Expresionismo abstracto
El expresionismo abstracto es un movimiento artístico posterior a la Segunda Guerra Mundial en la pintura estadounidense, desarrollado en la ciudad de Nueva York en la década de 1940. Fue el primer movimiento específicamente estadounidense en lograr una influencia internacional y colocar a Nueva York en el centro del mundo del arte occidental, un papel que antes ocupaba París.
Aunque el término "expresionismo abstracto" fue aplicado por primera vez al arte estadounidense en 1946 por el crítico de arte Robert Coates, había sido utilizado por primera vez en Alemania en 1919 en la revista Der Sturm, sobre el expresionismo alemán. En Estados Unidos, Alfred Barr fue el primero en utilizar este término en 1929 en relación con las obras de Wassily Kandinsky.
Estilo
Técnicamente, un predecesor importante es el surrealismo, con su énfasis en la creación espontánea, automática o subconsciente. El goteo de pintura de Jackson Pollock sobre un lienzo colocado en el suelo es una técnica que tiene sus raíces en el trabajo de André Masson, Max Ernst y David Alfaro Siqueiros. La investigación más reciente tiende a colocar al surrealista exiliado Wolfgang Paalen en la posición del artista y teórico que fomentó la teoría del espacio de posibilidad dependiente del espectador a través de sus pinturas y su revista DYN. Paalen consideró las ideas de la mecánica cuántica, así como las interpretaciones idiosincrásicas de la visión totémica y la estructura espacial de la pintura india nativa de la Columbia Británica y preparó el terreno para la nueva visión espacial de los jóvenes abstractos estadounidenses. Su largo ensayo Totem Art (1943) tuvo una influencia considerable en artistas como Martha Graham, Isamu Noguchi, Pollock, Mark Rothko y Barnett Newman. Alrededor de 1944, Barnett Newman trató de explicar el movimiento artístico más nuevo de Estados Unidos e incluyó una lista de "los hombres en el nuevo movimiento". Paalen se menciona dos veces; otros artistas mencionados son Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorky y otros. Robert Motherwell se menciona con un signo de interrogación. Otra importante manifestación temprana de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es el trabajo del artista del noroeste estadounidense Mark Tobey, especialmente su "escritura blanca" lienzos que, aunque generalmente no son de gran escala, anticipan el "all-over" mirada de las pinturas de goteo de Pollock.
El nombre del movimiento se deriva de la combinación de la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas como el futurismo, la Bauhaus y el cubismo sintético. Además, tiene una imagen de ser rebelde, anárquico, muy idiosincrásico y, algunos se sienten, nihilista. En la práctica, el término se aplica a una gran cantidad de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York y que tienen estilos bastante diferentes, e incluso a obras que no son ni especialmente abstractas ni expresionistas. El expresionista abstracto californiano Jay Meuser, que típicamente pintaba en un estilo no objetivo, escribió sobre su pintura Mare Nostrum: "Es mucho mejor capturar el glorioso espíritu del mar que pintar todo de sus diminutas ondas." Las enérgicas "pinturas de acción" de Pollock, con sus personajes "ocupados" sienten, son diferentes, tanto técnica como estéticamente, de la violenta y grotesca serie Mujeres de las pinturas figurativas de Willem de Kooning y los rectángulos de color en las pinturas Color Field de Rothko (que no son lo que normalmente se llamaría expresionista, y que Rothko negó que fueran abstractos). Sin embargo, los cuatro artistas están clasificados como expresionistas abstractos.
El expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo XX, como Wassily Kandinsky. Si bien es cierto que la espontaneidad o la impresión de espontaneidad caracterizó a muchos de los expresionistas abstractos' obras, la mayoría de estas pinturas supusieron una cuidadosa planificación, sobre todo porque su gran tamaño lo exigía. Con artistas como Paul Klee, Kandinsky, Emma Kunz y, más tarde, Rothko, Newman y Agnes Martin, el arte abstracto implicaba claramente la expresión de ideas sobre lo espiritual, lo inconsciente y la mente.
La razón por la que este estilo obtuvo la aceptación generalizada en la década de 1950 es un tema de debate. El realismo social estadounidense había sido la corriente principal en la década de 1930. Había sido influenciado no solo por la Gran Depresión, sino también por los muralistas mexicanos como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera. El clima político posterior a la Segunda Guerra Mundial no toleró mucho tiempo las protestas sociales de estos pintores. El expresionismo abstracto surge durante la guerra y comienza a exhibirse a principios de los años cuarenta en galerías de Nueva York como The Art of This Century Gallery. La era McCarthy de la posguerra fue una época de censura artística en los Estados Unidos, pero si el tema fuera totalmente abstracto, se consideraría apolítico y, por lo tanto, seguro. O si el arte era político, el mensaje era en gran parte para los de adentro.
Si bien el movimiento está estrechamente relacionado con la pintura, la collagista Anne Ryan y ciertos escultores en particular también fueron parte integral del expresionismo abstracto. David Smith y su esposa Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois y Louise Nevelson en particular fueron algunos de los escultores considerados como miembros importantes de la movimienot. Además, los artistas David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero y los escultores Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian e incluso Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell y muchos otros fueron parte integral de el movimiento expresionista abstracto. Muchos de los escultores enumerados participaron en el Ninth Street Show, una famosa exposición comisariada por Leo Castelli en East Ninth Street en la ciudad de Nueva York en 1951. Además de los pintores y escultores de la época, la Escuela de expresionismo abstracto de Nueva York también generó una serie de poetas solidarios, incluidos Frank O'Hara y fotógrafos como Aaron Siskind y Fred McDarrah, (cuyo libro The Artist's World in Pictures documentó la Escuela de Nueva York durante la década de 1950), y cineastas, en particular Robert Frank, también.
Aunque la escuela expresionista abstracta se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los epicentros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y el área de la Bahía de San Francisco en California.
Críticos de arte de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial
En un momento determinado el lienzo comenzó a aparecer a un pintor americano tras otro como una arena en la que actuar. Lo que iba a ir en el lienzo no era una imagen sino un evento.
—Harold Rosenberg
En la década de 1940, no solo había pocas galerías (The Art of This Century, Pierre Matisse Gallery, Julien Levy Gallery y algunas otras), sino también pocos críticos dispuestos a seguir el trabajo de New York Vanguard. También hubo algunos artistas con formación literaria, entre ellos Robert Motherwell y Barnett Newman, que también actuaron como críticos.
Si bien la vanguardia de Nueva York aún era relativamente desconocida a fines de la década de 1940, la mayoría de los artistas que se han convertido en nombres familiares en la actualidad tenían sus críticos mecenas bien establecidos: Clement Greenberg abogó por Jackson Pollock y los pintores del campo del color como Clyfford Still., Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y Hans Hofmann; Harold Rosenberg parecía preferir los pintores de acción como Willem de Kooning y Franz Kline, así como las pinturas seminales de Arshile Gorky; Thomas B. Hess, editor gerente de ARTnews, defendió a Willem de Kooning.
Los nuevos críticos elevaron a sus protegidos eligiendo a otros artistas como "seguidores" o ignorando a aquellos que no sirvieron a su objetivo promocional.
En 1958, Mark Tobey se convirtió en el primer pintor estadounidense desde Whistler (1895) en ganar el primer premio en la Bienal de Venecia.
Barnett Newman, miembro fallecido de Uptown Group, escribió prólogos y reseñas de catálogos y, a fines de la década de 1940, se convirtió en artista expositor en la Galería Betty Parsons. Su primera exposición individual fue en 1948. Poco después de su primera exposición, Barnett Newman comentó en uno de los Artists' Sesiones en Studio 35: "Estamos en el proceso de hacer el mundo, hasta cierto punto, a nuestra propia imagen." Utilizando sus habilidades de escritura, Newman luchó en cada paso del camino para reforzar su imagen recién establecida como artista y promover su trabajo. Un ejemplo es su carta del 9 de abril de 1955, 'Carta a Sidney Janis: — es cierto que Rothko habla del luchador. Lucha, sin embargo, para someterse al mundo filisteo. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el rechazo total de la misma."
Extrañamente, la persona que se cree que tuvo más que ver con la promoción de este estilo fue un trotskista de Nueva York: Clement Greenberg. Como crítico de arte durante mucho tiempo para Partisan Review y The Nation, se convirtió en uno de los primeros defensores letrados del expresionismo abstracto. El adinerado artista Robert Motherwell se unió a Greenberg para promover un estilo que encajara con el clima político y la rebeldía intelectual de la época.
Greenberg proclamó el expresionismo abstracto y Pollock en particular como el epítome del valor estético. Apoyó el trabajo de Pollock en términos formalistas como simplemente la mejor pintura de su época y la culminación de una tradición artística que se remonta al cubismo y Cézanne a Monet, en la que la pintura se volvió cada vez más "más pura" y más concentrada en lo 'esencial' a éste, la realización de marcas sobre una superficie plana.
El trabajo de Pollock siempre ha polarizado a los críticos. Rosenberg habló de la transformación de la pintura en un drama existencial en la obra de Pollock, en la que "lo que iba a ir sobre el lienzo no era un cuadro sino un evento". "El gran momento llegó cuando se decidió pintar 'solo por pintar'. El gesto en el lienzo fue un gesto de liberación del valor: político, estético, moral."
Uno de los críticos más vocales del expresionismo abstracto en ese momento fue el crítico de arte de The New York Times John Canaday. Meyer Schapiro y Leo Steinberg junto con Greenberg y Rosenberg fueron importantes historiadores del arte de la era de la posguerra que expresaron su apoyo al expresionismo abstracto. Desde principios hasta mediados de los años sesenta, los críticos de arte más jóvenes Michael Fried, Rosalind Krauss y Robert Hughes agregaron ideas considerables a la dialéctica crítica que continúa creciendo en torno al expresionismo abstracto.
Historia
Segunda Guerra Mundial y posguerra
Durante el período previo a la Segunda Guerra Mundial y durante la misma, los artistas, escritores y poetas modernistas, así como importantes coleccionistas y comerciantes, huyeron de Europa y del ataque de los nazis en busca de un refugio seguro en los Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron perecieron. Entre los artistas y coleccionistas que llegaron a Nueva York durante la guerra (algunos con la ayuda de Varian Fry) estaban Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger y Piet Mondrian. Algunos artistas, en particular Picasso, Matisse y Pierre Bonnard, permanecieron en Francia y sobrevivieron.
El período de la posguerra dejó a las capitales de Europa convulsas, con la urgencia de reconstruir económica y físicamente y de reagruparse políticamente. En París, anteriormente el centro de la cultura europea y la capital del mundo del arte, el clima para el arte era un desastre, y Nueva York reemplazó a París como el nuevo centro del mundo del arte. La Europa de la posguerra vio la continuación del surrealismo, el cubismo, el dadaísmo y las obras de Matisse. También en Europa, el art brut y la abstracción lírica o tachismo (el equivalente europeo del expresionismo abstracto) se apoderaron de la nueva generación. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages y Jean Messagier, entre otros, son considerados figuras importantes de la pintura europea de posguerra. En los Estados Unidos, una nueva generación de artistas estadounidenses comenzó a surgir y a dominar el escenario mundial, y se les llamó Expresionistas abstractos.
Gorki, Hofmann y Graham
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York marcó el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinó las lecciones aprendidas de Matisse, Picasso, el surrealismo, Miró, el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de grandes maestros en Estados Unidos, como Hans Hofmann de Alemania y John D. Graham de Ucrania. La influencia de Graham en el arte estadounidense a principios de la década de 1940 fue particularmente visible en el trabajo de Gorky, de Kooning, Pollock y Richard Pousette-Dart, entre otros. Las contribuciones de Gorky al arte estadounidense y mundial son difíciles de sobrestimar. Su obra como abstracción lírica fue un "nuevo lenguaje. Él "iluminó el camino para dos generaciones de artistas estadounidenses". La espontaneidad pictórica de obras maduras como The Liver is the Cock's Comb, The Betrothal II y One Year the Milkweed inmediatamente prefiguró el expresionismo abstracto, y los líderes de la Escuela de Nueva York han reconocido la considerable influencia de Gorky. Los primeros trabajos de Hyman Bloom también fueron influyentes. Los artistas estadounidenses también se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo André Breton, la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim The Art of This Century, entre otros factores.. Hans Hofmann, en particular, como maestro, mentor y artista, fue importante e influyente para el desarrollo y el éxito del expresionismo abstracto en los Estados Unidos. Entre los protegidos de Hofmann estaba Clement Greenberg, quien se convirtió en una voz enormemente influyente para la pintura estadounidense, y entre sus alumnos estaba Lee Krasner, quien presentó a su maestro, Hofmann, a su esposo, Jackson Pollock.
Influencias de Pollock y Abstract
A fines de la década de 1940, el enfoque radical de la pintura de Jackson Pollock revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte misma. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Picasso cerca del cambio de siglo a través del cubismo y la escultura construida, con influencias tan dispares como las pinturas de arena de los navajos, el surrealismo, el análisis junguiano y el arte mural mexicano, Pollock redefinió lo que era producir arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y el convencionalismo fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock: la colocación de un lienzo en bruto sin estirar en el piso donde podría ser atacado desde los cuatro lados usando materiales de artista e industriales; madejas lineales de pintura goteadas y lanzadas; dibujar, teñir, cepillar; imaginería y no imaginería— esencialmente llevó la creación de arte más allá de cualquier límite anterior. El expresionismo abstracto en general amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades que tenían los artistas para la creación de nuevas obras de arte.
Los otros expresionistas abstractos siguieron el avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos y otros abrieron las compuertas a la diversidad. y alcance de todo el arte que les siguió. Los movimientos antiformalistas radicales de las décadas de 1960 y 1970, incluidos Fluxus, Neo-Dada, el arte conceptual y el movimiento de arte feminista, se remontan a las innovaciones del expresionismo abstracto. Sin embargo, las relecturas del arte abstracto realizadas por historiadoras del arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock y Catherine de Zegher muestran de manera crítica que las mujeres artistas pioneras que produjeron grandes innovaciones en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de su historia, pero finalmente comenzó a lograr un reconocimiento largamente retrasado a raíz del movimiento expresionista abstracto de las décadas de 1940 y 1950. El expresionismo abstracto surgió como un movimiento artístico importante en la ciudad de Nueva York durante la década de 1950 y, a partir de entonces, varias galerías de arte líderes comenzaron a incluir a los expresionistas abstractos en exposiciones y como habituales en sus listas. Algunos de esos destacados 'uptown' galerías incluidas: la Galería Charles Egan, la Galería Sidney Janis, la Galería Betty Parsons, la Galería Kootz, la Galería Tibor de Nagy, la Galería Stable, la Galería Leo Castelli y otras; y varias galerías del centro conocidas en ese momento como las galerías Tenth Street exhibieron a muchos artistas jóvenes emergentes que trabajaban en la vena expresionista abstracta.
Pintura de acción
La pintura de acción fue un estilo generalizado desde la década de 1940 hasta principios de la década de 1960 y está estrechamente asociada con el expresionismo abstracto (algunos críticos han usado los términos pintura de acción y expresionismo abstracto de manera intercambiable). A menudo se establece una comparación entre la pintura de acción estadounidense y el tachismo francés.
El término fue acuñado por el crítico estadounidense Harold Rosenberg en 1952 y marcó un cambio importante en la perspectiva estética de los pintores y críticos de la Escuela de Nueva York. Según Rosenberg, el lienzo era "un escenario en el que actuar". Si bien los expresionistas abstractos como Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning habían expresado abiertamente durante mucho tiempo su visión de la pintura como un escenario en el que aceptar el acto de creación, críticos anteriores simpatizantes de su causa, como Clement Greenberg, enfocados en sus obras' "objetividad." Para Greenberg, era la fisicalidad de las pinturas' superficies coaguladas y aceitosas esa fue la clave para entenderlas como documentos de los artistas' lucha existencial.
La crítica de Rosenberg cambió el énfasis del objeto a la lucha misma, siendo la pintura terminada solo la manifestación física, una especie de residuo, de la obra de arte real, que estaba en el acto o proceso de la creación de la pintura. Esta actividad espontánea fue la "acción" del pintor, a través del movimiento de brazos y muñecas, gestos pictóricos, pinceladas, pintura arrojada, salpicada, manchada, desparramada y goteada. El pintor a veces dejaba que la pintura goteara sobre el lienzo, mientras bailaba rítmicamente, o incluso se paraba en el lienzo, a veces dejando que la pintura cayera de acuerdo con la mente subconsciente, dejando así que la parte inconsciente de la psique se afirmara y se expresara. Todo esto, sin embargo, es difícil de explicar o interpretar porque es una supuesta manifestación inconsciente del acto de pura creación.
En la práctica, el término expresionismo abstracto se aplica a una gran cantidad de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York y que tienen estilos bastante diferentes, e incluso se aplica a trabajos que no son especialmente abstractos ni expresionistas. Las enérgicas pinturas de acción de Pollock, con su estilo "ocupado" sienten, son diferentes, tanto técnica como estéticamente, a la violenta y grotesca serie Mujeres de De Kooning. Woman V es una de una serie de seis pinturas realizadas por de Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos de largo. Comenzó la primera de estas pinturas, Mujer I, en junio de 1950, cambiando y pintando repetidamente la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar. El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura en el estudio de De Kooning poco después y animó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning fue comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema; Mujer II, Mujer III y Mujer IV. Durante el verano de 1952, que pasó en East Hampton, de Kooning siguió explorando el tema a través de dibujos y pasteles. Es posible que haya terminado de trabajar en Woman I a fines de junio, o posiblemente hasta noviembre de 1952, y probablemente las otras tres imágenes de mujeres se terminaron casi al mismo tiempo. La serie Mujer son pinturas decididamente figurativas.
Otro artista importante es Franz Kline. Al igual que con Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, Kline fue etiquetado como un "pintor de acción". por su estilo aparentemente espontáneo e intenso, que se centra menos o nada en las figuras o la imaginería, sino en las propias pinceladas y el uso del lienzo; como lo demuestra su cuadro Número 2 (1954).
La escritura automática fue un vehículo importante para los pintores de acción como Kline (en sus pinturas en blanco y negro), Pollock, Mark Tobey y Cy Twombly, quienes utilizaron gestos, superficies y líneas para crear símbolos lineales caligráficos y madejas que se asemejan a lenguaje, y resuenan como poderosas manifestaciones del inconsciente colectivo. Robert Motherwell en su serie Elegía a la República Española pintó poderosas pinturas en blanco y negro utilizando el gesto, la superficie y el símbolo que evocan poderosas cargas emocionales.
Mientras tanto, otros pintores de acción, en particular de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell y James Brooks, utilizaron imágenes a través de paisajes abstractos o como visiones expresionistas de la figura para articular sus evocaciones muy personales y poderosas. James Brooks' Las pinturas fueron particularmente poéticas y muy proféticas en relación con la abstracción lírica que se hizo prominente a fines de los años sesenta y setenta.
Campo de colores
Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y los serenos y brillantes bloques de color en el trabajo de Mark Rothko (que no es lo que normalmente se llamaría expresionista y que Rothko negó que fuera abstracto), se clasifican como expresionistas abstractos. aunque de lo que Clement Greenberg denominó la dirección del campo de color del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell pueden describirse cómodamente como practicantes de la pintura de acción y la pintura de campo de color. En la década de 1940, las imágenes estrechamente construidas de Richard Pousette-Dart a menudo dependían de temas de mitología y misticismo; al igual que las pinturas de Gottlieb y Pollock en esa década también.
La pintura Color Field inicialmente se refería a un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente el trabajo de Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt y varias series de pinturas de Joan Miró. Greenberg percibió la pintura de campo de color como relacionada pero diferente de la pintura de acción. Los pintores de Color Field buscaron librar a su arte de la retórica superflua. Artistas como Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey y, especialmente, Ad Reinhardt y Barnett Newman, cuya obra maestra Vir heroicus sublimis se encuentra en la colección del MoMA, utilizaron redujeron mucho las referencias a la naturaleza y pintaron con un uso del color altamente articulado y psicológico. En general, estos artistas eliminaron la imaginería reconocible, en el caso de Rothko y Gottlieb a veces usando símbolos y signos como reemplazo de la imaginería. Ciertos artistas citaron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campo de color presenta la abstracción como un fin en sí mismo. Al seguir esta dirección del arte moderno, los artistas querían presentar cada pintura como una imagen unificada, cohesiva y monolítica.
A diferencia de la energía emocional y las marcas superficiales gestuales de expresionistas abstractos como Pollock y de Kooning, los pintores de Color Field inicialmente parecían fríos y austeros, borrando la marca individual en favor de grandes áreas planas de color, que estos artistas consideraban que la naturaleza esencial de la abstracción visual, junto con la forma real del lienzo, que más tarde, en la década de 1960, Frank Stella en particular logró de formas inusuales con combinaciones de bordes curvos y rectos. Sin embargo, la pintura Color Field ha demostrado ser tanto sensual como profundamente expresiva, aunque de una manera diferente al expresionismo abstracto gestual.
Aunque el expresionismo abstracto se extendió rápidamente por los Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y California, especialmente en la Escuela de Nueva York y el área de la Bahía de San Francisco. Las pinturas expresionistas abstractas comparten ciertas características, incluido el uso de lienzos grandes, un "all-over" enfoque, en el que todo el lienzo se trata con la misma importancia (en lugar de que el centro sea más interesante que los bordes). El lienzo como arena se convirtió en un credo de la pintura de acción, mientras que la integridad del plano del cuadro se convirtió en un credo de los pintores de campo de color. Los artistas más jóvenes comenzaron a exhibir sus pinturas relacionadas con el expresionismo abstracto durante la década de 1950, incluidos Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas y Robert Goodnough, entre otros..
Aunque Pollock está estrechamente relacionado con la pintura de acción debido a su estilo, técnica y su toque pictórico y su aplicación física de la pintura, los críticos de arte han comparado a Pollock tanto con la pintura de acción como con la pintura de campo de color. Otra visión crítica presentada por Greenberg conecta los lienzos completos de Pollock con los Nenúfares a gran escala de Claude Monet realizados durante la década de 1920. Críticos de arte como Michael Fried, Greenberg y otros han observado que el sentimiento general en las obras más famosas de Pollock, sus pinturas de goteo, se lee como vastos campos de elementos lineales construidos. Señalan que estas obras a menudo se leen como grandes complejos de madejas de pintura de valor similar y campos de color y dibujo por todas partes, y están relacionadas con los Monet de tamaño mural que están construidos de manera similar con marcas cepilladas y borradas de valor cercano que también dicen como campos de color y dibujo. El uso que hace Pollock de la composición integral brinda una conexión filosófica y física a la forma en que los pintores de campos de color como Newman, Rothko y Still construyen sus superficies ininterrumpidas y, en el caso de Still, rotas. En varias pinturas que Pollock pintó después de su clásico período de pintura goteo de 1947 a 1950, utilizó la técnica de teñir pintura al óleo fluida y pintura de casa en lienzo en bruto. Durante 1951 produjo una serie de pinturas de manchas negras semifigurativas, y en 1952 produjo pinturas de manchas usando color. En su exposición de noviembre de 1952 en la Galería Sidney Janis de la ciudad de Nueva York, Pollock mostró Número 12, 1952, una pintura de manchas grande y magistral que se asemeja a un paisaje manchado de colores brillantes (con una capa de pintura oscura ampliamente goteada); la pintura fue adquirida de la exposición por Nelson Rockefeller para su colección personal.
Si bien Arshile Gorky es considerado uno de los padres fundadores del expresionismo abstracto y surrealista, también fue uno de los primeros pintores de la Escuela de Nueva York que utilizó la técnica de tinción. Gorky creó amplios campos de colores vívidos, abiertos e ininterrumpidos que usó en muchas de sus pinturas como fondos. En las pinturas más efectivas y logradas de Gorky entre los años 1941 y 1948, usó consistentemente colores intensos. campos teñidos de color, a menudo dejando correr y gotear la pintura, debajo y alrededor de su léxico familiar de formas orgánicas y biomórficas y líneas delicadas. Otro expresionista abstracto cuyas obras de la década de 1940 recuerdan las pinturas de manchas de las décadas de 1960 y 1970 es James Brooks. Brooks usó regularmente las manchas como técnica en sus pinturas de finales de la década de 1940. Brooks comenzó a diluir su pintura al óleo para tener colores fluidos con los que verter, gotear y teñir el lienzo en su mayoría crudo que usaba. Estas obras a menudo combinaban caligrafía y formas abstractas. Durante las últimas tres décadas de su carrera, Sam Francis' El estilo de expresionismo abstracto brillante a gran escala estaba estrechamente asociado con la pintura de campo de color. Sus pinturas se extendieron a ambos lados dentro de la rúbrica expresionista abstracta, la pintura de acción y la pintura de campo de color.
Después de haber visto las pinturas de Pollock de 1951 de pintura al óleo negra diluida teñidas en lienzo en bruto, Frankenthaler comenzó a producir pinturas de manchas en diversos colores al óleo sobre lienzo en bruto en 1952. Su pintura más famosa de ese período es Montañas y Mar. Es una de las creadoras del movimiento Color Field que surgió a fines de la década de 1950. Frankenthaler también estudió con Hans Hofmann.
Las pinturas de Hofmann son una sinfonía de color como se ve en The Gate, 1959–1960. Fue reconocido no solo como artista sino también como profesor de arte, tanto en su Alemania natal como más tarde en los Estados Unidos. Hofmann, quien llegó a los Estados Unidos desde Alemania a principios de la década de 1930, trajo consigo el legado del Modernismo. Como joven artista en el París anterior a la Primera Guerra Mundial, Hofmann trabajó con Robert Delaunay y conoció de primera mano el trabajo innovador de Picasso y Matisse. El trabajo de Matisse tuvo una enorme influencia en él y en su comprensión del lenguaje expresivo del color y la potencialidad de la abstracción. Hofmann fue uno de los primeros teóricos de la pintura de campo de color, y sus teorías fueron influyentes para artistas y críticos, particularmente para Clement Greenberg, así como para otros durante los años treinta y cuarenta. En 1953, Morris Louis y Kenneth Noland quedaron profundamente influenciados por las pinturas de manchas de Helen Frankenthaler después de visitar su estudio en la ciudad de Nueva York. Al regresar a Washington, DC, comenzaron a producir las principales obras que crearon el movimiento del campo de color a fines de la década de 1950.
En 1972, el entonces curador del Museo Metropolitano de Arte, Henry Geldzahler, dijo:
Clement Greenberg incluyó el trabajo de Morris Louis y Kenneth Noland en un espectáculo que hizo en la Galería Kootz a principios de la década de 1950. Clem fue el primero en ver su potencial. Los invitó a Nueva York en 1953, creo que fue, al estudio de Helen ver una pintura que acababa de hacer llamada Montañas y Mar, una pintura muy, muy hermosa, que era en cierto sentido, de Pollock y de Gorky. También fue una de las primeras imágenes de manchas, una de las primeras grandes imágenes de campo en las que se utilizó la técnica de mancha, quizás la primera. Louis y Noland vieron la foto sin rodar en el piso de su estudio y regresaron a Washington, DC., y trabajaron juntos por un tiempo, trabajando en las implicaciones de este tipo de pintura.
En la década de 1960 después del expresionismo abstracto
En la pintura abstracta durante las décadas de 1950 y 1960, surgieron varias direcciones nuevas, como la pintura de borde duro ejemplificada por John McLaughlin. Mientras tanto, como reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto, otras formas de abstracción geométrica comenzaron a aparecer en los estudios de los artistas y en los círculos de vanguardia radical. Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción pospictórica al comisariar una influyente exposición de pintura nueva que recorrió importantes museos de arte de los Estados Unidos en 1964. La pintura de campo de color, la pintura de borde duro y la abstracción lírica surgieron como nuevas direcciones radicales.
Expresionismo abstracto y Guerra Fría
Desde mediados de la década de 1970 se ha argumentado que el estilo atrajo la atención, a principios de la década de 1950, de la CIA, que lo vio como representante de los EE. UU. como un refugio de libre pensamiento y libre mercado, así como un desafío tanto a los estilos realistas socialistas prevalecientes en las naciones comunistas como al dominio de los mercados de arte europeos. El libro de Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War—The CIA and the World of Arts and Letters, (publicado en el Reino Unido como Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War ) detalla cómo la CIA financió y organizó la promoción de los expresionistas abstractos estadounidenses como parte del imperialismo cultural a través del Congreso por la Libertad Cultural de 1950 a 1967. En particular, la serie de Robert Motherwell Elegy to the Spanish Republic abordó algunas de esas cuestiones políticas. Tom Braden, jefe fundador de la División de Organizaciones Internacionales (IOD) de la CIA y exsecretario ejecutivo del Museo de Arte Moderno dijo en una entrevista: "Creo que fue la división más importante que tuvo la agencia"., y creo que desempeñó un papel enorme en la Guerra Fría."
En contra de esta tradición revisionista, un ensayo de Michael Kimmelman, crítico de arte en jefe de The New York Times, llamado Revisando a los revisionistas: lo moderno, sus críticos y la Guerra Fría, afirma que gran parte de esa información sobre lo que estaba sucediendo en la escena artística estadounidense durante las décadas de 1940 y 1950, así como los revisionistas' interpretación de la misma, es falsa o descontextualizada. Otros libros sobre el tema incluyen Art in the Cold War, de Christine Lindey, que también describe el arte de la Unión Soviética al mismo tiempo, y Pollock and After, editado por Francis Frascina, que reimprimió el artículo de Kimmelman.
Consecuencias
El pintor canadiense Jean-Paul Riopelle (1923–2002), miembro del grupo inspirado en el surrealismo con sede en Montreal Les Automatistes, ayudó a introducir un estilo relacionado de impresionismo abstracto en el mundo del arte parisino desde 1949. Michel Tapié' El innovador libro de s, Un Art Autre (1952), también fue enormemente influyente en este sentido. Tapié también fue comisario y organizador de exposiciones que promovió las obras de Pollock y Hans Hofmann en Europa. Para la década de 1960, el efecto inicial del movimiento había sido asimilado, pero sus métodos y defensores siguieron siendo muy influyentes en el arte, afectando profundamente el trabajo de muchos artistas que lo siguieron. El expresionismo abstracto precedió al tachismo, la pintura de campo de color, la abstracción lírica, Fluxus, el arte pop, el minimalismo, el posminimalismo, el neoexpresionismo y los demás movimientos de los años sesenta y setenta e influyó en todos los movimientos posteriores que evolucionaron. Los movimientos que fueron respuestas directas y rebeliones contra el expresionismo abstracto comenzaron con la pintura de vanguardia (Frank Stella, Robert Indiana y otros) y los artistas pop, en particular Andy Warhol, Claes Oldenburg y Roy Lichtenstein, quienes alcanzaron prominencia en los EE. UU., acompañados por Richard Hamilton en Gran Bretaña. Robert Rauschenberg y Jasper Johns en los Estados Unidos formaron un puente entre el expresionismo abstracto y el arte pop. El minimalismo fue ejemplificado por artistas como Donald Judd, Robert Mangold y Agnes Martin.
Sin embargo, muchos pintores, como Jules Olitski, Joan Mitchell y Antoni Tàpies, continuaron trabajando en el estilo expresionista abstracto durante muchos años, extendiendo y ampliando sus implicaciones visuales y filosóficas, como continúan haciendo muchos artistas abstractos en la actualidad, en estilos descritos como abstracción lírica, neoexpresionista y otros.
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, un grupo de artistas de Nueva York inició una de las primeras verdaderas escuelas de artistas en Estados Unidos, lo que abrió una nueva era en el arte estadounidense: el expresionismo abstracto. Esto condujo al auge del arte estadounidense que trajo consigo estilos como el Pop Art. Esto también ayudó a convertir a Nueva York en un centro cultural y artístico.
Los expresionistas abstractos valoran el organismo sobre el todo estático, superando el ser, la expresión sobre la perfección, la vitalidad sobre el acabado, la fluctuación sobre el reposo, el sentimiento sobre la formulación, lo desconocido sobre lo conocido, el velado sobre lo claro, el individuo sobre la sociedad y el interior sobre lo exterior.
—William C. Seitz, artista estadounidense e historiador del arte
Gran escultura
Richard Stankiewicz, Detalle de Gráfico; 1956; acero, hierro y hormigón; en la colección del Museo Hirshhorn y Jardín de Escultura
Alexander Calder, Red Mobile, 1956, Painted sheet metal and metal rods, Montreal Museum of Fine Arts
John Chamberlain, S, 1959, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC.
Isamu Noguchi, El grito, 1959, Kröller-Müller Museum Sculpture Park, Otterlo, Países Bajos
Louise Bourgeois, Maman, 1999, fuera del Museo Guggenheim
Lista de expresionistas abstractos
Artistas expresionistas abstractos
- Artistas significativos cuya obra madura definió el expresionismo abstracto americano:
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Otros artistas
- Artistas significativos cuya obra madura se relaciona con el movimiento expresionista abstracto americano:
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Libros
- Belgrad, Daniel. La cultura de la espontaneidad. La improvisación y las artes en América de la posguerra University of Chicago Press, Chicago & London, 1998. ISBN 978-966-359-305-0
- Anfam, David. Expresionismo abstracto (Nueva York & Londres: Thames " Hudson, 1990). ISBN 0-500-20243-5
- Craven, David, Expresionismo abstracto como crítica cultural: disentimiento durante el periodo McCarthy (Cambridge; Nueva York: Cambridge University Press, 1999.) ISBN 0-521-43415-7
- Marika Herskovic, American Abstract and Figurative Expressionism: El estilo es un arte atemporal (New York School Press, 2009.) ISBN 978-0-9677994-2-1
- Marika Herskovic, American Abstract Expressionism of the 1950s An Illustrated Survey, (New York School Press, 2003.) ISBN 0-9677994-1-4
- Marika Herskovic, New York School Resumen Expresionistas Artistas Elección de Artistas, (New York School Press, 2000.) ISBN 0-9677994-0-6
- Papanikolas, Theresa y Stephen Salel, Stephen, Expresionismo abstracto, mirando hacia el este del lejano oeste, Museo de Arte Honolulu, 2017, ISBN 9780937426920
- Serge Guilbaut. Cómo Nueva York ha pasado la Idea del Arte Moderno, Universidad de Chicago Press, 1983.
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