Felipe de vidrio

Philip Glass (nacido el 31 de enero de 1937) es un compositor y pianista estadounidense. Es ampliamente considerado como uno de los compositores más influyentes de finales del siglo XX. El trabajo de Glass se ha asociado con el minimalismo, ya que se construye a partir de frases repetitivas y capas cambiantes. Glass se describe a sí mismo como un compositor de "música con estructuras repetitivas", a la que ha ayudado a evolucionar estilísticamente.

Glass fundó Philip Glass Ensemble, con el que todavía toca teclados. Ha escrito quince óperas, numerosas óperas de cámara y obras de teatro musical, catorce sinfonías, doce conciertos, nueve cuartetos de cuerda y varias obras de música de cámara, y varias partituras cinematográficas. Tres de sus bandas sonoras han sido nominadas a un premio de la Academia.

Vida y obra

1937–1964: Comienzos, educación temprana e influencias

Glass nació en Baltimore, Maryland, el 31 de enero de 1937, hijo de Ida (née Gouline) y Benjamin Charles Glass. Su familia eran emigrantes judíos lituanos. Su padre era dueño de una tienda de discos y su madre era bibliotecaria. En sus memorias, Glass recuerda que al final de la Segunda Guerra Mundial su madre ayudó a los sobrevivientes judíos del Holocausto, invitando a los recién llegados a Estados Unidos a quedarse en su casa hasta que pudieran encontrar un trabajo y un lugar para vivir. Desarrolló un plan para ayudarlos a aprender inglés y desarrollar habilidades para que pudieran encontrar trabajo. Su hermana, Sheppie, más tarde haría un trabajo similar como miembro activo del Comité Internacional de Rescate.

Glass desarrolló su aprecio por la música de su padre y descubrió más tarde que el lado de la familia de su padre tenía muchos músicos. Su prima Cevia era pianista clásica, mientras que otros habían estado en el vodevil. Se enteró de que su familia también estaba relacionada con Al Jolson. El padre de Glass a menudo recibía copias promocionales de nuevas grabaciones en su tienda de música. Glass pasó muchas horas escuchándolos, desarrollando su conocimiento y gusto por la música. Esta apertura a los sonidos modernos afectó a Glass a una edad temprana:

Mi padre era autodidacta, pero terminó teniendo un conocimiento muy refinado y rico de música clásica, de cámara y contemporánea. Típicamente vendría a casa y cenaría, y luego se sentaba en su sillón y escuchaba música hasta casi medianoche. Me di cuenta de esto muy temprano, y me iría a escuchar con él.

El padre de Glass promocionó tanto nuevas grabaciones como una amplia selección de compositores entre sus clientes, a veces convenciéndolos de probar algo nuevo al permitirles devolver discos que no les gustaban. Su tienda pronto desarrolló una reputación como la principal fuente de música moderna de Baltimore. Glass construyó una colección de discos considerable a partir de los discos no vendidos en la tienda de su padre, incluida la música clásica moderna como Hindemith, Bartók, Schoenberg, Shostakovich y la música clásica occidental, incluidos los cuartetos de cuerda de Beethoven y los de Schubert. Trío con piano en Si♭. Glass cita el trabajo de Schubert como una "gran influencia" creciendo. En una entrevista de 2011, Glass afirmó que Franz Schubert, con quien comparte cumpleaños, es su compositor favorito.

Estudió flauta de niño en la Preparatoria Peabody del Instituto de Música Peabody. A la edad de 15 años, ingresó a un programa universitario acelerado en la Universidad de Chicago, donde estudió matemáticas y filosofía. En Chicago descubrió el serialismo de Anton Webern y compuso un trío de cuerdas dodecafónicas. En 1954, Glass viajó a París, donde se encontró con las películas de Jean Cocteau, que le causaron una impresión duradera. Visitó artistas' estudios y vio su trabajo; Glass recuerda: "La vida bohemia que ves en [Cocteau's] Orphée era la vida que me atraía, y esas eran las personas con las que salía". #34;

Glass estudió en la Juilliard School of Music, donde el teclado era su principal instrumento. Sus profesores de composición incluyeron a Vincent Persichetti y William Bergsma. Los compañeros de estudios incluyeron a Steve Reich y Peter Schickele. En 1959, fue ganador de los premios BMI Student Composer Awards de la Fundación BMI, un premio internacional para jóvenes compositores. En el verano de 1960, estudió con Darius Milhaud en la escuela de verano del Festival de Música de Aspen y compuso un concierto para violín para una compañera de estudios, Dorothy Pixley-Rothschild. Después de dejar Juilliard en 1962, Glass se mudó a Pittsburgh y trabajó como compositor residente en la escuela en el sistema de escuelas públicas, componiendo música coral, de cámara y orquestal.

1964–1966: París

Vidrio estudiado con destacado pedagogo musical Nadia Boulanger en París

En 1964, Glass recibió una beca Fulbright; sus estudios en París con la eminente profesora de composición Nadia Boulanger, desde el otoño de 1964 hasta el verano de 1966, influyeron en su obra a lo largo de su vida, como admitió el compositor en 1979: "Los compositores que estudié con Boulanger son las personas que sigo piensa en la mayoría: Bach y Mozart."

Glass declaró más tarde en su autobiografía Música de Philip Glass (1987) que la nueva música interpretada en los conciertos Domaine Musical de Pierre Boulez en París carecía de emoción. para él (con las notables excepciones de la música de John Cage y Morton Feldman), pero quedó profundamente impresionado por las nuevas películas y representaciones teatrales. Su alejamiento de los compositores modernistas como Boulez y Stockhausen fue matizado, en lugar de un rechazo absoluto: "Esa generación quería discípulos y, como no nos unimos, se interpretó como que odiamos la música, que era". #39; no es cierto. Los habíamos estudiado en Juilliard y conocíamos su música. ¿Cómo diablos puedes rechazar a Berio? Esas primeras obras de Stockhausen siguen siendo hermosas. Pero simplemente no tenía sentido intentar hacer su música mejor que ellos, así que empezamos en otro lugar”.

Durante este tiempo, se encontró con películas revolucionarias de la Nueva Ola francesa, como las de Jean-Luc Godard y François Truffaut, que cambiaron las reglas establecidas por una generación anterior de artistas, y Glass se hizo amigo de artistas visuales estadounidenses (el escultor Richard Serra y su mujer Nancy Graves), actores y directores (JoAnne Akalaitis, Ruth Maleczech, David Warrilow y Lee Breuer, con quien Glass fundó más tarde el grupo de teatro experimental Mabou Mines). Junto con Akalaitis (se casaron en 1965), Glass a su vez asistió a representaciones de grupos de teatro como el teatro Odéon de Jean-Louis Barrault, The Living Theatre y el Berliner Ensemble entre 1964 y 1965. Estos importantes encuentros dieron como resultado una colaboración con Breuer para el que Glass contribuyó con la música para una puesta en escena de 1965 de la Comédie de Samuel Beckett (Play, 1963). La pieza resultante (escrita para dos saxofones sopranos) estuvo directamente influenciada por la estructura abierta, repetitiva y casi musical de la obra y fue la primera de una serie de cuatro piezas tempranas en un idioma minimalista, pero disonante.. Después de Play, Glass también actuó en 1966 como director musical de una producción de Breuer de Mother Courage and Her Children de Brecht, con la partitura teatral de Paul Dessau.

Paralelamente a sus primeras incursiones en el teatro experimental, Glass trabajó en el invierno de 1965 y la primavera de 1966 como director musical y compositor en una banda sonora (Chappaqua, Conrad Rooks, 1966) con Ravi Shankar y Alla Rakha, que agregó otra influencia importante en el pensamiento musical de Glass. Su estilo distintivo surgió de su trabajo con Shankar y Rakha y su percepción del ritmo en la música india como algo completamente aditivo. Renunció a todas sus composiciones en un estilo moderadamente moderno parecido al de Milhaud, Aaron Copland y Samuel Barber, y comenzó a escribir piezas basadas en estructuras repetitivas de la música india y un sentido del tiempo influenciado por Samuel Beckett: pieza para dos actrices y conjunto de cámara, obra para conjunto de cámara y su primer cuarteto de cuerda numerado (Nº 1, 1966).

Glass luego se fue de París al norte de la India en 1966, donde entró en contacto con refugiados tibetanos y comenzó a gravitar hacia el budismo. Conoció a Tenzin Gyatso, el decimocuarto Dalai Lama, en 1972, y desde entonces ha sido un firme partidario de la independencia tibetana.

1967–1974: Minimalismo: de la tensión a la música en 12 partes

Poco después de llegar a la ciudad de Nueva York en marzo de 1967, Glass asistió a una presentación de obras de Steve Reich (incluida la innovadora pieza minimalista Piano Phase), que le dejó una profunda impresión; simplificó su estilo y recurrió a un "vocabulario de consonantes" radical. Al encontrar poca simpatía por parte de los artistas tradicionales y los espacios de actuación, Glass finalmente formó un conjunto con su compañero ex alumno Jon Gibson y otros, y comenzó a actuar principalmente en galerías de arte y lofts de estudio de SoHo. El artista visual Richard Serra proporcionó a Glass los contactos de Gallery, mientras ambos colaboraron en varias esculturas, películas e instalaciones; de 1971 a 1974, fue asistente habitual de estudio de Serra.

Entre el verano de 1967 y finales de 1968, Glass compuso nueve obras, entre ellas Strung Out (para violín solo amplificado, compuesta en el verano de 1967), Gradus (para saxofón solo, 1968), Music in the Shape of a Square (para dos flautas, compuesta en mayo de 1968, homenaje a Erik Satie), How Now (para solo piano, 1968) y 1+1 (para tablero amplificado, noviembre de 1968) que fueron "claramente diseñadas para experimentar más a fondo con su nuevo enfoque minimalista". El primer concierto de la nueva música de Glass fue en Jonas Mekas's Film-Makers Cinemathèque (Anthology Film Archives) en septiembre de 1968. Este concierto incluyó el primer trabajo de esta serie con Strung Out (interpretada por la violinista Pixley-Rothschild) y Música en forma de cuadrado (interpretada por Glass y Gibson). Las partituras musicales estaban clavadas en la pared y los intérpretes tenían que moverse mientras tocaban. Los nuevos trabajos de Glass encontraron una respuesta muy entusiasta por parte del público, que consistía principalmente en artistas visuales y de performance que simpatizaban mucho con el enfoque reductivo de Glass.

Chuck Close retrato de Glass en una estación de metro de Nueva York

Además de su carrera musical, Glass tuvo una empresa de mudanzas con su prima, la escultora Jene Highstein, y también trabajó como plomero y taxista (entre 1973 y 1978). Cuenta que instaló un lavaplatos y levantó la vista de su trabajo para ver a un asombrado Robert Hughes, crítico de arte de la revista Time, mirándolo fijamente. Durante este tiempo, se hizo amigo de otros artistas con sede en Nueva York como Sol LeWitt, Nancy Graves, Michael Snow, Bruce Nauman, Laurie Anderson y Chuck Close (quien creó un retrato ahora famoso de Glass). (Glass le devolvió el cumplido en 2005 con A Musical Portrait of Chuck Close para piano).

Con 1+1 y Two Pages (compuestas en febrero de 1969), Glass recurrió a un "enfoque más riguroso" a su "técnica minimalista más básica, proceso aditivo", piezas a las que siguieron en el mismo año Music in Contrary Motion y Music in Fifths (una una especie de homenaje a su profesora de composición Nadia Boulanger, quien señaló "quintas ocultas" en sus obras pero las consideró pecados capitales). Eventualmente, la música de Glass se volvió menos austera, volviéndose más compleja y dramática, con piezas como Music in Similar Motion (1969) y Music with Changing Parts (1970).). Estas piezas fueron interpretadas por Philip Glass Ensemble en el Museo Whitney de Arte Americano en 1969 y en el Museo Solomon R. Guggenheim en 1970, a menudo encontrando una reacción hostil de los críticos, pero la música de Glass también fue recibida con entusiasmo por los más jóvenes. artistas como Brian Eno y David Bowie (en el Royal College of Art ca. 1970). Eno describió este encuentro con la música de Glass como una de las "experiencias musicales más extraordinarias de [su] vida", como un "baño viscoso de energía pura y espesa", concluyendo “Esta fue en realidad la música más detallada que jamás había escuchado. Todo era complejidad, armónicos exóticos. En 1970, Glass volvió al teatro, componiendo música para el grupo de teatro Mabou Mines, dando como resultado sus primeras piezas minimalistas empleando voces: Red Horse Animation y Music for Voices (ambas 1970, y estrenada en la Galería Paula Cooper).

Después de diferencias de opinión con Steve Reich en 1971, Glass formó Philip Glass Ensemble (mientras que Reich formó Steve Reich and Musicians), un conjunto amplificado que incluye teclados, instrumentos de viento (saxofones, flautas) y voces de soprano.

La música de Glass para su conjunto culminó en Música en doce partes (1971-1974), de cuatro horas de duración, que comenzó como una sola pieza con doce partes instrumentales, pero se convirtió en un ciclo que resumió el logro musical de Glass desde 1967, e incluso lo trascendió: la última parte presenta un tema de doce tonos, cantado por la voz de soprano del conjunto. "Había roto las reglas del modernismo y pensé que era hora de romper algunas de mis propias reglas", según Glass. Aunque considera que el término minimalista es inexacto para describir su trabajo posterior, Glass acepta este término para piezas que incluyen hasta Música en 12 partes, excepto esta última parte que "fue el final del minimalismo& #34; para Vidrio. Como él señaló: "Trabajé durante ocho o nueve años inventando un sistema, y ahora lo escribí y salí por el otro lado". Ahora prefiere describirse a sí mismo como un compositor de "música con estructuras repetitivas".

1975–1979: otra mirada a Harmony: la trilogía de retratos

Una escena de un ensayo de 2017 de la ópera de Glass Einstein en la playa (1975) en Dortmund

Glass continuó su trabajo con una serie de obras instrumentales, llamadas Another Look at Harmony (1975–1977). Para Glass, esta serie demostró un nuevo comienzo, de ahí el título: "Lo que estaba buscando era una forma de combinar la progresión armónica con la estructura rítmica que había estado desarrollando, para producir una nueva estructura general... I& #39;había sacado todo con mis primeros trabajos y ahora era el momento de decidir qué quería poner, un proceso que me ocuparía durante varios años por venir."

Las partes 1 y 2 de Another Look at Harmony se incluyeron en una colaboración con Robert Wilson, una pieza de teatro musical designada más tarde por Glass como la primera ópera de su trilogía de retratos operísticos: Einstein en la playa. Compuesta entre la primavera y el otoño de 1975 en estrecha colaboración con Wilson, la primera ópera de Glass se estrenó por primera vez en el verano de 1976 en el Festival d'Avignon, y en noviembre del mismo año con una reacción mixta y en parte entusiasta de la audiencia en el Metropolitan Opera de la ciudad de Nueva York. Con música para Philip Glass Ensemble, solo de violín, coro y actores (recitando textos de Christopher Knowles, Lucinda Childs y Samuel M. Johnson), la ópera esencialmente sin trama de Glass y Wilson fue concebida como una & #34;mirada metafórica a Albert Einstein: científico, humanista, músico aficionado, y el hombre cuyas teorías... llevaron a la división del átomo, evocando el holocausto nuclear en la escena culminante, como señaló el crítico Tim Page. Al igual que con Another Look at Harmony, "Einstein agregó una nueva armonía funcional que lo diferenció de los primeros trabajos conceptuales". El compositor Tom Johnson llegó a la misma conclusión, comparando la música de violín solista con Johann Sebastian Bach, y las "figuras de órgano... con esos bajos de Alberti que tanto amaba Mozart". La pieza fue elogiada por The Washington Post como "una de las obras de arte seminales del siglo".

Einstein on the Beach siguió música para proyectos del grupo de teatro Mabou Mines como Dressed like an Egg (1975), y de nuevo música para obras de teatro y adaptaciones de la prosa de Samuel Beckett, como Los perdidos (1975), Cascando (1975), Mercier y Camier (1979). Glass también recurrió a otros medios; dos obras instrumentales de varios movimientos para Philip Glass Ensemble que se originaron como música para cine y televisión: North Star (partitura de 1977 para el documental North Star: Mark di Suvero de François de Menil y Barbara Rose) y cuatro pistas cortas para la serie de televisión infantil Sesame Street llamada Geometry of Circles (1979).

Otra serie, Cuarta serie (1977–79), incluía música para coro y órgano ("Parte uno", 1977), órgano y piano ("Parte Two" y "Part Four", 1979), y música para una adaptación radiofónica de la novela Modern Love de Constance DeJong ("Part Three";, 1978). "Segunda parte" y "Cuarta parte" fueron utilizados (y por lo tanto renombrados) en dos producciones de danza de la coreógrafa Lucinda Childs (quien ya había contribuido y actuado en Einstein on the Beach). "Segunda parte" se incluyó en Dance (una colaboración con la artista visual Sol LeWitt, 1979), y "Part Four" pasó a llamarse Mad Rush y Glass la interpretó en varias ocasiones, como la primera aparición pública del decimocuarto Dalai Lama en la ciudad de Nueva York en el otoño de 1981. La pieza demuestra el giro de Glass hacia más modelos tradicionales: el compositor agregó una conclusión a una pieza de estructura abierta que "puede interpretarse como una señal de que [había] abandonado los enfoques radicales no narrativos y no dramáticos de su primer período", como pianista señala Steffen Schleiermacher.

En la primavera de 1978, Glass recibió un encargo de la Ópera de los Países Bajos (así como una subvención de la Fundación Rockefeller) que "marcó el final de su necesidad de ganar dinero con un empleo no musical". Con el encargo, Glass continuó su trabajo en el teatro musical, componiendo su ópera Satyagraha (compuesta en 1978-1979, estrenada en 1980 en Rotterdam), basada en la vida temprana de Mahatma Gandhi en Sudáfrica, Leo Tolstoy, Rabindranath Tagore y Martin Luther King Jr. Para Satyagraha, Glass trabajó en estrecha colaboración con dos "amigos del SoHo": la escritora Constance deJong, que proporcionó el libreto, y el decorado. diseñador Roberto Israel. Esta pieza fue, en otros sentidos, un punto de inflexión para Glass, ya que fue su primer trabajo desde 1963 compuesto para orquesta sinfónica, aunque las partes más destacadas todavía estaban reservadas para voces solistas y coros. Poco después de completar la partitura en agosto de 1979, Glass conoció al director Dennis Russell Davies, a quien ayudó a preparar para actuaciones en Alemania (usando una versión de la partitura para piano a cuatro manos); juntos comenzaron a planear otra ópera, que se estrenará en la Ópera Estatal de Stuttgart.

1980–1986: completando la trilogía de retratos: Akhnaten y más allá

Una escena de una actuación de la ópera de Glass en 2017 Satyagraha (1978–79) en Berlín

Mientras planeaba una tercera parte de su "Trilogía de retratos", Glass recurrió a proyectos de teatro musical más pequeños, como la Ópera Madrigal no narrativa (para seis voces y violín y viola)., 1980), y The Photographer, un estudio biográfico sobre el fotógrafo Eadweard Muybridge (1982). Glass también continuó escribiendo para la orquesta con la partitura de Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1981-1982). Algunas piezas que no se usaron en la película (como Façades) finalmente aparecieron en el álbum Glassworks (1982, CBS Records), que llevó la música de Glass a un público más amplio.

La "Trilogía de retratos" se completó con Akhnaten (1982–1983, estrenada en 1984), una composición vocal y orquestal cantada en acadio, hebreo bíblico y egipcio antiguo. Además, esta ópera presentaba a un actor que recitaba textos del antiguo Egipto en el idioma de la audiencia. Akhnaten fue encargado por la Ópera de Stuttgart en una producción diseñada por Achim Freyer. Se estrenó simultáneamente en la Ópera de Houston en una producción dirigida por David Freeman y diseñada por Peter Sellars. En el momento del encargo, la Ópera de Stuttgart estaba en proceso de renovación, lo que requería el uso de un teatro cercano con un foso de orquesta más pequeño. Al enterarse de esto, Glass y el director Dennis Russell Davies visitaron la casa de juegos y colocaron atriles alrededor del foso para determinar cuántos jugadores podía acomodar. Los dos descubrieron que no cabía una orquesta completa en el foso. Glass decidió eliminar los violines, lo que tuvo el efecto de "dar a la orquesta un sonido bajo y oscuro que llegó a caracterizar la pieza y encajaba muy bien con el tema". Como señaló Glass en 1992, Akhnaten es significativo en su trabajo ya que representa una "primera extensión de un lenguaje armónico triádico", un experimento con la politonalidad de sus maestros Persichetti y Milhaud., una técnica musical que Glass compara con "una ilusión óptica, como en las pinturas de Josef Albers".

Glass volvió a colaborar con Robert Wilson en otra ópera, the CIVIL warS (1983, estrenada en 1984), que también funcionó como la parte final (la sección de Roma) de la epopeya de Wilson. obra del mismo nombre, originalmente planeada para un "festival internacional de las artes que acompañaría a los Juegos Olímpicos de Los Ángeles". (Glass también compuso una prestigiosa obra para coro y orquesta para la apertura de los Juegos, The Olympian: Lighting of the Torch and Closing). El estreno de The CIVIL warS en Los Ángeles nunca se materializó y la ópera finalmente se estrenó en la Ópera de Roma. La ópera de Glass y Wilson incluye escenarios musicales de textos latinos del dramaturgo romano del siglo I Séneca y alusiones a la música de Giuseppe Verdi y de la Guerra Civil estadounidense, con las figuras del siglo XIX Giuseppe Garibaldi y Robert E. Lee como personajes.

A mediados de la década de 1980, Glass produjo "obras en diferentes medios a un ritmo extraordinariamente rápido". Los proyectos de ese período incluyen música para danza (Glass Pieces coreografiada para el New York City Ballet por Jerome Robbins en 1983 con una partitura extraída de composiciones de Glass existentes creadas para otros medios, incluido un extracto de Akhnaten; y In the Upper Room, Twyla Tharp, 1986), música para producciones teatrales Endgame (1984) y Company (1983). Beckett desaprobó con vehemencia la producción de Endgame en el American Repertory Theatre (Cambridge, Massachusetts), que contó con la dirección de JoAnne Akalaitis y el Prelude de Glass para timbales y contrabajo, pero finalmente autorizó la música de Company, cuatro piezas cortas e íntimas para cuarteto de cuerda que se tocaron en los intervalos de la dramatización. Esta composición fue inicialmente considerada por el compositor como una pieza de Gebrauchsmusik ("música para usar"), "como la sal y la pimienta... solo algo para la mesa", como señaló. Finalmente, Company se publicó como Glass's String Quartet No. 2 y en una versión para orquesta de cuerdas, interpretada por conjuntos que van desde orquestas de estudiantes hasta formaciones de renombre como Kronos Quartet y Kremerata Baltica..

Este interés por escribir para el cuarteto de cuerdas y la orquesta de cuerdas llevó a una partitura de cámara y orquestal para Mishima: A Life in Four Chapters (Paul Schrader, 1984–85), que Glass recientemente descrito como su "punto de inflexión musical" que desarrolló su "técnica de composición cinematográfica de una manera muy especial".

Glass también se dedicó a las obras vocales con dos juegos de canciones, Tres canciones para coro (1984, arreglos de poemas de Leonard Cohen, Octavio Paz y Raymond Lévesque), y un ciclo de canciones iniciado por CBS Masterworks Records: Songs from Liquid Days (1985), con textos de compositores como David Byrne, Paul Simon, en el que aparece el Kronos Quartet (como en Mishima) en un papel destacado. Glass también continuó su serie de óperas con adaptaciones de textos literarios como The Juniper Tree (una ópera en colaboración con el compositor Robert Moran, 1984), Edgar Allan Poe The Fall of the House of Usher (1987), y también trabajó con la novelista Doris Lessing en la ópera The Making of the Representative for Planet 8 (1985–86, e interpretada por la Houston Grand Opera y la English Ópera Nacional en 1988).

1987–1991: óperas y el giro hacia la música sinfónica

Composiciones como Company, Fachadas y String Quartet No. 3 (las dos últimas extraídas de las partituras de Koyaanisqatsi y Mishima) dio paso a una serie de obras más accesibles a formaciones como el cuarteto de cuerdas y la orquesta sinfónica, en este retorno a las raíces estructurales de su época de estudiante. Al tomar esta dirección, sus obras de cámara y orquestales también se escribieron en un estilo cada vez más tradicional y lírico. En estas obras, Glass a menudo emplea formas musicales antiguas como la chacona y la pasacalles, por ejemplo en Satyagraha, el Concierto para violín n.° 1 (1987), Sinfonía n.° 3 (1995), Echorus (1995) y también trabajos recientes como Symphony No. 8 (2005), y Songs and Poems for Solo Cello (2006).

Una serie de obras orquestales compuestas originalmente para la sala de conciertos comenzó con el Concierto para violín n.º 1 de tres movimientos (1987). Esta obra fue encargada por la American Composers Orchestra y escrita para y en estrecha colaboración con el violinista Paul Zukofsky y el director de orquesta Dennis Russel Davies, quien desde entonces ha animado al compositor a escribir numerosas piezas orquestales. El Concierto está dedicado a la memoria del padre de Glass: "Su forma favorita era el concierto para violín, así que crecí escuchando los conciertos de Mendelssohn, Paganini, Brahms... Así que cuando decidí escribir un concierto para violín, quería escribir uno que le hubiera gustado a mi padre." Entre sus múltiples grabaciones, en 1992, el Concierto fue interpretado y grabado por Gidon Kremer y la Filarmónica de Viena. Este giro hacia la música orquestal continuó con una trilogía sinfónica de "retratos de la naturaleza", encargada por la Orquesta de Cleveland, la Orquesta Filarmónica de Róterdam y la Orquesta Sinfónica de Atlanta: The Light (1987), El Cañón (1988), e Itaipu (1989).

A la vez que componía para conjuntos sinfónicos, Glass también compuso música para piano, con el ciclo de cinco movimientos titulado Metamorfosis (adaptado de la música para una adaptación teatral de La Metamorphosis), y para la película de Errol Morris The Thin Blue Line, 1988. Ese mismo año Glass conoció por casualidad al poeta Allen Ginsberg en una librería del East Village de Nueva York. City, e inmediatamente "decidieron hacer algo juntos, tomaron uno de los libros de Allen y eligieron Wichita Vortex Sutra", una pieza para recitar y piano que a su vez se convirtió en una obra de teatro musical para cantantes y conjuntos, Hydrogen Jukebox (1990).

Glass también volvió a la música de cámara; compuso dos Cuartetos de Cuerda (No. 4 Buczak en 1989 y No. 5 en 1991) y obras de cámara que se originaron como música incidental para obras de teatro, como Música de "The Screens" (1989/1990). Este trabajo se originó en una de las muchas colaboraciones de música teatral con la directora JoAnne Akalaitis, quien originalmente le pidió al músico gambiano Foday Musa Suso que hiciera la partitura [de The Screens de Jean Genet ] en colaboración con un compositor occidental". Glass ya había colaborado con Suso en la banda sonora de Powaqqatsi (Godfrey Reggio, 1988). La música de "The Screens" es en ocasiones una pieza de gira para Glass y Suso (una serie de giras también incluyó al percusionista Yousif Sheronick), y piezas individuales se abrieron paso en el repertorio de Glass y la violonchelista Wendy Sutter. Otra colaboración fue un proyecto de grabación en colaboración con Ravi Shankar, iniciado por Peter Baumann (miembro de la banda Tangerine Dream), que resultó en el álbum Passages (1990).

A finales de los 80 y principios de los 90, los proyectos de Glass también incluían dos encargos de ópera de gran prestigio basados en la vida de los exploradores: The Voyage (1992), con libreto de David Henry Hwang, fue encargado por la Metropolitan Opera con motivo del 500 aniversario del descubrimiento de América por Cristóbal Colón; y White Raven (1991), sobre Vasco da Gama, una colaboración con Robert Wilson y compuesta para la clausura de la Exposición Universal de 1998 en Lisboa. Especialmente en The Voyage, el compositor "explora[d] un nuevo territorio", con su "lirismo recientemente arqueado", "la severidad y amplitud sibeliana" 34;, y "tono oscuro y melancólico... un reflejo de su paleta cada vez más cromática (y disonante), como dijo un comentarista.

Glass remezcló la canción de S'Express "Hey Music Lover" para la cara B de su lanzamiento de 1989 como sencillo.

1991–1996: trilogía y sinfonías de Cocteau

Después de estas óperas, Glass comenzó a trabajar en un ciclo sinfónico, encargado por el director de orquesta Dennis Russell Davies, quien le dijo a Glass en ese momento: "No voy a dejar que... seas uno de esos compositores de ópera que nunca escriben una sinfonía". Glass respondió con un par de sinfonías en tres movimientos ("Low" [1992] y Symphony No. 2 [1994]); la primera de una serie de sinfonías en curso es una combinación del propio material musical del compositor con temas destacados en pistas destacadas del álbum de David Bowie/Brian Eno Low (1977), mientras que Symphony No 2 es descrito por Glass como un estudio de politonalidad. Se refirió a la música de Honegger, Milhaud y Villa-Lobos como posibles modelos para su sinfonía. Con el Concerto Grosso (1992), Symphony No. 3 (1995), un Concerto for Saxophone Quartet and Orchestra (1995), escrito para el Rascher Quartet (todo encargado por el director Dennis Russel Davies), y Echorus (1994/95), un estilo orquestal de cámara más transparente, refinado e íntimo fue paralelo a las excursiones de sus piezas sinfónicas a gran escala. En los cuatro movimientos de su Tercera Sinfonía, Glass trata a una orquesta de cuerdas de 19 piezas como un conjunto de cámara extendido. En el tercer movimiento, Glass reutiliza la chacona como recurso formal; un comentarista caracterizó la sinfonía de Glass como una de las 'obras más unificadas y tensas' del compositor. La tercera Sinfonía fue seguida de cerca por una cuarta, subtitulada Heroes (1996), encargada a la American Composers Orchestra. Sus seis movimientos son reelaboraciones sinfónicas de temas de Glass, David Bowie y Brian Eno (de su álbum "Heroes", 1977); como en otras obras del compositor, también es una obra híbrida y existe en dos versiones: una para sala de conciertos y otra más corta para danza, coreografiada por Twyla Tharp.

Vidrio en Florencia en 1993

Otro encargo de Dennis Russell Davies fue una segunda serie para piano, los Etudes para piano (dedicados a Davies y al diseñador de producción Achim Freyer); el primer conjunto completo de diez Etudes ha sido grabado e interpretado por el propio Glass. Bruce Brubaker y Dennis Russell Davies han grabado cada uno el conjunto original de seis. La mayoría de los Estudios están compuestos en el estilo posminimalista y cada vez más lírico de la época: "En el marco de una forma concisa, Glass explora posibles sonoridades que van desde pasajes típicamente barrocos hasta estados de ánimo teñidos de romanticismo". Algunas de las piezas también aparecieron en diferentes versiones como en la música teatral de Persephone de Robert Wilson (1994, por encargo del Relache Ensemble) o Echorus (una versión de Etude No. 2 para dos violines y orquesta de cuerdas, escrita para Edna Mitchell y Yehudi Menuhin 1995).

La prolífica producción de Glass en la década de 1990 continuó incluyendo óperas con un tríptico de ópera (1991–1996), que el compositor describió como un "homenaje" al escritor y director de cine Jean Cocteau, a partir de su obra cinematográfica y en prosa: Orphée (1950), La Belle et la Bête (1946), y la novela Les Enfants terribles (1929, posteriormente llevada al cine por Cocteau y Jean-Pierre Melville, 1950). Del mismo modo, el tríptico es también un homenaje musical a la obra del grupo de compositores franceses asociados a Cocteau, Les Six (y en especial al maestro de Glass, Darius Milhaud), así como a varios compositores del siglo XVIII como como Gluck y Bach cuya música figuraba como parte esencial de las películas de Cocteau.

La inspiración de la primera parte de la trilogía, Orphée (compuesta en 1991 y estrenada en 1993 en el American Repertory Theatre) puede remontarse conceptual y musicalmente a la ópera Orfeo ed Euridice (Orphée et Euridyce, 1762/1774), que tuvo un papel destacado en la película de Cocteau de 1949 Orphee. Un tema de la ópera, la muerte de Eurydice, tiene cierta similitud con la vida personal del compositor: la ópera fue compuesta después de la inesperada muerte en 1991 de la esposa de Glass, la artista Candy Jernigan: "... Uno solo puede sospechar que Orpheus' el dolor debe haberse parecido al del propio compositor”, sugiere K. Robert Schwartz. La 'transparencia de textura, una sutileza de color instrumental,... una nueva escritura vocal expresiva y sin restricciones' de la ópera' fue elogiado, y el crítico de The Guardian comentó: "Glass tiene una verdadera afinidad por el texto francés y establece las palabras con elocuencia, apoyándolas con texturas instrumentales delicadamente estampadas".

Para la segunda ópera, La Belle et la Bête (1994, compuesta para Philip Glass Ensemble o para una orquesta de cámara más convencional), Glass reemplazó la banda sonora (incluida la de Georges Auric). música de cine) de la película de Cocteau, escribió "una nueva partitura completamente operística y la sincronizó con la película". La parte final del tríptico volvió de nuevo a un escenario más tradicional con la "Dance Opera" Les Enfants terribles (1996), compuesta para voces, tres pianos y bailarines, con coreografía de Susan Marshall. Los personajes están representados tanto por cantantes como por bailarines. La partitura de la ópera evoca el Concierto para cuatro clavicordios de Bach, pero de otra manera también "la nieve, que cae implacablemente a lo largo de la ópera... siendo testigo de los acontecimientos que se desarrollan. Aquí el tiempo se detiene. Sólo hay música, y el movimiento de los niños por el espacio" (Vidrio).

1997–2004: Sinfonías, ópera y conciertos

A fines de la década de 1990 y principios de la de 2000, los estilos lírico y romántico de Glass alcanzaron su punto máximo con una variedad de proyectos: óperas, obras de teatro y películas (Martin Scorsese's Kundun, 1997, Naqoyqatsi de Godfrey Reggio, 2002, y The Hours de Stephen Daldry, 2002), una serie de cinco conciertos y tres sinfonías centradas en orquesta -Interacción entre cantante y orquesta-coro. Dos sinfonías, Sinfonía n.° 5 "Coral" (1999) y Sinfonía núm. 7 "Tolteca" (2004), y el ciclo de canciones Canciones de Milarepa (1997) tienen un tema meditativo. La sinfonía operística n.° 6 Oda plutoniana (2002) para soprano y orquesta fue encargada por Brucknerhaus, Linz y Carnegie Hall para celebrar el sexagésimo quinto cumpleaños de Glass, y fue desarrollada a partir de Glass& #39;s colaboración con Allen Ginsberg (poeta, piano—Ginsberg, Glass), basada en su poema del mismo nombre.

Además de escribir para la sala de conciertos, Glass continuó su serie operística en curso con adaptaciones de textos literarios: Los matrimonios de las zonas 3, 4 y 5 ([1997] cuento-libreto de Doris Lessing), En la colonia penal (2000, a partir del cuento de Franz Kafka), y la ópera de cámara El sonido de una voz (2003, con David Henry Hwang), que cuenta con la Pipa, interpretada por Wu Man en su estreno. Glass también colaboró nuevamente con el coautor de Einstein on the Beach, Robert Wilson, en Monsters of Grace (1998), y creó una ópera biográfica sobre la vida del astrónomo Galileo Galilei (2001).

A principios de la década de 2000, Glass inició una serie de cinco conciertos con el Concierto de Tirol para piano y orquesta (2000, estrenado por Dennis Russell Davies como director y solista), y el Concierto Fantasía para dos timbaleros y orquesta (2000, para el timbalero Jonathan Haas). El Concierto para violonchelo y orquesta (2001) tuvo su estreno en Beijing, con la participación del violonchelista Julian Lloyd Webber; fue compuesto en celebración de su quincuagésimo cumpleaños. A estos conciertos siguió el Concierto para clavecín y orquesta, conciso y rigurosamente neobarroco (2002), que demuestra en sus transparentes texturas orquestales de cámara la técnica clásica de Glass, evocadora en los "acordes de improvisación" de su comienzo una toccata de Froberger o Frescobaldi, y música del siglo XVIII. Dos años más tarde, la serie de conciertos continuó con el Concierto para piano n.° 2: después de Lewis y Clark (2004), compuesto para el pianista Paul Barnes. El concierto celebra a los pioneros' viaja por América del Norte, y el segundo movimiento presenta un dúo para piano y flauta nativa americana. Con la ópera de cámara The Sound of a Voice, el Concierto para piano n.º 2 de Glass podría considerarse como un puente entre sus composiciones tradicionales y sus excursiones más populares a la música mundial, que también se encuentran en Orion (también compuesta en 2004).

2005–2007: Canciones y poemas

Vidrio en diciembre 2007

Waiting for the Barbarians, una ópera de la novela de J. M. Coetzee (con libreto de Christopher Hampton), tuvo su estreno en septiembre de 2005. Glass definió la obra como un &# 34;ópera social/política", como crítica a la guerra de la administración Bush en Irak, un "diálogo sobre la crisis política", y una ilustración del "poder del arte dirigir nuestra atención hacia la dimensión humana de la historia". Si bien los temas de la ópera son el imperialismo, el apartheid y la tortura, el compositor optó por un enfoque discreto al usar "medios muy simples y la orquestación es muy clara y muy tradicional". tiene un sonido casi clásico, como señala el director Dennis Russell Davies.

Dos meses después del estreno de esta ópera, en noviembre de 2005, se estrenó la Sinfonía n.° 8 de Glass, encargada por la Bruckner Orchestra Linz, en la Academia de Música de Brooklyn en la ciudad de Nueva York. Después de tres sinfonías para voces y orquesta, esta pieza supuso una vuelta a la composición puramente orquestal y abstracta; al igual que las obras anteriores escritas para el director de orquesta Dennis Russell Davies (el Concierto Grosso de 1992 y la Sinfonía n.º 3 de 1995), presenta una escritura solista ampliada. El crítico Allan Kozinn describió el cromatismo de la sinfonía como más extremo, más fluido, y sus temas y texturas como continuamente cambiantes, transformándose sin repetición, y elogió la 'orquestación impredecible' de la sinfonía, señalando la "hermosa variación de flauta y arpa en el melancólico segundo movimiento". Alex Ross, comentó que "contra todo pronóstico, este trabajo logra agregar algo comprobablemente nuevo a los abarrotados anales de la sinfonía clásica... El material musical está cortado de un tejido familiar, pero es sorprendente que el compositor renuncia a la animada conclusión esperada y, en cambio, se adentra en un estado de ánimo de crepúsculo cada vez más profundo y noche interminable."

La Pasión de Ramakrishna (2006), fue compuesta para la orquesta Pacific Symphony, la Pacific Chorale y el director Carl St. Clair. La obra coral de 45 minutos se basa en los escritos del líder espiritual indio Ramakrishna, que parece "haber inspirado y revivido genuinamente al compositor a partir de sus viejas fórmulas para escribir algo nuevo", como comentó un crítico, mientras que otro señaló: "El estilo musical abre pocos caminos nuevos para Glass, excepto por el glorioso final handeliano... el estilo del compositor encaja perfectamente con el texto devocional".

Una suite para violonchelo, compuesta para la violonchelista Wendy Sutter, Songs and Poems for Solo Cello (2005–2007), fue igualmente elogiada por la crítica. Fue descrita por Lisa Hirsch como "una obra importante... una gran adición al repertorio de violonchelo" y "profundamente romántico en espíritu, y al mismo tiempo profundamente barroco". Otra crítica, Anne Midgette de The Washington Post, señaló que la suite "mantiene un grado inusual de franqueza y calidez"; también notó un parentesco con una obra importante de Johann Sebastian Bach: "Profundizando en los registros más bajos del instrumento, toma vuelo en puñados de notas, ahora suaves, ahora apasionadas, evocando de diversas formas el modo menor de klezmer. música y las meditaciones interiores de las suites para violonchelo de Bach. El mismo Glass señaló 'en muchos sentidos le debe más a Schubert que a Bach'.

En 2007, Glass también trabajó junto a Leonard Cohen en una adaptación de la colección de poesía de Cohen Book of Longing. La obra, que se estrenó en junio de 2007 en Toronto, es una pieza para siete instrumentos y un cuarteto vocal, y contiene interpretaciones de palabras habladas grabadas por Cohen e imágenes de su colección.

Appomattox, una ópera sobre los acontecimientos del final de la Guerra Civil estadounidense, fue encargada por la Ópera de San Francisco y se estrenó el 5 de octubre de 2007. Al igual que en Esperando a los bárbaros , Glass colaboró con el escritor Christopher Hampton y, al igual que con la ópera anterior y la Sinfonía n.° 8, la pieza fue dirigida por el colaborador de Glass desde hace mucho tiempo, Dennis Russell Davies, quien señaló "en sus óperas recientes, la línea de bajo ha adquirido una prominencia cada vez mayor,... (un) uso cada vez mayor de elementos melódicos en el registro profundo, en el contrabajo, el contrafagot—utiliza cada vez más estos sonidos y estas texturas pueden ser derivados del uso de estos instrumentos en diferentes combinaciones... Definitivamente ha desarrollado más habilidad como orquestador, en su habilidad para concebir melodías y estructuras armónicas para grupos instrumentales específicos... lo que les da para tocar es muy orgánico e idiomático."

Además de esta ópera a gran escala, Glass agregó una obra a su catálogo de música teatral en 2007 y continúa, después de un lapso de veinte años, escribiendo música para la obra dramática de Samuel Beckett. Proporcionó un "hipnótico" partitura original para una compilación de las obras cortas de Beckett Act Without Words I, Act Without Words II, Rough for Theatre I y Eh Joe, dirigida por JoAnne Akalaitis y estrenada en diciembre de 2007. El trabajo de Glass para esta producción fue descrito por The New York Times como "helado, repetitivo música que más se acerca a perforar el corazón".

2008–presente: música de cámara, conciertos y sinfonías

2008 a 2010 Glass continuó trabajando en una serie de piezas de música de cámara que comenzaron con Songs and Poems: the Cuatro movimientos para dos pianos (2008, estrenada por Dennis Davies y Maki Namekawa en julio de 2008), una Sonata para violín y piano compuesta en "la tradición de Brahms" (terminado en 2008, estrenado por la violinista Maria Bachman y el pianista Jon Klibonoff en febrero de 2009); un sexteto de cuerda (una adaptación de la Sinfonía n.º 3 de 1995 realizada por el director musical de Glass, Michael Riesman) siguió en 2009. Pendulum (2010, un -pieza de movimiento para violín y piano), una segunda Suite de piezas para violonchelo de Wendy Sutter (2011), y Partita para violín solo para el violinista Tim Fain (2010, primera interpretación de la obra completa en 2011), son entradas recientes en la serie.

Interpretación de vidrio Libro de Longing en Milán, septiembre de 2008

Otras obras para el teatro fueron una partitura para Eurípides' The Bacchae (2009, dirigida por JoAnne Akalaitis), y Kepler (2009), otra biografía operística de un científico o explorador. La ópera se basa en la vida del astrónomo del siglo XVII Johannes Kepler, en el contexto de los Treinta Años' War, con libreto recopilado a partir de textos de Kepler y poemas de su contemporáneo Andreas Gryphius. Es la primera ópera de Glass en alemán, y fue estrenada por la Bruckner Orchestra Linz y Dennis Russell Davies en septiembre de 2009. El crítico del LA Times Mark Swed y otros describieron la obra como "como un oratorio"; Swed señaló que la obra es la partitura más cromática, compleja y psicológica de Glass. y "la orquesta domina... Me sorprendieron los colores apagados y brillantes, el carácter de muchos solos orquestales y el conmovedor énfasis en los instrumentos bajos".

En 2009 y 2010, Glass volvió al género de los conciertos. El Concierto para violín n.º 2 en cuatro movimientos fue encargado por el violinista Robert McDuffie y se subtituló "The American Four Seasons" (2009), como homenaje al conjunto de conciertos de Vivaldi Las cuatro estaciones. Fue estrenada en diciembre de 2009 por la Orquesta Sinfónica de Toronto y posteriormente interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres en abril de 2010. El Doble Concierto para violín y violonchelo y orquesta (2010) fue compuesto para las solistas Maria Bachmann y Wendy Sutter y también como ballet partitura para el Nederlands Dans Theatre. Otros proyectos orquestales de 2010 son partituras orquestales cortas para películas; a una presentación multimedia basada en la novela Icarus at the Edge of Time del físico teórico Brian Greene, que se estrenó el 6 de junio de 2010, y la partitura de la película brasileña Nosso Lar (lanzado en Brasil el 3 de septiembre de 2010). Glass también donó una obra breve, Brazil, al videojuego Chime, que se lanzó el 3 de febrero de 2010.

En enero de 2011, Glass actuó en el festival MONA FOMA en Hobart, Tasmania. El festival promueve una amplia gama de formas de arte, incluido el sonido experimental, el ruido, la danza, el teatro, las artes visuales, la interpretación y los nuevos medios.

En agosto de 2011, Glass presentó una serie de espectáculos de música, danza y teatro como parte del Festival Días y Noches. Junto con Philip Glass Ensemble, los artistas programados incluyen a Molissa Fenley y Dancers, John Moran con Saori Tsukada, así como una proyección de Dracula con la partitura de Glass. Glass espera presentar este festival anualmente, con un enfoque en el arte, la ciencia y la conservación.

Philip Glass por Luis Álvarez Roure. 2016. A bordo. Colección de la Smithsonian National Retrait Gallery, Washington, D.C.

Otras obras completadas desde 2010 incluyen la Sinfonía n.° 9 (2010–2011), la Sinfonía n.° 10 (2012), el Concierto para violonchelo n.° 2 (2012, basado en la banda sonora de Naqoyqatsi) así como el Cuarteto de Cuerdas No. 6 y No. 7. La Novena Sinfonía de Glass fue co-encargada por la Bruckner Orchestra Linz, la American Composers Orchestra y la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles. La primera presentación de la sinfonía tuvo lugar el 1 de enero de 2012 en la Brucknerhaus de Linz, Austria (Dennis Russell Davies dirigiendo la Bruckner Orchestra Linz); el estreno estadounidense fue el 31 de enero de 2012 (el 75 cumpleaños de Glass), en el Carnegie Hall (Dennis Russell Davies dirigiendo la American Composers Orchestra), y el estreno en la Costa Oeste con la Filarmónica de Los Ángeles bajo la batuta de John Adams. el 5 de abril. La Décima Sinfonía de Glass, escrita en cinco movimientos, fue encargada por la Orchestre français des jeunes para su 30 aniversario. La primera presentación de la sinfonía tuvo lugar el 9 de agosto de 2012 en el Grand Théâtre de Provence en Aix-en-Provence bajo la dirección de Dennis Russell Davies.

La ópera El perfecto americano fue compuesta en 2011 por encargo del Teatro Real Madrid. El libreto está basado en un libro del mismo nombre de Peter Stephan Jungk y cubre los últimos meses de la vida de Walt Disney. El estreno mundial fue en el Teatro Real de Madrid el 22 de enero de 2013, con el barítono británico Christopher Purves en el papel de Disney. El estreno en el Reino Unido tuvo lugar el 1 de junio de 2013, en una producción de la English National Opera en el London Coliseum. El estreno en Estados Unidos tuvo lugar el 12 de marzo de 2017, en una producción de Long Beach Opera.

Su ópera The Lost [fr], basada en una obra del dramaturgo y novelista austriaco Peter Handke, Die Spuren der Verirrten (2007), estrenada en el Musiktheater Linz [de] en abril de 2013, dirigida por Dennis Russell Davies y dirigida por David Pountney.

El 28 de junio de 2013 se estrenó en el Museum Kunstpalast la pieza para piano de Glass Dos movimientos para cuatro pianos, interpretada por Katia y Marielle Labèque, Maki Namekawa [de] y Dennis Russell Davies.

El 17 de enero de 2014, Glass' colaboración con Angélique Kidjo Ifé: Three Yorùbá Songs for Orchestra estrenado en la Philharmonie Luxembourg.

En mayo de 2015, Katia y Marielle Labèque, Gustavo Dudamel y la Filarmónica de Los Ángeles estrenaron el Concierto doble para dos pianos de Glass.

Glass publicó sus memorias, Words Without Music, en 2015.

Glass at the world premiere of his Passacaglia for Piano (2017) at the Musikhuset Aarhus, Denmark

Su 11.ª sinfonía, encargada por la Bruckner Orchestra Linz, el Festival Internacional de Música de Estambul y la Orquesta Sinfónica de Queensland, se estrenó el 31 de enero de 2017, el 80.º cumpleaños de Glass, en el Carnegie Hall, con Dennis Russell Davies dirigiendo la Orquesta Bruckner. El 22 de septiembre de 2017, la pianista Simone Dinnerstein estrenó su Concierto para piano n.º 3 con las cuerdas de la orquesta de cámara A Far Cry en el Jordan Hall del New England Conservatory of Music, Boston, Massachusetts.

La 12.ª sinfonía de Glass fue estrenada por la Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección de John Adams en el Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles el 10 de enero de 2019. Encargada por la orquesta, la obra se basa en la obra de David Bowie & # 39; El álbum Lodger de 1979 completa la trilogía de sinfonías de Glass basada en la Trilogía de álbumes de Berlín de Bowie.

En colaboración con el autor de teatro, intérprete y codirector (con Kirsty Housley) Phelim McDermott, compuso la partitura de la nueva obra Tao of Glass, que se estrenó en el Festival Internacional de Manchester de 2019 antes de gira al Festival de Perth 2020.

Influencias y colaboraciones

Glass se describe a sí mismo como un 'clasicista' y señala que tiene formación en armonía y contrapunto y estudió a compositores como Franz Schubert, Johann Sebastian Bach y Wolfgang Amadeus Mozart con Nadia Boulanger. Además de componer en la tradición clásica occidental, su música tiene vínculos con el rock, la música ambiental, la música electrónica y la música mundial. Los primeros admiradores de su minimalismo incluyen a los músicos Brian Eno y David Bowie. En la década de 1990, Glass compuso las sinfonías antes mencionadas Low (1992) y Heroes (1996), derivadas temáticamente de los álbumes de colaboración Bowie-Eno Low. y "Heroes" compuesta a fines de la década de 1970 en Berlín.

Glass ha colaborado con artistas discográficos como Paul Simon, Suzanne Vega, Mick Jagger, Leonard Cohen, David Byrne, Uakti, Natalie Merchant, S'Express (Glass remezcló su tema Hey Music Lover en 1989) y Aphex Twin (produciendo una orquestación de Icct Hedral en 1995 en el EP Donkey Rhubarb). La influencia compositiva de Glass se extiende a músicos como Mike Oldfield (quien incluyó partes de North Star de Glass en Platinum), y bandas como Tangerine Dream. y cabezas parlantes. Glass y su diseñador de sonido Kurt Munkacsi produjeron la banda estadounidense de post-punk/new wave Polyrock (desde 1978 hasta mediados de la década de 1980), así como la grabación de The Manson Family (An Opera) en 1991, que contó con la leyenda del punk Iggy Pop y una segunda grabación (inédita) del trabajo de Moran con el poeta Allen Ginsberg.

Glass cuenta con muchos artistas entre sus amigos y colaboradores, incluidos artistas visuales (Richard Serra, Chuck Close, Fredericka Foster), escritores (Doris Lessing, David Henry Hwang, Allen Ginsberg), directores de cine y teatro (incluidos Errol Morris, Robert Wilson, JoAnne Akalaitis, Godfrey Reggio, Paul Schrader, Martin Scorsese, Christopher Hampton, Bernard Rose y muchos otros), coreógrafos (Lucinda Childs, Jerome Robbins, Twyla Tharp) y músicos y compositores (Ravi Shankar, David Byrne, el director Dennis Russell Davies, Foday Musa Suso, Laurie Anderson, Linda Ronstadt, Paul Simon, Pierce Turner, Joan La Barbara, Arthur Russell, David Bowie, Brian Eno, Roberto Carnevale, Patti Smith, Aphex Twin, Lisa Bielawa, Andrew Shapiro, John Moran, Bryce Dessner y Nico Muhly). Entre los colaboradores recientes se encuentran el compañero neoyorquino Woody Allen y Stephen Colbert de Glass.

Glass había comenzado a usar el órgano portátil Farfisa por conveniencia y lo ha usado en conciertos. Aparece en varias grabaciones, incluidas North Star y Dance Nos. 1–5.

Trabajo de grabación

Logotipo de música de montaña naranja

En 1970, Glass y Klaus Kertess (propietario de Bykert Gallery) formaron un sello discográfico llamado Chatham Square Productions (llamado así por la ubicación del estudio de Dick Landry, miembro de Philip Glass Ensemble). En 1993, Glass formó otro sello discográfico, Point Music; En 1997, Point Music lanzó Music for Airports, una versión instrumental en vivo de la composición de Eno del mismo nombre, de Bang on a Can All-Stars. En 2002, Glass y su productor Kurt Munkacsi y el artista Don Christensen fundaron la compañía Orange Mountain Music, dedicada a "establecer el legado discográfico de Philip Glass" y, hasta la fecha, han lanzado sesenta álbumes de la música de Glass.

Música para cine

Glass ha compuesto muchas bandas sonoras para películas, comenzando con la banda sonora orquestal de Koyaanisqatsi (1982) y continuando con dos biopics, Mishima: A Life in Four Chapters (1985)., que dio como resultado el Cuarteto de Cuerdas No. 3) y Kundun (1997) sobre el Dalai Lama, por la que recibió su primera nominación al Premio de la Academia. En 1968 compuso y dirigió la banda sonora del cortometraje de comedia minimalista del director Harrison Engle, Railroaded, interpretado por Philip Glass Ensemble. Este fue uno de sus primeros esfuerzos cinematográficos.

Un año después de componer Hamburger Hill (1987), Glass comenzó una larga colaboración con el cineasta Errol Morris con su música para los célebres documentales de Morris, incluido The Thin Blue Line (1988) y Breve historia del tiempo (1991). Continuó componiendo para la trilogía Qatsi con las partituras de Powaqqatsi (1988) y Naqoyqatsi (2002). En 1995 compuso el tema del cortometraje independiente Evidence de Reggio. Hizo un cameo (brevemente visible tocando el piano) en The Truman Show (1998) de Peter Weir, que usa música de Powaqqatsi, Anima Mundi y Mishima, así como tres temas originales de Glass. En la década de 1990, también compuso música para Bent (1997) y la película de terror sobrenatural Candyman (1992) y su secuela, Candyman: Farewell to the Flesh (1995), además de una adaptación cinematográfica de El agente secreto de Joseph Conrad (1996).

En 1999, terminó una nueva banda sonora para la película Drácula de 1931. The Hours (2002) le valió una segunda nominación al Premio de la Academia. La naturaleza circular y recurrente de Glass' la música ha sido elogiada por brindar estabilidad y contraste a los frecuentes saltos temporales y geográficos en la narrativa de la película. De esta manera, la banda sonora tiene una personalidad distintiva, tanto que el director Stephen Daldry cree que la música de Glass sirve como 'otra corriente de conciencia, otro personaje'. en la película. A The Hours siguió otro documental de Morris, The Fog of War (2003). A mediados de la década de 2000, Glass proporcionó la música para películas como Secret Window (2004), Neverwas (2005), The Illusionist y Notas sobre un escándalo, obteniendo su tercera nominación al Premio de la Academia por este último. Las bandas sonoras de películas más recientes de Glass incluyen No Reservations (Glass hace un breve cameo en la película sentado en un café al aire libre), Cassandra's Dream (2007), Les Regrets (2009), Mr Nice (2010), la película brasileña Nosso Lar (2010) y Fantastic Four (2015, en colaboración con Marco Beltrami). En 2009, Glass compuso el tema musical original para Transcendent Man, sobre la vida y las ideas de Ray Kurzweil del cineasta Barry Ptolomeo.

En la década de 2000, el trabajo de Glass de la década de 1980 volvió a ser conocido por un público más amplio a través de varios medios. En 2005, su Concierto para violín y orquesta (1987) apareció en el thriller surrealista francés La Moustache, proporcionando un tono intencionalmente incongruente con la banalidad de la trama de la película. Metamorphosis: Metamorphosis One de Solo Piano (1989) apareció en la versión renovada de Battlestar Galactica en el episodio "Valley of Darkness" y también en el episodio final ("return 0") de Person of Interest. En 2008, Rockstar Games lanzó Grand Theft Auto IV con "Pruit Igoe" (de Koyaanisqatsi). "Pruit Igoe" y "Profecías" (también de Koyaanisqatsi) se utilizaron tanto en un tráiler de Watchmen como en la propia película. Watchmen también incluyó otras dos piezas de Glass en la partitura: "Something She Has To Do" de The Hours y "Protest" de Satyagraha, acto 2, escena 3. En 2013, Glass contribuyó con una pieza para piano "Duet" a la película Stoker de Park Chan-wook, que se interpreta diegéticamente en la película. En 2017, Glass compuso la música para el documental de National Geographic Films Jane (un documental sobre la vida de la renombrada primatóloga británica Jane Goodall).

La música de Glass apareció en dos películas galardonadas del director ruso Andrey Zvyagintsev, Elena (2011) y Leviathan (2014).

Para televisión, Glass compuso el tema de Night Stalker (2005) y la banda sonora de Tales from the Loop (2020). Glass's 'Confrontación y Rescate' (de Satyagraha) se usó al final del capítulo 6 de la temporada 3 de Stranger Things (2019), mientras que "Window of Appearances", "Akhnaten y Nefertiti" (de Akhnaten) y "Profecías" (de Koyaanisqatsi) se usaron en el final del volumen 1 de la temporada 4 (2022).

Vida privada

Palabras de Philip Glass

Glass vive en Nueva York y en Cape Breton, Nueva Escocia. Se ha descrito a sí mismo como "un judío-taoísta-hindú-tolteca-budista" y es partidario del movimiento independentista tibetano. En 1987, cofundó Tibet House US con el profesor de la Universidad de Columbia Robert Thurman y el actor Richard Gere a pedido del decimocuarto Dalai Lama. El vidrio es vegetariano.

Glass se ha casado cuatro veces; tiene cuatro hijos y una nieta.

• Su primer matrimonio fue el director del teatro JoAnne Akalaitis (m. 1965, div. 1980), con quien tiene dos hijos: Juliet (b. 1968) y Zachary (b. 1971).
• Su segundo matrimonio fue con Luba Burtyk (m. 1980), médico.
• Su tercera esposa, la artista Candy Jernigan, murió de cáncer de hígado en 1991, de 39.
• El cuarto matrimonio de Glass fue con el gerente de restaurante, Holly Critchlow (m. en 2001), a quien más tarde se divorció. Tenían dos hijos, Cameron (b. 2002) y Marlowe (b. 2003).

Tuvo una relación sentimental con la violonchelista Wendy Sutter durante aproximadamente cinco años. A partir de diciembre de 2018, su pareja fue la bailarina de origen japonés Saori Tsukada.

Glass es prima hermana de Ira Glass, presentadora del programa de radio This American Life. Ira entrevistó a Glass en el escenario del Field Museum de Chicago; esta entrevista fue transmitida por Fresh Air de NPR. Ira entrevistó a Glass por segunda vez en una recaudación de fondos para St. Ann's Warehouse; esta entrevista se entregó a los oyentes de la radio pública como regalo de agradecimiento en 2010. Ira y Glass grabaron una versión de la composición que Glass escribió para acompañar el poema de su amigo Allen Ginsberg 'Wichita Vortex'. Sutra". En 2014, This American Life emitió una actuación en directo en la Brooklyn Academy of Music que incluyó el estreno mundial de la ópera Help, un breve monodrama que Philip Glass escribió para la ocasión..

Recepción crítica

Jugando en el Palacio de Bellas Artes, 2018

Opinión Musical dijo: "Philip Glass debe ser uno de los compositores vivos más influyentes". El National Endowment for the Arts, aunque señaló que muchas de sus óperas han sido producidas por los principales teatros de ópera del mundo, dijo: "Es el primer compositor en ganar una audiencia amplia y multigeneracional en el teatro de ópera". la sala de conciertos, el mundo de la danza, en el cine y en la música popular." Classical Music Review llamó a su ópera Akhnaten "una obra imponente y musicalmente sofisticada".

Justin Davidson, de la revista Nueva York, ha criticado a Glass diciendo: "Glass nunca tuvo una buena idea, no lo azotó hasta la muerte: repite la inquietante escala 30 mente- tiempos de adormecimiento, hasta que ya es hora de irse a casa." Richard Schickel de Time criticó la partitura de Glass para The Hours y dijo: "En última instancia, esto resulta insuficiente para dar sentido a sus vidas o profundidad a un mundo sombrío". y una película poco atractiva, para la que Philip Glass, sin darse cuenta, proporciona la partitura perfecta: desafinada, opresiva, monótona, dolorosamente engreída."

Michael White de The Daily Telegraph describió Glass' Concierto para violín No. 2 como siendo

como gratificante como goma de masticar que ha perdido su sabor, y no son actividades disimilares. Este nuevo concierto es basura sin mitigación: las secuencias usuales de la banalidad arpegada, impulsadas por la subida y caída de tripletes de movimiento rápido, pero aún lideradas, y vacuously formulaic. Philip Glass no es Vivaldi, un compositor que incluso en su más papel pintado barroco todavía tiene algo que decir. El vidrio no tiene nada, aunque presumiblemente se engaña para pensar que lo hace: por lo tanto la preponderancia de la escritura individual lenta y reflexiva en la pieza que supone que hay algo que reflexionar.

Documentales sobre Vidrio

• Música con Botas en el Aether: Opera para la Televisión (1976). Tapa 2: Philip Glass. Producido y dirigido por Robert Ashley
• Philip Glass, de Cuatro compositores americanos (1983); dirigida por Peter Greenaway
• Notas de un compositor: Philip Glass y la fabricación de una ópera (1985); dirigida por Michael Blackwood
• Einstein en la playa: La imagen cambiante de la ópera (1986); dirigida por Mark Obenhaus
• Mirador de vidrio (2005); Dirigida por Éric Darmon
• Vidrio: Retrato de Felipe en doce partes (2007); dirigida por Scott Hicks

Premios y nominaciones

Premios Globos de Oro

Mejor partitura original

• Nominado: Kundun (1997)
• Won: El Show de Truman (1998)
• Nominado: Las Horas (2002)

Premios BAFTA

Premio Anthony Asquith a la Música de Cine

• Won: Las Horas (2002)

Premios de la Academia

Mejor partitura original

• Nominado: Kundun (1997)
• Nominado: Las Horas (2002)
• Nominado: Notas sobre un escándalo (2006)

Otro

• Musical America Musician of the Year (1985)
• Miembro del Ordre des Arts et des Lettres (Francia) – Chevalier (1995)
• Miembro de la Academia Americana de Artes y Letras, Departamento de Música (2003)
• Premio Brit clásico para compositor contemporáneo del año (Las Horas) (2004)
• Premio de selección de críticos para el mejor compositor – El ilusionista (2007)
• Premio Internacional de Cine de Palm Springs (2007)
• Fulbright Lifetime Achievement Award Laureate (2009)
• Miembro de la Sociedad Filosófica Americana (2009)
• American Classical Music Hall of Fame (2010)
• Premio NEA Opera Honors (2010)
• Praemium Imperiale (2012)
• Dance Magazine Award (2013)
• Doctor Honorario de Música, Escuela Juilliard (2014)
• Premio Louis Auchincloss presentado por el Museo de la Ciudad de Nueva York (2014)
• Undécimo Premio Glenn Gould Laureate (2015)
• Medalla Nacional de las Artes (2015)
• Chicago Tribune Premio literario (por memoria) Palabras sin música) (2016)
• Premio Drama Desk para la música excepcional en un juego – El Crucible (2016)
• Carnegie Hall (Nueva York) 2017–2018 Richard y Barbara Debs Compositor Presidente (2017)
• Hollywood Music in Media Awards Best Original Documentary Score – Jane (2017)
• La Sociedad de Letristas de Compositores (SCL) Premio de Logros de Vida (2017)
• 11o anual Cine Ojo Honores logro destacado en la partitura musical original – Jane (2018)
• Premio Grand Prix France Music Muses (por memoir) Palabras sin música) (2018)
• Kennedy Center Honors (2018)
• Recording Academy Trustees Award (2020)
• Televisión ASCAP Tema del Año, Tales del Loop, co-compositor Paul Leonard-Morgan (2021)
• BBVA Foundation Frontiers of Knowledge Award 14th Edition (2022)

Composiciones