho que las objeciones de TriStar eran amplias y abarcaban la estructura fundamental del guión. Caracteriza la posición del estudio: "'Esto es lo peor que se ha escrito jamás. No tiene sentido. Alguien está muerto y luego está vivo. Es demasiado larga, violenta e imposible de filmar.... Así que pensé, '¡Eso es todo! #39;"
Bender llevó el guión a Miramax, el antiguo estudio independiente que recientemente había sido adquirido por Disney. Harvey Weinstein, copresidente de Miramax, junto con su hermano Bob, se cautivó al instante con el guión y la compañía lo recogió. Pulp Fiction, el primer proyecto de Miramax que obtuvo luz verde después de la adquisición de Disney, tenía un presupuesto de 8,5 millones de dólares. Se convirtió en la primera película que Miramax financió por completo. El plan que ejecutó Bender ayudó a mantener bajos los costos para pagar a todos los actores principales la misma cantidad por semana, independientemente de su estado en la industria. La estrella más grande que se inscribió en el proyecto fue Bruce Willis. Aunque recientemente había aparecido en varios fracasos de gran presupuesto, seguía siendo un gran atractivo en el extranjero. Gracias a su nombre, Miramax obtuvo 11 millones de dólares por los derechos mundiales de la película, lo que prácticamente aseguró su rentabilidad.
Filmación
La fotografía principal comenzó el 20 de septiembre de 1993. El talento principal fuera de la pantalla había trabajado con Tarantino en Reservoir Dogs: el director de fotografía Andrzej Sekuła, la editora de cine Sally Menke, el diseñador de producción David Wasco y la diseñadora de vestuario Betsy. Heimann. Según Tarantino, "teníamos 8 millones de dólares". Quería que pareciera una película de $20-25 millones. Quería que pareciera una epopeya. Es una epopeya en todo: en invención, en ambición, en duración, en alcance, en todo menos en el precio. La película, dice, se rodó con película 50 ASA, que es la película más lenta que fabrican. La razón por la que lo usamos es que crea una imagen casi sin grano, es brillante. Es lo más parecido que tenemos al Technicolor de los años 50." La mayor parte del presupuesto (150 000 $) se destinó a crear el set de Jack Rabbit Slim. Fue construido en un almacén de Culver City, donde se unieron varios otros decorados, así como las oficinas de producción de la película. La secuencia de la cena se filmó en Hawthorne en el Hawthorne Grill, conocido por su arquitectura Googie. Para el vestuario, Tarantino se inspiró en el director francés Jean-Pierre Melville, quien creía que la ropa que vestían sus personajes eran sus armaduras simbólicas. Tarantino interpretó un papel de tamaño modesto como lo había hecho en Reservoir Dogs. Uno de sus tótems pop, Fruit Brute, un cereal de General Mills discontinuado hace mucho tiempo, también regresó de la película anterior. El rodaje terminó el 30 de noviembre. Antes del estreno de Pulp Fiction', Tarantino convenció a Avary renunciar a su crédito de coautoría acordado y aceptar una "historia de" crédito, por lo que la línea "Escrito y dirigido por Quentin Tarantino" podría usarse en publicidad y en pantalla.
Música
No se compuso ninguna banda sonora para Pulp Fiction; En cambio, Quentin Tarantino usó una variedad ecléctica de música surf, rock and roll, soul y canciones pop. La interpretación de Dick Dale de 'Misirlou' suena durante los créditos iniciales. Tarantino eligió la música de surf como el estilo musical básico para la película, pero no, insiste, por su asociación con la cultura del surf: "Para mí, suena como rock and roll, incluso música de Morricone". Suena como música rock and roll spaghetti western." Tarantino planeó usar una canción de power pop, My Sharona de The Knack, durante la escena de la violación de la película, pero finalmente la descartó.
Algunas de las canciones fueron sugeridas a Tarantino por sus amigos Chuck Kelley y Laura Lovelace, quienes fueron reconocidos como asesores musicales. Lovelace también apareció en la película como Laura, una camarera; repite el papel en Jackie Brown. El álbum de la banda sonora se lanzó junto con la película en 1994. El álbum alcanzó su punto máximo en la lista Billboard 200 en el número 21. El sencillo, la versión de Urge Overkill de la canción de Neil Diamond 'Girl, You'll Be a Woman Soon', alcanzó el puesto 59.
Estella Tincknell describe cómo la combinación particular de grabaciones conocidas y oscuras ayuda a establecer la película como una película "conscientemente 'cool' texto. [El] uso del estilo 'underground' estadounidense de principios de la década de 1960 con una sola pista y ritmo pesado. pop mezclado con 'clásico' baladas como 'Son of a Preacher Man' de Dusty Springfield; es crucial para el conocimiento posmoderno de la película. Contrasta la banda sonora con la de Forrest Gump, la película más taquillera de 1994, que también se basa en grabaciones pop de época: "[L]a versión de 'los sesenta' 39; que ofrece Pulp Fiction... ciertamente no es la de la contracultura reconocida públicamente que aparece en Forrest Gump, sino que es, más bien, una forma más genuinamente marginal de sub- cultura basada en un estilo de vida: surf, 'hanging' – eso es decididamente apolítico." La banda sonora es central, dice, para el compromiso de la película con el 'espectador más joven y con conocimientos cinematográficos'. solicita.
Recepción
Estreno y taquilla
Pulp Fiction se estrenó en mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes. Los Weinstein 'se fueron a la playa como comandos' y trajeron a todo el elenco de la película. La película se presentó en una proyección de medianoche y causó sensación. Ganó la Palma de Oro, el máximo galardón del festival, lo que generó una nueva ola de publicidad.
La primera reseña estadounidense de la película se publicó el 23 de mayo en la revista comercial de la industria Variety. Todd McCarthy calificó a Pulp Fiction como una "pieza de cultura pop espectacularmente entretenida... un éxito sorprendente y masivo". Desde Cannes en adelante, Tarantino estuvo de gira continuamente, promocionando la película. Durante los siguientes meses, tocó en festivales más pequeños de toda Europa, generando entusiasmo: Nottingham, Munich, Taormina, Locarno, Noruega y San Sebastián. Tarantino dijo más tarde: "Una cosa que es genial es que al romper la estructura lineal, cuando veo la película con una audiencia, rompe el estado alfa [de la audiencia]. Es como, de repente, 'Tengo que ver esto... Tengo que prestar atención'. Casi puedes sentir a todos moviéndose en sus asientos. De hecho, es divertido ver a una audiencia de alguna manera perseguir una película." A fines de septiembre, inauguró el Festival de Cine de Nueva York. The New York Times publicó su reseña el día de la inauguración. Janet Maslin calificó la película como un "viaje triunfal e ingeniosamente desorientador a través de un demimonde que surge completamente de la imaginación madura del Sr. Tarantino, un paisaje de peligro, conmoción, hilaridad y vibrante color local... [Él] ha creado un trabajo de tal profundidad, ingenio y originalidad que lo coloca en las filas delanteras de los cineastas estadounidenses."
El 14 de octubre de 1994, Pulp Fiction se estrenó en los Estados Unidos. Como describe Peter Biskind, "no fue una plataforma, es decir, no se estrenó en un puñado de cines y se desarrolló lentamente a medida que se desarrollaba el boca a boca, la forma tradicional de estrenar una película independiente; se extendió de inmediato, en 1.100 salas de cine." A los ojos de algunos críticos culturales, Reservoir Dogs le había dado a Tarantino la reputación de exaltar la violencia. Miramax jugó con el tema en su campaña de marketing: "No conocerás los hechos hasta que hayas visto la ficción", rezaba un eslogan. Pulp Fiction fue la película más taquillera en la taquilla estadounidense en su primer fin de semana con una recaudación de $9,311,882, superando a un vehículo de Sylvester Stallone, The Specialist, que estaba en su segunda semana y tocando en más del doble de teatros. El bruto reclamado por Miramax fue cuestionado por otros. Warner Bros. inicialmente reportó un bruto estimado de $8.9 millones para The Specialist con Bob Weinstein y luego reportó un bruto para Pulp Fiction de $9.1 millones, alegando que la película estaba en otros 100 pantallas que antes se habían pasado por alto. Warner luego actualizó su bruto a $ 9.3 millones, alegando que habían cometido un error de cálculo. El lunes por la mañana temprano, Miramax reportó un ingreso bruto de $9.3 millones con Warner reportando $8.9 millones para The Specialist, colocando a Pulp Fiction en primer lugar, pero otras fuentes de la industria no creyeron en Miramax's. números. Variety estimó que Pulp Fiction recaudó entre $8,6 y $9 millones durante el fin de semana.
Con un presupuesto de 8,5 millones de dólares y unos 10 millones de dólares en costes de marketing, Pulp Fiction terminó recaudando 107,93 millones de dólares en la taquilla estadounidense, lo que la convierte en la primera película "indie" película supere los 100 millones de dólares. En todo el mundo, recaudó casi 213 millones de dólares. En términos de ingresos brutos domésticos, fue la décima película más grande de 1994, a pesar de que se proyectó en muchas menos pantallas que cualquier otra película entre las 20 principales. Compromiso popular con la película, como la especulación sobre el contenido del precioso maletín, & #34;indica el tipo de estatus de culto que Pulp Fiction alcanzó casi inmediatamente". Como dice MovieMaker, "La película fue nada menos que un fenómeno cultural nacional". También en el extranjero: en Gran Bretaña, donde se estrenó una semana después de su estreno en EE. UU., la película no solo fue un gran éxito, sino que, en forma de libro, su guión se convirtió en el más exitoso en la historia editorial del Reino Unido, entre los diez más vendidos.
Respuesta crítica
En el agregador de reseñas Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 92 % basado en 110 reseñas, con una calificación promedio de 9.20/10. El consenso crítico del sitio web dice: "Una de las películas más influyentes de la década de 1990, Pulp Fiction es una delirante mezcla posmoderna de emociones neo-noir, humor completamente negro., y piedras angulares de la cultura pop." En Metacritic, la película tiene una puntuación media ponderada de 94 sobre 100, basada en 24 críticos, lo que indica "aclamación universal". El público encuestado por CinemaScore le dio a la película una calificación promedio de "B+" en una escala de A+ a F.
La respuesta de los principales críticos de cine estadounidenses fue muy favorable. Roger Ebert del Chicago Sun-Times lo describió como "tan bien escrito en un fanzine desaliñado que te dan ganas de frotarte las narices: las narices de esos escritores zombis que toman & #39;escritura de guiones' clases que les enseñan las fórmulas para 'películas exitosas'". Richard Corliss de TIME escribió: "Se destaca sobre las otras películas del año de manera tan majestuosa y amenazadora como el jefe de una pandilla en un preescolar". Reta a las películas de Hollywood a ser tan inteligentes para llegar tan lejos. Si los buenos directores aceptan el desafío implícito de Tarantino, la sala de cine podría volver a ser un gran lugar para vivir." En Newsweek, David Ansen escribió: "El milagro de Pulp Fiction de Quentin Tarantino es cómo, al estar compuesta de partes degradadas y de segunda mano, logra brillando como algo nuevo." "Te intoxicas con eso," escribió Entertainment Weekly's Owen Gleiberman, "muy entusiasmado con el redescubrimiento de lo placentera que puede ser una película. No estoy seguro de haberme encontrado alguna vez con un cineasta que combinara la disciplina y el control con pura alegría salvaje como lo hace Tarantino. "Hay una emoción especial que surge al ver algo tan emocionantemente vivo", escribió Peter Travers de Rolling Stone. "Pulp Fiction es indiscutiblemente genial."
El Los Angeles Times fue uno de los pocos medios de comunicación importantes que publicó una crítica negativa el fin de semana del estreno de la película. Kenneth Turan escribió: "El guionista y director parece esforzarse por lograr sus efectos". Algunas secuencias, especialmente una que involucra arneses de esclavitud y violación homosexual, tienen la sensación incómoda de desesperación creativa, de alguien que tiene miedo de perder su reputación luchando por cualquier forma de ofender la sensibilidad. Algunos de los que lo revisaron en las semanas siguientes se opusieron más a la reacción crítica predominante que a Pulp Fiction en sí. Si bien no analizó la película, Stanley Kauffmann de The New Republic sintió que 'la forma en que ha sido ampliamente criticada y babeada roza lo repugnante'. Pulp Fiction nutre, instiga, el tugurio cultural." En respuesta a las comparaciones entre la película de Tarantino y el trabajo del director de la Nueva Ola francesa Jean-Luc Godard, especialmente su primera y más famosa película, Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader escribió: " El hecho de que Pulp Fiction esté cosechando más elogios extravagantes que Breathless nunca te dice mucho sobre qué tipo de referencias culturales se consideran más fructíferas, es decir, las que ya tenemos. y no desea expandirse." Observando en el National Review que '[n]inguna película llega con más bombo anticipado', John Simon no se dejó influir: 'la excitación no cura ni el vacío ni la superficialidad'.
El debate sobre la película se extendió más allá de las páginas de reseñas, siendo su violencia el tema principal. En The Washington Post, Donna Britt describió cómo estaba feliz de no ver Pulp Fiction en un fin de semana reciente y así evitar "discutir la conmovedora escena en la que un disparo rocía los sesos de alguien alrededor del interior de un automóvil". Algunos comentaristas objetaron el uso frecuente en la película de la palabra "nigger" (mencionado 18 veces). En el Chicago Tribune, Todd Boyd argumentó que la recurrencia de la palabra "tiene la capacidad de significar el último nivel de hipness para los hombres blancos que históricamente han utilizado su percepción de la masculinidad negra como la encarnación de cool". En Gran Bretaña, James Wood, escribiendo en The Guardian, marcó la pauta para muchas críticas posteriores: 'Tarantino representa el triunfo final del posmodernismo, que consiste en vaciar la obra de arte de todo contenido, evitando así su capacidad para hacer cualquier cosa excepto representar inútilmente nuestras agonías... Solo en esta era podría un escritor tan talentoso como Tarantino producir obras de arte tan vacías, tan completamente despojadas de cualquier interés político, metafísico o moral."
Temporada de premios
Cerca del cambio de año, Pulp Fiction fue nombrada Mejor Película por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine, la Junta Nacional de Revisión, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, la Sociedad de Críticos de Cine de Boston, la Sociedad de Críticos de Cine de Texas, Asociación de Críticos de Cine del Sureste y Círculo de Críticos de Cine de Kansas City. Tarantino fue nombrado Mejor Director por las siete organizaciones, así como por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York y la Asociación de Críticos de Cine de Chicago. El guión ganó varios premios, y varios organismos de adjudicación atribuyeron el crédito de manera diferente. En la 52ª edición de los Globos de Oro, Tarantino, nombrado único ganador del premio al Mejor Guión, no mencionó a Avary en su discurso de aceptación. En febrero de 1995, la película recibió siete nominaciones al Oscar: Mejor Película, Director, Actor (Travolta), Actor de Reparto (Jackson), Actriz de Reparto (Thurman), Guión Original y Montaje de Película. Travolta, Jackson y Thurman también fueron nominados para los 1st Screen Actors Guild Awards, presentados el 25 de febrero, pero ninguno se llevó a casa el honor. En la ceremonia de los Premios de la Academia del mes siguiente, Tarantino y Avary fueron anunciados como ganadores conjuntos del Premio de la Academia al Mejor Guión Original. El furor en torno a la película seguía siendo fuerte: gran parte de la edición de marzo de Artforum se dedicó a su disección crítica. Pulp Fiction obtuvo cuatro premios en los Independent Spirit Awards, que se celebraron a finales de mes: Mejor largometraje, Mejor director, Protagonista masculino (Jackson) y Mejor guión (Tarantino). En los Premios de Cine de la Academia Británica (BAFTA), Tarantino y Avary compartieron el Premio BAFTA al Mejor Guión Original, y Jackson ganó el premio al Mejor Actor de Reparto. La película fue nominada al Gran Premio de la Asociación Belga de Críticos de Cine.
La edición de febrero de 2020 de New York Magazine enumera Pulp Fiction junto con Citizen Kane, Sunset Boulevard, Dr. Strangelove, Butch Cassidy y Sundance Kid, La conversación, Nashville, Taxista, El hombre elefante, En el dormitorio, Habrá sangre y Roma como " Las mejores películas que perdieron la mejor película en los Oscar".
Influencia
Pulp Fiction pronto se convirtió en una de las películas más importantes de su época. En 1995, en una edición especial de Siskel & Ebert dedicado a Tarantino, Gene Siskel argumentó que la obra planteaba un gran desafío a la 'osificación del cine estadounidense con sus fórmulas brutales'. En opinión de Siskel,
la intensidad violenta Ficción de pulso llama a la mente otras películas violentas que fueron consideradas clásicos en su tiempo y todavía lo son. Hitchcock's Psycho [1960], Arthur Penn's Bonnie y Clyde [1967], y Stanley Kubrick Una naranja de relojería [1971]. Cada película estremeció una industria cinematográfica cansada y hinchada y usó un mundo de vidas bajas animadas para reflejar cómo se habían convertido las películas aburridas. Y eso, predije, será el honor final para Ficción de pulso. Como todas las grandes películas, critica otras películas.
Ken Dancyger escribe que su "estilo imitativo e innovador" – como el de su predecesor, Reservoir Dogs – representa
un nuevo fenómeno, la película cuyo estilo se crea desde el contexto de la vida cinematográfica en lugar de la vida real. La consecuencia es doble: la presunción de profundo conocimiento por parte del público de esas formas como las películas de gánster o occidentales, películas de terror o películas de aventura. Y que la parodia o alteración de esa película crea una nueva forma, una experiencia diferente para el público.
En un discurso ampliamente cubierto el 31 de mayo de 1995, el candidato presidencial republicano Bob Dole atacó a la industria del entretenimiento estadounidense por vender 'pesadillas de depravación'. Pulp Fiction pronto se asoció con sus cargos relacionados con la violencia gratuita. Dole no había mencionado la película; citó dos películas menos celebradas basadas en guiones de Tarantino, Natural Born Killers y True Romance. En septiembre de 1996, Dole acusó a Pulp Fiction, que él no había visto, de promover 'el romance de la heroína'.
Paula Rabinowitz expresa la opinión general de la industria cinematográfica de que Pulp Fiction "resucitó simultáneamente a John Travolta y el cine negro". En la descripción de Peter Biskind, creó un 'frenesí de chicos con armas'. La película también ha sido etiquetada como comedia negra y 'neo-noir'. El crítico Geoffrey O'Brien, sin embargo, argumentó en contra de la clasificación de Pulp Fiction en el género neo-noir: "Las antiguas pasiones del noir, la melancólica melancolía y las escenas operísticas de muerte, estaría totalmente fuera de lugar en el país de las maravillas nítido y brillantemente iluminado que evoca Tarantino. [No es] ni neo-noir ni una parodia del noir." Del mismo modo, Nicholas Christopher lo llama "más campamento pandillero que neo-noir", y Foster Hirsch sugiere que su "paisaje de fantasía alucinante" lo caracteriza más definitivamente que cualquier etiqueta de género. Independientemente, la influencia estilística de Pulp Fiction pronto se hizo evidente. Menos de un año después del lanzamiento de la película, el crítico británico Jon Ronson asistió a las proyecciones de fin de semestre de la Escuela Nacional de Cine y evaluó el impacto: "De las cinco películas de estudiantes que vi, cuatro incorporaron tiroteos violentos sobre una banda sonora de éxitos pop iconoclastas de los años 70, dos llegaron al clímax con todos los personajes principales disparándose entre sí a la vez, y uno tenía dos sicarios que discutían las idiosincrasias de The Brady Bunch antes de disparar. víctima. Desde Citizen Kane no ha aparecido un hombre desde una relativa oscuridad para redefinir el arte de hacer películas." Entre las primeras películas de Hollywood citadas como sus imitadores se encuentran Destiny Turns on the Radio (1995), en la que actuó Tarantino, Things to Do in Denver When You're Dead (1995), y 2 Días en el Valle (1996). "Desencadenó una miríada de clones", escribe Fiona Villella. A nivel internacional, según David Desser, "no solo influyó en una marca británica de noir, sino que extendió la visión del noir prácticamente en todo el mundo". El efecto de Pulp Fiction'en la forma cinematográfica todavía resonaba en 2007, cuando David Denby de The New Yorker le atribuye el inicio del ciclo continuo de narrativas cinematográficas desordenadas.
Su impacto en Hollywood fue aún más profundo. Según Variety, la trayectoria de Pulp Fiction desde el lanzamiento en Cannes hasta el éxito comercial "alteró para siempre el juego" del llamado cine independiente. "Consolidó el lugar de Miramax como la superpotencia indie reinante", escribe Biskind. "Pulp se convirtió en la Star Wars de los independientes, haciendo estallar las expectativas de lo que una película independiente podría hacer en la taquilla." El gran rendimiento financiero de la película con su pequeño presupuesto
transformado[ed] la actitud de la industria hacia las bajas Indias... desobedeciendo un rebaño de divisiones clásicas de mi-too... [S]mart studio executives repentinamente despertó al hecho de que los brutos y la cuota de mercado, que consiguieron a toda la prensa, no eran los mismos que los beneficios... Una vez que los estudios se dieron cuenta de que podían explotar las economías de escala (pequeña), más o menos renunciaron a comprar o rehacer las películas ellos mismos, y o compraron los distribuidores, como Disney tenía Miramax, o comenzaron su propia... copia[ing] Estrategias de marketing y distribución de Miramax.
En 2001, Variety, observando el creciente número de actores que alternaban entre costosas películas de estudio y proyectos independientes o independientes de bajo presupuesto, sugirió que el "momento decisivo para estrellas de cine" llegó con la decisión de Willis, uno de los artistas mejor pagados de Hollywood, de aparecer en Pulp Fiction.
Y su impacto fue incluso más amplio que eso. Ha sido descrito como un "evento cultural importante", un "fenómeno internacional" que influyeron en la televisión, la música, la literatura y la publicidad. No mucho después de su lanzamiento, se identificó como un importante foco de atención dentro de la creciente comunidad de usuarios de Internet. Al agregar Pulp Fiction a su lista de The Great Movies en 2001, Roger Ebert la llamó "la película más influyente de la década". Cuatro años más tarde, Time's Corliss escribió casi lo mismo: " (sin duda) la película americana más influyente de los 90's.
Varias escenas e imágenes de la película alcanzaron un estatus icónico; en 2008, Entertainment Weekly declaró: "A estas alturas, sería difícil nombrar un momento de la película de Quentin Tarantino que no sea icónico".." 'Royale con queso' de Jules y Vincent El diálogo se hizo famoso. Se hizo referencia a ella más de una década y media después en el vehículo de Travolta From Paris with Love. La descarga de adrenalina en el corazón de Mia Wallace está en la lista de Premiere' de "100 mejores momentos cinematográficos". La escena de los personajes de Travolta y Thurman bailando ha sido homenajeada con frecuencia, de forma más inequívoca en la película de 2005 Be Cool, protagonizada por los mismos dos actores. La imagen de los personajes de Travolta y Jackson parados uno al lado del otro con traje y corbata, apuntando con sus armas, también se ha vuelto muy familiar. En 2007, BBC News informó que "los trabajadores del transporte de Londres pintaron sobre un mural icónico del 'artista guerrillero' Banksy... La imagen mostraba una escena de Pulp Fiction de Quentin Tarantino, con Samuel L. Jackson y John Travolta agarrando plátanos en lugar de pistolas." Ciertas líneas fueron adoptadas popularmente como eslóganes, en particular la amenaza de Marsellus, 'I'm 'to get medieval on your ass'. 'Ezequiel' de Jules La recitación fue votada como el cuarto mejor discurso cinematográfico de todos los tiempos en una encuesta de 2004. Uno de los homenajes más notables a Jules "Biblical" La cita fue una en la que el propio Jackson participó, cerca del final de Capitán América: El soldado de invierno de 2014, el personaje de Jackson, el coronel Nick Fury, presuntamente muerto, visita a su propio lápida, en la que, debajo del nombre de Fury, está inscrito "El camino del hombre justo..." Ezequiel 25:17. En 2019, se informó que Dominic Cummings, asesor político especial del primer ministro británico Boris Johnson, citó a Jules diciéndoles a los parlamentarios conservadores que "sean geniales como Fonzies". como presión política construida para solicitar una extensión a la fecha de la retirada del Reino Unido de la Unión Europea.
Pulp Fiction ahora aparece en varias evaluaciones críticas de grandes películas de todos los tiempos. En 2008, Entertainment Weekly la nombró la mejor película del último cuarto de siglo. Ese mismo año, el 'Ten Top Ten' del American Film Institute La encuesta la clasificó en el puesto número 7 de todos los tiempos en el género de películas de gángsters. En 2007, ocupó el puesto 94 en la lista de 100 años... 100 películas de la AFI. En 2005, fue nombrada una de las 100 películas de todos los tiempos de 'Time'. A partir de septiembre de 2018, ocupa el puesto 54 en la lista de Metacritic de las puntuaciones más altas de todos los tiempos. La película ocupa un lugar muy alto en las encuestas populares. Una encuesta de Empire de 2008 que combinó las opiniones de lectores, profesionales de la industria del cine y críticos nombró a Pulp Fiction como la novena mejor película de todos los tiempos. En un libro de lectores de 2006 encuesta realizada por la revista británica Total Film, se ubicó como la película número tres en la historia. Fue votada como la cuarta mejor película de todos los tiempos en una encuesta nacional del Canal 4 de Gran Bretaña en 2001.
Análisis crítico
Tarantino ha declarado que originalmente planeó "hacer una película de Black Mask", refiriéndose a la revista en gran parte responsable de popularizar la novela policíaca dura. "[I]t tipo de fue a otro lugar". Geoffrey O'Brien ve el resultado como conectado "bastante poderosamente a una tradición pulp paralela: los cuentos de terror y lo siniestro practicados por escritores como Cornell Woolrich [y] Fredric Brown... Ambos trataron fuertemente en el reino de coincidencias improbables y bromas cósmicas crueles, un reino que Pulp Fiction hace suyo." En particular, O'Brien encuentra una fuerte afinidad entre la intrincada mecánica de la trama y los giros de las novelas de Brown y la estructura recursiva y entrelazada de Pulp Fiction. Philip French describe la narrativa de la película como un "movimiento circular o cinta de Möbius del tipo que Resnais y Robbe-Grillet admirarían". James Mottram considera al novelista policiaco Elmore Leonard, cuya influencia ha reconocido Tarantino, como el principal antecedente literario de la película. Sugiere que el 'diálogo rico' de Leonard se refleja en la "cháchara llena de cultura popular" de Tarantino; también señala el agudo y extremadamente oscuro sentido del humor que Leonard aplica al ámbito de la violencia como fuente de inspiración.
El erudito/historiador de cine Robert Kolker ve los "florecimientos, la aparente banalidad ingeniosa del diálogo, la tonta fractura de la temporalidad [como] una pátina sobre un pastiche. El pastiche... es esencialmente de dos películas que Tarantino parece no poder sacar de su mente: Mean Streets [1973; dirigida por Martin Scorsese, a quien le encantaba Pulp Fiction y la forma en que se contaba la película] y The Killing [1956; dirigida por Stanley Kubrick]." Contrasta Pulp Fiction con los predecesores posmodernos de Hollywood Hudson Hawk (1991; protagonizada por Willis) y Last Action Hero (1993; protagonizada por Arnold Schwarzenegger) que & #34;llevó la broma demasiado lejos... simplemente se burló o sugirió que eran más inteligentes que la audiencia" y fracasó. Todd McCarthy escribe que las 'sorprendentes composiciones de pantalla ancha de la película a menudo contienen objetos en primeros planos extremos, así como contrastes vívidos, que a veces recuerdan las estrategias visuales de Sergio Leone', un héroe reconocido de Tarantino& #39; Para Martin Rubin, las "imágenes panorámicas expansivas y de colores brillantes" evocan a directores de comedia como Frank Tashlin y Blake Edwards.
La serie de alusiones a la cultura pop de la película, que van desde la famosa imagen de la falda de Marilyn Monroe volando sobre una rejilla del metro hasta Jules dirigiéndose a una futura víctima como 'Flock de gaviotas" por su corte de pelo, han llevado a muchos críticos a discutirlo en el marco de la posmodernidad. Al describir la película en 2005 como la 'obra maestra posmoderna... hasta la fecha' de Tarantino, David Walker escribe que 'está marcada por su reverencia juguetona por la década de 1950... y su constante burlas y, a menudo, referencias deferentes a otras películas". Caracteriza su enrevesada técnica narrativa como "trucos posmodernos". Llamando a la película un "collage posmoderno terminalmente moderno", Foster Hirsch encuentra Pulp Fiction lejos de ser una obra maestra: "autorizada, influyente y sin sentido". Ambientada 'en un mundo que solo podría existir en las películas', es 'un suculento placer culposo, comida chatarra bellamente hecha para cinéastes'. O'Brien, descartando los intentos de asociar la película con el cine negro, argumenta que 'Pulp Fiction es más una visita guiada a un parque temático infernal decorado con detritos culturales, Buddy Holly y Mamie Van Doren, fragmentos de blaxploitation y Roger Corman y Shogun Assassin, música de una estación de oldies de veinticuatro horas para la que todas las décadas desde los cincuenta conviven simultáneamente." Catherine Constable toma como ejemplar el momento en el que una aguja llena de adrenalina se clava en el corazón comatoso de Mia. Ella propone que "puede verse como un efecto de su resurrección de entre los muertos, recordando y socavando simultáneamente la convención gótica de la estaca del vampiro". En este modelo, la referencia a formas y estilos estéticos previos va más allá de... pastiche vacío, sustentando una 'inventiva y afirmativa' modo de posmodernismo."
Mark T. Conard pregunta: "[¿De qué] trata la película?" y responde, "nihilismo estadounidense". Hirsch sugiere: "Si la película trata realmente de algo más que de su propia inteligencia, parece estar dedicada a la dudosa tesis de que los asesinos a sueldo son parte de la familia humana". Richard Alleva sostiene que "Pulp Fiction tiene tanto que ver con la delincuencia o la violencia reales como Cyrano de Bergerac con las realidades de la Francia del siglo XVII o El Prisionero de Zenda con la política balcánica." Él lee la película como una forma de romance cuyo encanto se centra en los personajes. discurso no naturalista, "sabio alfabetizado, inteligente con los medios, obscenamente epigramático". En opinión de Alan Stone, el 'diálogo absurdo', como el que mantienen Vincent y Jules en la escena en la que el primero mata accidentalmente a Marvin, 'transforma inesperadamente el significado del cliché de la violencia... Pulp Fiction desenmascara el mito machista haciéndolo irrisorio y desheroiza el viaje de poder glorificado por la violencia estándar de Hollywood. Stone lee la película como "políticamente correcta". No hay desnudez ni violencia dirigida contra las mujeres... [Esto] celebra la amistad interracial y la diversidad cultural; hay mujeres fuertes y hombres negros fuertes, y el director nada contra la corriente del estereotipo de clase."
Donde Stone ve una celebración, Kolker encuentra un vacío: "La despreocupación posmoderna, la violencia, la homofobia y el racismo de Pulp Fiction eran perfectamente aceptables porque la película no pretendía seriedad y, por lo tanto, no se burló de ella." Llamándolo el "acmé del cine posmoderno de los noventa", explica, "lo posmoderno se trata de superficies; es una espacialidad aplanada en la que el evento y el personaje están en un estado constante de recordarnos que son figuras de la cultura pop." Según Kolker:
Por eso. Ficción de pulso era tan popular. No porque todos los públicos tuvieran todas o ninguna de sus referencias a Scorsese y Kubrick, sino porque la estructura narrativa y espacial de la película nunca amenazó con ir más allá de sí mismos en significación. El ciclo de bromas racistas y homofóbicas de la película podría amenazar con romperse en una visión bastante desagradable del mundo, pero esta nastinesa sigue siendo reída – por la intensidad burda de la acción, la propulsión, confrontación, perversa, confinada y sin aire del mundo que crea Tarantino.
Henry A. Giroux argumenta que Tarantino "vacía la violencia de cualquier consecuencia social crítica, ofreciendo a los espectadores solo la inmediatez de la conmoción, el humor y la ironía sin perspicacia como elementos de mediación". Ninguno de estos elementos va más allá de la seducción de la mirada voyeurista... [el] consumo fácil de imágenes impactantes y delicias alucinatorias."
Con respecto a la violencia y el nihilismo en la película, Pamela Demory ha sugerido que Pulp Fiction debería verse a la luz de las historias cortas de Flannery O'Connor, que también presentan " elementos religiosos, banalidad y violencia con humor grotesco." Discutiendo "la conexión entre la violencia y la redención" Demory concluye que si bien el propósito de O'Connor es convencer a los lectores 'de la poderosa fuerza del mal en el mundo y de nuestra necesidad de gracia', Tarantino "busca demostrar que a pesar de todo lo que hemos visto en la película (toda la violencia, la degradación, la muerte, el crimen, el comportamiento amoral) la gracia aún es posible; aún podría haber un Dios que no nos juzgue por los méritos."
El homenaje como esencia
Cine
Pulp Fiction está lleno de homenajes a otras películas. 'Los personajes de Tarantino', escribe Gary Groth, 'habitan un mundo donde todo el panorama está compuesto por productos de Hollywood. Tarantino es un cleptómano cinematográfico: literalmente, no puede evitarlo. Dos escenas en particular han suscitado una discusión sobre el estilo altamente intertextual de la película. Muchos han asumido que la secuencia de baile en Jack Rabbit Slim's pretendía ser una referencia a la actuación estelar de Travolta como Tony Manero en la epocal Fiebre del sábado por la noche (1977); Tarantino, sin embargo, atribuye la inspiración a una escena de la película de Jean-Luc Godard Bande à part (1964). Según el cineasta;
Todos piensan que escribí esta escena para que John Travolta bailara. Pero la escena existía antes de que John Travolta fuera lanzado. Pero una vez que fue lanzado, fue como, "Grandioso. Vamos a ver a John bailar. Mejor". Mis secuencias musicales favoritas siempre han estado en Godard, porque acaban de salir de la nada. Es tan infecciosa, tan amable. Y el hecho de que no sea un musical, pero detiene la película para tener una secuencia musical, lo hace más dulce.
Jerome Charyn argumenta que, más allá de 'mucho mejor', la presencia de Travolta es esencial para el poder de la escena y de la película:
Toda la carrera de Travolta se convierte en "backstory", el mito de una estrella de cine que ha caído fuera de favor, pero todavía reside en nuestra memoria como el rey de la disco. Le seguimos esperando para deshacer su paunch, poner un traje de poliéster blanco, y entrar en el club Odyssey 2001 en Bay Ridge, Brooklyn, donde bailará por nosotros y nunca, nunca parará. Daniel Day-Lewis no pudo haber despertado un anhelo tan poderoso en nosotros. No es parte de la cosmología loca de Estados Unidos... Tony Manero [es] un ángel sentado en el hombro de Vince... [Vince y Mia's] el baile real puede estar más cerca de la coreografía del shuffle de Anna Karina con sus dos novios de gángster en bumble Bande à part, pero incluso que la referencia está perdida para nosotros, y estamos con Tony otra vez...
Estella Tincknell señala que mientras el "entorno del comedor parece ser un simulacro de un 'cincuenta' restaurant... the twist contest es una secuencia musical que evoca 'los sesenta,' mientras que el espectáculo de danza de Travolta inevitablemente hace referencia a 'los años setenta'. y su aparición en Fiebre del sábado por la noche.... El 'pasado' se convierte así en un 'pasado' más general; en el que se cargan en un solo momento los significantes estilísticos de varias décadas." También argumenta que en este pasaje la película "cambia brevemente de su discurso habitualmente irónico a uno que hace referencia a las convenciones del clásico musical cinematográfico y, al hacerlo, hace posible que la película habite un espacio afectivo que va más allá de lo estilístico. alusión."
El momento crucial en el que Marsellus cruza la calle frente al auto de Butch y lo nota evoca la escena en la que el jefe de Marion Crane la ve en circunstancias similares en Psicosis (1960). Marsellus y Butch pronto son cautivos de Maynard y Zed, "dos sádicos honkies recién salidos de Deliverance" (1972), dirigida por John Boorman. Zed comparte un nombre con el personaje de Sean Connery en la continuación de Boorman, la película de ciencia ficción Zardoz (1974). Cuando Butch decide rescatar a Marsellus, en palabras de Glyn White, "encuentra un tesoro de objetos con resonancias de héroes de películas". Los críticos han identificado estas armas con una variedad de posibles alusiones:
- Martillo... Los asesinatos de caja de herramientas (1978)
- Batalla de béisbol – Caminar Tall (1973); Los intocables (1987)
- Chainsaw – La cadena de Texas Saw Massacre (1974); Muertos malvados II (1987)
- Katana (samurai espada) – muchos, incluyendo Siete Samurai (1954); El Yakuza (1975); Shogun Assassin (1980)
Al final de la escena, una línea portentosa de Marsellus hace eco del drama criminal Charley Varrick (1973), dirigido por otro de los héroes de Tarantino, Don Siegel; el nombre del personaje que lo habla allí es Maynard.
David Bell argumenta que lejos de ir en contra de la "corriente del estereotipo de clase", esta escena, como Deliverance, "movil[iza] una cierta construcción de pobres campesinos blancos, y en particular su sexualización... 'la expresión sexual rústica a menudo toma la forma de violación homosexual' en las películas americanas." Stephen Paul Miller cree que la escena de Pulp Fiction es mucho más fácil que la que repite: "La sodomía perpetrada no es tan impactante como lo fue en Deliverance... La película de los noventa reduce la competencia, el horror y el tabú de los setenta en un juego de adrenalina entretenido y sutil: una ficción, una ficción pulp." Giroux lee el homenaje a la escena de la violación de manera similar: "al final, el uso de la parodia por parte de Tarantino se trata de repetición, transgresión y suavizar el rostro de la violencia al reducirla a la propiedad de la historia del cine". Desde el punto de vista de Groth, la diferencia crucial es que en Deliverance la violación crea el dilema moral central de la película, mientras que en Pulp Fiction fue simplemente 'el día más extraño de la vida de [Butch's]'. ("American Me también lo hizo", observó Tarantino. "Hay como tres escenas de sexo anal en American Me. ¡Ese es definitivamente el que hay que vencer en esa categoría en particular!")
Neil Fulwood se centra en la selección de armas de Butch y escribe: "Aquí, el amor de Tarantino por las películas es más abierto y sin prejuicios, con un guiño a lo noble y lo notorio, como además de hacer aflorar su propia reputación como enfant terrible de la violencia cinematográfica. Además, la escena hace un comentario astuto sobre la disposición del cine para aprovechar cualquier cosa que tenga a mano para sus momentos de caos y asesinato." White afirma que "la katana que finalmente, y significativamente, selecciona lo identifica con... héroes honorables". Conard argumenta que los tres primeros elementos simbolizan un nihilismo que Butch rechaza. La espada japonesa tradicional, en contraste, representa una cultura con un código moral bien definido y, por lo tanto, conecta a Butch con un enfoque más significativo de la vida.
La película de motociclistas Nam's Angels también se proyecta y Fabienne la caracteriza como "Una película de motocicletas, no estoy seguro del nombre".
Televisión
Robert Miklitsch argumenta que "la telefilia de Tarantino" puede ser más fundamental para la sensibilidad rectora de Pulp Fiction que el amor del cineasta por el rock 'n' rollo e incluso cine:
Hablando de su generación, una de edad en los años 70, Tarantino ha comentado que la "número una cosa que todos compartimos no era música, eso era cosa de los sesenta. Nuestra cultura era la televisión". Una lista aleatoria de los programas de televisión mencionados en Ficción de pulso confirma su observación: Speed Racer, Clutch Cargo, The Brady Bunch, The Partridge Family, The Avengers, The Three Stooges, The Flintstones, I Spy, Green Acres, Kung Fu, Happy DaysY por último, pero no menos importante, el piloto ficticio de Mia, Fuerza de Fox Cinco.
"La lista anterior, con la posible excepción de Los Vengadores," escribe Miklitsch, "sugiere que Pulp Fiction tiene menos afinidad electiva con el vanguardismo cinematográfico de Godard que con la programación principal de la cadena." Jonathan Rosenbaum había incluido la televisión en su análisis de la comparación Tarantino/Godard, reconociendo que los directores eran similares en querer meter todo lo que les gustaba en la pantalla: “Pero las diferencias entre lo que le gusta a Godard y lo que le gusta a Tarantino y por qué son astronómicas; es como comparar una combinación de museo, biblioteca, archivo de películas, tienda de discos y grandes almacenes con una máquina de discos, una tienda de alquiler de videos y una edición de TV Guide."
Sharon Willis se centra en la forma en que un programa de televisión (Clutch Cargo) marca el comienzo y continúa la escena entre el joven Butch y el compañero de armas de su padre.. El veterano de la guerra de Vietnam es interpretado por Christopher Walken, cuya presencia en el papel evoca su actuación como un G.I. traumatizado. en la película de la Guerra de Vietnam The Deer Hunter (1978). Willis escribe que "cuando el Capitán Koons entra en la sala de estar, vemos a Walken en su función como una imagen recuperada de un repertorio de versiones televisivas y cinematográficas de la década de 1970 de la masculinidad arruinada en busca de rehabilitación... [L]a luz gris del televisor que preside la escena parece inscribir la fantasmal mirada paterna." Miklitsch afirma que, para algunos críticos, la película es un "excelente ejemplo de la perniciosa influencia de la cultura de masas, ejemplificada por su bête noire: la televisión". Kolker podría no estar en desacuerdo, argumentando que "Pulp Fiction es un simulacro de nuestra exposición diaria a la televisión; sus homófobos, matones y pervertidos, boxeadores sentimentales y promotores de proxenetas se mueven a través de una serie de cuadros de larga duración: observamos, reímos y nos quedamos sin nada que comprender."
Motivos destacados
El misterioso maletín 666
La combinación del misterioso candado de la maleta es 666, el "Número de la Bestia". Tarantino ha dicho que no hay explicación para su contenido: es simplemente un MacGuffin, un dispositivo de trama pura. Originalmente, el estuche debía contener diamantes, pero esto se consideró demasiado mundano. Para fines de filmación, contenía una bombilla de luz naranja oculta que producía un brillo de otro mundo cuando se abría la caja. En una entrevista en video de 2007 con el también director y amigo Robert Rodríguez, Tarantino supuestamente 'revela' el contenido secreto del maletín, pero la película corta y omite la escena en el estilo empleado en Grindhouse (2007) de Tarantino y Rodríguez, con un intertítulo que dice "Missing Carrete". La entrevista continúa con Rodríguez discutiendo cuán radicalmente el "conocimiento" del contenido del maletín altera la comprensión de la película.
A pesar de las declaraciones de Tarantino, muchas soluciones a lo que un académico llama este "rompecabezas posmoderno sin explicación" ha sido propuesto. A menudo se ha observado una gran similitud con la película negra de Robert Aldrich de 1955 Kiss Me Deadly. Esa película presenta un maletín resplandeciente que alberga un explosivo atómico. En su reseña de la película Repo Man de Alex Cox de 1984 en The Daily Telegraph, Nick Cowen y Hari Patience sugieren que Pulp Fiction puede también tienen "una deuda de inspiración" al maletero del coche que brilla intensamente en esa película. En opinión del académico Paul Gormley, esta conexión con Kiss Me Deadly, y una similar con Raiders of the Lost Ark (1981), hace posible leer el resplandor espeluznante como símbolo de la violencia misma. La idea de que el maletín contiene el alma de Marsellus ganó popularidad a mediados de la década de 1990. Al analizar la noción, Roger Ebert la descartó como "nada más que una leyenda urbana ampliamente distribuida a la que la mística de la red le dio falsa credibilidad".
Julio' pasaje de la biblia
Jules recita ritualmente lo que describe como un pasaje bíblico, Ezequiel 25:17, antes de ejecutar a alguien. El pasaje se escucha tres veces: en la secuencia introductoria en la que Jules y Vincent recuperan el maletín de Marsellus del condenado Brett; esa misma recitación por segunda vez, al comienzo de 'The Bonnie Situation', que se superpone al final de la secuencia anterior; y en el epílogo en el restaurante. La primera versión del pasaje es la siguiente:
El camino del hombre justo está a todos lados por las injusticias del egoísmo y la tiranía de los hombres malos. Bienaventurado el que en nombre de la caridad y de la buena voluntad pastorea a los débiles por el valle de la oscuridad, porque él es verdaderamente el guardián de su hermano y el buscador de niños perdidos. Y te golpearé con gran venganza y furia a los que intentan envenenar y destruir a Mis hermanos. Y sabrás que Mi nombre es el Señor cuando Yo pongo Mi venganza sobre ti.
La segunda versión, de la escena del restaurante, es idéntica excepto por la línea final: "Y sabréis que yo soy el Señor cuando ponga mi venganza sobre vosotros".
Si bien las dos últimas oraciones del discurso de Jules son similares al pasaje real citado, las dos primeras están fabricadas a partir de varias frases bíblicas. El texto de Ezequiel 25 que precede al versículo 17 indica que la ira de Dios es la retribución por la hostilidad de los filisteos. En la versión King James de la que se adapta el discurso de Jules, Ezequiel 25:17 dice en su totalidad:
Y haré gran venganza sobre ellos con reprensiones furiosas; y sabrán que yo am Jehová, cuando yo ponga Mi venganza sobre ellos.
La principal inspiración de Tarantino para el discurso fue el trabajo de la estrella japonesa de artes marciales Sonny Chiba. Su texto y su identificación como Ezequiel 25:17 derivan de un credo casi idéntico que aparece al comienzo de la película de Chiba Karate Kiba (The Bodyguard; 1976), donde se muestra como un texto que se desplaza y lo lee un narrador fuera de la pantalla.
La versión que se ve al comienzo de El guardaespaldas (1976) es la siguiente:
El camino del hombre y defensor justos está a todos lados por la inequidad del egoísta y la tiranía de los hombres malvados. Bienaventurado el que en nombre de la caridad y de la buena voluntad, pastorea a los débiles por el valle de las tinieblas, porque él es verdaderamente el guardián de su hermano, y el padre de los niños perdidos. Y haré gran venganza sobre ellos con furia, que envenena y destruye a mis hermanos; y sabrán que yo soy Chiba el guardaespaldas cuando pondré mi venganza sobre ellos.
En la serie de televisión de la década de 1980 Kage no Gundan (Shadow Warriors), el personaje de Chiba sermoneaba al villano de la semana sobre cómo el mundo debe deshacerse del mal antes de matarlo. Un asesino hace una diatriba bíblica similar en Modesty Blaise, la novela de tapa dura pero estilo pulp con la que Vincent se muestra en dos escenas.
Dos críticos que han analizado el papel del discurso encuentran diferentes vínculos entre la transformación de Jules y el tema de la posmodernidad. Gormley argumenta que, a diferencia de los otros personajes principales de la película (aparte de Marsellus), Jules es:
vinculado a una "cosa" más allá de la simulación postmoderna... [T]su es quizás más marcado cuando se mueve de ser una simulación de un predicador bautista, brotando Ezequiel porque era "sólo una cosa genial decir..." En su conversión, Jules se muestra consciente de un lugar más allá de esta simulación, que, en este caso, la película construye como Dios.
Adele Reinhartz escribe que la "profundidad de la transformación de Jules" se indica por la diferencia en sus dos entregas del pasaje: "En la primera, él es una figura majestuosa e imponente, proclamando la profecía con furia y fariseísmo... En la segunda... él parece ser un tipo de hombre completamente diferente... [E]n verdadero estilo posmoderno, [él] reflexiona sobre el significado de su discurso y proporciona varias formas diferentes en las que podría estar relacionado con su situación actual." Al igual que Gormley, Conard argumenta que, cuando Jules reflexiona sobre el pasaje, se da cuenta de que "se refiere a un marco objetivo de valor y significado que está ausente en su vida"; Para Conard, esto contrasta con la representación predominante en la película de una cultura nihilista. Rosenbaum encuentra mucho menos en la revelación de Jules: "[E]l despertar espiritual al final de Pulp Fiction, que Jackson interpreta maravillosamente, es una pieza de jive declaradamente inspirada en el kung. -Fu películas. Puede que te haga sentir bien, pero ciertamente no te deja más sabio."
El baño
Gran parte de la acción de Pulp Fiction' gira en torno a personajes que están en el baño o necesita usar el inodoro. En menor medida, las otras películas de Tarantino también presentan este elemento narrativo. En Jack Rabbit Slim's, Mia va a "empolvarse la nariz" - literalmente; esnifa coca en el baño, rodeada de un grupo de mujeres que se acicalan en vano. Butch y Fabienne interpretan una escena extendida en el baño de su motel, él en la ducha, ella cepillándose los dientes; a la mañana siguiente, pero solo unos segundos más tarde en el tiempo de pantalla, vuelve a cepillarse los dientes. Mientras Jules y Vincent se enfrentan a Brett y a dos de sus amigos, un cuarto hombre se esconde en el baño; sus acciones llevarán a Jules' transformador "momento de claridad". Después de la absurda muerte de Marvin, Vincent y Jules se lavan en el baño de Jimmie, donde tienen un contratiempo por una toalla de mano ensangrentada. Cuando el atraco en el restaurante se convierte en un enfrentamiento mexicano, 'Honey Bunny' se queja, "¡Tengo que hacer pipí!"
Tal como lo describen Peter y Will Brooker, "en tres momentos significativos, Vincent se retira al baño [y] regresa a un mundo completamente cambiado donde la muerte está amenazada". La amenaza aumenta en magnitud a medida que la narración avanza cronológicamente, y se concreta en la tercera instancia:
- El desayuno y la conversación filosófica de Vincent y Jules es abortada por el baño de Vincent; un robo a mano armada ocurre mientras Vincent está leyendo en el inodoro.
- Mientras Vincent está en el baño preocupándose por la posibilidad de ir demasiado lejos con la esposa de Marsellus, Mia equivoca su heroína por cocaína, la ronca y sobredosis.
- Durante una vigilancia en el apartamento de Butch, Vincent emerge del inodoro con su libro y es asesinado por Butch.
En el Brookers' análisis, "A través de Vince... vemos el mundo contemporáneo como completamente contingente, transformado, desastrosamente, en el instante en que no estás mirando". Fraiman encuentra particularmente significativo que Vincent esté leyendo Modesty Blaise en dos de estos casos. Ella vincula este hecho con la visión burlona tradicional de las mujeres como "las consumidoras arquetípicas de pulpa":
Al situar la ficción popular en el baño, Tarantino refuerza su asociación con la mierda, ya sugerida por el diccionario significados de "pulp" que prefabrican la película: materia húmeda y sin forma; también, historias lúdicas en papel barato. Lo que tenemos entonces es una serie de asociaciones dañinas – pulpa, mujeres, mierda – que taint no sólo los productores masculinos de ficción de mercado masivo sino también los consumidores masculinos. Encaramado en el retrete con su libro, Vincent es feminizado por sentarse en lugar de estar de pie, así como por sus sabores de basura; preocupado por el anal, él es implícitamente infantilizado y homosexualizado; y el resultado aparentemente inevitable es ser pulverizado por Butch con una pistola de metralletas checa M61. Que este destino tiene que ver con los hábitos de lectura de Vincent es fuertemente sugerido por una inclinación lenta del libro en el suelo directamente hasta el cuerpo derramado en la bañera.
Willis lee Pulp Fiction casi precisamente en la dirección opuesta, encontrando "su proyecto general como un impulso para convertir la mierda en oro". Esta es una forma de describir el proyecto de redimir y reciclar la cultura popular, especialmente la cultura popular de la infancia, como es la costumbre de Tarantino y su objetivo declarado." A pesar de eso, argumenta Fraiman, "Pulp Fiction demuestra... que incluso un pulpófilo abierto como Tarantino puede seguir sintiéndose ansioso y castrado por sus preferencias."
Disputa de NFT
En noviembre de 2021, Miramax presentó una demanda contra Tarantino, quien lanzó siete NFT basados en escenas no cortadas e inéditas de Pulp Fiction e incluyendo el guión original escrito a mano "que revela secretos sobre la película y su creador". Miramax afirmó que posee los derechos de la película. Sin embargo, Tarantino disputó la demanda y afirmó que tenía los derechos sobre el guión de la película en forma escrita. El asunto se resolvió más tarde con los abogados de Miramax presentando una breve declaración ante el tribunal: "Las partes acordaron dejar este asunto atrás y esperan colaborar entre sí en proyectos futuros, incluidos posibles NFT".
Reconocimientos
Pulp Fiction ganó ocho premios importantes de un total de veintiséis nominaciones, incluido el premio al Mejor Guión Original en la 67ª edición de los Premios de la Academia. Además, en la votación de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine, Samuel L. Jackson quedó en segundo lugar tanto en la categoría de Mejor Actor como en la de Mejor Actor de Reparto.
Listas del American Film Institute
- AFI's 100 Years... 100 Movies – No. 95
- AFI's 100 Years... 100 Heroes & Villains:
- Vincent Vega y Jules Winnfield – Villanos nominados
- 100 años de AFI... 100 Citas de películas:
- "Bring out the Gimp" – Nominated Quote
- "Lo llaman un Royale con queso" – Cita nominada
- AFI's 100 Years... 100 Laughs – Nominated
- AFI's 100 Years... 100 Movies (10th Anniversary Edition) – No. 94
- 100 años de AFI... 100 Thrills – No. 53
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