Fagot
El fagot es un instrumento de viento madera de la familia de las lengüetas dobles, que se toca en los registros de tenor y bajo. Se compone de seis piezas, y suele ser de madera. Es conocido por su distintivo tono de color, amplia gama, versatilidad y virtuosismo. Es un instrumento sin transposición y, por lo general, su música está escrita en las claves de bajo y tenor, y algunas veces en las de agudos. Hay dos formas de fagot moderno: los sistemas Buffet (o francés) y Heckel (o alemán). Por lo general, se toca sentado con una correa de asiento, pero se puede tocar de pie si el jugador tiene un arnés para sujetar el instrumento. El sonido se produce haciendo rodar ambos labios sobre la lengüeta y soplando presión de aire directa para hacer que la lengüeta vibre. Su sistema de digitación puede ser bastante complejo en comparación con los de otros instrumentos. Apareciendo en su forma moderna en el siglo XIX, el fagot ocupa un lugar destacado en la literatura orquestal, de banda de concierto y de música de cámara, y ocasionalmente también se escucha en escenarios de pop, rock y jazz. El que toca un fagot se llama fagotista.
Etimología
La palabra fagot proviene del francés basson y del italiano <span title="texto en idioma italiano" bajo (bajo con el aumentativo sufijo -one). Sin embargo, el nombre italiano para el mismo instrumento es fagotto, en español, holandés y rumano es fagot, y en alemán Fagott. Fagot es una palabra del francés antiguo que significa un manojo de palos. El dulcián llegó a ser conocido como fagotto en Italia. Sin embargo, la etimología habitual que equipara fagotto con "paquete de palos" es algo engañoso, ya que el último término no se generalizó hasta más tarde. Sin embargo, una variación inglesa temprana, "faget", se usó ya en 1450 para referirse a la leña, que es 100 años antes del primer uso registrado del dulcian (1550). Se necesitan más citas para demostrar la falta de relación entre el significado "paquete de palos" y "maricón" (italiano) o variantes. Algunos piensan que puede parecerse a las fasces romanas, un estandarte de palos atados con un hacha. Otra discrepancia radica en el hecho de que el dulcián fue tallado en un solo bloque de madera, en otras palabras, un solo "palo" y no un paquete.
Características
Alcance
(A1) B.1–E5 (A5)
El rango del fagot comienza en B♭1 (el primero debajo del pentagrama de bajo) y se extiende hacia arriba sobre tres octavas, aproximadamente hasta el G sobre el pentagrama de agudos (G5). Sin embargo, la mayoría de las escrituras para fagot rara vez requieren notas por encima de C5 o D5; incluso el solo de apertura de Stravinsky en The Rite of Spring solo asciende a D5. Las notas más altas que esto son completamente posibles, pero rara vez se escriben, ya que son difíciles de producir (a menudo requieren características de diseño de lengüeta específicas para garantizar la confiabilidad) y, en cualquier caso, son bastante homogéneos en timbre a los mismos tonos en cor anglais, lo que puede producir ellos con relativa facilidad. El fagot francés tiene mayor facilidad en el registro extremadamente alto, por lo que es más probable que el repertorio escrito para él incluya notas muy altas, aunque el repertorio para el sistema francés se puede ejecutar en el sistema alemán sin alteraciones y viceversa.
El extenso registro alto del fagot y su papel frecuente como tenor lírico han hecho que la clave de tenor se emplee con mucha frecuencia en su literatura después del Barroco, en parte para evitar líneas de contabilidad excesivas y, a partir del siglo XX, agudos. clef también se ve por razones similares.
Al igual que los otros instrumentos de viento de madera, la nota más baja es fija, pero A1 es posible con una extensión especial del instrumento; consulte "Técnicas extendidas" abajo.
Aunque los tonos primarios de los orificios son una quinta perfecta más grave que otros instrumentos de viento de madera occidentales sin transposición (efectivamente, una octava por debajo del corno inglés), el fagot no tiene transposición, lo que significa que las notas que suenan coinciden con el tono escrito.
Construcción
El baszón se desmonta en seis piezas principales, incluyendo la caña. La campana (6), extender hacia arriba; la articulación bajo (o la articulación larga) 5), conectar la campana y la bota; la bota (o el trasero) 4), en la parte inferior del instrumento y doblando sobre sí mismo; la articulación del ala (o la articulación del tenor) 3), que se extiende de la bota a bocal; y el bocal (o torta) 2), un tubo de metal torcido que une la articulación del ala a una caña 1) ()
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Estructura
El orificio del fagot es cónico, como el del oboe y el del saxofón, y los dos orificios contiguos de la articulación de la bota están conectados en la parte inferior del instrumento con un conector de metal en forma de U. Tanto los orificios de perforación como los de tono están mecanizados con precisión, y cada instrumento se acaba a mano para una afinación adecuada. Las paredes del fagot son más gruesas en varios puntos a lo largo del ánima; aquí, los orificios de tono se perforan en ángulo con respecto al eje del orificio, lo que reduce la distancia entre los orificios en el exterior. Esto asegura la cobertura de los dedos de la mano adulta promedio. Tocar se facilita cerrando la distancia entre los agujeros ampliamente espaciados con un complejo sistema de trabajo clave, que se extiende a lo largo de casi toda la longitud del instrumento. La altura total del fagot se extiende a 1,34 m (4 ft 5 in) de alto, pero la longitud total del sonido es de 2,54 m (8 ft 4 in) considerando que el tubo está doblado sobre sí mismo. También hay fagotes de corto alcance hechos para los músicos jóvenes o pequeños.
Materiales
Un fagot moderno para principiantes generalmente está hecho de arce, y se prefieren los tipos de dureza media, como el arce sicómoro y el arce azucarero. Los modelos menos costosos también están hechos de materiales como polipropileno y ebonita, principalmente para estudiantes y uso en exteriores. Los fagotes de metal se fabricaron en el pasado, pero ningún fabricante importante los ha producido desde 1889.
Cañas
El arte de hacer cañas se ha practicado durante varios cientos de años; algunas de las primeras cañas conocidas se fabricaron para el dulcián, un predecesor del fagot. Los métodos actuales de fabricación de cañas consisten en un conjunto de métodos básicos; sin embargo, fagotistas individuales' Los estilos de interpretación varían mucho y, por lo tanto, requieren que las lengüetas se personalicen para adaptarse mejor a su respectivo fagotista. Los jugadores avanzados suelen hacer sus propias cañas para este fin. Con respecto a las lengüetas fabricadas comercialmente, muchas compañías e individuos ofrecen a la venta lengüetas prefabricadas, pero los jugadores a menudo descubren que tales lengüetas aún requieren ajustes para adaptarse a su estilo de juego particular.
Las lengüetas de fagot modernas, hechas de caña Arundo donax, a menudo las fabrican los propios ejecutantes, aunque los fagotistas principiantes tienden a comprar sus lengüetas a fabricantes de lengüetas profesionales o usan lengüetas hechas por sus maestros. Las cañas comienzan con un trozo de caña tubular que se divide en tres o cuatro piezas con una herramienta llamada partidor de caña. A continuación, la caña se recorta y se arranca al grosor deseado, dejando la corteza adherida. Después del remojo, la caña estriada se corta en la forma adecuada y se muele al grosor deseado, o perfila, quitando el material del lado de la corteza. Esto se puede hacer a mano con una lima; más frecuentemente se hace con una máquina o herramienta diseñada para tal fin. Después de que la caña perfilada se haya empapado una vez más, se dobla por la mitad. Antes del remojo, el fabricante de cañas habrá marcado ligeramente la corteza con líneas paralelas con un cuchillo; esto asegura que la caña asumirá una forma cilíndrica durante la etapa de formación.
En la parte de la corteza, el fabricante de cañas une una, dos o tres bobinas o bucles de alambre de latón para ayudar en el proceso de formación final. La ubicación exacta de estos bucles puede variar un poco según el fabricante de cañas. La pieza en bruto de caña encuadernada se envuelve luego con hilo grueso de algodón o lino para protegerla, y se inserta rápidamente un mandril de acero cónico (que a veces se ha calentado en una llama) entre las cuchillas. Usando un par de alicates especiales, el fabricante de cañas presiona la caña hacia abajo, haciendo que se ajuste a la forma del mandril. (El vapor generado por el mandril calentado hace que la caña adopte permanentemente la forma del mandril.) La parte superior de la cavidad así creada se denomina "garganta", y su forma influye en el resultado final. características de juego de la caña. La parte inferior, en su mayoría cilíndrica, se escariará con una herramienta especial llamada escariador, lo que permitirá que la lengüeta encaje en la boca.
Después de que la caña se haya secado, los alambres se tensan alrededor de la caña, que se ha encogido después del secado, o se reemplazan por completo. La parte inferior se sella (se puede usar un cemento a base de nitrocelulosa como Duco) y luego se envuelve con hilo para garantizar que no se escape aire por la parte inferior de la caña y que la caña mantenga su forma. El envoltorio en sí a menudo se sella con Duco o esmalte de uñas transparente (esmalte). La cinta aislante también se puede utilizar como envoltura para los fabricantes de cañas aficionados. El bulto en el envoltorio a veces se denomina 'cabeza de turco'; sirve como un mango conveniente al insertar la lengüeta en la boca. Recientemente, más jugadores están eligiendo el tubo termorretráctil más moderno en lugar del hilo complicado y que consume mucho tiempo. La envoltura de hilo (comúnmente conocida como "Turban" debido a la tela entrecruzada) es aún más común en las cañas vendidas comercialmente.
Para terminar la caña, se corta el extremo de la caña en blanco, originalmente en el centro de la pieza de caña desplegada, creando una abertura. Las cuchillas sobre el primer cable ahora miden aproximadamente 27 a 30 mm (1,1 a 1,2 pulgadas) de largo. Para que la caña toque, se debe crear un ligero bisel en la punta con un cuchillo, aunque también existe una máquina que puede realizar esta función. Pueden ser necesarios otros ajustes con el cuchillo de caña, según la dureza, el perfil de la caña y los requisitos del jugador. Es posible que también sea necesario ajustar la apertura de la lengüeta apretando el primer o el segundo cable con los alicates. Se puede quitar material adicional de los lados (los "canales") o de la punta para equilibrar la caña. Además, si el "e" en el pentagrama de la clave de fa está caído en el tono, puede ser necesario "recortar" la caña quitando 1-2 mm (0,039-0,079 pulgadas) de su longitud con un par de tijeras muy afiladas o algo equivalente.
Historia
Origen
Los historiadores de la música generalmente consideran que el dulcián es el precursor del fagot moderno, ya que los dos instrumentos comparten muchas características: una lengüeta doble colocada en un gancho de metal, orificios de tono perforados oblicuamente y un orificio cónico que se dobla sobre sí mismo. Los orígenes del dulcián son oscuros, pero a mediados del siglo XVI estaba disponible en hasta ocho tamaños diferentes, desde soprano hasta gran bajo. Una consorte completa de dulcianas era una rareza; su función principal parece haber sido proporcionar el bajo en la banda de viento típica de la época, ya sea fuerte (chirimías) o suave (flautas dulces), lo que indica una notable capacidad para variar la dinámica para adaptarse a la necesidad. De lo contrario, la técnica dulciana era bastante primitiva, con ocho orificios para los dedos y dos teclas, lo que indica que solo podía tocar en un número limitado de armaduras.
La evidencia circunstancial indica que el fagot barroco era un instrumento recién inventado, en lugar de una simple modificación del antiguo dulcián. El dulcián no fue suplantado de inmediato, pero Bach y otros continuaron usándolo hasta bien entrado el siglo XVIII; y, presumiblemente por razones de intercambiabilidad, es muy poco probable que el repertorio de esta época vaya más allá del compás más pequeño del dulcián. El hombre probablemente responsable del desarrollo del verdadero fagot fue Martin Hotteterre (muerto en 1712), quien también pudo haber inventado la flûte traversière (flauta travesera) de tres piezas y el hautbois (oboe barroco). Algunos historiadores creen que en algún momento de la década de 1650, Hotteterre concibió el fagot en cuatro secciones (campana, junta de bajo, bota y junta de ala), una disposición que permitía una mayor precisión en el mecanizado del orificio en comparación con el dulciano de una pieza. También extendió la brújula hasta B♭ agregando dos teclas. Una opinión alternativa sostiene que Hotteterre fue uno de los varios artesanos responsables del desarrollo del fagot temprano. Estos pueden haber incluido miembros adicionales de la familia Hotteterre, así como otros fabricantes franceses activos en la misma época. No sobrevive ningún fagot francés original de este período, pero si lo hiciera, lo más probable es que se pareciera a los primeros fagotes existentes de Johann Christoph Denner y Richard Haka de la década de 1680. En algún momento alrededor de 1700, se agregó una cuarta clave (G♯), y fue para este tipo de instrumento que compositores como Antonio Vivaldi, Bach y Georg Philipp Telemann escribieron su exigente música. Durante la primera mitad del siglo XVIII se añadió una quinta tonalidad, para el mi♭ bajo. Los fabricantes notables del fagot barroco de 4 y 5 teclas incluyen a J.H. Eichentopf (c. 1678–1769), J. Poerschmann (1680–1757), Thomas Stanesby, Jr. (1668–1734), G.H. Scherer (1703–1778) y Prudent Thieriot (1732–1786).
Configuración moderna
Las crecientes demandas sobre las capacidades de los instrumentos y los intérpretes en el siglo XIX (particularmente, las salas de conciertos más grandes que requieren un mayor volumen y el surgimiento de virtuosos compositores e intérpretes) impulsaron un mayor refinamiento. El aumento de la sofisticación, tanto en las técnicas de fabricación como en el conocimiento acústico, hizo posibles grandes mejoras en la ejecución del instrumento.
El fagot moderno existe en dos formas principales distintas, el sistema Buffet (o "francés") y el sistema Heckel ("alemán"). La mayor parte del mundo juega el sistema Heckel, mientras que el sistema Buffet se juega principalmente en Francia, Bélgica y partes de América Latina. Varios fabricantes de instrumentos han construido otros tipos de fagotes, como el raro Galandronome. Debido a la ubicuidad del sistema Heckel en los países de habla inglesa, las referencias en inglés al fagot contemporáneo siempre significan el sistema Heckel, y el sistema Buffet se califica explícitamente donde aparece.
Sistema Heckel (alemán)
El diseño del fagot moderno le debe mucho al intérprete, maestro y compositor Carl Almenräder. Asistido por el investigador acústico alemán Gottfried Weber, desarrolló el fagot de 17 teclas con un rango que abarca cuatro octavas. Las mejoras de Almenräder al fagot comenzaron con un tratado de 1823 que describía formas de mejorar la entonación, la respuesta y la facilidad técnica de ejecución aumentando y reorganizando el teclado. Los artículos posteriores desarrollaron aún más sus ideas. Su empleo en Schott le dio la libertad de construir y probar instrumentos de acuerdo con estos nuevos diseños, y publicó los resultados en Caecilia, la revista de la casa de Schott. Almenräder continuó publicando y construyendo instrumentos hasta su muerte en 1846, y el propio Ludwig van Beethoven solicitó uno de los instrumentos recién fabricados después de enterarse de los documentos. En 1831, Almenräder dejó Schott para iniciar su propia fábrica con un socio, Johann Adam Heckel.
Heckel y dos generaciones de descendientes continuaron perfeccionando el fagot y sus instrumentos se convirtieron en el estándar, seguidos por otros fabricantes. Debido a su calidad de tono de canto superior (una mejora sobre uno de los principales inconvenientes de los instrumentos Almenräder), los instrumentos Heckel compitieron por la prominencia con el sistema Wiener reformado, un fagot estilo Boehm y un instrumento completamente afinado ideado por Charles-Joseph. Sax, padre de Adolfo Sax. FW Kruspe implementó un intento tardío en 1893 para reformar el sistema de digitación, pero no logró hacerse popular. Otros intentos de mejorar el instrumento incluyeron un modelo de 24 teclas y una boquilla de una sola lengüeta, pero ambos tuvieron efectos adversos en el tono y fueron abandonados.
Al entrar en el siglo XX, el modelo de fagot alemán estilo Heckel dominó el campo. El propio Heckel había fabricado más de 1100 instrumentos a principios del siglo XX (los números de serie comienzan en 3000), y los fabricantes británicos' los instrumentos ya no eran deseables para los requisitos cambiantes de tono de la orquesta sinfónica, permaneciendo principalmente en el uso de bandas militares.
Excepto por una breve conversión durante la guerra en la década de 1940 a la fabricación de cojinetes de bolas, la empresa Heckel ha producido instrumentos continuamente hasta el día de hoy. Muchos consideran que los fagotes Heckel son los mejores, aunque hay disponible una gama de instrumentos de estilo Heckel de varios otros fabricantes, todos con características de ejecución ligeramente diferentes.
Debido a que su mecanismo es primitivo en comparación con la mayoría de los instrumentos de viento de madera modernos, los fabricantes han intentado ocasionalmente "reinventar" el fagot En la década de 1960, Giles Brindley comenzó a desarrollar lo que llamó el 'fagot lógico', cuyo objetivo era mejorar la entonación y la uniformidad del tono mediante el uso de un mecanismo activado eléctricamente, haciendo posibles combinaciones de teclas demasiado complejas para la mano humana. administrar. El fagot lógico de Brindley nunca se comercializó.
Sistema buffet (francés)
El fagot del sistema Buffet alcanzó sus propiedades acústicas básicas un poco antes que el Heckel. A partir de entonces, continuó desarrollándose de una manera más conservadora. Si bien la historia temprana del fagot de Heckel incluyó una revisión completa del instrumento tanto en la acústica como en el trabajo clave, el desarrollo del sistema Buffet consistió principalmente en mejoras incrementales en el trabajo clave. Este enfoque minimalista del Buffet lo privó de una mejor consistencia de entonación, facilidad de operación y mayor potencia, que se encuentra en los fagotes Heckel, pero algunos consideran que el Buffet tiene una calidad más vocal y expresiva. El director John Foulds lamentó en 1934 el dominio del fagot estilo Heckel, considerándolos demasiado homogéneos en sonido con la trompa. El moderno sistema Buffet tiene 22 teclas y su rango es el mismo que el Heckel; aunque los instrumentos Buffet tienen mayor facilidad en los registros superiores, llegando a E5 y F5 con mucha mayor facilidad y menor resistencia del aire.
En comparación con el fagot de Heckel, los fagotes del sistema Buffet tienen un calibre más estrecho y un mecanismo más simple, lo que requiere digitaciones diferentes y, a menudo, más complejas para muchas notas. Cambiar entre Heckel y Buffet, o viceversa, requiere una amplia capacitación. Instrumentos de viento de madera franceses' El tono en general exhibe una cierta cantidad de 'borde', con más calidad vocal de lo que es habitual en otros lugares, y el fagot Buffet no es una excepción. Este sonido se ha utilizado con eficacia en la escritura del fagot Buffet, pero tiene menos tendencia a mezclarse que el tono del fagot Heckel. Al igual que con todos los fagotes, el tono varía considerablemente, según el instrumento individual, la lengüeta y el intérprete. En manos de un ejecutante menor, el fagot Heckel puede sonar plano y amaderado, pero los buenos ejecutantes logran producir un tono vibrante y cantado. Por el contrario, un Buffet mal tocado puede sonar zumbido y nasal, pero los buenos jugadores logran producir un sonido cálido y expresivo.
Aunque el Reino Unido una vez favoreció el sistema francés, los instrumentos del sistema Buffet ya no se fabrican allí y el último músico británico destacado del sistema francés se retiró en la década de 1980. Sin embargo, con el uso continuado en algunas regiones y su tono distintivo, el Buffet continúa teniendo un lugar en la interpretación moderna del fagot, particularmente en Francia, donde se originó. Los fagotes modelo Buffet son fabricados actualmente en París por Buffet Crampon y el taller Ducasse (Romainville, Francia). La Selmer Company dejó de fabricar fagotes del sistema francés alrededor del año 2012. Algunos músicos, por ejemplo, el difunto Gerald Corey en Canadá, han aprendido a tocar ambos tipos y alternarán entre ellos según el repertorio.
Uso en conjuntos
Conjuntos anteriores al siglo XX
Anterior a 1760
Antes de 1760, el ancestro temprano del fagot era el dulcián. Se utilizó para reforzar la línea de bajo en conjuntos de viento llamados consortes. Sin embargo, su uso en orquestas de concierto fue esporádico hasta finales del siglo XVII, cuando las lengüetas dobles comenzaron a abrirse paso en la instrumentación estándar. El creciente uso del dulciano como instrumento de bajo continuo hizo que comenzara a incluirse en las orquestas de ópera, en obras como las de Reinhard Keizer y Jean-Baptiste Lully. Mientras tanto, a medida que el dulcián avanzaba tecnológicamente y podía lograr más virtuosismo, compositores como Joseph Bodin de Boismortier, Johann Ernst Galliard, Johann Friedrich Fasch y Georg Philipp Telemann escribieron música exigente para solistas y conjuntos para el instrumento. Antonio Vivaldi lo destacó al presentarlo en treinta y nueve conciertos.
C. 1760-1830
Si bien el fagot todavía se usaba a menudo para dar claridad a la línea de bajo debido a su registro sonoro bajo, las capacidades de los instrumentos de viento crecieron a medida que avanzaba la tecnología durante la era clásica. Esto permitió que el instrumento tocara en más tonos que el dulcián. Joseph Haydn aprovechó esto en su Sinfonía n.° 45 ("Sinfonía de despedida"), en la que el fagot toca en fa sostenido menor. Siguiendo con estos avances, los compositores también comenzaron a explotar el fagot por su color único, flexibilidad y habilidad virtuosa, en lugar de su habilidad superficial para duplicar la línea de bajo. Los que hicieron esto incluyen a Ludwig van Beethoven en sus tres Dúos para clarinete y fagot (WoO 27) para clarinete y fagot y Niccolo Paganini en sus dúos para violín y fagot. En su Concierto para fagot en si bemol mayor, K. 191, W. A. Mozart utilizó todos los aspectos de la expresividad del fagot con sus contrastes en el registro, ejecución staccato y sonido expresivo, y se destacó especialmente por su calidad de canto en el segundo movimiento Este concierto a menudo se considera una de las obras más importantes de todo el repertorio del fagot, incluso hoy en día.
La similitud del fagot con la voz humana, además de su recién descubierta habilidad virtuosa, fue otra cualidad que muchos compositores aprovecharon durante la era clásica. Después de 1730, el rango del fagot alemán aumentó hasta B♭4, y mucho más alto con el instrumento francés. Los avances tecnológicos también hicieron que el sonido del registro de tenor del fagot se volviera más resonante, y tocar en este registro creció en popularidad, especialmente en el mundo musical austro-germánico. Pedagogos como Josef Frohlich instruyeron a los estudiantes a practicar escalas, terceras y cuartas como lo harían los estudiantes de canto. En 1829, escribió que el fagot era capaz de expresar "lo digno, lo viril, lo solemne, lo grandioso, lo sublime, la compostura, la dulzura, la intimidad, la emoción, el anhelo, el corazón, la reverencia y el ardor del alma". #34; En G. F. La interpretación de Brandt del Concierto para fagot en fa mayor de Carl Maria von Weber, op. 75 (J. 127) también se asimilaba a la voz humana. En Francia, Pierre Cugnier describió que el papel del fagot abarca no solo la parte del bajo, sino también acompañar la voz y el arpa, tocar en parejas con clarinetes y trompas en Harmonie, y tocar en "casi todas tipos de musica," incluyendo concerti, que eran mucho más comunes que las sonatas de la época anterior. Tanto Cugnier como Étienne Ozi enfatizaron la importancia de la similitud del fagot con la voz cantada.
El papel del fagot en la orquesta variaba según el país. En la orquesta vienesa, el instrumento ofrecía un sonido tridimensional al conjunto al duplicar otros instrumentos como los violines, como se escucha en la obertura de Mozart para Las bodas de Fígaro, K 492. donde juega un papel bastante técnico junto con las cuerdas. También escribió para que el fagot cambiara su timbre según el instrumento con el que se emparejara; más cálida con los clarinetes, hueca con las flautas y oscura y digna con los violines. En Alemania y los países escandinavos, las orquestas normalmente presentaban solo dos fagotes. Pero en Francia, las orquestas aumentaron el número a cuatro en la segunda mitad del siglo XIX. En Inglaterra, el papel del fagot variaba según el conjunto. Johann Christian Bach escribió dos conciertos para fagot solista, y también apareció en papeles de mayor apoyo, como acompañar coros de iglesias después de que la revolución puritana destruyera la mayoría de los órganos de las iglesias. En las colonias americanas, el fagot se veía típicamente en un ambiente de cámara. Después de la Guerra Revolucionaria, se encontraron fagotistas en bandas de viento que daban actuaciones públicas. Para 1800, había al menos un fagot en la United States Marine Band. En América del Sur, el fagot también apareció en pequeñas orquestas, bandas y música militar (similar a los conjuntos Harmonie).
C. 1830-1900
El papel del fagot durante la era romántica variaba entre un papel como instrumento bajo de apoyo y un papel como instrumento virtuoso, expresivo y solista. De hecho, se consideraba un instrumento que podía usarse en casi cualquier circunstancia. La comparación del sonido del fagot con la voz humana continuó durante este tiempo, ya que gran parte de la pedagogía rodeaba la emulación de este sonido. Giuseppe Verdi usó la voz lírica y cantada del instrumento para evocar emociones en piezas como su Messa da Requiem. Eugene Jancourt comparó el uso del vibrato en el fagot con el de los cantantes, y Luigi Orselli escribió que el fagot se mezclaba bien con la voz humana. También señaló la función del fagot en la orquesta francesa de la época, que servía para apoyar el sonido de la viola, reforzar el sonido entrecortado y doblar el bajo, el clarinete, la flauta y el oboe. También se comenzó a poner énfasis en el sonido único del staccato del fagot, que podría describirse como bastante corto y agresivo, como en la Symphonie fantastique, op. 14 en el quinto movimiento. Paul Dukas utilizó el staccato para representar la imagen de dos escobas que cobran vida en El aprendiz de brujo.
Era común que hubiera solo dos fagotes en las orquestas alemanas. Las bandas militares austriacas y británicas también solo llevaban dos fagotes y se usaban principalmente para acompañamiento y ejecución poco convencional. En Francia, Héctor Berlioz también puso de moda el uso de más de dos fagotes; a menudo anotaba para tres o cuatro, y en ocasiones escribía hasta para ocho, como en su l'Impériale.
En este punto, los compositores esperaban que los fagotes fueran tan virtuosos como los otros instrumentos de viento, ya que a menudo escribían solos que desafiaban el rango y la técnica del instrumento. Ejemplos de esto incluyen el solo de fagot de Nikolai Rimsky-Korsakov y la cadencia que sigue al clarinete en Sheherazade, op. 35 y en Tannhäuser de Richard Wagner, que requería que el fagot triplicara la lengüeta y también tocara hasta lo más alto de su rango en un E5. Wagner también usó el fagot por su capacidad de staccato en su trabajo y, a menudo, escribió sus tres partes de fagot en tercios para evocar un sonido más oscuro con un tono de color notable. En Night on Bald Mountain de Modest Mussorgsky, los fagotes tocan fortissimo junto con otros instrumentos bajos para evocar "la voz del diablo".
Conjuntos de los siglos XX y XXI
En este momento, el desarrollo del fagot se hizo más lento. En lugar de dar grandes saltos en las mejoras tecnológicas, se corrigieron pequeñas imperfecciones en el funcionamiento del instrumento. El instrumento se volvió bastante versátil a lo largo del siglo XX; En este punto, el instrumento podía tocar tres octavas, una variedad de trinos diferentes y mantenía una entonación estable en todos los registros y niveles dinámicos. La pedagogía entre los fagotistas varió entre los diferentes países, por lo que el instrumento en general desempeñó una variedad de roles. Como era un tema común en épocas anteriores, los compositores valoraban el fagot por su voz única y su uso se elevaba en el tono. Un ejemplo famoso de esto es el Rito de la primavera de Igor Stravinsky, en el que el fagot debe tocar en su registro más alto para imitar el dudka ruso. Los compositores también escribieron para el registro medio del fagot, como en 'Berceuse' de Stravinsky. en El pájaro de fuego y la Sinfonía n.º 5 en mi bemol mayor, op. 82 de Jean Sibelius's. También continuaron destacando el sonido staccato del fagot, como se escucha en Humorous Scherzo de Sergei Prokofiev. En Pedro y el lobo de Sergei Prokofiev, el fagot interpreta el papel del abuelo.
En entornos orquestales, la mayoría de las orquestas desde principios del siglo XX hasta el presente tienen tres o cuatro fagotistas, y el cuarto generalmente también cubre el contrafagot. En la pedagogía del fagot comenzó a aparecer un mayor énfasis en el uso del timbre, el vibrato y el fraseo, y muchos siguieron la filosofía de Marcel Tabuteau sobre el fraseo musical. Vibrato comenzó a usarse en la interpretación de conjuntos, según el fraseo de la música. Se esperaba, y actualmente se espera, que el fagot sea fluido con otros instrumentos de viento de madera en términos de virtuosismo y técnica. Ejemplos de esto incluyen la cadencia para fagotes en la Rapsodie espagnole de Maurice Ravel y los trinos de varios dedos usados en el Octeto de Stravinsky.
En el siglo XX, el fagot era menos un solista de concierto, y cuando lo era, el conjunto que lo acompañaba se hacía más suave y silencioso. Además, ya no se usaba en bandas de música, aunque todavía existía en bandas de concierto con uno o dos de ellos. El repertorio orquestal siguió siendo en gran medida la misma tradición austrogermánica en la mayoría de los países occidentales. Apareció principalmente en escenarios solistas, de cámara y sinfónicos. A mediados de la década de 1900, la radiodifusión y la grabación crecieron en popularidad, lo que permitió nuevas oportunidades para los fagotistas y provocó un lento declive de las presentaciones en vivo. Gran parte de la nueva música para fagot de finales del siglo XX y principios del XXI, a menudo incluía técnicas extendidas y estaba escrita para solistas o de cámara. Una pieza que incluyó técnicas extendidas fue la Sequenza XII de Luciano Berio, que requería digitaciones microtonales, glissandos y trinos tímbricos. En los Concertazioni de Bruno Bartolozzi se utilizan lengüetas dobles y triples, lengüetas de aleteo, multifonía, cuartos de tono y canto. También se escribieron una variedad de conciertos y piezas para fagot y piano, como como la Five Sacred Trees de John Williams y la Sonata para fagot y piano de André Previn. También hubo "rendimiento" piezas como la Sonata Abassoonata de Peter Schickele, que requería que el fagotista fuera tanto músico como actor. El cuarteto de fagot se hizo prominente en este momento, con piezas como It Takes Four to Tango de Daniel Dorff.
Jazz
El fagot se usa con poca frecuencia como instrumento de jazz y rara vez se ve en un conjunto de jazz. Comenzó a aparecer por primera vez en la década de 1920, cuando Garvin Bushell comenzó a incorporar el fagot en sus actuaciones. Se produjeron llamadas específicas para su uso en el grupo de Paul Whiteman, los octetos inusuales de Alec Wilder y algunas otras apariciones en sesiones. En las siguientes décadas, el instrumento se usó solo esporádicamente, ya que el jazz sinfónico cayó en desgracia, pero en la década de 1960, artistas como Yusef Lateef y Chick Corea incorporaron el fagot en sus grabaciones. La instrumentación diversa y ecléctica de Lateef vio el fagot como una adición natural (ver, por ejemplo, The Centaur and the Phoenix (1960) que presenta el fagot como parte de una sección de viento de 6 hombres, incluyendo algunos solos) mientras que Corea empleó el fagot en combinación con el flautista Hubert Laws.
Más recientemente, Illinois Jacquet, Ray Pizzi, Frank Tiberi y Marshall Allen han doblado el fagot además de sus interpretaciones de saxofón. La fagotista Karen Borca, intérprete de free jazz, es una de los pocos músicos de jazz que toca solo el fagot; Michael Rabinowitz, el fagotista español Javier Abad y James Lassen, un estadounidense residente en Bergen, Noruega, son otros. Katherine Young toca el fagot en los conjuntos de Anthony Braxton. Lindsay Cooper, Paul Hanson, el fagotista brasileño Alexandre Silvério, Trent Jacobs y Daniel Smith también utilizan actualmente el fagot en el jazz. Los fagotistas franceses Jean-Jacques Decreux y Alexandre Ouzounoff han grabado jazz, explotando la flexibilidad del instrumento del sistema Buffet con buenos resultados.
Música popular
Junto con el uso de pastillas electrónicas y amplificación, el instrumento comenzó a usarse más en ambientes de jazz y rock. Sin embargo, el fagot sigue siendo bastante raro como miembro habitual de bandas de rock. Varios éxitos de la música pop de la década de 1960 incluyen el fagot, incluidos "The Tears of a Clown" de Smokey Robinson and the Miracles (el fagotista era Charles R. Sirard), "Jennifer Juniper" de Donovan, "59th Street Bridge Song" de Harpers Bizarre, y el fagot oompah que subyace en la 'Catedral de Winchester' de The New Vaudeville Band. De 1974 a 1978, Lindsay Cooper tocó el fagot en la banda de vanguardia británica Henry Cow. La canción de Leonard Nimoy 'La balada de Bilbo Bolsón' presenta el fagot. En la década de 1970, Brian Gulland la tocó en la banda británica de rock medieval / progresivo Gryphon, así como en la banda estadounidense Ambrosia, donde la tocó el baterista Burleigh Drummond. La banda belga de Rock in Opposition Univers Zero también es conocida por su uso del fagot.
Más recientemente, el álbum Hidden de These New Puritans de 2010 hace un uso intensivo del instrumento en todo momento; su principal compositor, Jack Barnett, afirmaba repetidamente que estaba "escribiendo mucha música para fagot" en el período previo a su grabación. La banda de rock Better Than Ezra tomó su nombre de un pasaje de A Moveable Feast de Ernest Hemingway en el que el autor comenta que escuchar a una persona irritantemente parlanchina sigue siendo "mejor que Ezra". aprendiendo a tocar el fagot", refiriéndose a Ezra Pound.
La banda británica de rock psicodélico/progresivo Knifeworld presenta el fagot de Chloe Herrington, quien también toca para la orquesta de rock de cámara experimental Chrome Hoof.
Fiona Apple presentó el fagot en la pista de apertura de su álbum de 2004 Extraordinary Machine.
En 2016, el fagot apareció en el álbum Gang Signs and Prayers de UK ”grime" artista Stormzy. Interpretado por la fagotista británica Louise Watson, el fagot se escucha en las pistas "Cold" y "Sr. Skeng" como complemento a las líneas de bajo de sintetizador electrónico que se encuentran típicamente en este género.
Técnica
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El fagot se sostiene en diagonal frente al ejecutante, pero a diferencia de la flauta, el oboe y el clarinete, no puede sostenerse fácilmente con las manos del ejecutante. Por lo general, se requiere algún medio de apoyo adicional; los más comunes son una correa de asiento unida a la base de la articulación de la bota, que se coloca sobre el asiento de la silla antes de sentarse, o una correa para el cuello o un arnés para los hombros sujeto a la parte superior de la articulación de la bota. De vez en cuando, una punta similar a las que se usan para el violonchelo o el clarinete bajo se une a la parte inferior de la articulación de la bota y descansa en el piso. Es posible jugar de pie si el jugador usa una correa para el cuello o un arnés similar, o si la correa del asiento está atada al cinturón. A veces, se usa un dispositivo llamado gancho de equilibrio cuando se juega de pie. Este se instala entre el instrumento y la correa para el cuello, y desplaza el punto de apoyo más cerca del centro de gravedad, ajustando la distribución del peso entre las dos manos.
El fagot se toca con ambas manos en una posición estacionaria, la izquierda sobre la derecha, con cinco orificios principales para los dedos en la parte delantera del instrumento (más cerca de la audiencia) más un sexto que se activa con una tecla abierta. Cinco teclas adicionales en el frente son controladas por los dedos meñiques de cada mano. La parte posterior del instrumento (la más cercana al jugador) tiene doce o más teclas que se controlan con los pulgares, y el número exacto varía según el modelo.
Para estabilizar la mano derecha, muchos fagotistas usan un aparato ajustable en forma de coma llamado "muleta", o reposamanos, que se monta en la articulación de la bota. La muleta se asegura con un tornillo de mariposa, que también permite ajustar la distancia que sobresale del fagot. Los jugadores descansan la curva de la mano derecha donde el pulgar se une con la palma contra la muleta. La muleta también evita que la mano derecha se canse y permite que el jugador mantenga las yemas de los dedos planas sobre los orificios para los dedos y las teclas.
Un aspecto de la técnica del fagot que no se encuentra en ningún otro instrumento de viento de madera se llama movimiento rápido. Se trata de que el pulgar de la mano izquierda presione momentáneamente o "sacuda" las teclas altas A, C y D al comienzo de ciertas notas en la octava media para lograr una ligadura limpia de una nota más baja. Esto elimina el agrietamiento o multifónicos breves que ocurren sin el uso de esta técnica. El método alternativo es la "ventilación", que requiere que la tecla de registro se use como parte de la digitación completa en lugar de estar abierta momentáneamente al comienzo de la nota. Esto a veces se llama el "estilo europeo"; la ventilación eleva ligeramente la entonación de las notas, y puede ser ventajoso al sintonizar frecuencias más altas. Algunos fagotistas tocan A y B♭ cuando se habla con la lengua, para claridad de articulación, pero el chasquido (o ventilación) es prácticamente omnipresente para las ligaduras.
Mientras que el movimiento rápido se usa para arrastrar las notas más altas, la tecla de susurro se usa para las notas más bajas. De la A♭ justo debajo C medio y más bajo, la tecla de susurro se presiona con el pulgar izquierdo y se mantiene presionada durante la nota. Esto evita el agrietamiento, ya que las notas bajas a veces pueden romperse en una octava más alta. Tanto el movimiento rápido como el uso de la tecla de susurro son especialmente importantes para garantizar que las notas se hablen correctamente durante la ligadura entre registros altos y bajos.
Si bien los fagotes suelen estar críticamente afinados en la fábrica, el ejecutante tiene un alto grado de flexibilidad en el control del tono mediante el uso de soporte de respiración, embocadura y perfil de lengüeta. Los jugadores también pueden usar digitaciones alternas para ajustar el tono de muchas notas. Al igual que con otros instrumentos de viento de madera, la longitud del fagot se puede aumentar para bajar el tono o disminuir para subir el tono. En el fagot, esto se hace preferiblemente cambiando la bocal a una de diferente longitud (las longitudes se indican con un número en la bocal, generalmente comenzando en 0 para la longitud más corta y 3 para la más larga, pero hay algunos fabricantes). quien usará otros números) pero es posible empujar la boca hacia adentro o hacia afuera ligeramente para ajustar bruscamente el tono.
Embocadura y producción de sonido
La embocadura del fagot es un aspecto muy importante para producir un sonido completo, redondo y rico en el instrumento. Ambos labios se enrollan sobre los dientes, a menudo con el labio superior más adelante en una "sobremordida". Los labios ejercen una presión micromuscular sobre toda la circunferencia de la lengüeta, que controla en gran medida la entonación y la excitación armónica y, por lo tanto, debe modularse constantemente con cada cambio de nota. La distancia a lo largo de la lengüeta que se colocan los labios afecta tanto el tono (con menos lengüeta en la boca haciendo que el sonido sea más agudo o "aflautado", y más lengüeta lo hace suave y menos proyectil) y la forma en que la lengüeta responder a la presión.
La musculatura empleada en la embocadura de un fagot está principalmente alrededor de los labios, que presionan la lengüeta en las formas necesarias para el sonido deseado. La mandíbula se eleva o se baja para ajustar la cavidad oral para un mejor control de la lengüeta, pero los músculos de la mandíbula se usan mucho menos para la presión vertical hacia arriba que en las lengüetas individuales, y solo se emplean sustancialmente en el registro muy alto. Sin embargo, los estudiantes de caña doble a menudo "muerden" la lengüeta con estos músculos porque el control y el tono de los músculos labiales y otros aún se están desarrollando, pero esto generalmente hace que el sonido sea agudo y "ahogado" mientras contrae la abertura de la caña y ahoga la vibración de sus hojas.
Además de la embocadura propiamente dicha, los estudiantes también deben desarrollar un tono muscular sustancial y control en el diafragma, la garganta, el cuello y la parte superior del pecho, que se emplean para aumentar y dirigir la presión del aire. La presión del aire es un aspecto muy importante del tono, la entonación y la proyección de los instrumentos de doble lengüeta, afectando estas cualidades tanto o más que la embocadura.
Atacar una nota en el fagot con cantidades imprecisas de músculo o presión de aire para el tono deseado dará como resultado una entonación deficiente, crujidos o multifónicos, lo que producirá accidentalmente el parcial incorrecto o la lengüeta no hablará en absoluto. Estos problemas se ven agravados por las cualidades individuales de las cañas, cuyo comportamiento es categóricamente inconsistente por razones inherentes y inherentes.
Los requisitos musculares y la variabilidad de las lengüetas significan que los fagotistas (y oboístas) tardan un tiempo en desarrollar una embocadura que muestre un control constante en todas las lengüetas, dinámicas y entornos de interpretación.
Digitación moderna
La técnica de digitación del fagot varía más entre los intérpretes, por un amplio margen, que la de cualquier otro instrumento de viento de madera orquestal. El mecanismo complejo y la acústica hacen que el fagot carezca de digitaciones simples de buena calidad de sonido o entonación para algunas notas (especialmente en el rango más alto), pero, por el contrario, existe una gran variedad de digitaciones superiores, pero generalmente más complicadas para ellos. Por lo general, las digitaciones más simples para tales notas se usan como digitaciones alternas o de trino, y el fagotista las usará como "digitaciones completas" una o varias de las ejecuciones más complejas posibles, para una calidad de sonido óptima. Las digitaciones utilizadas quedan a discreción del fagotista y, para pasajes particulares, él o ella pueden experimentar para encontrar nuevas digitaciones alternativas que sean así idiomáticas para el ejecutante.
Estos elementos han resultado en "completos" y digitaciones alternativas que difieren ampliamente entre los fagotistas, y se basan además en factores como la diferencia cultural en el sonido que se busca, cómo se fabrican las lengüetas y la variación regional en las frecuencias de afinación (que requieren digitaciones más agudas o más planas). Los enclaves regionales de fagotistas tienden a tener cierta uniformidad en la técnica, pero a escala global, la técnica difiere de tal manera que dos fagotistas pueden no compartir digitaciones para ciertas notas. Debido a estos factores, la técnica omnipresente del fagot solo puede anotarse parcialmente.
El pulgar izquierdo opera nueve teclas: B♭1, B1, C2, D2, D5 , C5 (también B4), dos teclas cuando se combinan crean A4, y la tecla de susurro. La tecla de susurro debe mantenerse presionada para notas entre F2 y G♯3 y algunas otras notas; se puede omitir, pero el tono se desestabilizará. Se pueden crear notas adicionales con las teclas del pulgar izquierdo; el D2 y la tecla inferior sobre la tecla de susurro en la articulación del tenor (C♯ key) juntos crean ambos C ♯3 y C♯4. También se usa la misma tonalidad inferior de la articulación del tenor, con digitación adicional, para crear E5 y F5. D5 y C5 juntos crean C♯5. Cuando las dos teclas de la articulación tenor para crear A4 se utilizan con una digitación ligeramente alterada en la articulación de la bota, B♭4 se crea. La tecla de susurro también se puede usar en ciertos puntos a lo largo del registro alto del instrumento, junto con otras digitaciones, para alterar la calidad del sonido según se desee.
El pulgar derecho opera cuatro teclas. La tecla superior se usa para producir B♭2 y B♭ 3, y puede usarse en B4,F♯4, C5, D5, F5 y E♭5. La tecla circular grande, también conocida como "tecla de panqueque", se mantiene presionada para todas las notas más bajas desde E2 hasta B♭1. También se usa, como la tecla de susurro, en digitaciones adicionales para silenciar el sonido. Por ejemplo, en "Boléro" de Ravel, se le pide al fagot que toque el ostinato en G4. Esto es fácil de realizar con la digitación normal para G4, pero Ravel indica que el jugador también debe presionar la tecla E2 (tecla de panqueque) para silenciar el sonido (esto está escrito con el sistema Buffet en mente; la digitación G involucra la tecla Bb, a veces llamada G "francesa" en Heckel). La siguiente tecla operada con el pulgar derecho se conoce como "tecla de espátula": su uso principal es producir F♯2 y F♯3. La clave inferior se usa con menos frecuencia: se usa para producir A ♭2 (G♯2) y A♭3 (G♯3), de manera que evite deslizar el dedo anular derecho de otra nota.
Los cuatro dedos de la mano izquierda se pueden usar en dos posiciones diferentes. La tecla que normalmente se maneja con el dedo índice se usa principalmente para E5, sirviendo también para trinos en el registro inferior. Su asignación principal es el agujero de tono superior. Este orificio se puede cerrar total o parcialmente deslizando el dedo hacia abajo. Esta técnica de semihueco se utiliza para exagerar F♯3, G3 y G♯3. El dedo medio generalmente permanece en el orificio central de la articulación del tenor. También se puede mover a una palanca utilizada para E♭5, también una tecla de trino. El dedo anular opera, en la mayoría de los modelos, una tecla. Algunos fagotes tienen una E♭ clave sobre el agujero de tono, predominantemente para trinos, pero muchos no lo hacen. El dedo más pequeño opera dos teclas laterales en la articulación del bajo. La tecla inferior se usa normalmente para C♯2, pero se puede usar para silenciar o aplanar notas en el registro tenor. La tecla superior se usa para E♭2, E4, F4, F♯4, A4, B♭4, B4, C5, C♯5, y D5; aplana G3 y es la digitación estándar en muchos lugares que se afinan a niveles más bajos de Hertz, como A440.
Los cuatro dedos de la mano derecha tienen al menos una asignación cada uno. El dedo índice permanece sobre un orificio, excepto cuando E♭5 se utiliza una tecla lateral en la parte superior de la bota (esta tecla también proporciona un C♯3 trino, aunque agudo en D). El dedo medio permanece inmóvil sobre el agujero con un anillo alrededor, y este anillo y otras almohadillas se levantan cuando el dedo meñique de la mano derecha empuja una palanca. El dedo anular generalmente permanece estacionario en la tecla inferior del dedo anular. Sin embargo, se puede usar la tecla superior del dedo anular, normalmente para B♭2 y B♭3, en lugar de la tecla de pulgar superior en la parte delantera de la articulación de la bota; esta clave viene del oboe, y algunos fagotes no la tienen porque la digitación del pulgar es prácticamente universal. El dedo más pequeño opera tres teclas. El último, el más cercano al fagotista, se mantiene presionado durante la mayor parte del registro de bajo. F♯4 se pueden crear con esta clave, así como G4, B♭4, B4 y C5 (los tres últimos empleándolo únicamente para aplanar y estabilizar el tono). La tecla más baja para el dedo más pequeño de la mano derecha se usa principalmente para A♭2 (G♯2) y A♭3 (G♯3) pero puede usarse para mejorar D5, E♭5 y F5. La tecla frontal se usa, además de la tecla de pulgar, para crear G♭2 y G♭3; en muchos fagotes, esta tecla opera un orificio de tono diferente a la tecla del pulgar y produce un F ligeramente más plano ♯ ("F duplicado♯"); algunas técnicas usan una como estándar para ambas octavas y la otra para la utilidad, pero otras usan la tecla del pulgar para la parte inferior y el cuarto dedo para la superior.
Técnicas extendidas
Se pueden realizar muchas técnicas extendidas en el fagot, como multifónicos, lengua de aleteo, respiración circular, lengua doble y armónicos. En el caso del fagot, el aleteo de la lengua puede lograrse mediante "gargarismos" en la parte posterior de la garganta, así como por el método convencional de rodar Rs. Los multifónicos en el fagot son abundantes y se pueden lograr mediante el uso de digitaciones alternativas particulares, pero generalmente están muy influenciados por la posición de la embocadura. Además, nuevamente usando ciertas digitaciones, se pueden producir notas en el instrumento que suenen tonos más bajos que el rango real del instrumento. Estas notas tienden a sonar muy ásperas y desafinadas, pero técnicamente suenan por debajo del B♭.
El fagotista también puede producir notas más graves que el B inferior ♭ extendiendo la longitud de la campana. Esto se puede lograr mediante la inserción de una "extensión A baja" en la campana, pero también se puede lograr con un pequeño tubo de papel o goma o una campana de clarinete/cor anglais colocada dentro de la campana del fagot (aunque la nota puede tender a ser aguda). El efecto de esto es convertir la B inferior♭ en una nota más baja, casi siempre A natural; esto reduce ampliamente el tono del instrumento (más notablemente en el registro más bajo) y, en consecuencia, a menudo convertirá el B más bajo en B♭ (y hacer que la C vecina sea muy plana). La idea de usar A bajo fue iniciada por Richard Wagner, quien quería ampliar el rango del fagot. Muchos pasajes de sus últimas óperas requieren el la bajo y el si bemol inmediatamente encima; esto es posible en un fagot normal usando una extensión que también aplana el si bajo a si ♭, pero todas las extensiones de la campana tienen efectos significativos en la entonación y la calidad del sonido en el registro inferior del instrumento, y pasajes como este son más a menudo interpretados con relativa facilidad por el contrafagot.
Algunos fagotes se han fabricado especialmente para permitir a los fagotistas realizar pasajes similares. Estos fagotes están hechos con una campana de "Wagner" que es una campana extendida con una llave tanto para la baja como para la baja en si bemol, pero no están muy extendidas; Los fagotes con campanas de Wagner sufren problemas de entonación similares a los de un fagot con una extensión A ordinaria, y un fagot debe construirse específicamente para acomodar uno, lo que hace que la opción de extensión sea mucho menos complicada. Extender el rango del fagot incluso más bajo que el A, aunque es posible, tendría efectos aún más fuertes en el tono y haría que el instrumento fuera efectivamente inutilizable.
A pesar de las dificultades logísticas de la nota, Wagner no fue el único compositor que escribió el La bajo. Otro compositor que ha requerido que el fagot sea cromático hasta el La bajo es Gustav Mahler. Richard Strauss también pide el La bajo en su ópera Intermezzo. Algunas obras tienen La bajos opcionales, como en Wind Quintet de Carl Nielsen, op. 43, que incluye un La bajo opcional para la cadencia final de la obra.
Aprender el fagot
La digitación complicada y el problema de las lengüetas hacen que el fagot sea más difícil de aprender que algunos de los otros instrumentos de viento de madera. El costo es otro factor importante en la decisión de una persona de dedicarse al fagot. Los precios oscilan entre los 7.000 dólares estadounidenses y más de 45.000 dólares por un instrumento de buena calidad. En América del Norte, los niños en edad escolar normalmente toman el fagot solo después de comenzar con otro instrumento de lengüeta, como el clarinete o el saxofón.
Los estudiantes en Estados Unidos a menudo comienzan a estudiar la interpretación y la técnica del fagot en los años intermedios de su educación musical. Los estudiantes a menudo reciben un instrumento escolar y se les anima a seguir lecciones con instructores privados. Los estudiantes generalmente reciben instrucción en la postura adecuada, la posición de las manos, la embocadura y la producción de tonos.
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