Escultura en Japón

La escultura en Japón comenzó con la figura de arcilla. Hacia el final del largo período neolítico Jōmon, algunas vasijas de cerámica tenían "bordes de llamas" con extravagantes extensiones en el borde que solo pueden llamarse esculturales, y se produjeron figuras de dogū de cerámica muy estilizadas, muchas con la característica "gafas de nieve". ojos. Durante el período Kofun del siglo III al VI EC, se erigieron figuras de terracota haniwa de humanos y animales en un estilo simplista fuera de tumbas importantes. La llegada del budismo en el siglo VI trajo consigo tradiciones sofisticadas en escultura, estilos chinos mediados a través de Corea. El Hōryū-ji del siglo VII y su contenido han sobrevivido más intactos que cualquier templo budista de Asia oriental de su fecha, con obras que incluyen una Trinidad Shaka.de 623 en bronce, que muestra al Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas y también a los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones.

Se dice que Jōchō es uno de los más grandes escultores budistas no solo del período Heian sino también en la historia de las estatuas budistas en Japón. Jōchō redefinió la forma del cuerpo de las estatuas de Buda al perfeccionar la técnica de yosegi zukuri (寄木造り), que es una combinación de varias maderas. La expresión pacífica y la elegante figura de la estatua de Buda que hizo completaron un estilo japonés de escultura de estatuas de Buda llamado Jōchō yō ('estilo Jōchō',定朝様) y determinaron el estilo de las estatuas budistas japonesas del período posterior. Su logro elevó dramáticamente el estatus social de bushi (escultor budista) en Japón.

En el período Kamakura, el clan Minamoto estableció el shogunato Kamakura y la clase Samurai gobernó prácticamente todo Japón por primera vez. Los sucesores de Jocho, escultores de la escuela Kei de estatuas budistas, crearon estatuas realistas y dinámicas para adaptarse a los gustos de los samuráis, y la escultura budista japonesa alcanzó su apogeo. Unkei, Kaikei y Tankei eran famosos, e hicieron muchas estatuas de Buda nuevas en muchos templos como Kofuku-ji, donde muchas estatuas de Buda se habían perdido en guerras e incendios.

Casi todas las esculturas grandes significativas posteriores en Japón fueron budistas, con algunos equivalentes sintoístas, y después de que el budismo declinó en Japón en el siglo XV, la escultura monumental se convirtió en gran parte en decoración arquitectónica y menos significativa. Sin embargo, el trabajo escultórico en las artes decorativas se desarrolló hasta un notable nivel de logro técnico y refinamiento en objetos pequeños como inro y netsuke en muchos materiales, y tosogu de metal o montajes de espadas japonesas. En el siglo XIX había industrias de exportación de pequeñas esculturas de bronce de gran virtuosismo, figurillas de marfil y porcelana, y otros tipos de pequeña escultura, enfatizando cada vez más la realización técnica.

Historia

Arte antiguo

El interés por el arte antiguo está creciendo y los artistas buscan producir un arte similar en sus propias obras. En todos los casos, se ha encontrado que los ejemplos del arte antiguo poseen características idénticas a las del arte moderno, y las antiguas figuras de arcilla japonesas conocidas como dogū (土偶) y haniwa (埴輪) no son excepciones a esta regla.

Ningún erudito ha sido capaz de determinar con certeza cuándo los humanos se mudaron al archipiélago japonés. Fueron estos primeros habitantes quienes eventualmente desarrollaron el primer arte nativo japonés en loza tosca y en extrañas figuras de arcilla llamadas dogū, que probablemente sean fetiches de alguna naturaleza religiosa. Algunos pueden haber sido utilizados en ritos de fertilidad y otros para exorcismo u otras formas de ritual.

Las figuras dogū son impresionantes por su elaborado y misterioso simbolismo; y hay una sensación de fuerza y ​​pasión en las líneas fuertemente grabadas y los remolinos con los que están decoradas las figuras.

La leyenda, tal como se registra en Nihon Shoki (Crónicas de Japón), que es una historia antigua de Japón recopilada en 720, afirma que el haniwa fue ordenado en el momento de la muerte de una emperatriz por el emperador que lamentaba la costumbre de los sirvientes y sirvientas de los difuntos. siguiendo a su maestro en la muerte, y ordenó que se moldearan figuras de arcilla y se colocaran alrededor del túmulo funerario kofun en lugar del sacrificio de seres vivos. Los eruditos dudan de la autenticidad de esta historia y sostienen que las pipas cilíndricas de arcilla fueron las primeras formas de haniwa, y que se usaron como estacas para mantener la tierra del túmulo en su lugar. Más tarde estos haniwa cilíndricos lisosllegó a ser decorado y a tomar diversas formas, incluidas las formas de casas y animales domésticos, así como los seres humanos. Se han encontrado dispuestos en círculo alrededor del montículo, dando crédito a la teoría de los eruditos. Sin embargo, las figuras haniwa sin duda llegaron a adoptar algún tipo de simbolismo religioso más tarde, además de su propósito práctico original como apuestas.

• Vasija 'estilo llama', período Neolítico Jōmon; C. 2750 a. C.; loza con decoración tallada y aplicada; altura: 61 cm, diámetro: 55,8 cm
• Dogū con ojos de "gafas de nieve", 1000-400 a. C.
• figuras haniwa

Períodos de Asuka y Hakuhō

El surgimiento japonés del período de las artes primitivas nativas fue instigado principalmente por la introducción del budismo del continente asiático continental a mediados del siglo VI. Junto con la nueva religión, hábiles artistas y artesanos de China llegaron a Japón para construir sus templos y esculpir ídolos, y para transmitir técnicas artísticas a los artesanos nativos.

Los primeros ejemplos de arte budista se pueden ver en el templo Horyū-ji del siglo VII en Nara, cuyos edificios en sí mismos, establecidos en un patrón prescrito con salón principal, campanario, pagodas y otros edificios encerrados dentro de un corredor techado circundante, conservan un aura de la época antigua, junto con los innumerables tesoros artísticos que se conservan en sus salas.

Nara y sus alrededores contienen la gran mayoría de los tesoros de la nación del primer período del arte budista, conocido en la historia del arte como el período Asuka. La escultura de este período muestra, como casi toda la escultura posterior, la influencia del arte continental. El destacado escultor de Asuka, Tori Busshi, siguió el estilo de la escultura de North Wei y estableció lo que se conoce como la escuela de escultura Tori. Ejemplos notables de las obras de Tori son la Tríada Sakyamuni, que son los íconos principales del Salón Dorado del templo Horyū-ji y el Boddhisatva Kannon del Salón Yumedono del mismo templo, también conocido como Guze Kannon.

Algunas de las esculturas budistas más importantes pertenecen al subsiguiente período artístico de Hakuho, cuando la escultura llegó a mostrar una influencia predominantemente Tang. El aire místico poco realista del anterior estilo Tori vino a ser reemplazado por una pose suave y flexible y una belleza casi sensual más a la manera de Maitreya, con ojos largos y estrechos como hendiduras y rasgos gentiles y afeminados, que a pesar de su aire de ensueño. tienen sobre ellos una accesibilidad íntima. La frialdad de la escultura anterior de Asuka se suaviza en una forma más nativa; y se ve en ellos un compromiso entre el ideal divino y el humano.

Las esculturas representativas de este período son la hermosa Sho Kannon del templo Yakushiji y la Yumatagae Kannon de Horyū-ji, ambas mostrando la plenitud de la carne redondeada dentro de los pliegues convencionales de las prendas, reflejando en su maestría que las características del arte Gupta se transmiten a Japonés a través de Tang.

• Bodhisattva, período Asuka, siglo VII. Museo Nacional de Tokio.
• El Shakyamuni Daibutsu Bronce (4,8 metros) es la escultura de Buda más antigua que se conoce en Japón.

Período nara

En 710-793, los escultores japoneses aprendieron el estilo Tang alto y produjeron un estilo llamado escultura Tenpyō, que muestra un rostro realista, un volumen sólido masivo, cortinas naturales y una representación delicada del sentimiento. El emperador Shōmu encargó el colosal Buda Vairocana de bronce dorado en el templo Tōdai-ji, que se completó en 752. Aunque la estatua ha sido destruida dos veces y reparada, ha sobrevivido una parte original menor. Entre muchas obras originales, el Asura en el templo Kōfukuji es una estatua de laca seca que muestra una delicada representación del sentimiento. Los cuatro guardianes de Kaidanin, una división del templo Tōdai-ji, son estatuas de arcilla. Una fábrica oficial nacional, Zō Tōdai-ji shi("Oficina de construcción del templo Tōdai-ji"), produjo muchas esculturas budistas por división del trabajo para Tōdai-ji y otros templos oficiales y templos para novedades. En la fábrica se hicieron esculturas de bronce dorado, laca seca, arcilla, terracota, repujado, piedra y plata. Generalmente los escultores eran seculares y recibían estatus y salario oficiales. Algunos estudios privados ofrecieron íconos budistas a la gente, y algunos monjes los hicieron ellos mismos.

• Tríada de Yakushi en Yakushi-ji
• Kannon de Jūichimen, siglo VIII, Shōrin-ji en Nara
• Senju Kannon de Fujii-dera en Osaka
• Gran Buda de Tōdai-ji en Nara
• Fukū-kensaku Kannon de Hokke-do.
• Shukongoshin Todai-ji en Nara

Periodo Heian

Con el traslado de la capital imperial de Nara a Kioto en 794, los grandes templos no se trasladaron a Kioto. El gobierno alimentó el nuevo budismo esotérico importado de la dinastía Tang en China. La fábrica oficial Zo Tōdai-ji shi se cerró en 789. Los escultores despedidos trabajaron bajo el patrocinio de grandes templos en Nara, nuevos templos de la secta esotérica, la corte y las novedades.Los escultores recibieron el estatus de clérigos del templo, fueran o no miembros de la orden. La madera se convirtió en el medio principal. En cuanto al estilo, el período Heian se dividió en dos: el período Heian temprano y el posterior. A principios del período Heian (794 hasta mediados del siglo X), florecieron las estatuas budistas esotéricas. Kūkai, Saichō y otros miembros de las embajadas imperiales japonesas en China importaron el estilo Tang alto al posterior. Los cuerpos de las estatuas fueron tallados en bloques individuales de madera y parecen imponentes, macizos y pesados ​​en comparación con las obras del período de Nara. Sus extremidades gruesas y rasgos faciales severos, casi melancólicos, los imbuyen de un sentido de misterio oscuro e inspiran asombro en el espectador, de acuerdo con el secreto de los ritos budistas esotéricos. Prendas pesadamente talladas, en las que se alternan pliegues redondeados con pliegues bien cortados, son típicos de la época. Entre las deidades budistas esotéricas, los japoneses han producido enormes imágenes de Acala.

En el período Heian posterior (desde mediados del siglo X hasta el siglo XII), la sofisticación de la cultura de la corte y la popularidad de Amida Worship dieron lugar a un nuevo estilo: rasgos suaves, tranquilos y refinados con una proporción más atenuada. Los escultores japonizaron los rostros de las imágenes. El líder de la secta Tierra Pura (Adoración Amida) Genshin y su obra Ōjōyōshū influyeron en muchos escultores. La obra maestra es el Buda Amida en Byōdō-in en Uji del maestro Jōchō. Estableció un canon de escultura budista. Fue llamado el experto en la técnica yosegi zukuri: los escultores también comenzaron a trabajar con múltiples bloques de madera. Esta técnica permitió la producción de talleres de maestros con aprendices. En la escuela, un nieto de Jōchō estableció un taller que trabajaba con la Corte Imperial en Kioto. En la escuela [ja]una disciplina de Jōchō, también estableció Sanjyō-Atlier en Kioto.

• Bonten en Tō-ji. 839
• Amitābha en Byōdō-in creado por Jōchō. 1053.
• Una estatua de madera dorada del Buda Vairocana, siglos XI-XII.
• Estatua de Komokuten (Virūpākṣa). Jōruri-ji, siglos XI-XII.
• Estatua de Tamonten (Vaiśravaṇa), Museo Nacional de Nara, siglos XI-XII, finales del período Heian o principios del período Kamakura.

Período Kamakura

Este período de Kamakura se considera la era del Renacimiento de la escultura japonesa. Las esculturas de la escuela Kei lideraron esta tendencia; son descendientes de Jōchō. Establecieron un nuevo estilo de escultura budista basado en el realismo, incorporando elementos del estilo Tenpyo del período Nara, así como el yosegi-zukuri.técnica establecida por Jōchō en el período Heian. Sus esculturas se caracterizan por expresiones afiladas y severas, cuerpos musculosos y tridimensionales, posturas y vestimentas que expresan movimiento, y han logrado expresar sus emociones, sentimientos tridimensionales y movimientos más que antes. Este realismo reflejaba los gustos de los samuráis, que efectivamente habían gobernado Japón desde el período Kamakura y se habían convertido en nuevos mecenas de las esculturas budistas. Por otro lado, las esculturas de arcilla, laca seca, repujado y terracota no revivieron. Utilizaron principalmente madera y, a veces, bronce.

La escuela Kei echó raíces en la ciudad de Nara, que fue la antigua capital (710–793), y trabajó en grandes templos en Nara. En el período Kamakura, la corte de Kioto y el gobierno militar del shogunato de Kamakura reconstruyeron grandes templos quemados en las guerras de finales del siglo XII. Se repararon muchas esculturas y se reconstruyeron o repararon muchos edificios. El carácter "renacentista" se refleja en el proyecto.

Entre los escultores de la escuela Kei, Unkei es el más famoso. Entre sus obras, un par de colosales Kongō-rikishi en Tōdai-ji son las más famosas, y las estatuas con forma de retrato de sacerdotes indios en Kōfuku-ji son elaboradas obras maestras. Unkei tuvo seis hijos escultores y su obra también estuvo imbuida del nuevo humanismo. Tankei, el hijo mayor y un escultor brillante, se convirtió en el director del estudio. Kōshō, el cuarto hijo, produjo una escultura notable del maestro budista japonés del siglo X Kuya (903–972). Kaikei fue colaborador de Unkei. Era un devoto seguidor de la secta Tierra Pura. Trabajó con el sacerdote Chōgen (1121-1206), director del proyecto de reconstrucción de Tōdai-ji. Muchas de sus figuras están más idealizadas que las de Unkei y sus hijos, y se caracterizan por una superficie bellamente acabada, ricamente decorado con pigmentos y oro. Se han conservado más de 40 de sus obras, muchas de las cuales están firmadas por él. Su obra más importante es la Tríada Amitabha de Ono Jōdo-ji (1195).

Una de las artes budistas más destacadas de la época fue la estatua de Buda consagrada en Sanjūsangen-dō que consta de 1032 estatuas producidas por escultores de estatuas budistas de la escuela Kei, In school y En school. La imagen principal Senju Kannon en el centro, los 1001 Senju Kannon circundantes, los 28 asistentes de Senju Kannon, Fūjin y Raijin crean un espacio solemne, y todas las estatuas de Buda están designadas como Tesoros Nacionales.

Los escultores también trabajaron para el shogunato de Kamakura y otros clanes militares. Produjeron esculturas budistas y retratos para ellos. El colosal Buda Amitabha de bronce en Kamakura Kōtoku-in se hizo en 1252. Todas las clases sociales contribuyeron con fondos para hacer este colosal bronce. Tal patrocinio aumentó y, a veces, reemplazó al antiguo patrocinio de hombres ricos y poderosos.

• Kongo Rikishi en Kōfuku-ji, 1189
• Dainichi Nyorai por Unkei, Enjō-ji, 1193
• Amitābha por Kaikei. Jōdo-ji, 1195－1197.
• Tres Asistentes de Fudō Myōō por Unkei. Kongōbu-ji, 1197.
• Nio guardián en Tōdai-ji, de Unkei,
• Chōgen, consagrado en el Shunjodo en Tōdai-ji, 1206
• Aizen Myo'o (Ragaraja), siglo XIII d.C., Museo Nacional de Tokio
• Retrato del monje Kūya (930-972 d. C.), altura total de unos cm, madera, coloreado, siglo XIII d. C. de Kosho
• Ryutoki de Koben, Kōfuku-ji, 1205
• Senju Kannon por Tankei, Sanjusangen-dō, 1254,
• Kamakura Daibutsu (Buda Amida) en Kōtoku-in.
• Doce generales celestiales, Jōruri-ji

Período Muromachi y período Sengoku

Las esculturas budistas disminuyeron en cantidad y calidad. El nuevo budismo zen desaprobó las imágenes de Buda. Los grandes templos de las antiguas sectas fueron deprimidos por las guerras civiles. Las esculturas de retratos de maestros zen se convirtieron en un nuevo género durante este período. El arte de tallar máscaras para el teatro Noh floreció y mejoró entre los siglos XV y XVII.

• Senju Kannon, siglo XIV. Museo Nacional de Tokio
• Juichimen Kannon, siglo XIV. Museo Metropolitano de Arte
• Zao Gongen. Siglo XIV-XVI, Museo Metropolitano de Arte
• Máscara Noh, siglo XVI

Periodo Edo

La reconstrucción de los templos budistas quemados en las guerras civiles requirió escultores. Las nuevas esculturas fueron en su mayoría talladas de forma conservadora en madera y doradas o policromadas. En su mayoría carecen de poder artístico. Sin embargo, algunos monjes escultores budistas produjeron imágenes de madera toscamente talladas y sin pintar. Enkū (1632–1695) y Mokujiki (1718–1810) son representativos. Viajaron por Japón y produjeron enormes obras con fines misioneros y ceremoniales. Sus estilos arcaicos y espirituales fueron reevaluados en el siglo XX. El arte de tallar máscaras para Noh también continuó produciendo mejores obras en el siglo XVII.

En el período Edo, la urbanización progresó en varias partes de Japón y la cultura de la gente del pueblo se desarrolló mucho. En este período, inro y netsuke se hicieron populares como accesorios para hombres. Netsuke son tallas elaboradas de madera y marfil, y el tema principal fueron animales y criaturas imaginarias. Debido a que netsuke es pequeño y fácil de recolectar, hay muchos coleccionistas incluso ahora.

Durante este período, se adjuntaron muchas esculturas a los edificios de los santuarios sintoístas construidos en el estilo Gongen-zukuri.

• Netsuke de tigresa con dos cachorros, mediados del siglo XIX, marfil con incrustaciones de concha
• Herrajes para espadas. Tsuba (arriba a la izquierda) y fuchigashira (arriba a la derecha) realizados por Ishiguro Masayoshi en el siglo XVIII o XIX. Kogai (centro) y kozuka (abajo) hechos por Yanagawa Naomasa en el siglo XVIII.
• Izumiya Tomotada, netsuke en forma de perro, finales del siglo XVIII
• Seishi Bosatsu (Bodhisattva). siglo XVII o XVIII. Museo Metropolitano de Arte
• Máscara Noh tipo Hannya. siglo XVII o XVIII. Museo Nacional de Tokio
• Templo Kangiin

Meiji al período moderno

A fines del siglo XIX, el shogunato Tokugawa entregó el control de Japón al emperador, y Japón rápidamente modernizó y abolió la clase samurái, y la ropa japonesa comenzó a occidentalizarse. Como resultado, los artesanos que fabricaban espadas, armaduras, netsuke, kiseru, inro y muebles japoneses perdieron clientes, pero con el apoyo del nuevo gobierno, comenzaron a hacer esculturas de metal, marfil y madera extremadamente elaboradas, que luego exportaban a los Estados Unidos. Estados Unidos y Europa. Durante las eras Meiji y Taishō, la escultura japonesa pasó de la producción de objetos devocionales a objetos decorativos y, finalmente, a las bellas artes. Las exhibiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a una nueva audiencia extranjera, atrayendo fuertes elogios.La historia pasada del armamento samurái equipó a los metalúrgicos japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Combinando y terminando el cobre, la plata y el oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas que incluyen shakudō y shibuichi. Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podría dar la impresión de una decoración a todo color.

El estímulo de las formas de arte occidentales devolvió la escultura a la escena artística japonesa e introdujo el molde de yeso, la escultura heroica al aire libre y el concepto de escultura de la escuela de París como una "forma de arte". Tales ideas adoptadas en Japón a fines del siglo XIX, junto con el regreso del patrocinio estatal, rejuvenecieron la escultura.

En 1868, el nuevo gobierno prohibió el sincretismo tradicional del sintoísmo y el budismo y les ordenó separar los templos budistas y los santuarios sintoístas para establecer un gobierno centralizado por el Emperador, quien era el sacerdote supremo del sintoísmo. En respuesta a esta situación, algunos sacerdotes sintoístas comenzaron a destruir templos budistas. Okakura Tenshin y otros trabajaron duro en actividades políticas para proteger el arte budista y el gobierno declaró que protegería el budismo. La destrucción se detuvo alrededor de 1874, pero se perdieron muchas preciosas estatuas budistas.

• Quemador de incienso (Koro), plata decorada con metales preciosos y cristal de roca, 1890
• Águila de Suzuki Chokichi, 1892, Museo Nacional de Tokio
• Doce halcones de Suzuki Chokichi, 1893
• Mono viejo de Takamura Kōun, 1893
• Cesta de Flores realizada en marfil. circa 1900 en la Colección Khalili de Arte Japonés
• Okimono de pez en el agua, alrededor de 1900 en la Colección Khalili de Arte Japonés

Arte contemporáneo

Después de la Segunda Guerra Mundial, los escultores se alejaron de la escuela figurativa francesa de Rodin y Maillol hacia formas y materiales agresivos, modernos y vanguardistas, a veces a gran escala. Una profusión de materiales y técnicas caracterizó estas nuevas esculturas experimentales, que también absorbieron las ideas del arte internacional "op" (ilusión óptica) y "pop" (motivo popular). Varios artistas innovadores fueron tanto escultores como pintores o grabadores, y sus nuevas teorías traspasaron las fronteras materiales.

En la década de 1970, las ideas de colocación contextual de objetos naturales de piedra, madera, bambú y papel en relación con las personas y su entorno se incorporaron en la escuela mono-ha. Los artistas mono-ha enfatizaron la materialidad como el aspecto más importante del arte y pusieron fin al antiformalismo que había dominado la vanguardia en las dos décadas anteriores. Este enfoque en las relaciones entre objetos y personas fue omnipresente en todo el mundo de las artes y condujo a una creciente apreciación de las cualidades "japonesas" en el entorno y un retorno a los principios y formas artísticas nativas. Entre estos preceptos se encontraban la reverencia por la naturaleza y varios conceptos budistas, que los arquitectos pusieron en juego para tratar problemas de tiempo y espacio. La ideología occidental fue cuidadosamente reexaminada, y mucho fue rechazado cuando los artistas recurrieron a su propio entorno, tanto interno como externo, en busca de sustento e inspiración. Desde finales de la década de 1970 hasta finales de la de 1980, los artistas comenzaron a crear un nuevo arte vital, que era tanto contemporáneo como asiático en fuentes y expresión, pero que aún formaba parte de la escena internacional. Estos artistas se enfocaron en proyectar su propio individualismo y estilos nacionales más que en adaptar o sintetizar ideas occidentales exclusivamente.

La escultura al aire libre, que pasó a primer plano con la llegada del Museo al aire libre de Hakone en 1969, fue ampliamente utilizada en la década de 1980. Las ciudades apoyaron enormes esculturas al aire libre para parques y plazas, y los principales arquitectos planearon la escultura en sus edificios y diseños urbanos. Los museos al aire libre y las exhibiciones florecieron, enfatizando la ubicación natural de la escultura en el medio ambiente. Debido a que la piedra de escultura dura no es originaria de Japón, la mayoría de las piezas para exteriores se crearon con acero inoxidable, plástico o aluminio para construcciones de máquinas de "tensión y compresión" de acero con superficie de espejo o para formas ultramodernas elegantes de aluminio pulido. La fuerte influencia de la alta tecnología moderna en los artistas dio como resultado la experimentación con formas cinéticas y de tracción, como arcos flexibles y esculturas "infoambientales" que utilizan luces. Los componentes de video y el videoarte se desarrollaron rápidamente desde finales de la década de 1970 hasta la década de 1980. Se podría entender que los nuevos escultores experimentales japoneses trabajaron con ideas budistas de permeabilidad y regeneración al estructurar sus formas, en contraste con la concepción occidental general de la escultura como algo con contornos finitos y permanentes.

En la década de 1980, la madera y los materiales naturales fueron utilizados de forma destacada por muchos escultores, que ahora comenzaron a colocar sus obras en patios interiores y espacios cerrados. Además, un sentimiento japonés por el movimiento rítmico, capturado en formas recurrentes como un "movimiento gestual sistemático", fue utilizado tanto por artistas establecidos como Kyubei Kiyomizu y Hidetoshi Nagasawa como por la generación más joven liderada por Shigeo Toya.