Escultura de los Estados Unidos

La historia de la escultura en los Estados Unidos comienza en el siglo XVII, “con los modestos esfuerzos de los artesanos que adornaban lápidas, cajas de Biblias y diversos objetos utilitarios con decoraciones sencillas en bajo relieve. " La escultura estadounidense en sus múltiples formas, géneros y apariencias ha contribuido continuamente al panorama cultural del arte mundial en el siglo XXI.

Arte popular

Con frecuencia hay arte en lápidas, productos de hierro, muebles, juguetes y herramientas bien hechos, que quizás reflejan mejor el carácter de un pueblo que las esculturas hechas en estilos clásicos para las élites sociales. Una de estas aplicaciones específicas, la talla de mascarones de proa de madera para barcos, comenzó en América ya en 1750 y un siglo después ayudó a lanzar las carreras de Samuel McIntyre y del primer escultor famoso del país, William Rush (1756-1833). ) de Filadelfia. La tradición que comenzó entonces continúa hoy en el estilo de escultura popular conocido como tallado con motosierra.

• 
  Gravestone de Boston, 1736 (?)
• 
  Jefe de figura, artista desconocido, c. 1830, Art Institute of Chicago
• 
  Predicador, c. 1830, Art Institute of Chicago
• 
  William Rush—portrait del general Andrew Jackson, 1815, Art Institute of Chicago

Los años italianos

En la década de 1830, la primera generación de notables escultores estadounidenses estudió y vivió en Italia, particularmente en Florencia y Roma, creando el estilo neoclásico. En aquella época, Italia "proporcionó la atmósfera adecuada, acercó al escultor a los grandes monumentos de la antigüedad y proporcionó colecciones de museos disponibles para su estudio." También dieron a los artistas acceso a los talladores de Italia que tradujeron sus trabajos en arcilla al mármol. Durante este período, los temas a partir de los cuales se elegían los temas de las obras escultóricas tendían a provenir de la antigüedad, con la excepción de los retratos (cuyos sujetos aparecían frecuentemente vestidos con atuendos romanos o griegos) o las obras que incluían a nativos americanos. Estos artistas incluyeron a Horatio Greenough (1805–1852), Hiram Powers (1805–1873), Thomas Crawford (1814–1857), Thomas Ball (1819–1911) y su yerno William Couper (1853–1942), Harriet. Hosmer (1830–1908), Chauncey Ives (1810–1894), Randolph Rogers (1825–1892) y (algo más tarde) William Henry Rinehart (1825–1874).

• 
  Horatio Greenough, Abdiel 1838-43
• 
  Thomas Crawford, David Triumphant, 1848
• 
  Hiram Powers — El esclavo griego, Castillo de Raby, 1844
• 
  Randolph Rogers, Nydia, la chica de flores ciegas de Pompeya, 1856
• 
  El prisionero de voluntad por Chauncey Ives, 1871

Escultoras estadounidenses del siglo XIX

Las mujeres estadounidenses también se convirtieron en escultoras activas durante el período italiano a pesar del sexismo de la época. Entre las mujeres que adquirieron tanto encargos como fama se encontraban Edmonia Lewis, Harriet Hosmer, Anne Whitney, Vinnie Ream y Emma Stebbins).

• 
  Harriet Hosmer, Zenobia en cadenas, 1857, Museo de Arte de Saint Louis
• 
  Emma Stebbins ' Bethesda Fountain
• 
  Vinnie Ream Lincoln
• 
  Charles Sumner por Anne Whitney

Los años de París

En las décadas posteriores a la Guerra Civil, los escultores estadounidenses comenzaron a ir cada vez más a París a estudiar, coincidiendo con el estilo más naturalista y dramático ejemplificado por las obras de Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) y Antoine-Louis. Barye (1796-1875) y otros escultores franceses. Entre estos estadounidenses se encontraban Augustus Saint-Gaudens, Frederick MacMonnies y Daniel Chester French.

• 
  Adams Memorial 1891, por Augustus Saint-Gaudens
• 
  Abraham Lincoln, 1920, la escultura de Daniel Chester francés en el Lincoln Memorial, Washington, D.C.
• 
  Lincoln (detalles), 1916, Daniel Chester French, Art Institute of Chicago
• 
  Monumento de batalla de Princeton MacMonnies

De cosecha propia

La escultura estadounidense de mediados y finales del siglo XIX fue a menudo clásica y romántica, pero mostró una inclinación especial por un realismo dramático, narrativo, casi periodístico (especialmente apropiado para temas nacionalistas), como lo atestigua la vida fronteriza representada por Federico Remington. Este fue el comienzo del estilo de "arte occidental" eso continuó con Alexander Phimister Proctor y otros durante el siglo XX y el XXI.

• 
  El Buster Broncho por Frederic Remington
• 
  Cowboy en el descanso por Solon Borglum, 1904
• 
  Cowboy por Frederic Remington, 1908
• 
  Llamamiento al Gran Espíritu por Cyrus Dallin, 1909
• 
  Hudson McKnight Memorial, por Alexander Phimister Proctor, 1931

Escultoras de animales (Animaliers)

El naturalismo de la escuela francesa, ejemplificado por Antoine Barye, tuvo un gran impacto en los primeros escultores de la vida silvestre estadounidense. La primera generación de animalistas estadounidenses incluyó a Edward Kemeys, Edward Potter (que ocasionalmente trabajó con Daniel Chester French, produciendo caballos para sus estatuas ecuestres), Alexander Phimister Proctor (que ejecutó monturas para los jinetes de Augustus Saint-Gaudens), Charles Russell. , Herbert Haseltine, Frederick Roth, Albert Laessle y Anna Hyatt Huntington.

• 
  Edward Kemeys (1833-1907), Encierrado en la muerte, 1886
• 
  Albert Laessle (1877-1954), Billy, 1914

Monumentos públicos

En los años posteriores a la Guerra Civil estadounidense se produjo un enorme aumento en el número de monumentos públicos erigidos en los Estados Unidos. "Con diferencia, el monumento más frecuente presenta a un soldado confederado completamente equipado (el mismo prototipo que se aplica a los monumentos de la Unión) en una pose realista". Este estilo de monumento fue popularizado por el escultor Martin Milmore, quien creó uno de los primeros en 1868. El propio monumento de Milmore, escrito por Daniel Chester French, La muerte y el escultor sigue siendo uno de América. "nobles homenajes"

A medida que finalizaba el siglo, el ritmo de construcción de monumentos se aceleró en las grandes ciudades del Este, especialmente aquellos erigidos para conmemorar la Guerra Civil. Surgieron varios escultores destacados, la mayoría de ellos formados en las academias de bellas artes de París. Destaca Daniel Chester French, al igual que Frederick William Macmonnies, Hans Schuler y Lorado Taft. Esta tradición continuó hasta la década de 1940 con Charles Keck, Alexander Stirling Calder y otros, y el uso de la escultura figurativa en los monumentos persiste hasta el siglo XXI. A partir de mediados del siglo XX, la escultura utilizada en los monumentos públicos fue cada vez más abstracta.

Las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial vieron una gran cantidad de monumentos y memoriales dedicados a las víctimas del Holocausto.

• 
  Monumento a la Guerra Civil, por Martin Milmore en York, Pennsylvania, 1872
• 
  El Robert Gould Shaw Memorial, Boston Common, conmemora a Shaw y la infantería de voluntarios afroamericana 54th Massachusetts, St. Gaudens
• 
  U.S. Marine Corps War Memorial, ubicado en Arlington, Virginia, 1954, diseñado por Felix de Weldon
• 
  Un Marine en Vietnam Veterans Memorial el 4 de julio de 2002, diseñado por Maya Lin

tallando montañas

Hay al menos tres esculturas montañosas importantes en los Estados Unidos. Estos son el Monte Rushmore, Stone Mountain y Crazy Horse Memorial. Gutzon Borglum, un consumado escultor con piezas como Lincoln sentado y una variedad de otros monumentos públicos, supervisó la escultura del Monte Rushmore en Black Hills en Dakota del Sur. El monumento fue terminado después de su muerte por su hijo Lincoln Borglum.

Gutzon Borglum también fue responsable de iniciar el proyecto Stone Mountain en Georgia, pero tuvo una pelea con sus supervisores. Luego, el monumento fue tomado por Augustus Lukeman, quien murió durante su talla en 1935. Walker Hancock terminó el monumento y se consideró completo en 1972.

El Crazy Horse Memorial en Black Hills de Dakota del Sur representa al guerrero Oglala Lakota Crazy Horse montando un caballo y apuntando a la distancia. Fue iniciado en 1948 por el escultor Korczak Ziolkowski y continuado después de su muerte por su esposa, Ruth Ziolkowski, quien asumió el mando del proyecto, y varios de sus hijos. El rostro fue dedicado en 1998.

• 
  Monumento Nacional Mount Rushmore. Las esculturas de George Washington, Thomas Jefferson, Theodore Roosevelt y Abraham Lincoln representan los primeros 150 años de historia americana.
• 
  Stone Mountain en Georgia

Escultura arquitectónica

Los edificios públicos del último cuarto del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX proporcionaron un entorno arquitectónico para la escultura, especialmente en relieve. Karl Bitter, Lee Lawrie, Adolph Alexander Weinman, C. Paul Jennewein, Rene Paul Chambellan, Corrado Parducci y muchos otros trabajaron con el estilo simple, a veces narrativo, que se adapta a estos espacios. Gran parte de este trabajo fue creado por escultores y talladores anónimos.

• 
  América del Norte, Philadelphia City Hall, Alexander Milne Calder, escultor, 1870s
• 
  Lincoln emitiendo la Proclamación de Emancipación, Nebraska State Capitol, Lee Lawrie, escultor, c. 1925
• 
  Cane Cutter, Louisiana State Capitol, Lee Lawrie, escultor, 1929
• 
  Tráfico, Kansas City Hall, Walker Hancock, escultor, 1937

siglo XX

A medida que comenzó el siglo, muchos jóvenes escultores europeos emigraron a la economía libre y en auge al otro lado del Atlántico, y los escultores capacitados en Europa representan gran parte de las grandes obras creadas antes de 1950. Entre ellos se incluyen Elie Nadelman, Albin Polasek, Gaston Lachaise y Carl Milles.

• 
  Escultura Elie Nadelman en el Teatro Estatal de Nueva York

Clasicismo moderno

Varios escultores estadounidenses notables se unieron a la revitalización de la tradición clásica en este momento, en particular Paul Manship, quien "descubrió" el arte clásico. escultura griega arcaica mientras estudiaba con una beca en Roma. C. Paul Jennewein y Edward McCartan también fueron líderes en esta dirección y encajaron fácilmente con los gustos art-deco de la década de 1920. En las décadas de 1930 y 1940, las ideologías que desgarraban la política europea se reflejaban en asociaciones de escultores estadounidenses. A la derecha estaba el grupo, en su mayoría nativos, en su mayoría clásicos de la vieja escuela, en su mayoría modeladores de arcilla, que fundaron la Sociedad Nacional de Escultura, dirigida por la heredera y escultora Anna Hyatt Huntington y conservada en el parque de esculturas que ella donó: Brookgreen. Jardines en Carolina del Sur.

• 
  Augustus Saint-Gaudens, Diana (1892–93)
• 
  Paul Manship, Duck Girl, 1916
• 
  C. Paul Jennewein, Fuente conmemorativa de Darlington, 1922
• 
  Edward McCartan, Dionysus, 1923

Expresionismo americano

A la izquierda, a menudo inmigrante, a menudo expresionista, estaba el Sculptors Guild, con sede en Nueva York, con énfasis en temas más actuales y tallado directo en madera o piedra. Uno de sus miembros más conocidos fue William Zorach.

• 
  Moisés, William Zorach, 1952

Escultores afroamericanos

Con el Renacimiento de Harlem, surgió un género escultórico afroamericano. Richmond Barthé fue un ejemplo destacado. Augusta Savage fue escultora y profesora. Richard Hunt fue el primero en tener una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en 1971. Otros escultores contemporáneos incluyen a Elizabeth Catlett, Martin Puryear, Jerry Harris y Thaddeus Mosley.

Girar hacia la abstracción

Algunos estadounidenses, como Isamu Noguchi, ya habían pasado del diseño figurativo al no figurativo, pero después de 1950, todo el mundo del arte estadounidense se alejó dramáticamente de la antigua tradición, y Estados Unidos lideró al resto del mundo hacia una tendencia más Aproximación iconoclasta y teórica al modernismo.

En los siguientes diez años, la educación tradicional en escultura sería reemplazada casi por completo por una preocupación por el diseño abstracto influenciada por la Bauhaus. Para acompañar el triunfo de la pintura expresionista abstracta, surgieron héroes de la escultura abstracta como David Smith, y se exploraron muchos materiales nuevos para la expresión escultórica. Louise Nevelson fue pionera en el género emergente de la escultura ambiental.

Sin embargo, durante este período un grupo de escultores estadounidenses persistieron en crear obras en su estilo moderno/clásico de antes de la guerra. Estos incluyen a Milton Horn, Donal Hord, Charles Umlauf, Joseph Erhardy y John Henry Waddell.

Galería de escultura modernista americana

• 
  Gaston Lachaise (1882-1935), Figura flotante 1927, bronce, no. 5 de una edición de 7, National Gallery of Australia
• 
  Jacob Epstein (1880-1959), Día y nocheEsculpido para la sede de Londres Underground, 1928.
• 
  Jacques Lipchitz (1891-1973), Nacimiento de las Musas, (1944-1950).
• 
  Alexander Calder (1898-1976), I'empennage (1953)
• 
  David Smith, (1906-1965)
  Agricola I, 1952, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC.
• 
  John Chamberlain (1927-2011), S, 1959, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC.
• 
  Tony Smith (1912-1980), Free Ride, 1962, 6'8 x 6'8 x 6'8 (la altura de la apertura estándar de la puerta estadounidense), Museo de Arte Moderno, Nueva York
• 
  Larry Bell (nacido en 1939), Untitled 1964, bismut, cromo, oro y rhodium en bronce dorado; Museo de Hirshhorn y Jardín de Escultura
• 
  Isamu Noguchi (1904-1988), Heimar, 1968, en el Jardín de Escultura Billy Rose, Museo de Israel, Jerusalén, Israel
• 
  George Rickey (1904-2002), Cuatro plazas en Geviert, 1969, terraza de la Nueva Galería Nacional, Berlín, Alemania
• 
  Donald Judd (1928-1994), Untitled 1977, Münster, Alemania
• 
  Richard Serra (nacido en 1939), Fulcrum 1987, 55 pies de altura escultura de acero inoxidable cerca de la estación Liverpool Street, Londres

Superando los límites del arte

La figura regresó en la década de 1960, pero sin la tradición figurativa de bellas artes, a veces incluso como moldes naturales como los que George Segal hizo con yeso. Jim Gary creó figuras de tamaño natural compuestas de arandelas y herrajes metálicos soldados entre sí de manera casi invisible, así como vidrieras e incluso utilizó piezas y herramientas de automóviles en sus esculturas.

Continuaron las preocupaciones por las cualidades de las formas y el diseño, pero generalmente sin representar una figura humana. La escultura minimalista de artistas como Richard Serra y Norman Carlberg a menudo reemplazaba a la figura en entornos públicos. La escultura de finales del siglo XX fue principalmente una exploración lúdica de los límites de lo que podría llamarse arte.

Minimalismo

El estilo minimalista reduce la escultura a sus rasgos más esenciales y fundamentales. Los minimalistas incluyen a Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt y Dan Flavin;

Movimiento específico del sitio

Las obras de arte ambiental y de sitios específicos están representadas por artistas: Donald Judd, Dennis Oppenheim, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey y Christo y Jeanne-Claude lideraron la escultura abstracta contemporánea en nuevas direcciones. Los artistas crearon esculturas ambientales en extensos sitios en la zona del 'land art en el oeste americano' grupo de proyectos. Estos land art o 'earth art' Obras de escultura a escala ambiental ejemplificadas por artistas como Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Roden Crater) y otros. La escultura a escala ambiental land art (arte de la tierra) es obra de Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell y otros.

Postminimalismo

Los artistas Bill Bollinger, Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman y Lucas Samaras, entre otros, fueron pioneros de la escultura posminimalista. Las últimas obras de Robert Graham continuaron evolucionando, a menudo en entornos de arte público, hasta el siglo XXI.

También durante las décadas de 1960 y 1970 artistas tan diversos como Stephen Antonakis, Chryssa, Walter De Maria, Dan Flavin, Robert Smithson, Dennis Oppenheim, Robert Irwin, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Duane Hanson y John DeAndrea exploraron abstracción, imaginería y figuración a través de esculturas de luz, land art y arte de instalación de nuevas maneras.

Renacimiento de la escultura figurativa de finales del siglo XX

Otros tipos de escultura crecieron en importancia, algunas evolucionaron a partir del trabajo de líderes en herrería a principios del siglo XX, entre los que se encontraba Samuel Yellin. Se desarrolló un centro para el estilo occidental de escultura estadounidense en Loveland, Colorado, y muchos estudios, revistas e incluso un museo (el National Cowboy & Western Heritage Museum en Oklahoma City) persiguieron este interés. Surgió un estilo neovictoriano, iniciado por el escultor Frederick Hart.

Otros géneros de escultura

Las comunidades de muñecas artísticas y esculturas de cerámica también crecieron en número e importancia a finales del siglo XX, mientras que la industria del entretenimiento requería esculturas espectaculares (a veces monstruosas o de dibujos animados) a gran escala para escenarios de películas, parques temáticos y casinos. y estadios deportivos. No se debe ignorar el diseño de productos industriales, especialmente los automóviles. Un ejemplo son las esculturas de Randolph Parducci (hermano de Corrado Parducci) creadas para la famosa escena de la carrera de carros de la película Ben Hur.

Cuestiones legales relativas a las fotografías

Los tribunales de los Estados Unidos han sostenido sistemáticamente que los escultores mantienen un derecho de propiedad intelectual sobre las esculturas y tienen derecho a una compensación si las fotografías se utilizan con fines comerciales. Los derechos se aplican incluso si el escultor ya no es propietario de la escultura o si la escultura ni siquiera se encuentra en un espacio público. El escultor, sin embargo, podría ceder esos derechos. Algunos otros países, como Alemania, dan permiso para tomar fotografías mediante el concepto de Panoramafreiheit, o Libertad de Panorama.

El 25 de febrero de 2010, la Corte de Apelaciones del Circuito Federal de los Estados Unidos dictaminó 2-1 que Frank Gaylord, escultor del Monumento a los Veteranos de la Guerra de Corea, tenía derecho a una compensación porque una imagen del mismo fue utilizada en un 37 ciento de sello postal estadounidense y no había renunciado a sus derechos de propiedad intelectual. El tribunal de apelaciones rechazó los argumentos de que la foto era transformadora.

En 2002, el fotógrafo aficionado y marino retirado John All recibió un pago de 1.500 dólares por utilizar una de sus fotografías del monumento en un día nevado para el sello que vendió más de 17 millones de dólares en sellos. En 2006, el escultor Frank Gaylord reclutó a Fish & Richardson presentar una reclamación pro bono de que el Servicio Postal de los EE. UU. había violado sus derechos de propiedad intelectual sobre la escultura y, por lo tanto, debería haber sido compensado. El Servicio Postal argumentó que Gaylord no era el único escultor (diciendo que había recibido asesoramiento de fuentes federales, quienes recomendaron que los uniformes aparecieran más al viento) y también que la escultura era en realidad arquitectura. Gaylord ganó todos sus argumentos en el tribunal inferior excepto uno... el tribunal dictaminó que la foto era un uso legítimo y, por lo tanto, no tenía derecho a compensación. Gaylord apeló la sentencia de uso legítimo y ganó el caso en apelación. El 22 de abril de 2011, el Tribunal de Reclamaciones de Estados Unidos otorgó a Gaylord 5.000 dólares.