Escultura clásica

Escultura clásica (generalmente con una "c" minúscula) se refiere generalmente a la escultura de la Antigua Grecia y la Antigua Roma, así como a las civilizaciones helenizada y romanizada bajo su dominio o influencia, desde aproximadamente el 500 a.C. hasta aproximadamente el 200 d.C. También puede referirse más precisamente a un período dentro de la escultura griega antigua desde alrededor del 500 a. C. hasta el inicio del estilo helenístico alrededor del 323 a. C., en este caso generalmente con una "C" mayúscula. El término "clásico" También se usa ampliamente para una tendencia estilística en la escultura posterior, no restringida a obras de estilo neoclásico o clásico.

El tema principal de la escultura griega antigua desde sus primeros días fue la figura humana, generalmente masculina y desnuda (o casi). Aparte de las cabezas de los retratos escultóricos, los cuerpos estaban muy idealizados pero alcanzaron un grado de naturalismo sin precedentes. Además de las estatuas independientes, el término escultura clásica incorpora trabajos en relieve (como los famosos Mármoles de Elgin del Partenón) y el estilo de bajorrelieve más plano. Mientras que las obras escultóricas enfatizaban la forma humana, se emplearon relieves para crear elaboradas escenas decorativas.

Aunque la fabricación de esculturas grandes o monumentales casi dejó de realizarse en la Alta Edad Media y en el arte bizantino, revivió enormemente en el Renacimiento italiano a medida que se excavaron ejemplos romanos, y la escultura clásica siguió siendo una gran influencia hasta al menos el siglo XIX.

Escultura griega antigua

Hay varios períodos:

Período arcaico

La forma escultórica más importante del período Arcaico fue el kouros (plural: kouroi), el desnudo masculino de pie (ver, por ejemplo, Biton y Kleobis). Como reflejo de la influencia egipcia, el kouros se mantiene erguido con la pierna izquierda ligeramente adelantada y los brazos a los costados. Aunque se han encontrado kouroi en muchos territorios de la antigua Grecia, fueron especialmente prominentes en Ática y Beiocia. La preponderancia de estos se encontró en los santuarios de Apolo, con más de cien del santuario de Apolo Ptoion, Beocia, solo. Estas esculturas independientes eran típicamente de mármol, pero la forma también se representa en piedra caliza, madera, bronce, marfil y terracota. Por lo general, son de tamaño natural, aunque los primeros ejemplares colosales miden hasta 3 metros de altura.

Los escultores griegos arcaicos parecen haber sido influenciados estilísticamente por los egipcios, aunque las divergencias aparecieron desde el principio. En particular, las figuras masculinas de la Grecia arcaica tendían a representarse desnudas, aunque esto era poco común durante todos los períodos del arte egipcio antiguo (excepto cuando se representaban esclavos o enemigos). Como en el arte egipcio, las mujeres siempre aparecían vestidas; La desnudez femenina no aparecería hasta mucho más tarde. Los labios fruncidos y minuciosamente hacia arriba y la mirada vacía se identifican como la "sonrisa arcaica" de la mujer. Aparece en muchas obras definitorias del período Arcaico.

En este período, el énfasis posterior en la anatomía naturalista de huesos y músculos aún no se había desarrollado, lo que se puede ver al observar detalles como las rodillas y otras articulaciones críticas. Algunos detalles parecen estar "incisos" en lugar de estar completamente modelado, es una reliquia de tradiciones más antiguas. A medida que el estilo Arcaico se transformó gradualmente en lo que se conoce como estilo Clásico, se puede detectar una clara progresión que muestra cada vez más conocimientos y habilidades técnicas.

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  Artista desconocido: Kouros Anavissos. Museo Arqueológico Nacional de Atenas, c.530 BC
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  Artista desconocido: Tesoro de Siphnos frieze (detalle), Museo Arqueológico Delphi, c.525 BC
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  Atribuido por algunos a Onatas o su escuela: Fallen Virus guerrero, figura W-VII del frontón occidental del Templo de Aphaia, Glyptothek, Munich, c.505–500 BC
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  Artista desconocido: León funerario encontrado en la Puerta Sagrada en el Kerameikon. Kerameikos Museo Arqueológico, Atenas, c.590– 580 BC

Período clásico

El período clásico vio cambios tanto en el estilo como en la función de la escultura. Las poses se volvieron más naturalistas (ver El Auriga de Delfos para ver un ejemplo de la transición a una escultura más naturalista), y la habilidad técnica de los escultores griegos para representar la forma humana en una variedad de poses aumentó considerablemente. Aproximadamente a partir del año 500 a. C., las estatuas comenzaron a representar a personas reales. Las estatuas de Harmodio y Aristogeiton se erigieron en Atenas para celebrar el asesinato del último tirano peisistrátida, Hiparco. Se decía que eran los primeros monumentos públicos que representaban a personas reales.

Cuando los artistas griegos comenzaron a estudiar el movimiento y la anatomía humanos, descubrieron que los seres humanos vivos tienden a mostrar un "cambio de peso" o contraposición al estar de pie.

La primera estatua griega que exhibe contrapposto es el famoso Niño Kritios, que data del c. 480 a.C. . El contrapposto pronto se convirtió en un elemento definitorio de la técnica escultórica griega, que culminó con la obra de Policleto. Canon. El Canon es una obra teórica que analiza las proporciones matemáticas ideales para las partes del cuerpo humano y propone para la escultura de la figura humana un contrapeso dinámico entre las partes del cuerpo relajadas y tensas y entre las direcciones en las que se mueven las partes. Policleto intentó demostrar la exactitud de sus cálculos implementando sus reglas en una estatua titulada simplemente: El Canon. Aunque la estatua en sí se ha perdido en la historia, sus principios se manifiestan en el Doríforo ("portador de la lanza"), que adoptó un contrapposto extremadamente dinámico y sofisticado en su equilibrio cruzado de miembros rígidos y sueltos.

Los templos griegos se construyeron especialmente para adaptarse a las grandes estatuas de culto. Creían que colocar santuarios alrededor de las áreas que se decían sagradas agradaría a los dioses. Durante el período clásico, los escultores no sólo creaban obras para los templos, sino también estatuas mortuorias para rendir homenaje a los seres queridos fallecidos. Las esculturas a menudo mostraban al difunto en una postura relajada. Los atletas exitosos y las familias ricas encargaban estatuas de ellos mismos para los templos para mostrar respeto a los dioses. En el siglo V a. C. se popularizaron los retratos y aparecieron bustos de generales, filósofos y líderes políticos.

La alta calidad del trabajo griego atrajo el interés italiano e influyó enormemente tanto en el arte etrusco como, más tarde, en el romano. El entusiasmo con el que Roma recibió el arte griego ha demostrado ser importante no sólo por la transmisión del estilo griego clásico, sino también porque la mayoría de las obras griegas clásicas existentes sobreviven principalmente en forma de copias romanas en mármol de originales griegos en bronce. Como el bronce siempre ha sido un metal valioso, la mayoría de los originales probablemente se fundieron hace mucho tiempo, y los pocos restos genuinos se han encontrado principalmente en el contexto de naufragios.

Sin embargo, los griegos tallaron mármol y varios mármoles griegos clásicos han sobrevivido; Los famosos Mármoles del Partenón (también conocidos como Mármoles de Elgin), perduraron in situ hasta principios del siglo XIX. De hecho, muchos de los mármoles griegos clásicos supervivientes proceden de un contexto arquitectónico.

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  Polykleitos: Doryphoros. Repartido en el Museo Pushkin, Moscú.
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  Atribuido a Euphranor: París o Perseus. Atikythera shipwreck, c.340-330 a.C. Museo Arqueológico Nacional, Atenas.
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  Taller de Phidias: Reclinación de Dionysos, de Parthenon East pediment, ca. 447–433 BC. British Museum
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  Braschi Afrodita, copia gratuita (1 siglo BC) después de una estatua votiva de Praxitele en Cnidus (Afrodita de Cnidus tipo, c.350–340 A.C.). Glyptothek, Munich

Período helenístico

La transición del período clásico al helenístico se produjo durante el siglo IV a.C. La escultura se volvió cada vez más naturalista. La gente común, las mujeres, los niños, los animales y las escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que las familias adineradas encargaban para adornar sus hogares y jardines. Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. La mayoría de los hombres griegos estaban esculpidos de pie con las caderas ligeramente hacia un lado. Cuando los seres humanos se paran de esta manera, utilizan más músculos.

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  Atribuido por Pliny el Anciano a Agesander, Athanodoros y Polydorus: Laocoön y Sus Hijos. Copiado después de un original helenístico de ca. 200 BC. Museos Vaticanos
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  Artista desconocido: Nike of Samothrace, c.220-190 a.C. Louvre
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  Artista desconocido: Nereus, Doris, un gigante, Oceanus, de la Altar de Pergamon (detalle), 2do siglo BC. Pergamonmuseum, Berlín
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  Artista desconocido: Ludovisi Gaul y su esposa. Copia romana después de un original helenístico de un monumento construido por Attalus I de Pergamon después de su victoria sobre Gauls, ca. 220 BC. Palazzo Altemps, Roma

Escultura romana

El estudio de la escultura romana se complica por su relación con la escultura griega. Muchos ejemplos incluso de las esculturas griegas más famosas, como el Apolo Belvedere y el Fauno Barberini, se conocen sólo a partir de "copias" romanas imperiales o helenísticas. En un momento, los historiadores del arte consideraron que esta imitación indicaba una estrechez de la imaginación artística romana, pero, a finales del siglo XX, el arte romano comenzó a ser reevaluado en sus propios términos: algunas impresiones de la naturaleza de la escultura griega pueden en De hecho, se basa en el arte romano.

Los puntos fuertes de la escultura romana están en los retratos, donde estaban menos preocupados por el ideal que los griegos o los antiguos egipcios, y produjeron obras con mucho carácter, y en las escenas narrativas en relieve. Se conservan abundantes ejemplos de escultura romana, en total contraste con la pintura romana, que se practicaba mucho pero se ha perdido casi en su totalidad. Los autores latinos y algunos griegos, particularmente Plinio el Viejo en el Libro 34 de su Historia Natural, describen estatuas, y algunas de estas descripciones coinciden con obras existentes. Si bien gran parte de la escultura romana, especialmente en piedra, sobrevive más o menos intacta, a menudo está dañada o fragmentada; Las estatuas de bronce de tamaño natural son mucho más raras ya que la mayoría han sido recicladas por su metal.

La mayoría de las estatuas eran más vivas y a menudo de color brillante cuando se creó originalmente; las superficies de piedra cruda encontradas hoy se debe al pigmento que se pierde a lo largo de los siglos.

Retratos

El retrato es un género dominante de la escultura romana, que tal vez surgió del énfasis tradicional romano en la familia y los antepasados; el vestíbulo de entrada (atrio) de una casa de la élite romana exhibía bustos de retratos ancestrales. Durante la República Romana, se consideraba una señal de carácter no pasar por alto las imperfecciones físicas y representar a los hombres en particular como rudos e indiferentes a la vanidad: el retrato era un mapa de la experiencia. Durante la era imperial, las estatuas más idealizadas de los emperadores romanos se volvieron omnipresentes, particularmente en relación con la religión estatal de Roma. Las lápidas, incluso de la clase media modestamente rica, a veces exhiben retratos de difuntos desconocidos tallados en relieve.

Color

Se conservan estatuas y bajorrelieves antiguos que muestran la superficie desnuda del material del que están hechos, y la gente generalmente asocia el arte clásico con la escultura de mármol blanco. Pero hay pruebas de que muchas estatuas estaban pintadas de colores brillantes. La mayor parte del color desapareció con el tiempo. Durante la limpieza también se eliminaron pequeños restos. En algunos casos, sin embargo, quedaron pequeñas huellas que pudieron identificarse. Durante 2007-2008 se celebró en Europa y Estados Unidos una exposición itinerante de 20 réplicas en color de obras griegas y romanas, junto con 35 estatuas y relieves originales, Dioses en color: escultura pintada de la antigüedad clásica. Se desconocen detalles como si la pintura se aplicó en una o dos capas, qué tan finamente se molieron los pigmentos o exactamente qué medio aglutinante se habría utilizado en cada caso, elementos todos ellos que afectarían la apariencia de una pieza terminada.

Influencia

La escultura grecorromana tuvo una profunda influencia en el arte occidental. Con él, el estilo grecorromano estableció la posibilidad y el potencial del realismo en el arte. Debido a la relativa durabilidad de la escultura, ha logrado sobrevivir y continuar influyendo e informando a artistas de diversas culturas y épocas, desde Europa hasta Asia y, hoy en día, el mundo entero.

Si bien el arte clásico cayó gradualmente en desgracia en Europa después de la caída del Imperio Romano Occidental, su redescubrimiento durante el Renacimiento italiano temprano resultó decisivo. Uno de los escultores más importantes del renacimiento clásico fue Donatello. Muchos otros escultores, como Miguel Ángel, también realizaron obras que pueden considerarse clásicas. El clasicismo moderno contrastaba en muchos aspectos con la escultura clásica del siglo XIX, que se caracterizaba por compromisos con el naturalismo (Antoine-Louis Barye), el sentimentalismo melodramático (François Rude) (Jean-Baptiste Carpeaux), o una especie de grandiosidad majestuosa. (Lord Leighton) A medida que avanzaba el siglo, se tomaron varias direcciones diferentes en la tradición clásica, pero el estudio del modelo vivo y la tradición posrenacentista seguía siendo fundamental para ellas.