Escultura griega antigua

La escultura de la antigua Grecia es el principal tipo de arte griego antiguo que se conserva ya que, con la excepción de la cerámica griega antigua pintada, casi no sobrevive ninguna pintura griega antigua. Los estudios modernos identifican tres etapas principales en la escultura monumental en bronce y piedra: la Arcaica (aproximadamente del 650 al 480 a. C.), la Clásica (480-323) y la Helenística. En todas las épocas hubo gran cantidad de figurillas griegas de terracota y pequeñas esculturas de metal y otros materiales.

Los griegos decidieron desde muy temprano que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. Al ver que sus dioses tenían forma humana, había poca distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era al mismo tiempo secular y sagrado. Un desnudo masculino de Apolo o Heracles sólo tuvo ligeras diferencias en el trato con uno de los campeones olímpicos de boxeo de ese año. La estatua, originalmente única pero en el período helenístico a menudo en grupos, era la forma dominante, aunque los relieves, a menudo tan "altos" También eran importantes el hecho de que fueran casi independientes.

Materiales

En el período clásico, aproximadamente entre los siglos V y IV, la escultura monumental estaba compuesta casi en su totalidad de mármol o bronce; el bronce fundido se convirtió en el medio favorito para las obras importantes a principios del siglo V; Muchas piezas escultóricas conocidas sólo en copias de mármol realizadas para el mercado romano fueron realizadas originalmente en bronce. Las obras más pequeñas se realizaron en una gran variedad de materiales, muchos de ellos preciosos, con una producción muy grande de figurillas de terracota. Los territorios de la antigua Grecia, excepto Sicilia y el sur de Italia, contenían abundantes reservas de mármol fino, siendo el mármol del Pentélico y del Paro los más preciados. Los minerales para el bronce también eran relativamente fáciles de obtener.

Tanto el mármol como el bronce son fáciles de moldear y muy duraderos; Como en la mayoría de las culturas antiguas, sin duda también existían tradiciones de escultura en madera de las que sabemos muy poco, aparte de las esculturas acrolíticas, generalmente grandes, con la cabeza y las partes de carne expuestas en mármol pero las partes vestidas en madera. Como el bronce siempre tuvo un importante valor residual, muy pocos bronces originales han sobrevivido, aunque en los últimos años la arqueología marina o la pesca de arrastre han añadido algunos hallazgos espectaculares, como los bronces Artemision Bronze y Riace, que han ampliado significativamente la comprensión moderna. Muchas copias de la época romana son versiones en mármol de obras originalmente en bronce. La piedra caliza común se utilizó en el período Arcaico, pero posteriormente, excepto en áreas de la Italia moderna sin mármol local, solo para escultura y decoración arquitectónicas. A veces se utilizaba yeso o estuco sólo para el cabello.

Las esculturas criselefantinas, utilizadas para imágenes de culto en los templos y obras de lujo, usaban oro, con mayor frecuencia en forma de hojas y marfil para toda o parte (rostros y manos) de la figura, y probablemente gemas y otros materiales, pero eran mucho menos comunes. , y sólo han sobrevivido fragmentos. Muchas estatuas llevaban joyas, como se puede ver en los agujeros para fijarlas, y portaban armas u otros objetos de diferentes materiales.

Pintura de escultura

Las esculturas griegas antiguas fueron originalmente pintadas en múltiples colores; Hoy en día sólo parecen incoloros porque los pigmentos originales se han deteriorado. Se encuentran referencias a esculturas pintadas en la literatura clásica, incluida Helena de Eurípides, en la que el personaje epónimo se lamenta: "Si tan solo pudiera despojarme de mi belleza y asumir un aspecto más feo/La forma en que borrarías el color de una estatua." Algunas estatuas bien conservadas todavía tienen rastros de pigmentos y los arqueólogos pueden reconstruir su aspecto original.

Desarrollo de la escultura griega

Geométrico

Se piensa comúnmente que la encarnación más temprana de la escultura griega fue en forma de estatuas de culto de madera o marfil, descritas por primera vez por Pausanias como xoana. No sobrevive ninguna estatua de este tipo y las descripciones de ellas son vagas, a pesar de que probablemente fueron objetos de veneración durante cientos de años. La primera pieza de estatuaria griega que se ha vuelto a montar desde entonces es probablemente el Centauro Lefkandi, una escultura de terracota encontrada en la isla de Eubea, fechada c. 920 aC. La estatua fue construida en partes, antes de ser desmembrada y enterrada en dos tumbas separadas. El centauro tiene una marca intencional en su rodilla, lo que ha llevado a los investigadores a postular que la estatua podría representar a Quirón, presumiblemente arrodillado y herido por el ataque de Heracles. flecha. De ser así, sería la representación más antigua conocida de un mito en la historia de la escultura griega.

Las formas del período geométrico (c. 900 a 700 a.C.) eran principalmente figuras de terracota. , bronces y marfiles. Los bronces son principalmente calderos trípodes y figuras o grupos independientes. Estos bronces se fabricaron utilizando la técnica de la cera perdida, probablemente introducida desde Siria, y son casi en su totalidad ofrendas votivas dejadas en los santuarios panhelénicos de la civilización helenística de Olimpia, Delos y Delfos, aunque probablemente se fabricaron en otros lugares, ya que varios estilos locales pueden ser identificado por hallazgos de Atenas, Argos y Esparta. Las obras típicas de la época incluyen el guerrero Karditsa (Atenas Br. 12831) y los numerosos ejemplos de estatuilla ecuestre (por ejemplo, NY Met. 21.88.24 en línea). Sin embargo, el repertorio de esta obra de bronce no se limita a hombres y caballos de pie, ya que las pinturas en vasijas de la época también representan imágenes de ciervos, pájaros, escarabajos, liebres, grifos y leones. No hay inscripciones en la escultura geométrica temprana a media, hasta la aparición del Mantiklos "Apolo" (Boston 03.997) de principios del siglo VII a.C. encontrado en Tebas. La figura es la de un hombre de pie con forma pseudodédalica, debajo de la cual se encuentra la inscripción en hexámetro que dice "Mantiklos me ofreció como diezmo a Apolo del arco de plata; ¿Tú, Phoibos [Apolo], da a cambio algún favor agradable? Aparte de la novedad de registrar su propio propósito, esta escultura adapta las fórmulas de los bronces orientales, como se ve en el rostro más corto, más triangular y la pierna izquierda ligeramente adelantada. A veces se considera que esto anticipa la mayor libertad expresiva del siglo VII a. C. y, como tal, en algunos sectores se hace referencia a la figura de Mantiklos como protodaédica.

Arcaico

Inspirándose en las monumentales esculturas de piedra del antiguo Egipto y Mesopotamia, los griegos comenzaron nuevamente a tallar en piedra. Las figuras independientes comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia, como por ejemplo la Dama de Auxerre y el Torso de Hera (período Arcaico temprano, c. 660–580 a.C., ambos en el Louvre, París). Aproximadamente después del año 575 a. C., figuras como estas, tanto masculinas como femeninas, comenzaron a lucir la llamada sonrisa arcaica. Esta expresión, que no tiene ninguna adecuación específica a la persona o situación representada, puede haber sido un recurso para dar a las figuras una característica humana distintiva.

Prevalecían tres tipos de figuras: el joven masculino desnudo de pie (kouros, plural kouroi), la niña de pie y cubierta (kore, plural korai) y la mujer sentada. Todos enfatizan y generalizan los rasgos esenciales de la figura humana y muestran una comprensión cada vez más precisa de la anatomía humana. Los jóvenes eran estatuas sepulcrales o votivas. Algunos ejemplos son Apollo (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), una obra temprana; el Strangford Apollo de Anafi (Museo Británico), obra muy posterior; y el Anavyssos Kouros (Museo Arqueológico Nacional de Atenas). En esta estatua se ve más musculatura y estructura esquelética que en obras anteriores. Las chicas, de pie y vestidas con vestidos, tienen una amplia gama de expresiones, como en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas. Sus ropajes están tallados y pintados con la delicadeza y minuciosidad habituales en los detalles de la escultura de este período.

Los griegos decidieron desde muy temprano que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. Al ver que sus dioses tenían forma humana, no había distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era al mismo tiempo secular y sagrado. Un hombre desnudo, sin accesorios como un arco o una maza, podría ser tan fácilmente Apolo o Heracles como el campeón olímpico de boxeo de ese año. En el Período Arcaico la forma escultórica más importante fue el kouros (ver por ejemplo Biton y Kleobis). El kore también era común; El arte griego no presentó la desnudez femenina (a menos que la intención fuera pornográfica) hasta el siglo IV a.C., aunque el desarrollo de técnicas para representar los drapeados es evidentemente importante.

Al igual que con la cerámica, los griegos no produjeron esculturas simplemente para una exhibición artística. Las estatuas fueron encargadas por individuos aristocráticos o por el estado, y se utilizaron para monumentos públicos, como ofrendas a templos, oráculos y santuarios (como lo muestran frecuentemente las inscripciones en las estatuas), o como marcadores para tumbas. No todas las estatuas del período Arcaico estaban destinadas a representar a individuos específicos. Eran representaciones de un ideal: belleza, piedad, honor o sacrificio. Siempre fueron representaciones de hombres jóvenes, con edades comprendidas entre la adolescencia y la madurez temprana, incluso cuando se colocaron en tumbas de (presumiblemente) ciudadanos mayores. Los Kouroi eran todos estilísticamente similares. Las graduaciones en la estatura social de la persona que encargaba la estatua se indicaban por tamaño más que por innovaciones artísticas.

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  Dipylon Kouros, c.600 BC, Atenas, Museo Kerameikos.
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  Moschophoros o calf-bearer, c.570 BC, Atenas, Museo de Acrópolis.
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  Phrasikleia Kore, c.550 BC, Atenas, Museo Arqueológico Nacional de Atenas.
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  Peplos Kore, c.530 BC, Atenas, Museo de Acrópolis.
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  Friso del Siphnian Tesoro, Delphi, representando una Gigantomaquía, c.525 BC, Museo Arqueológico Delphi.
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  Euthydikos Kore. c.490 BC, Atenas, réplica autorizada, original en Museo Arqueológico Nacional de Atenas
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  Cabeza etíope y cabeza femenina, con una inscripción kalos. Attic griego janiform red-figure aryballos, c.520– 510 A.C.

Clásica

El período clásico vio una revolución de la escultura griega, a veces asociada por los historiadores con la cultura popular que rodeó la introducción de la democracia y el fin de la cultura aristocrática asociada con el kouroi. El período clásico vio cambios en el estilo y la función de la escultura, junto con un aumento espectacular en la habilidad técnica de los escultores griegos para representar formas humanas realistas. Las poses también se volvieron más naturalistas, especialmente al comienzo del período. Esto se materializa en obras como el Niño Kritios (480 a. C.), esculpido con el uso más antiguo conocido de contrapposto ('contraposición'), y el Auriga de Delfos (474 a.C.), que demuestra una transición hacia una escultura más naturalista. Aproximadamente desde el año 500 a. C., las estatuas griegas comenzaron a representar cada vez más a personas reales, en contraposición a vagas interpretaciones de mitos o estatuas votivas enteramente ficticias, aunque el estilo en el que estaban representadas aún no se había convertido en una forma realista de retrato. Las estatuas de Harmodio y Aristogeiton, erigidas en Atenas, marcan el derrocamiento de la tiranía aristocrática y se dice que son los primeros monumentos públicos que muestran a individuos reales.

El Período Clásico también vio un aumento en el uso de estatuas y esculturas como decoración de edificios. Los templos característicos de la era clásica, como el Partenón de Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, utilizaban esculturas en relieve para los frisos decorativos y esculturas redondas para llenar los campos triangulares de los frontones. El difícil desafío estético y técnico estimuló mucho en el camino de la innovación escultórica. La mayoría de estas obras sobreviven sólo en fragmentos, por ejemplo los Mármoles del Partenón, de los cuales aproximadamente la mitad se encuentran en el Museo Británico.

Las estatuas funerarias evolucionaron durante este período desde los rígidos e impersonales kouros del período Arcaico hasta los grupos familiares altamente personales del período Clásico. Estos monumentos se encuentran comúnmente en los suburbios de Atenas, que en la antigüedad eran cementerios en las afueras de la ciudad. Aunque algunos de ellos representan una realidad "ideal" tipos (la madre en duelo, el hijo obediente) representaban cada vez más a personas reales, mostrando típicamente al difunto despidiéndose dignamente de su familia. Este es un aumento notable en el nivel de emoción en relación con las eras Arcaica y Geométrica.

Otro cambio notable es el floreciente crédito artístico en la escultura. Toda la información que se conoce sobre la escultura en los períodos Arcaico y Geométrico se centra en las obras mismas y rara vez, o nunca, en los escultores. Los ejemplos incluyen a Fidias, conocido por haber supervisado el diseño y la construcción del Partenón, y Praxíteles, cuyas esculturas femeninas desnudas fueron las primeras en ser consideradas artísticamente respetables. Praxíteles' Plinio el Viejo hacía referencia a menudo a Afrodita de Cnidos, que sobrevive en copias.

Se dice que Lisístrato fue el primero en utilizar moldes de yeso tomados de personas vivas para producir retratos a la cera perdida, y que también desarrolló una técnica de fundición a partir de estatuas existentes. Provenía de una familia de escultores y su hermano, Lisipo de Sición, produjo mil quinientas estatuas a lo largo de su carrera.

La Estatua de Zeus en Olimpia y la Estatua de Atenea Partenos (ambas criselefantinas y ejecutadas por Fidias o bajo su dirección, y consideradas la mayor de las esculturas clásicas), se han perdido, aunque se han perdido copias más pequeñas (en otros materiales) y todavía existen buenas descripciones de ambos. Su tamaño y magnificencia llevaron a sus rivales a apoderarse de ellos en el período bizantino, y ambos fueron trasladados a Constantinopla, donde más tarde fueron destruidos.

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  Kritios Boy. Marble, c.480 BC. Museo de AcrópolisAtenas.
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  Copia de Diadumenos Polyclitus, Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
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  La llamada Venus Braschi de Praxiteles, tipo de la Afrodita Knidiana, Munich Glyptothek.
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  Grupo familiar en un marcador grave de Atenas, Museo Arqueológico Nacional, Atenas
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  La juventud maratón, estatua de bronce del siglo IV a.C., posiblemente por Praxiteles, Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
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  Atalante Hermes, posiblemente por Lysippos, Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
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  El jarrón de Terracotta en forma de la cabeza de Dionysus, c.410 BC; en exhibición en el antiguo Museo Agora de Atenas, ubicado en la Stoa de Attalus
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  Nave de Pottery, Afrodita dentro de una cáscara; de Attica, Grecia clásica, descubierta en el cementerio de Phanagoria, Península Taman (Reino bosporano, Rusia meridional), principios del siglo IV a.C., Museo Hermitage, San Petersburgo.
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  Cavalryman Atenien Dexileos luchando un hoplito desnudo en la Guerra Corinto. Dexileos fue asesinado en acción cerca de Corinto en el verano de 394 aC, probablemente en la batalla de Nemea, o en un compromiso cercano. Grave Stele of Dexileos, 394-393 BC.

Helenístico

La transición del período clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a.C. El arte griego se volvió cada vez más diverso, influenciado por las culturas de los pueblos atraídos a la órbita griega, por las conquistas de Alejandro Magno (336 a 323 a. C.). En opinión de algunos historiadores del arte, esto se describe como una disminución de la calidad y la originalidad; sin embargo, es posible que las personas de la época no compartieran esta perspectiva. Ahora se sabe que muchas esculturas que antes se consideraban obras maestras clásicas pertenecen a la época helenística. La capacidad técnica de los escultores helenísticos queda claramente patente en obras tan importantes como la Victoria alada de Samotracia y el Altar de Pérgamo. Se desarrollaron nuevos centros de cultura griega, particularmente en escultura, en Alejandría, Antioquía, Pérgamo y otras ciudades. En el siglo II a. C., el creciente poder de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega, y también una proporción cada vez mayor de sus productos.

Durante este período, la escultura volvió a experimentar un giro hacia un creciente naturalismo. La gente común, las mujeres, los niños, los animales y las escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que era encargada por familias adineradas para adornar sus hogares y jardines. Se produjeron figuras realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgieron en Egipto, Siria y Anatolia requirieron estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto convirtió a la escultura, al igual que la cerámica, en una industria, con la consiguiente estandarización y (alguna) disminución de la calidad. Por estas razones, hasta el presente sobreviven bastantes más estatuas helenísticas que las del período clásico.

Junto con el cambio natural hacia el naturalismo, también hubo un cambio en la expresión de las esculturas. Las esculturas comenzaron a expresar más poder y energía durante este período. Una forma sencilla de ver el cambio de expresiones durante el período helenístico sería compararlo con las esculturas del período clásico. El período clásico tenía esculturas como el Auriga de Delfos que expresaba humildad. Sin embargo, las esculturas del período helenístico vieron mayores expresiones de poder y energía, como se demuestra en el Jockey de Artemision.

Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas son la Victoria Alada de Samotracia (siglo II o I a.C.), la estatua de Afrodita de la isla de Melos conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II siglo a.C.), la Galia moribunda (alrededor de 230 a.C.) y el grupo monumental Laocoonte y sus hijos (finales del siglo I a.C.). Todas estas estatuas representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual y emocional de lo que habría permitido el gusto austero del período clásico o lo que permitieron sus habilidades técnicas. La escultura helenística también estuvo marcada por un aumento de escala, que culminó en el Coloso de Rodas (finales del siglo III), que se cree que tenía aproximadamente el mismo tamaño que la Estatua de la Libertad. El efecto combinado de terremotos y saqueos ha destruido esta y otras obras de gran tamaño de esta época que pudieran haber existido.

Tras las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega se extendió hasta la India, como lo revelan las excavaciones de Ai-Khanoum en el este de Afganistán, y la civilización de los grecobactrianos y los indogriegos. El arte greco-budista representó un sincretismo entre el arte griego y la expresión visual del budismo. Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX en torno a la antigua ciudad egipcia de Heracleum (ahora sumergida) incluyen una representación de Isis del siglo IV a.C. La representación es inusualmente sensual para las representaciones de la diosa egipcia, además de ser inusualmente detallada y femenina, lo que marca una combinación de formas egipcias y helenísticas en la época de la conquista de Egipto por Alejandro Magno.

En Goa, India, se encontraron estatuas de Buda de estilo griego. Estos se atribuyen a griegos conversos al budismo, muchos de los cuales se sabe que se establecieron en Goa durante la época helenística.

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  El Príncipe Helenístico, una estatua de bronce originalmente pensada para ser un Seleucid, o Attalus II de Pergamon, ahora considerada un retrato de un general romano, hecho por un artista griego que trabaja en Roma en el siglo II a.C.
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  The Winged Victory of Samothrace (Hellenistic), The Louvre, Paris
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  Monumento sepulcro de un Adonis moribundo, terracota policromo, arte etrusco de Tuscana, 250-100 BC
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  Fragmento de un relieve de mármol que representa un Kore, siglo III a.C., de Panticapaeum, Taurica (Crimea), Bosporan Kingdom
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  Antigua terracota griega cabeza de un joven, encontrado en Tarent, c.300 aC, Antikensammlung Berlin.
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  Cabeza femenina que incorpora un jarrón (lekythos), c.325- 300 a.C.
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  Retrato de bronce de una niñera desconocida, con ojos incrustados, período helenístico, siglo I a.C., encontrado en el lago Palestra de la isla de Delos.
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  Friso Greco-Buddhista de Gandhara con devotos, sosteniendo hojas de plátano, en estilo helenístico, dentro de las columnas corintias, del 1 al 2do siglo CE. Buner, Swat, Pakistán. Victoria y Albert Museum.
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  Gravestone de una mujer con su esclava infantil que la asiste, c.100 BC (período de Grecia romana)

Imágenes de culto

Todos los templos griegos y romanos antiguos normalmente contenían una imagen de culto en la cella. El acceso a la cella variaba, pero aparte de los sacerdotes, al menos algunos de los adoradores generales podían acceder a la cella algunas veces, aunque los sacrificios a la deidad normalmente se hacían en altares fuera del recinto del templo (temenos en griego). Algunas imágenes de culto eran fáciles de ver y eran lo que llamaríamos atracciones turísticas importantes. La imagen normalmente tomaba la forma de una estatua de la deidad, originalmente de tamaño inferior al natural, luego típicamente de tamaño aproximado al natural, pero en algunos casos muchas veces de tamaño natural, en mármol o bronce, o en la forma especialmente prestigiosa de una Estatua criselefantina utilizando placas de marfil para las partes visibles del cuerpo y oro para las ropas, alrededor de un marco de madera. Las imágenes de culto griegas más famosas eran de este tipo, incluida la estatua de Zeus en Olimpia y la Atenea Partenos de Fidias en el Partenón de Atenas, ambas estatuas colosales ahora completamente perdidas. Se han excavado fragmentos de dos estatuas criselefantinas de Delfos. Las imágenes de culto generalmente tenían o llevaban atributos identificativos, que es una forma de distinguirlas de muchas otras estatuas de deidades en templos y otros lugares.

El acrolito era otra forma compuesta, esta vez económica y con un cuerpo de madera. Un xoanon era una imagen primitiva y simbólica, generalmente en madera, algunas quizás comparable al lingam hindú, aunque la imagen de culto más antigua del mundo griego, el minoico Palaikastro Kouros, es muy sofisticada. Muchas xoana fueron conservadas y veneradas por su antigüedad en períodos posteriores; A menudo eran lo suficientemente ligeros como para llevarlos en procesión. Muchas de las estatuas griegas conocidas a partir de copias romanas de mármol eran originalmente imágenes de culto en los templos, que en algunos casos, como el de Apolo Barberini, pueden identificarse de forma creíble. Se conservan muy pocos originales, por ejemplo la Atenea del Pireo de bronce (2,35 metros de altura, casco incluido).

En la mitología griega y romana, un "paladio" Era una imagen de gran antigüedad de la que se decía que dependía la seguridad de una ciudad, especialmente la de madera que Odiseo y Diomedes robaron de la ciudadela de Troya y que luego fue llevada a Roma por Eneas. (La historia romana se relató en la Eneida de Virgilio y otras obras).

Cortinas

Mujer

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  Diane of Gabies [fr] aderezo con un diplax
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  Pallas sobre un peplos.
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  Chiton
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  Weavers on the Parthenon Frieze

Hombre

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  Chlamys
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  Parthenon Frieze