Escultura en la Antigua Grecia

La escultura de la antigua Grecia es el principal tipo sobreviviente de bellas artes griegas antiguas ya que, con la excepción de la cerámica griega antigua pintada, casi ninguna pintura griega antigua sobrevive. La erudición moderna identifica tres etapas principales en la escultura monumental en bronce y piedra: la arcaica (desde aproximadamente el 650 al 480 a. C.), la clásica (480–323) y la helenística. En todas las épocas hubo gran cantidad de figurillas griegas de terracota y pequeñas esculturas en metal y otros materiales.

Los griegos decidieron muy pronto que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. Al ver a sus dioses con forma humana, había poca distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era tanto secular como sagrado. Un desnudo masculino de Apolo o Heracles tenía solo ligeras diferencias en el trato con uno del campeón olímpico de boxeo de ese año. La estatua, originalmente única pero en el período helenístico, a menudo en grupos, era la forma dominante, aunque los relieves, a menudo tan "altos" que eran casi independientes, también eran importantes.

Materiales

En el período clásico, aproximadamente en los siglos V y IV, la escultura monumental estaba compuesta casi en su totalidad por mármol o bronce; con el bronce fundido convirtiéndose en el medio favorito para las obras principales a principios del siglo V; muchas piezas de escultura conocidas solo en copias de mármol hechas para el mercado romano se hicieron originalmente en bronce. Los trabajos más pequeños se realizaron en una gran variedad de materiales, muchos de ellos preciosos, con una producción muy grande de figurillas de terracota. Los territorios de la antigua Grecia, a excepción de Sicilia y el sur de Italia, contenían abundantes suministros de mármol fino, siendo el mármol pentélico y pariano los más apreciados. Los minerales de bronce también eran relativamente fáciles de obtener.

Tanto el mármol como el bronce son fáciles de moldear y muy duraderos; como en la mayoría de las culturas antiguas, sin duda también hubo tradiciones de escultura en madera de las que sabemos muy poco, aparte de las esculturas acrolíticas, generalmente grandes, con la cabeza y las partes de carne expuestas en mármol pero las partes vestidas en madera. Como el bronce siempre tuvo un valor de chatarra significativo, muy pocos bronces originales han sobrevivido, aunque en los últimos años la arqueología marina o la pesca de arrastre han agregado algunos hallazgos espectaculares, como los bronces Artemision Bronze y Riace, que han ampliado significativamente la comprensión moderna. Muchas copias de la época romana son versiones en mármol de obras originalmente en bronce. La piedra caliza ordinaria se usó en el período Arcaico, pero a partir de entonces, excepto en áreas de la Italia moderna sin mármol local, solo para escultura arquitectónica y decoración.

Las esculturas criselefantinas, usadas para imágenes de culto en templos y obras de lujo, usaban oro, la mayoría de las veces en forma de hoja y marfil para la totalidad o partes (rostros y manos) de la figura, y probablemente gemas y otros materiales, pero eran mucho menos comunes y solo han sobrevivido fragmentos. Muchas estatuas llevaban joyas, como se puede ver en los agujeros para sujetarlas, y portaban armas u otros objetos de diferentes materiales.

Pintura de escultura

Las esculturas griegas antiguas fueron originalmente pintadas con colores brillantes; solo aparecen blancos hoy porque los pigmentos originales se han deteriorado. Las referencias a esculturas pintadas se encuentran en toda la literatura clásica, incluida la Helena de Eurípides, en la que el personaje del mismo nombre se lamenta: "Si tan solo pudiera despojarme de mi belleza y asumir un aspecto más feo / De la forma en que borrarías el color de una estatua". Algunas estatuas bien conservadas todavía tienen rastros de su coloración original y los arqueólogos pueden reconstruir cómo se verían originalmente.

Desarrollo de esculturas griegas

Geométrico

Comúnmente se piensa que la primera encarnación de la escultura griega fue en forma de estatuas de culto de madera o marfil, descritas por primera vez por Pausanias como xoana. No sobreviven tales estatuas, y las descripciones de ellas son vagas, a pesar de que probablemente fueron objetos de veneración durante cientos de años. La primera pieza de estatuaria griega que se volvió a montar desde entonces es probablemente el Centauro de Lefkandi, una escultura de terracota encontrada en la isla de Eubea, fechada c. 920  a.C. La estatua fue construida en partes, antes de ser desmembrada y enterrada en dos tumbas separadas. El centauro tiene una marca intencional en su rodilla, lo que ha llevado a los investigadores a postularque la estatua podría representar a Cheiron, presumiblemente arrodillado herido por la flecha de Heracles. Si es así, sería la representación más antigua conocida de un mito en la historia de la escultura griega.

Las formas del período geométrico (c.  900 a 700 a. C.) eran principalmente figurillas de terracota, bronces y marfiles. Los bronces son principalmente calderos trípodes y figuras o grupos independientes. Dichos bronces se fabricaron utilizando la técnica de la cera perdida probablemente introducida desde Siria, y son casi en su totalidad ofrendas votivas dejadas en los santuarios panhelénicos de la civilización helenística de Olimpia, Delos y Delfos, aunque probablemente se fabricaron en otros lugares, ya que varios estilos locales pueden ser identificado por los hallazgos de Atenas, Argos y Esparta. Las obras típicas de la época incluyen el guerrero Karditsa (Athens Br. 12831) y los muchos ejemplos de la estatuilla ecuestre (por ejemplo, NY Met. 21.88.24 en línea). Sin embargo, el repertorio de esta obra de bronce no se limita a hombres de pie y caballos, ya que las pinturas de jarrones de la época también representan imágenes de ciervos, pájaros, escarabajos, liebres, grifos y leones. No hay inscripciones en la escultura geométrica de principios a mediados, hasta la aparición del Mantiklos "Apollo" (Boston 03.997) de principios del siglo VII a. C. encontrado en Tebas. La figura es la de un hombre de pie con forma pseudodaedálica, debajo de la cual se encuentra la inscripción en hexámetro que dice "Mantiklos me ofreció como diezmo a Apolo del arco de plata; ¿tú, Phoibos [Apolo], das algún favor agradable a cambio? ".Aparte de la novedad de registrar un propósito propio, esta escultura adapta las fórmulas de los bronces orientales, como se aprecia en el rostro más corto y triangular y la pierna izquierda ligeramente adelantada. A veces se considera que esto anticipa la mayor libertad expresiva del siglo VII a. C. y, como tal, en algunos sectores se hace referencia a la figura de Mantiklos como proto-dédalo.

Arcaico

Inspirándose en la escultura de piedra monumental del antiguo Egipto y Mesopotamia, los griegos comenzaron nuevamente a tallar en piedra. Las figuras independientes comparten la solidez y la postura frontal características de los modelos orientales, pero sus formas son más dinámicas que las de la escultura egipcia, como por ejemplo la Dama de Auxerre y el Torso de Hera (período Arcaico temprano, c.  660–580 a. C., ambos en el Louvre, París). Aproximadamente después del 575 a. C., figuras como estas, tanto masculinas como femeninas, comenzaron a usar la llamada sonrisa arcaica. Esta expresión, que no tiene una adecuación específica a la persona o situación representada, puede haber sido un recurso para dar a las figuras una característica humana distintiva.

Prevalecían tres tipos de figuras: el joven varón desnudo de pie (kouros, plural kouroi), la niña vestida de pie (kore, plural korai) y la mujer sentada. Todos enfatizan y generalizan las características esenciales de la figura humana y muestran una comprensión cada vez más precisa de la anatomía humana. Los jóvenes eran estatuas sepulcrales o votivas. Los ejemplos son Apolo (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), una obra temprana; el Strangford Apollo de Anafi (Museo Británico), obra muy posterior; y el Anavyssos Kouros (Museo Arqueológico Nacional de Atenas). En esta estatua se ve más musculatura y estructura esquelética que en obras anteriores. Las niñas de pie y vestidas tienen una amplia gama de expresión, como en las esculturas del Museo de la Acrópolis de Atenas.

Los griegos decidieron muy pronto que la forma humana era el tema más importante para el esfuerzo artístico. Al ver a sus dioses con forma humana, no había distinción entre lo sagrado y lo secular en el arte: el cuerpo humano era tanto secular como sagrado. Un desnudo masculino sin ningún accesorio, como un lazo o un garrote, podría ser tan fácilmente Apolo o Heracles como el campeón olímpico de boxeo de ese año. En el Período Arcaico la forma escultórica más importante fue el kouros (Ver por ejemplo Biton y Kleobis). El kore también era común; El arte griego no presentó desnudez femenina (a menos que la intención fuera pornográfica) hasta el siglo IV a. C., aunque el desarrollo de técnicas para representar ropajes es obviamente importante.

Al igual que con la cerámica, los griegos no producían esculturas simplemente para exhibiciones artísticas. Las estatuas fueron encargadas por individuos aristocráticos o por el estado, y se usaron para monumentos públicos, como ofrendas a templos, oráculos y santuarios (como se muestra con frecuencia en las inscripciones de las estatuas), o como marcadores de tumbas. No todas las estatuas del período Arcaico estaban destinadas a representar a individuos específicos. Eran representaciones de un ideal: belleza, piedad, honor o sacrificio. Estas siempre fueron representaciones de hombres jóvenes, con edades que van desde la adolescencia hasta la madurez temprana, incluso cuando se colocan en las tumbas de (presuntamente) ciudadanos ancianos. Los kouroi eran todos estilísticamente similares. Las graduaciones en la estatura social de la persona que encargó la estatua se indicaron por el tamaño más que por las innovaciones artísticas.

• Dipylon Kouros, c. 600 aC, Atenas, Museo Kerameikos.
• El Moschophoros o becerro, c. 570 aC, Atenas, Museo de la Acrópolis.
• Phrasikleia Kore, c. 550 aC, Atenas, Museo Arqueológico Nacional de Atenas.
• Peplos Kore, c. 530 aC, Atenas, Museo de la Acrópolis.
• Friso del Tesoro de Siphnian, Delphi, que representa una Gigantomaquia, c. 525 aC, Museo Arqueológico de Delfos.
• Euthydikos Kore. C. 490 aC, Atenas, réplica autorizada, original en Museo Arqueológico Nacional de Atenas
• Cabeza de etíope y cabeza de mujer, con una inscripción kalos. Ático griego janiforme aryballos de figura roja, c. 520–510 a.

Clásico

El período clásico vio una revolución de la escultura griega, a veces asociada por los historiadores con la cultura popular que rodeaba la introducción de la democracia y el fin de la cultura aristocrática asociada con los kouroi. El período clásico vio cambios en el estilo y la función de la escultura, junto con un aumento dramático en la habilidad técnica de los escultores griegos para representar formas humanas realistas. Las poses también se volvieron más naturalistas, especialmente durante el comienzo del período. Esto se materializa en obras como Kritios Boy (480 a. C.), esculpido con el uso más antiguo conocido de contrapposto ('contraposición'), y el Auriga de Delfos.(474 a. C.), que demuestra una transición a una escultura más naturalista. Aproximadamente desde el año 500 a. C., las estatuas griegas comenzaron a representar cada vez más a personas reales, a diferencia de vagas interpretaciones de mitos o estatuas votivas completamente ficticias, aunque el estilo en el que estaban representadas aún no se había convertido en una forma realista de retrato. Las estatuas de Harmodius y Aristogeiton, erigidas en Atenas marcan el derrocamiento de la tiranía aristocrática, y se dice que son los primeros monumentos públicos que muestran a individuos reales.

El Período Clásico también vio un aumento en el uso de estatuas y esculturas como decoración de edificios. Los templos característicos de la época clásica, como el Partenón de Atenas y el Templo de Zeus en Olimpia, utilizaban esculturas en relieve para los frisos decorativos y esculturas redondas para rellenar los campos triangulares de los frontones. El difícil desafío estético y técnico estimuló mucho en el camino de la innovación escultórica. La mayoría de estas obras sobreviven solo en fragmentos, por ejemplo, los Mármoles del Partenón, aproximadamente la mitad de los cuales se encuentran en el Museo Británico.

La estatuaria funeraria evolucionó durante este período desde los kouros rígidos e impersonales del período Arcaico hasta los grupos familiares muy personales del período Clásico. Estos monumentos se encuentran comúnmente en los suburbios de Atenas, que en la antigüedad eran cementerios en las afueras de la ciudad. Aunque algunos de ellos representan tipos "ideales" (la madre en duelo, el hijo obediente), representan cada vez más a personas reales, típicamente mostrando al difunto despidiéndose dignamente de su familia. Este es un aumento notable en el nivel de emoción en relación con las eras arcaica y geométrica.

Otro cambio notable es el florecimiento del crédito artístico en la escultura. La totalidad de la información conocida sobre la escultura en los períodos arcaico y geométrico se centra en las obras mismas y rara vez, si es que alguna vez, en los escultores. Los ejemplos incluyen a Fidias, conocido por haber supervisado el diseño y la construcción del Partenón, y Praxiteles, cuyas esculturas de mujeres desnudas fueron las primeras en ser consideradas artísticamente respetables. La Afrodita de Knidos de Praxiteles, que sobrevive en copias, fue a menudo mencionada y elogiada por Plinio el Viejo.

Se dice que Lysistratus fue el primero en utilizar moldes de yeso tomados de personas vivas para producir retratos a la cera perdida, y también desarrolló una técnica de fundición a partir de estatuas existentes. Provenía de una familia de escultores y su hermano, Lysippos de Sicyon, produjo mil quinientas estatuas en su carrera.

La Estatua de Zeus en Olimpia y la Estatua de Atenea Parthenos (ambas criselefantinas y ejecutadas por Fidias o bajo su dirección, y considerada la mayor de las Esculturas Clásicas), se encuentran perdidas, aunque copias más pequeñas (en otros materiales) y buenas descripciones. de ambos todavía existen. Su tamaño y magnificencia llevaron a los rivales a apoderarse de ellos en el período bizantino, y ambos fueron trasladados a Constantinopla, donde luego fueron destruidos.

• Niño Kritios. Mármol, c. 480 a. Museo de la Acrópolis, Atenas.
• Copia del Diadumenos de Policlito, Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
• Llamada Venus Braschi por Praxiteles, tipo de la Afrodita de Knidian, Gliptoteca de Munich.
• Grupo familiar en una lápida de Atenas, Museo Arqueológico Nacional, Atenas
• La juventud maratón, estatua de bronce del siglo IV a. C., posiblemente de Praxíteles, Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
• Hermes, posiblemente de Lysippos, Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
• Jarrón de terracota con la forma de la cabeza de Dionisio, ca. 410 aC; en exhibición en el Museo del Ágora Antigua en Atenas, ubicado en la Stoa de Attalus
• Vasija de cerámica, Afrodita dentro de una concha; de Ática, Grecia clásica, descubierta en el cementerio de Phanagoria, Península de Taman (Reino de Bosporan, sur de Rusia), principios del siglo IV a. C., Museo del Hermitage, San Petersburgo.
• El soldado de caballería ateniense Dexileos luchando contra un hoplita desnudo en la Guerra de Corinto. Dexileos murió en acción cerca de Corinto en el verano de 394 a. C., probablemente en la Batalla de Nemea, o en un enfrentamiento cercano. Estela grave de Dexileos, 394-393 a.C.

Helenístico

La transición del período clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a. El arte griego se volvió cada vez más diverso, influenciado por las culturas de los pueblos atraídos a la órbita griega, por las conquistas de Alejandro Magno (336 a 323 a. C.). En opinión de algunos historiadores del arte, esto se describe como una disminución de la calidad y la originalidad; sin embargo, es posible que las personas de la época no hayan compartido esta perspectiva. Ahora se sabe que muchas esculturas que antes se consideraban obras maestras clásicas pertenecen a la época helenística. La habilidad técnica de los escultores helenísticos se evidencia claramente en obras tan importantes como la Victoria alada de Samotracia., y el Altar de Pérgamo. Nuevos centros de cultura griega, particularmente en escultura, se desarrollaron en Alejandría, Antioquía, Pérgamo y otras ciudades. Para el siglo II a. C., el poder creciente de Roma también había absorbido gran parte de la tradición griega, y también una proporción cada vez mayor de sus productos.

Durante este período, la escultura experimentó nuevamente un cambio hacia un naturalismo creciente. La gente común, las mujeres, los niños, los animales y las escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que encargaban las familias adineradas para adornar sus hogares y jardines. Se produjeron figuras realistas de hombres y mujeres de todas las edades y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. Al mismo tiempo, las nuevas ciudades helenísticas que surgían en Egipto, Siria y Anatolia requerían estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto hizo de la escultura, como la cerámica, una industria, con la consiguiente estandarización y (alguna) rebaja de calidad. Por estas razones, sobreviven bastantes estatuas helenísticas más que las del período clásico.

Junto con el cambio natural hacia el naturalismo, también hubo un cambio en la expresión de las esculturas. Las esculturas comenzaron a expresar más poder y energía durante este período de tiempo. Una manera fácil de ver el cambio de expresión durante el período helenístico sería compararlo con las esculturas del período clásico. El período clásico tuvo esculturas como el Auriga de Delfos que expresan humildad. Sin embargo, las esculturas del período helenístico vieron mayores expresiones de poder y energía como se demuestra en el Jockey de Artemision.

Algunas de las esculturas helenísticas más conocidas son la Victoria alada de Samotracia (siglo II o I a. C.), la estatua de Afrodita de la isla de Melos conocida como la Venus de Milo (mediados del siglo II a. C.), el galo moribundo (alrededor de 230 BC), y el grupo monumental Laocoonte y sus hijos(finales del siglo I a.C.). Todas estas estatuas representan temas clásicos, pero su tratamiento es mucho más sensual y emocional de lo que hubiera permitido el gusto austero del período clásico o sus habilidades técnicas. La escultura helenística también estuvo marcada por un aumento de escala, que culminó en el Coloso de Rodas (finales del siglo III), que se cree que tenía aproximadamente el mismo tamaño que la Estatua de la Libertad. El efecto combinado de terremotos y saqueos ha destruido esta y otras obras muy grandes de este período que podrían haber existido.

Tras las conquistas de Alejandro Magno, la cultura griega se extendió hasta la India, como revelan las excavaciones de Ai-Khanoum en el este de Afganistán, y la civilización de los grecobactrianos y los indogriegos. El arte greco-budista representó un sincretismo entre el arte griego y la expresión visual del budismo. Los descubrimientos realizados desde finales del siglo XIX en torno a la antigua ciudad egipcia (ahora sumergida) de Heracleum incluyen una representación de Isis del siglo IV a. La representación es inusualmente sensual para las representaciones de la diosa egipcia, además de ser inusualmente detallada y femenina, marcando una combinación de formas egipcias y helenísticas en la época de la conquista de Egipto por parte de Alejandro Magno.

En Goa, India, se encontraron estatuas de Buda de estilo griego. Estos se atribuyen a conversos griegos al budismo, muchos de los cuales se sabe que se establecieron en Goa durante la época helenística.

• El príncipe helenístico, una estatua de bronce que originalmente se pensó que era un seléucida, o Atalo II de Pérgamo, ahora se considera un retrato de un general romano, realizado por un artista griego que trabajaba en Roma en el siglo II a.
• La victoria alada de Samotracia (helenística), el Louvre, París
• Monumento sepulcral de un Adonis moribundo, terracota policromada, arte etrusco de Tuscana, 250-100 a.C.
• Fragmento de un relieve de mármol que representa un Kore, siglo III a. C., de Panticapaeum, Taurica (Crimea), Reino del Bósforo
• Cabeza de terracota griega antigua de un hombre joven, encontrada en Tarent, c. 300 aC, Antikensammlung Berlín.
• Cabeza femenina que incorpora un jarrón (lekythos), c. 325-300 a.C.
• Retrato de bronce de un modelo desconocido, con ojos incrustados, época helenística, siglo I a. C., encontrado en el lago Palestra de la isla de Delos.
• Friso greco-budista de Gandhara con devotos, sosteniendo hojas de plátano, en estilo helenístico, dentro de columnas corintias, siglos I-II d.C. Buner, Swat, Pakistán. Museo Victoria y Alberto.
• Lápida de una mujer con su hijo esclavo atendiéndola, c. 100 a. C. (período temprano de la Grecia romana)

Imágenes de culto

Todos los templos griegos antiguos y los templos romanos normalmente contenían una imagen de culto en la cella. El acceso a la cella variaba, pero aparte de los sacerdotes, al menos algunos de los fieles generales podían acceder a la cella en algún momento, aunque los sacrificios a la deidad normalmente se hacían en altares fuera del recinto del templo (temenos en griego). Algunas imágenes de culto eran fáciles de ver y eran lo que llamaríamos grandes atracciones turísticas. La imagen normalmente tomaba la forma de una estatua de la deidad, originalmente de tamaño inferior al natural, luego típicamente de tamaño aproximadamente natural, pero en algunos casos muchas veces de tamaño natural, en mármol o bronce, o en la forma especialmente prestigiosa de un Estatua criselefantina con placas de marfil para las partes visibles del cuerpo y oro para las ropas, alrededor de un marco de madera. Las imágenes de culto griego más famosas eran de este tipo, incluida la estatua de Zeus en Olimpia y la Atenea Parthenos de Fidias en el Partenón de Atenas, ambas estatuas colosales ahora completamente perdidas. Se han excavado fragmentos de dos estatuas criselefantinas de Delfos. Las imágenes de culto generalmente tenían o usaban atributos de identificación, que es una forma de distinguirlas de las muchas otras estatuas de deidades en los templos y otros lugares.

El acrolito era otra forma compuesta, esta vez económica con un cuerpo de madera. Un xoanon era una imagen primitiva y simbólica, generalmente en madera, algunos quizás comparables al lingam hindú, aunque la imagen de culto más antigua del mundo griego, el minoico Palaikastro Kouros, es muy sofisticada. Muchas xoana fueron retenidas y veneradas por su antigüedad en períodos posteriores; a menudo eran lo suficientemente ligeros como para ser llevados en procesiones. Muchas de las estatuas griegas bien conocidas de las copias romanas en mármol eran originalmente imágenes de culto del templo, que en algunos casos, como el Apolo Barberini, pueden identificarse de manera creíble. Sobreviven muy pocos originales reales, por ejemplo, el Piraeus Athena de bronce (2,35 metros de altura, incluido un casco).

En la mitología griega y romana, un "paladio" era una imagen de gran antigüedad de la que se decía que dependía la seguridad de una ciudad, especialmente la de madera que robaron Odiseo y Diomedes de la ciudadela de Troya y que luego fue llevada a Roma por Eneas. (La historia romana se relata en la Eneida de Virgilio y otras obras).

Pañería

Femenino

• Diana de Gabies [ fr ] vistiéndose con un diplax
• Palas sobre un peplo.
• Chitona
• Tejedores en el Friso del Partenón

Masculino

• clamidia
• Friso del Partenón