Emakimono

Rollos ilustrados, emakimono (絵巻物, lit. 'rollo ilustrado', también emaki-mono), o emaki (絵巻) es un sistema de narración horizontal ilustrado de rollos pintados que se remonta al período Nara (710-794 d. C.) en Japón. Inicialmente copiaron el estilo de sus contrapartes chinas mucho más antiguas, pero durante los períodos Heian (794-1185) y Kamakura (1185-1333) posteriores, los japoneses emakimono desarrollaron su propio estilo distintivo. Por lo tanto, el término se refiere únicamente a los pergaminos narrativos pintados japoneses.

Al igual que los pergaminos chinos y coreanos, los emakimono combinan caligrafía e ilustraciones y están pintados, dibujados o estampados sobre largos rollos de papel o seda que miden a veces varios metros. El lector desenrolla cada pergamino poco a poco, revelando la historia a su antojo. Los emakimono son, por tanto, un género narrativo cercano al libro, que desarrolla historias románticas o épicas, o bien ilustra textos religiosos y leyendas. Plenamente ancladas en el estilo yamato-e, estas obras japonesas son ante todo un arte cotidiano, centrado en el ser humano y en las sensaciones transmitidas por el artista.

Aunque los primeros emakimono del siglo VIII eran copias de obras chinas, los emakimono de gusto japonés aparecieron a partir del siglo X en la corte imperial Heian, especialmente entre damas aristocráticas de vida refinada y solitaria, que se dedicaban a las artes, la poesía, la pintura, la caligrafía y la literatura. Sin embargo, no quedan emakimono del período Heian, y las obras maestras más antiguas datan de la "edad de oro" del emakimono en los siglos XII y XIII. Durante este período, las técnicas de composición se perfeccionaron y los temas fueron aún más variados que antes, tratando sobre historia, religión, romances y otros cuentos famosos. Los mecenas que patrocinaron la creación de estos emakimono fueron sobre todo los aristócratas y los templos budistas. A partir del siglo XIV, el género del emakimono se volvió más marginal, dando paso a nuevos movimientos nacidos principalmente del budismo zen.

Emakimono Las pinturas de Emakimono pertenecen en su mayoría al estilo Yamato-e, que se caracteriza por sus temas de la vida y los paisajes japoneses, la puesta en escena de lo humano y un énfasis en los colores vivos y la apariencia decorativa. El formato de los emakimono, rollos largos de altura limitada, requiere la solución de todo tipo de problemas de composición: primero es necesario hacer las transiciones entre las diferentes escenas que acompañan la historia, elegir un punto de vista que refleje la narración y crear un ritmo que exprese lo mejor posible los sentimientos y emociones del momento. En general, existen dos grandes categorías de emakimono: los que alternan la caligrafía y la imagen, ilustrando cada nueva pintura el texto precedente, y los que presentan pinturas continuas, no interrumpidas por el texto, donde diversas medidas técnicas permiten transiciones fluidas entre las escenas.

Hoy en día, los emakimono ofrecen una visión histórica única de la vida y las costumbres de los japoneses, de todas las clases sociales y todas las edades, durante la primera parte de la época medieval. Pocos de los pergaminos han sobrevivido intactos y alrededor de 20 están protegidos como Tesoros Nacionales de Japón.

El término emakimono o e-makimono, a menudo abreviado como emaki, está formado por el kanji e (絵, "pintura"), maki (巻, "rollo" o "libro") y mono (物, "cosa"). El término se refiere a rollos largos de papel pintado o seda, cuya longitud varía desde menos de un metro hasta varios metros; se dice que algunos miden hasta 12 metros (40 pies) de longitud. Los pergaminos cuentan una historia o una sucesión de anécdotas (como crónicas literarias o parábolas budistas), combinando elementos pictóricos y narrativos, cuya combinación caracteriza los movimientos artísticos dominantes en Japón entre los siglos XII y XIV.

El emakimono se lee, según el método tradicional, sentado sobre una estera con el pergamino colocado sobre una mesa baja o en el suelo. A continuación, el lector lo desenrolla con una mano mientras lo rebobina con la otra, de derecha a izquierda (según la dirección de escritura del japonés). De esta manera, solo se puede ver una parte de la historia (unos 60 centímetros), aunque se puede desenrollar más) y el artista crea una sucesión de imágenes para construir la historia.

Una vez leído el emakimono, el lector debe rebobinar el rollo en la dirección de lectura original. El emakimono se mantiene cerrado con un cordón y se guarda solo o con otros rollos en una caja destinada a este fin, y que a veces está decorada con patrones elaborados. Un emakimono puede constar de varios rollos sucesivos según lo requiera la historia: el Hōnen Shōnin Eden [fr] estaba formado por 48 rollos, aunque el número estándar suele estar entre uno y tres.

Un emakimono se compone de dos elementos: las secciones de texto caligráfico conocidas como kotoba-gaki, y las secciones de pinturas conocidas como e; su tamaño, disposición y número varían enormemente, dependiendo del período y del artista. En los emakimono inspirados en la literatura, el texto ocupa nada menos que dos tercios del espacio, mientras que otras obras más populares, como el Chōjū-jinbutsu-giga, dan prioridad a la imagen, a veces hasta el punto de hacer desaparecer el texto. Los pergaminos tienen una altura limitada (de media entre 30 y 39 cm), en comparación con su longitud (de media entre 9 y 12 m), lo que significa que los emakimono están limitados, por tanto, a su lectura en solitario, históricamente por la aristocracia y los miembros del alto clero.

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  Ejemplo de un desplazamiento completo de un emakimono, el Ippen Shōnin Eden (séptimo pergamino, 1299, Museo Nacional de Tokio). La dirección de lectura es de derecha a izquierda. Tradicionalmente, el lector nunca desenrolla completamente el rollo, pero lo desenrolla con una mano mientras lo rebobina con la otra, aprendiendo la historia de la pieza.

Se cree que los rollos de mano fueron inventados en la India antes del siglo IV d. C. Se utilizaban para textos religiosos y llegaron a China en el siglo I. Los rollos de mano se introdujeron en Japón siglos después a través de la difusión del budismo. El primer rollo de mano japonés que se conserva se creó en el siglo VIII y se centra en la vida de Buda.

Los orígenes de los rollos de mano japoneses se encuentran en China y, en menor medida, en Corea, las principales fuentes de inspiración artística japonesa hasta los tiempos modernos. Las formas de arte narrativo en China se remontan al siglo III d. C. bajo la dinastía Han y al siglo II d. C. bajo la dinastía Zhou, cuya cerámica estaba adornada con escenas de caza yuxtapuestas con movimientos. El papel se inventó en China alrededor del siglo I d. C., simplificando la escritura en rollos de leyes o sutras, a veces decorados. Los primeros rollos narrativos llegaron más tarde; varios maestros mostraron interés en este medio, incluido Gu Kaizhi (345-406), que experimentó con nuevas técnicas. La pintura de género y los caracteres chinos, dominantes en los rollos hasta el siglo X d. C., siguen siendo poco conocidos hasta el día de hoy, porque fueron eclipsados por los famosos rollos de paisajes de la dinastía Song.

Las relaciones con el este de Asia (China y Corea, principalmente) trajeron a Japón la escritura china (kanji) en el siglo IV, y el budismo en el siglo VI, junto con el interés por la aparentemente muy eficaz burocracia del poderoso Imperio chino. En el periodo Nara, los japoneses se inspiraron en la dinastía Tang: administración, arquitectura, costumbres en el vestir o ceremonias. Los intercambios entre China y Japón también fueron fructíferos para las artes, principalmente las religiosas, y los artistas del archipiélago nipón estaban ansiosos por copiar y apropiarse de las técnicas continentales. En ese contexto, los expertos suponen que los primeros rollos pintados chinos llegaron a las islas alrededor del siglo VI d.C., y probablemente corresponden a sutras ilustrados. Así, el pergamino narrativo japonés pintado más antiguo conocido (o emakimono) data del siglo VII y se encuentra en el periodo Nara: el Sutra ilustrado de causa y efecto [fr], que narra la vida de Gautama Buda, fundador de la religión budista, hasta su iluminación. De estilo todavía ingenuo (seis dinastías y principios de la dinastía Tang), con las pinturas dispuestas en frisos sobre el texto, es muy probable que se trate de una copia de un modelo chino más antiguo, del que se han identificado varias versiones. Aunque las obras clásicas posteriores del emakimono presentan un estilo muy diferente al de esta obra, anticipan la edad de oro del movimiento que llegó cuatro siglos después, a partir del siglo XII d. C.

El período Heian aparece hoy como un punto culminante de la civilización japonesa a través de la cultura de la corte del emperador, aunque la intriga y el desinterés en las cosas del estado dieron como resultado la Guerra Genpei. Esta percepción surge de la estética y el arte de vivir codificado y refinado que se desarrolló en la corte Heian, así como de una cierta moderación y melancolía nacidas del sentimiento de la impermanencia de las cosas (un estado mental conocido como mono no awareness en japonés). Además, la ruptura de las relaciones con China hasta el siglo IX, debido a los desórdenes relacionados con el colapso de la gloriosa dinastía Tang, promovió lo que Miyeko Murase ha descrito como el "surgimiento del gusto nacional", ya que una cultura verdaderamente japonesa se apartó por primera vez de la influencia china desde el período temprano de Kofun. Este desarrollo se observó por primera vez en la literatura de las mujeres del período Heian: a diferencia de los hombres, que estudiaban escritura china desde una edad temprana, las mujeres adoptaron un nuevo silabario, el hiragana, que era más simple y más coherente con la fonética del japonés. Las novelas del período Heian (monogatari) y los diarios (nikki) registraban detalles íntimos sobre la vida, los amoríos y las intrigas en la corte a medida que se desarrollaban; el más conocido de ellos es el radical Cuento de Genji de Murasaki Shikibu, dama de compañía de la corte imperial del siglo X.

Los comienzos de la técnica pictórica del período Heian, de inspiración japonesa, denominada retrospectivamente Yamato-e, se pueden encontrar inicialmente en algunos aspectos de la pintura budista de las nuevas sectas esotéricas Tendai y Shingon, y luego con más fuerza en el Budismo de la Tierra Pura (Jodō); después de una fase en la que se copiaron las técnicas chinas, el arte del archipiélago japonés se volvió progresivamente más delicado, lírico y decorativo con composiciones menos poderosas pero más coloridas. Sin embargo, fue especialmente en el arte secular donde el naciente Yamato-e se sintió con más fuerza; Sus orígenes se remontan a las mamparas corredizas y biombos del Palacio Imperial Heian, recubiertos de pinturas sobre papel o seda, cuyos temas se elegían entre la poesía de la corte waka, los ritos anuales, las estaciones o las famosas vidas y paisajes del archipiélago (meisho-e [fr]).

Este arte secular se extendió luego entre los nobles, especialmente entre las damas interesadas en la ilustración de novelas, y parece haber prevalecido a principios del siglo X. Al igual que en la pintura religiosa, los temas de la vida japonesa, apreciados por los nobles, no encajaban bien con la pintura de sensibilidad china, hasta el punto de que los artistas de la corte desarrollaron hasta cierto punto una nueva técnica nacional que pareció estar de moda en el siglo XI, por ejemplo en los paisajes estacionales de las pinturas sobre tabla del Salón Fénix (鳳凰堂, Hōō-dō) o el Salón Amida en el templo Byōdō-in, una obra maestra del primitivo yamato-e de principios del siglo XI.

Los expertos creen que las ilustraciones de novelas y pergaminos narrativos pintados en yamato-e, o emakimono, se desarrollaron en la línea de este arte secular, vinculado a la literatura y la poesía. La técnica pictórica se prestaba plenamente a los gustos artísticos de la corte del siglo XI, inclinada a una representación emocional, melancólica y refinada de las relaciones dentro del palacio, y formaba un vector pictórico muy adecuado para la narrativa. Aunque se mencionan en los textos antiguos, no se conserva ningún emakimono del período Heian temprano (siglos IX y X); El emakimono más antiguo que ilustra una novela mencionado en fuentes de la época es el Yamato Monogatari, ofrecido a la Emperatriz entre 872 y 907.

Sin embargo, el dominio estilístico de obras posteriores (del siglo XII) lleva a la mayoría de los expertos a creer que el arte "clásico" del emakimono creció durante este período a partir del siglo X, apareciendo por primera vez en ilustraciones de novelas o diarios producidos por las damas de la corte. Además, los temas iniciales se mantuvieron cercanos a la poesía waka (estaciones, budismo, naturaleza y otros temas). Por tanto, la lenta maduración del movimiento de emakimono estuvo estrechamente vinculada al surgimiento de la cultura y la literatura japonesas, así como al interés de las damas, a las que pronto se sumaron los pintores profesionales de los talleres de palacio (e-dokoro) o de los templos, que crearon una técnica más "profesional" y exitosa. Los historiadores del arte consideran que las técnicas de composición y pintura que ven en las obras maestras del período Heian tardío (segunda mitad del siglo XII) ya eran muy maduras.

Si bien casi todos los emakimono pertenecen al género del yamato-e, varios subgéneros sobresalen dentro de este estilo, incluyendo en el período Heian la onna-e ("pintura de mujeres") y la otoko-e ("pintura de hombres"). Varios pergaminos clásicos de cada género representan perfectamente estos movimientos pictóricos.

En primer lugar, la Genji Monogatari Emaki (diseñada entre aproximadamente 1120 y 1140), que ilustra la famosa novela homónima, narra las intrigas políticas y amorosas del príncipe Hikaru Genji; Los colores ricos y opacos aplicados sobre toda la superficie del papel (método tsukuri-e), la intimidad y melancolía de la composición y, finalmente, la ilustración de los momentos emotivos de la novela que tienen lugar únicamente en el interior del Palacio Imperial son características del subgénero onna-e del yamato-e, reservado para las narraciones de la corte, generalmente escritas por damas aristocráticas. En ese pergamino, cada pintura ilustra un episodio clave de la novela y va seguida de un extracto caligráfico sobre papel ricamente decorado con polvo de oro y plata.

El Genji Monogatari Emaki ya presenta las técnicas de composición propias del arte del emakimono: un punto de vista oblicuo, el movimiento de los ojos guiados por largas diagonales desde arriba a la derecha hasta abajo a la izquierda, e incluso la eliminación de los tejados para representar el interior de los edificios (fukinuki yatai). Un segundo ejemplo notable de las pinturas de onna-e en el período Heian es Nezame Monogatari Emaki, que parece ser muy similar a Genji Monogatari Emaki, pero presenta pinturas más suaves y decorativas que dan prioridad a la representación de la naturaleza, enfatizando sutilmente los sentimientos de los personajes.

En contraste con las pinturas de la corte inspiradas en novelas femeninas (onna-e), existen otros pergaminos inspirados en temas como la vida cotidiana de las personas, crónicas históricas y biografías de monjes famosos; en definitiva, un estilo de emakimono que representa asuntos fuera del palacio y que se denomina otoko-e ("pintura masculina").

La Shigisan Engi Emaki (mediados del siglo XII), con líneas dinámicas y libres, colores claros y un tono decididamente popular y humorístico, ilustra perfectamente este movimiento, que no duda en representar la vida del pueblo japonés hasta en sus detalles más insignificantes. Aquí, el color se aplica sólo en toques ligeros que dejan el papel al descubierto, ya que la línea flexible y libre domina la composición, a diferencia de las pinturas construidas de la corte. Además, el texto ocupa un espacio muy limitado, y el artista pinta escenas más bien largas y sin límites fijos.

Durante la segunda mitad del siglo XII salieron a la luz otras dos obras maestras.

En primer lugar, la Chōjū-jinbutsu-giga forma un boceto monocromo en tinta que caricaturiza suavemente las costumbres de los monjes budistas, donde destaca la espontaneidad del toque. En segundo lugar, la Ban Dainagon Ekotoba cuenta una conspiración política en el año 866 ofreciendo una sorprendente mezcla de los dos géneros onna-e y otoko-e, con líneas libres y colores a veces claros, a veces ricos y opacos; Esta mezcla de géneros prefigura el estilo que dominó unas décadas más tarde, durante el período Kamakura.

Si bien la autoridad de la corte declinó rápidamente, el final del período Heian (en 1185) estuvo marcado por la llegada de los señores provinciales (en particular, los Taira y los Minamoto), quienes adquirieron gran poder en la cima del estado. Aprovechando el malestar asociado con la Guerra Genpei, que proporcionó un terreno fértil para el proselitismo religioso, las pinturas budistas de los seis reinos (o destinos [fr]) (rokudō-e) –como el Rollo del Infierno o las dos versiones de las Gaki Zōshi [fr], otoko-e– tenían como objetivo asustar a los fieles con escenas de terror.

Recorrer la evolución del emakimono sigue siendo difícil, debido a las pocas obras que han sobrevivido. Sin embargo, el evidente dominio de los rollos clásicos de finales del período Heian da testimonio de al menos un siglo de maduración e investigación pictórica. Estas bases permitieron a los artistas del emakimono del período Kamakura posterior dedicarse a una producción sostenida en todos los temas.

La era que abarca el final del período Heian y gran parte del período Kamakura, o los siglos XII y XIII, es descrita comúnmente por los historiadores del arte como la "edad de oro" del arte del emakimono. Bajo el impulso de la nueva clase guerrera en el poder y las nuevas sectas budistas, la producción fue de hecho muy sostenida y los temas y técnicas más variados que antes.

El estilo emakimono de la época se caracterizaba por dos aspectos: la síntesis de los géneros de yamato-e y el realismo. Inicialmente, la evolución marcada anteriormente por el Ban Dainagon Ekotoba (muy tardía era Heian) fue extendiéndose muy ampliamente debido a la importancia dada tanto a la libertad de pinceladas como a la luminosidad de los tonos (otoko-e), así como a los colores brillantes obtenidos mediante pigmentos espesos para ciertos elementos de las escenas (onna-e). Sin embargo, el aspecto muy refinado de las pinturas de la corte dio paso más tarde a obras más dinámicas y populares, al menos en relación con el tema, a la manera del Shigisan Engi Emaki. Por ejemplo, el Kitano Tenjin Engi Emaki relata la vida y la muerte de Sugawara no Michizane, ministro del siglo IX y figura trágica de la historia japonesa, reverenciado a la manera de un dios (kami). Los ricos colores, los contornos tensos, la búsqueda del movimiento y los detalles muy realistas de los rostros ilustran bien esta mezcla de estilos, sobre todo porque las pinturas se inspiraron tanto en el budismo como en el sintoísmo.

Las tendencias realistas que estaban en boga en el arte de Kamakura, perfectamente plasmadas en la escultura, se expusieron en la mayoría de los emakimono de Kamakura; de hecho, el sistema del shogunato bakufu ostentaba el poder sobre Japón, y el arte refinado y codificado de la corte dio paso a una mayor fluidez y dinamismo. La mayor simplicidad propugnada en las artes condujo a una representación más realista y humana (la ira, el dolor o el tamaño). Si la actividad relacionada con la religión fue prolífica, también lo fueron las órdenes de los bushi (guerreros nobles). Entre los más famosos se encuentran varios emakimono de crónicas históricas o militares, en particular el Hōgen Monogatari Emaki [fr] (que ya no existe) y el Heiji Monogatari Emaki; de este último, el pergamino que se conserva en el Museo de Bellas Artes de Boston sigue siendo muy apreciado por su maestría en la composición (que alcanza un crescendo en el clímax dramático del pergamino, es decir, el incendio del palacio y la sangrienta batalla entre soldados de a pie) y por su contribución a la comprensión actual de las armas y armaduras medievales japonesas. Akiyama Terukazu lo describe como "una obra maestra sobre el tema de las fuerzas armadas del mundo". En el mismo espíritu, un guerrero noble tenía el Mōko Shūrai Ekotoba diseñado para relatar sus hazañas militares durante las invasiones mongolas de Japón. El arte Kamakura floreció particularmente en relación con el retrato realista (nise-e); Si bien los caracteres del emakimono evolucionaron hacia un mayor realismo pictórico, algunos, como el Sanjūrokkasen emaki o el Zuijin Teiki Emaki atribuido a Fujiwara no Nobuzane, presentan directamente galerías de retratos según las técnicas iconográficas de la época.

Un cambio similar se sintió en la religión cuando las sectas budistas esotéricas de la era Heian (Tendai y Shingon) dieron paso al Budismo de la Tierra Pura (Jōdo), que se dirigía principalmente al pueblo predicando prácticas sencillas de devoción al Buda Amida. Estas sectas muy activas utilizaron el emakimono intensamente durante los siglos XIII y XIV para ilustrar y difundir sus doctrinas.

Varias prácticas religiosas influyeron en el emakimono de Kamakura: en particular, los sermones públicos y las sesiones de explicación con imágenes (絵解, e-toki) llevaron a los artistas a utilizar pergaminos de mayor tamaño de lo habitual y a representar a los protagonistas de la historia de una manera algo desproporcionada en comparación con los emakimono de los tamaños estándar, para permitir que esos protagonistas fueran vistos desde la distancia, en una perspectiva típicamente japonesa no realista (como la emakimono). romanización">Ippen Shōnin Eden). Los emakimono religiosos del período Kamakura se centran en la fundación de los templos o en las vidas de monjes famosos. Durante ese período, muchas de las instituciones religiosas encargaron a los talleres de pintores (a menudo monjes pintores) que crearan emakimono que relataran su fundación o la biografía del monje fundador. Entre las obras más conocidas sobre estos temas se encuentran las biografías ilustradas de Ippen, Hōnen, Shinran y Xuanzang, así como la Kegon Engi Emaki y la Taima Mandara Engi Emaki. [fr].

La biografía de Ippen, pintada por un monje, sigue siendo notable por sus influencias, hasta ahora escasas, de la dinastía Song (a través de la técnica del aguada) y de la dinastía Tang (el estilo shan shui), así como por sus representaciones muy precisas de fortalezas en muchos paisajes japoneses. En cuanto a Saigyō Monogatari Emaki [fr], aborda la aristocracia en decadencia al idealizar la figura del monje esteta Saigyō mediante la belleza de sus paisajes y su poesía caligráfica.

Hacia mediados del período Kamakura, se produjo un resurgimiento del interés por la corte Heian, que ya parecía ser la cumbre de la civilización japonesa y su refinada cultura. Así, la Murasaki Shikibu Nikki Emaki, que narra la vida y las intrigas de Murasaki Shikibu, autor de La historia de Genji (siglo X), refleja en gran medida las técnicas pictóricas de la época, en particular el tsukuri-e, pero en un estilo más decorativo y extrovertido. Otras obras siguieron esa tendencia, como Ise Monogatari Emaki, la Makura no Sōshi Emaki [fr] o la Sumiyoshi Monogatari Emaki.

A finales del periodo Kamakura, el arte del emakimono ya estaba perdiendo importancia. Los expertos señalan que, por un lado, el emakimono había perdido inspiración, marcada por un manierismo estético extremo (como el uso exagerado de polvo de oro y plata) con una composición más técnica que creativa; La tendencia a multiplicar las escenas en un estilo fijo se puede ver en el Hōnen Shōnin Eden [fr] (el emakimono más largo conocido, con 48 rollos, completado en 1307), el Kasuga Gongen Genki E (1309) y el Dōjō-ji Engi Emaki [fr] (siglo XVI). Por otra parte, las influencias innovadoras y más espirituales del arte Song chino, profundamente arraigado en la espiritualidad y el budismo zen, iniciaron el movimiento artístico dominante de la aguada (tinta o pintura monocromática en agua, sumi-e o suiboku-ga en japonés) en el subsiguiente período Muromachi, guiado por artistas tan famosos como Tenshō Shūbun o Sesshū Tōyō.

Sin embargo, se mantuvo una corriente profesional en la escuela Tosa: la única que aún reivindica el yamato-e, produjo numerosos emakimono para el orden de la corte o de los templos (esta escuela de pintores dirigió el edokoro imperial hasta el siglo XVIII). Tosa Mitsunobu produjo varias obras sobre la fundación de templos: el Kiyomizu-dera Engi Emaki [fr] (1517), un rollo del Ishiyama-dera Engi Emaki [fr] (1497), el Seikō-ji Engi emaki [fr] (1487) o una versión de Kitano Tenjin Engi Emaki (1503); prestó gran atención a los detalles y los colores, a pesar de una composición común. De manera más general, la ilustración de novelas en el estilo clásico de yamato-e (como las muchas versiones de Genji Monogatari Emaki o Los cuentos de Ise Emaki) persistió durante la Baja Edad Media.

Si bien el emakimono dejó de ser el medio artístico dominante en Japón desde el final del período Kamakura, fue en el movimiento de ilustración de Otogi-zōshi (otogi que significa "contar historias") que el emakimono desarrolló un nuevo vigor popular en los siglos XV y XVI (el período Muromachi); El término nara-ehon (literalmente, "el libro de ilustraciones de Nara") los designaba a veces de forma controvertida (porque eran anacrónicos y combinaban libros con pergaminos), o más precisamente como otogi-zōshi emaki o nara-emaki. Se trata de pequeños cuentos simbólicos y divertidos, destinados a pasar el rato centrándose en la mitología, el folclore, las leyendas, las creencias religiosas o incluso la sociedad contemporánea. Esta forma particular de emakimono se remonta a la época Heian, pero fue bajo el reinado de Muromachi cuando ganó verdadera popularidad.

La relativa popularidad de los otogi-zōshi parece deberse a una creciente falta de entusiasmo por las historias agitadas o religiosas; la gente se había vuelto más receptiva a temas de sueños, risas y lo sobrenatural (varios otogi-zōshi emaki representan todo tipo de yōkai y criaturas populares), así como caricaturas sociales y novelas populares. Entre los ejemplos conservados se encuentran pinturas de género como Buncho no sasshi y Sazare-ichi, o cuentos budistas sobrenaturales como el Tsuchigumo Sōshi o el Hyakki Yagyō Emaki [fr]. Desde el punto de vista de los historiadores del arte, la creatividad de los pergaminos clásicos se percibe aún menos en otogi-zōshi, porque aunque la composición es similar, la falta de armonía de colores y el aspecto sobrecargado son perjudiciales; parece que la producción es a menudo obra de aficionados. Sin embargo, un campo de estudio del estilo pictórico nara-ehon y del nara-e existe en los márgenes y se destaca del marco del emakimono.

Varios otros artistas, en particular Tawaraya Sōtatsu y Yosa Buson, siguieron interesados en los pergaminos narrativos hasta aproximadamente el siglo XVII. La escuela Kanō utilizó los pergaminos narrativos de la misma manera; Kanō Tan'yū realizó varios pergaminos sobre las batallas de Tokugawa, en particular el de Sekigahara en su Tōshō Daigongen Engi, donde se inspiró en algunos pasajes en el Heiji Monogatari Emaki (siglo XIII).

En esencia, un emakimono es un sistema narrativo (como un libro) que requiere la construcción de una historia, por lo que la composición debe basarse en las transiciones de escena a escena hasta el desenlace final.

Emakimono recibió inicialmente una fuerte influencia de China, al igual que las artes japonesas de la época; el Sutra ilustrado de causa y efecto [fr] incorpora muchos de los estilos ingenuos y simples de la dinastía Tang, aunque se pueden discernir disonancias, especialmente en relación con los colores. A partir del período Heian, el emakimono pasó a disociarse de China, principalmente en sus temas. Los pergaminos chinos estaban destinados principalmente a ilustrar los principios trascendentes del budismo y la serenidad de los paisajes, sugiriendo la grandeza y la espiritualidad. Los japoneses, por su parte, habían vuelto a centrar sus pergaminos en la vida cotidiana y en el hombre, transmitiendo dramatismo, humor y sentimientos. Así, los emakimono empezaron a inspirarse en la literatura, la poesía, la naturaleza y, sobre todo, en la vida cotidiana; en definitiva, formaron un arte intimista, a veces en oposición a la búsqueda de la grandeza espiritual china.

Los primeros temas japoneses del periodo Heian estaban muy relacionados con la literatura y la poesía waka: pinturas de las estaciones, el calendario anual de ceremonias, el paisaje rural y, por último, los famosos paisajes del archipiélago japonés (meisho-e). Posteriormente, los guerreros Kamakura y las nuevas sectas budistas de la Tierra Pura diversificaron aún más los temas. A pesar de la amplia gama de temas del emakimono, a los especialistas les gusta categorizarlos, tanto en el fondo como en la forma. Un método eficaz para diferenciar los emakimono pasa por el estudio de los temas haciendo referencia a los cánones de la época. La categorización propuesta por Okudaira y Fukui distingue así entre pinturas profanas y religiosas:

• Novelas y diarios de la corte (monogatari, Nikki) tratar con cuentos románticos, la vida en la corte o crónicas históricas;
• leyendas populares (setsuwa monogatari);
• Cuentas militares ()kassen);
• Scrolls on waka poetas;
• Informes sobre los ritos y ceremonias celebrados de manera muy codificada y rígida durante todo el año;
• Pinturas y retratos realistas (Nise-e);
• Otogi-zōshi, cuentos tradicionales o fantásticos populares en el siglo XIV.

• Ilustraciones de sutras o doctrinas religiosas (kyu-ten);
• Biografía ilustrada de un prominente monje o sacerdote budista (shōnin, kōsōden-e o eden);
• Pinturas de los antecedentes de un templo (engi);
• El Zōshi, una colección de anécdotas budistas.

Una tercera categoría incluye obras más heterogéneas, que mezclan religión y narración o religión y humor popular.

En la actualidad, los autores de la emakimono son, en la mayoría de los casos, desconocidos, y resulta arriesgado especular sobre los nombres de los "maestros" de la emakimono. Además, un pergamino puede ser el fruto de la colaboración de varios artistas; algunas técnicas como el tsukuri-e incluso tienden naturalmente a dicha colaboración. Los historiadores del arte están más interesados en determinar el entorno social y artístico de los pintores: aficionados o profesionales, en la corte o en los templos, aristócratas o de origen modesto.

En primer lugar, los pintores aficionados, quizás los iniciadores del emakimono clásico, se encuentran en la corte del emperador en Heian, entre los aristócratas versados en las diversas artes. Las fuentes de la época mencionan en particular concursos de pintura (e-awase) en los que los nobles competían en torno a un tema común extraído de un poema, como describe Murasaki Shikibu en La historia de Genji. Su obra parece centrarse más en la ilustración de novelas (monogatari) y diarios (nikki), más que en la literatura femenina de la corte. Los monjes también pudieron producir pinturas sin ningún mecenazgo.

En segundo lugar, en el Japón medieval existían talleres de pintores profesionales [fr] (絵 所, literalmente 'oficina de pintura'); Durante el periodo Kamakura, la producción profesional dominaba en gran medida y se distinguían varias categorías de talleres: los que estaban vinculados oficialmente al palacio (kyūtei edokoro), los que estaban vinculados a los grandes templos y santuarios (jiin edokoro) o, por último, los que estaban a cargo de algunas personalidades de alto rango. El estudio de ciertos colofones y textos de la época permite asociar muchos emakimono a estos talleres profesionales e incluso, a veces, comprender su funcionamiento.

Cuando se producían en los talleres del templo, los emakimono tenían como objetivo principal el proselitismo, o la difusión de una doctrina, o incluso como un acto de fe, porque la copia de sutras ilustrados debe permitir la comunión con las deidades (una teoría incluso acredita la idea de que el Kitano Tenjin Engi Emaki habría tenido como objetivo apaciguar a los espíritus malignos). El proselitismo, favorecido por el surgimiento de las sectas budistas de la Tierra Pura durante la era Kamakura, cambió los métodos de producción de emakimono, porque las obras de proselitismo estaban destinadas a ser copiadas y difundidas ampliamente en muchos templos asociados, lo que explica la gran cantidad de copias más o menos similares sobre las vidas de los grandes monjes y la fundación de los templos importantes.

Varios historiadores enfatizan el uso de emakimono en sesiones de explicación de imágenes (絵 解, e-toki), durante las cuales un monje erudito detallaba el contenido de los pergaminos a una audiencia popular. Los especialistas explican así las dimensiones inusualmente grandes de las diferentes versiones del Kitano Tenjin Engi Emaki o del Ippen Shōnin Eden. En cuanto a los talleres de la corte, satisfacían los encargos de palacio, ya fuera para la ilustración de novelas o crónicas históricas, como el Heiji Monogatari Emaki. Una forma de explotación de la historia también podría motivar al patrocinador: por ejemplo, Heiji Monogatari Emaki se produjo para el clan Minamoto (ganador de la Guerra Genpei), y Mōko Shūrai Ekotoba se creó para ensalzar las hazañas de un samurái en busca del reconocimiento del shōgun. Estas obras, al parecer, estaban destinadas a ser leídas por nobles. Sin embargo, Seckel y Hasé afirman que la separación entre lo profano y lo religioso sigue siendo poco clara y sin duda no corresponde a una práctica explícita: así, los aristócratas ordenaban regularmente emakimono para ofrecerlos a un templo, y los pergaminos religiosos no se abstienen de representar cosas populares. Así, por ejemplo, el Hōnen Shōnin Eden [fr] presenta un rico panorama de la civilización medieval.

Los colofones y los estudios comparativos a veces permiten deducir el nombre del artista de un emakimono: por ejemplo, el monje Enōi [fr] firmó el Ippen Shōnin Eden, los historiadores designan a Tokiwa Mitsunaga [fr] como el autor del Ban Dainagon Ekotoba y el Nenjū Gyōji Emaki [fr], o Enichibō Jōnin [fr] para parte del Kegon Engi Emaki. Sin embargo, la vida de estos artistas sigue siendo poco conocida; como mucho, parecen ser de extracción noble. Un trasfondo de este tipo se sugiere particularmente en las representaciones siempre muy precisas en emakimono del palacio imperial (arquitectura interior, vestimenta y rituales) o de los cuerpos oficiales (notablemente la policía imperial (検非違使, kebiishi)). La Shigisan Engi Emaki ilustra bien ese punto, ya que la precisión de los motivos tanto religiosos como aristocráticos sugiere que el pintor está cerca de esos dos mundos.

Quizás un artista más famoso sea Fujiwara no Nobuzane, aristócrata del clan Fujiwara y autor de Zuijin Teiki Emaki, así como de varias suites de retratos realistas ("imágenes de semejanza" (似絵, nise-e), una escuela que fundó en honor a su padre Fujiwara no Takanobu). Entre los talleres del templo, se sabe que el taller de Kōzan-ji fue particularmente prolífico, bajo la dirección del monje Myōe, un gran erudito que trajo muchas obras de la dinastía Song de China. Así, las pinceladas de Jōnin sobre Kegon Engi Emaki o el retrato de Myōe revelan las primeras influencias Song en la pintura japonesa. Sin embargo, la falta crucial de información y documentos sobre estos raros artistas conocidos lleva a los historiadores del arte japoneses a identificar más bien estilos, talleres y escuelas de producción.

A partir del siglo XIV, la Oficina de Pinturas de la Corte Imperial (宮廷絵所, Kyūtei edokoro), e incluso durante un tiempo la edokoro del shōgun, estuvieron dirigidas por la escuela Tosa, que, como se mencionó anteriormente, continuó la Yamato-e. La pintura y la fabricación de emakimono a pesar del declive del género. Los artistas de la escuela Tosa son mucho más conocidos; Tosa Mitsunobu, por ejemplo, produjo una gran cantidad de obras encargadas por templos (incluido el Kiyomizu-dera Engi Emaki) o nobles (incluido el Gonssamen kassen emaki). La escuela rival Kanō también ofrecía algunas piezas similares, a pedido: los historiadores del arte han demostrado fuertes similitudes entre el Heiji Monogatari Emaki (siglo XII) y el Tōshō Daigongen Engi (siglo XVII) de Kanō Tan'yū de la escuela Kanō, probablemente para sugerir un vínculo entre los clanes Minamoto y Tokugawa, cuyos miembros fueron, respectivamente, el primero y el último shogun que gobernaron todo Japón.

El soporte preferido para el emakimono es el papel y, en menor medida, la seda; ambos son originarios de China, aunque el papel japonés (washi) es generalmente de una textura más sólida y menos delicado que el papel chino, ya que las fibras son más largas. El papel se fabrica tradicionalmente con la ayuda de las mujeres del archipiélago japonés.

Los colores más famosos se obtienen a partir de pigmentos minerales: por ejemplo, la azurita para el azul, el bermellón para el rojo, el rejalgar para el amarillo, la malaquita para el verde, entre otros. Estos pigmentos espesos, llamados iwa-enogu en japonés, no son solubles en agua y requieren un aglutinante espeso, generalmente un pegamento animal; la cantidad de pegamento necesaria depende de lo fino que se hayan molido los pigmentos.

Como los emakimono están destinados a ser enrollados, los colores deben aplicarse en ellos en una capa fina y plana para evitar cualquier agrietamiento a medio plazo, lo que limita el uso de motivos (relieves) predominantes en la pintura occidental. En cuanto a la tinta, también inventada en China alrededor del siglo I d.C., resulta de una simple mezcla de aglutinante y humo de madera, cuya dosis depende del fabricante. Esencial para la caligrafía, también es importante en las artes pictóricas asiáticas donde la línea a menudo tiene prioridad; los artistas japoneses la aplican con un pincel, variando el grosor de la línea y la dilución de la tinta para obtener un color que va desde un negro oscuro hasta un gris pálido fuertemente absorbido por el papel.

Los rollos de papel o de seda siguen siendo relativamente frágiles, en particular después de la aplicación de pintura. Por lo tanto, los Emakimono están revestidos con una o más capas de papel resistente, de una manera muy similar a los kakemono (rollos colgantes japoneses): el papel o la seda pintados se estiran, se pegan sobre el revestimiento y luego se secan y se cepillan, normalmente por un artesano especializado, conocido como kyōshi (literalmente, 'maestro en sutra'). El formato largo del emakimono plantea problemas específicos: por lo general, se forran por separado hojas de papel o seda pintadas de entre 2 y 3 metros de largo y luego se ensamblan utilizando tiras de papel japonés de fibra larga, conocido por su resistencia. El proceso de forrado simplemente requiere la aplicación de un pegamento animal que, al secarse, también permite estirar adecuadamente el papel o la seda pintadas. El montaje del emakimono finaliza con la selección de la varilla de madera (軸, jiku), que es bastante fina, y la conexión de la cubierta (表紙, hyōshi), que protege la obra una vez enrollada con una cuerda (紐, himo); Para las piezas más preciosas pintadas con polvo de oro y plata, se suele utilizar una manta protectora adicional, que suele estar hecha de seda y decorada por dentro.

Las corrientes y técnicas del arte emakimono están íntimamente vinculadas y, en la mayoría de los casos, forman parte del movimiento yamato-e, que al principio se oponía fácilmente a las pinturas de estilo chino, conocidas como kara-e. El yamato-e, un arte cotidiano colorido y decorativo, es un claro ejemplo de la producción de la época. En un principio, el término yamato-e designaba principalmente obras con temas japoneses, en particular la vida cortesana, las ceremonias o los paisajes del archipiélago, en oposición a los temas académicos chinos que hasta entonces habían dominado, especialmente durante el periodo Nara. Los documentos del siglo IX mencionan, por ejemplo, las pinturas sobre muros corredizos y biombos del entonces Palacio Imperial, que ilustran poemas waka. Posteriormente, el término yamato-e se refería de forma más general a todas las pinturas de estilo japonés creadas en el siglo IX que expresaban la sensibilidad y el carácter de la gente del archipiélago, incluidas aquellas que iban más allá de los temas anteriores. Miyeko Murase habla así del "surgimiento del gusto nacional".

Según la época (aproximadamente los siglos X y XIV), en el yamato-e se han desarrollado diferentes corrientes pictóricas, entre las que se encuentran el emakimono. El estilo, la composición y la técnica varían mucho, pero es posible identificar principios importantes. Así, en relación con el estilo, el período Heian produjo un contraste entre la pintura refinada de la corte y la pintura dinámica de temas ajenos a la corte, mientras que el período Kamakura vio una síntesis de los dos enfoques y la contribución de nuevas influencias realistas de las pinturas chinas al agua de la dinastía Song. En relación con la composición, los artistas podían alternar la caligrafía y la pintura para ilustrar solo los momentos más llamativos de la historia, o bien crear largas secciones pintadas donde varias escenas se mezclaban y fluían suavemente. Por último, en relación con la técnica, la clasificación de los emakimono, aunque compleja, permite identificar dos enfoques: las pinturas que privilegiaron el color y las que privilegiaron la línea con el propósito de generar dinamismo.

El formato particular de los emakimono, largas tiras de pinturas sin límites fijos, exige resolver una serie de problemas de composición para mantener la facilidad y la claridad de la narración, y que han dado lugar a una forma de arte coherente a lo largo de varios siglos. En resumen, según E. Saint-Marc: "Hemos tenido que construir un vocabulario, una sintaxis, resolver toda una serie de problemas técnicos, inventar una disciplina que sea a la vez literaria y plástica, un modo estético que encuentre sus convenciones [...] a su vez inventadas y modeladas, congeladas por el uso, luego remodeladas, para convertirlas en un instrumento de expresión refinada."

A los especialistas les gusta distinguir entre dos corrientes en la yamato-e, y por lo tanto en la emakimono, del período Heian, a saber, la onna-e ("pintura de mujer", onna que significa "mujer"), y la otoko-e ("pintura de mujer", man", otoko que significa "hombre"). En el período Heian, estas dos corrientes de yamato-e también reflejaban los misterios y el aislamiento de la Corte Imperial: el estilo onna-e contaba lo que sucedía dentro de la corte, y el estilo otoko-e hablaba de lo que sucedía en el populacho exterior.

Onna-e transcribe íntegramente la estética lírica y refinada de la corte, que se caracterizaba por una cierta moderación, introspección y expresión de sentimientos, reuniendo sobre todo obras inspiradas en la literatura "romántica" como el Genji Monogatari Emaki. La impresión dominante de este género se expresa en japonés con el término mono no awareness, una especie de melancolía fugaz nacida del sentimiento de la impermanencia de las cosas. Estas obras adoptaron principalmente la técnica denominada tsukuri-e [fr] (pintura construida), con colores ricos y opacos. En el emakimono del siglo XIII, en el que se actualizó el estilo onna-e, se utilizó la misma técnica pero de una manera a veces menos completa, los colores expresaban sentimientos de manera más directa y los artistas utilizaban una estética más decorativa, como en el caso del uso muy importante del polvo de oro en el Murasaki Shikibu Nikki Emaki.

Un elemento característico de la onna-e reside en el dibujo de los rostros, muy impersonal, que los especialistas suelen comparar con las máscaras Noh. En efecto, según la técnica hikime kagibana, bastaban dos o tres líneas para representar los ojos y la nariz de forma estilizada; E. Grilli advierte la melancolía de este planteamiento. El efecto deseado es todavía incierto, pero probablemente refleja la gran moderación de sentimientos y personalidades en el palacio, o incluso permite al lector identificarse más fácilmente con los personajes. En algunos monogatari del período Heian, los artistas expresaban más bien los sentimientos o las pasiones en las posturas, así como en los pliegues y arrugas de la ropa, en armonía con el estado de ánimo del momento.

• Onna-e pinturas
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  Tsukuri-e [fr] pintura, con tonos vivos típicos de la primaria Yamato-e, Genji Monogatari Emaki, siglo XII
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  Tsukiri-e pintura en tonos más ligeros, Murasaki Shikibu Nikki Emaki, siglo XIII
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  Tsukiri-e pintura, Ise Monogatari Emaki [fr], siglo XIV
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  La escena de la corte ilustra hikime kagibana, una técnica de representación inexpresiva e impersonal de rostros, Genji Monogatari Emaki, siglo XII

La corriente del estilo otoko-e era más libre y vivaz que el onna-e, representando batallas, crónicas históricas, epopeyas y leyendas religiosas favoreciendo las ilustraciones largas frente a la caligrafía, como en el Shigisan Engi Emaki o el Heiji Monogatari Emaki. El estilo se basaba en líneas suaves dibujadas libremente por el artista con tinta, a diferencia de las pinturas construidas con tsukuri-e, para favorecer la impresión de movimiento. Los colores generalmente parecían más apagados y dejaban el papel desnudo en algunos lugares.

Si bien el término onna-e está bien atestiguado en los textos de la época y parece provenir de las ilustraciones de novelas de las damas de la corte del siglo X, los orígenes del otoko-e son más oscuros: surgen a priori del interés de los nobles por la vida provincial japonesa a partir del siglo XI, así como de leyendas populares locales; además, varias escenas muy detalladas del Shigisan Engi Emaki muestran claramente que su autor solo puede haber sido un regular de palacio, un aristócrata o un monje. De todos modos, todavía existen varias colecciones de estos cuentos populares de la época, como el Konjaku Monogatarishū.

A diferencia de las pinturas de la corte, los pergaminos más espontáneos como el Shigisan Engi Emaki o el Ban Dainagon Ekotoba muestran mucho más realismo en el dibujo de los personajes y representan, entre otros temas, el humor y el burlesque, expresando los sentimientos de las personas (como la ira, la alegría y el miedo) de forma más espontánea y directa.

• Otoko-e pinturas
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  escena popular en la que las líneas tienen precedencia sobre colores muy ligeros, Shigisan Engi Emaki, siglo XII
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  Otro cuadro de un tema popular que favorece las líneas, Kokawa-dera Engi Emaki, siglo XII
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  Pintura expresiva de una multitud comunal, Ban Dainagon Ekotoba, finales del siglo XII
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  Escena humilde que representa el error de un médico, Yamai no Sōshi [fr], siglo XII
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  escena de batalla que representa una de las invasiones mongol de Japón, Mōko Shūrai Ekotoba, siglo XIII

Durante el período Kamakura, las dos corrientes de yamato-e (onna-e y otoko-e) se mezclaron y dieron origen a obras que son a la vez dinámicas y vívidamente coloridas, al estilo de Kitano Tenjin Engi Emaki. Además, la mayoría de los emakimono también transcriben las tendencias realistas de la época, según los gustos de los guerreros en el poder. Así, el Heiji Monogatari Emaki muestra con gran detalle las armas, armaduras y uniformes de los soldados, y el Ban Dainagon Ekotoba retrata individualmente a las más de doscientas figuras en pánico que aparecen en la sección que representa el fuego en la puerta.

La pintura realista se muestra mejor en los retratos conocidos como nise-e, un movimiento iniciado por Fujiwara no Takanobu y su hijo Fujiwara no Nobuzane. Estos dos artistas y sus descendientes produjeron una serie de emakimono de un género particular: eran series de retratos de personajes famosos realizados en un estilo bastante similar, con una simplicidad casi geométrica en la vestimenta y un realismo extremo en los rostros. La esencia del nise-e era realmente capturar la personalidad íntima del sujeto con gran economía.

Entre los pergaminos nise-e más famosos se encuentran el Tennō Sekkan Daijin Eizukan, compuesto por 131 retratos de emperadores, gobernadores, ministros y altos cortesanos (por Fujiwara no Tamenobu [fr] y Fujiwara no Gōshin [fr], siglo XIV), y el Zuijin Teiki Emaki. de Nobuzane, cuya pintura a tinta (hakubyō) realzada con un color muy discreto ilustra perfectamente los versos del nise-e. Además, está el Sanjūrokkasen Emaki, una obra de estilo más idealizado que realista, que forma una galería de retratos de los Treinta y seis Inmortales de la Poesía. En términos más generales, los humanos son uno de los sujetos elementales de la emakimono, y muchas obras del período Kamakura incorporan técnicas de nise-e, como la Heiji Monogatari Emaki o la Mōko Shūrai Ekotoba.

• Pinturas realistas
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  Colores y dinamismo, Kitano Tenjin Engi Emaki, siglo XIII
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  Paisaje del Monte Kōya, similar al chino Shan shui estilo, Ippen Shōnin Eden, 1299
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  Detalle de la pintura de guerreros muy realistas en caras, armas y armadura, Heiji Monogatari Emaki, siglo XIII
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  Retrato realista o Nise-epor Taira no Kiyomori, Tennō Sekkan Daijin Eizukan, siglo XIV
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  Nise-e retrato del waka poeta Saigū Nyōgo, Sanjūrokkasen Emaki, siglo XIII

El estilo Yamato-e caracterizó por tanto casi todos los emakimonos y la pintura china ya no aportaba temas ni técnicas. Sin embargo, las influencias todavía se notaban en ciertas obras del periodo Kamakura, en particular en el arte, tan famoso hoy en día, de las pinturas al agua de la dinastía Song, que se manifestó plenamente en los grandiosos y profundos paisajes esbozados en tinta por Ienaga. Los préstamos también se hicieron visibles en pergaminos religiosos como el Kegon Engi Emaki o el Ippen Shōnin Eden. Esta última obra presenta numerosos paisajes típicos de Japón según una perspectiva y un realismo riguroso, con una gran economía de colores; se utilizan diversas técnicas pictóricas Song para sugerir profundidad, como el vuelo de los pájaros que desaparece en el horizonte o el fondo que se difumina gradualmente.

• Pinturas de inspiración china
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  Paisaje sintético compuesto del santuario de Itsukushima en Miyajima y el famoso flotante torii, Ippen Shōnin Eden, 1299
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  Paisaje de montaña y ermita, Kiyomizu-dera Engi Emaki [fr], 1517
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  Zenmyō, una joven china, confiesa su amor al monje Gishō durante su estancia en China, Kegon Engi Emaki, siglo XIII

La técnica clásica de pintura emakimono se llama tsukuri-e [fr] (作り絵, lit. 'pintura construida'), utilizada especialmente en la mayoría de las obras del estilo onna-e. Primero se hacía un boceto de los contornos con tinta antes de aplicar los colores de manera plana sobre toda la superficie del papel utilizando pigmentos vivos y opacos. Los contornos, parcialmente enmascarados por la pintura, finalmente se revivían con tinta y se realzaban los pequeños detalles (como el cabello de las damas). Sin embargo, el primer boceto a menudo se modificaba, en particular cuando los pigmentos minerales eran insolubles en agua y, por lo tanto, requerían el uso de pegamento espeso. El color parece ser un elemento muy importante en la pintura japonesa, mucho más que en China, porque da significado a los sentimientos expresados; En la Genji Monogatari Emaki, el tono dominante de cada escena que ilustra un momento clave de la novela original revela los sentimientos profundos de los personajes.

Durante el período Kamakura, las diferentes etapas de la tsukuri-e aún se observaban ampliamente, a pesar de las variaciones (colores más claros, líneas más similares a las pinturas al agua de la dinastía Song, etc.).

• Tsukuri-e técnica (ver también estilo de la Corte: onna-e arriba)
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  Emperador llama Kaoru para jugar Vamos, Genji Monogatari Emaki, siglo XII
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  Mujeres en casa de Tomo no Yoshio, Ban Dainagon Ekotoba, siglo XII
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  Los nobles de corte borrachos y desordenados interactúan con las damas de la corte, Murasaki Shikibu Nikki Emaki, siglo XIII
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  Versión Kubo (utilización) Tsukuri-e técnica), Ise Monogatari Emaki, siglo XIV

Aunque los emakimono en color ocupan a menudo un lugar preponderante, encontramos en contraste pinturas monocromas en tinta china (hakubyō o shira-e), según dos enfoques. En primer lugar, las líneas de tinta pueden ser extremadamente libres, y el artista coloca sobre el papel gestos suaves y sin restricciones que son especialmente dinámicos, ya que es principalmente la sensación de movimiento lo que emerge en estas obras. El pintor también juega con el grosor del pincel para acentuar el dinamismo, así como con la dilución de la tinta para explotar una paleta más amplia de grises. Entre estos pergaminos, el Chōjū-jinbutsu-giga, que antes probablemente se atribuía erróneamente a Toba Sōjō, sigue siendo el más conocido; Grilli describe este rasgo como una "efusión continua".

El segundo enfoque de las pinturas monocromas es más construido, con trazos finos y regulares que esbozan una escena completa y coherente, muy similar al primer boceto en las obras tsukuri-e antes de la aplicación de los colores; según algunos historiadores del arte, también es posible que estos emakimono simplemente estén inacabados. La Makura no Sōshi Emaki [fr] encaja perfectamente con este enfoque, aceptando solo unos pocos toques finos de rojo, al igual que la Takafusa-kyō Tsuyakotoba Emaki y la Toyo no Akari Ezōshi. De la Baja Edad Media y de la decadencia del emakimono quedan varias ilustraciones un tanto amateurs de novelas clásicas.

A diferencia de la pintura occidental, las líneas y los contornos en tinta desempeñan un papel esencial en el emakimono, ya sea monocromo o no. Sin embargo, a veces los contornos no se dibujan como de costumbre: así, en el Kitano Tenjin Engi Emaki, el artista utiliza la ausencia de contornos para evocar el espíritu sintoísta en los paisajes japoneses. Esta técnica pictórica, originaria de China, se denomina ahora mokkotsu ('pintura sin huesos').

• Línea de tinta y pintura monocroma (ver también Estilo popular: otoko-e arriba)
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  Pintura de tinta libre, Chōjū-jinbutsu-giga, siglo XII
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  Pintura de tinta libre, Shōgun-zuka Emaki [fr], siglo XIII
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  Pintura de tinta muy construida, similar a tsukuri-e sin color; la línea es fina y uniforme. Makura no Sōshi Emaki [fr], siglo XIII
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  Paisaje en lavado. Versión monocroma de Saigyō Monogatari Emaki [fr], siglo XV
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  Pintura de tinta construida, Hakubyō Genji Monogatari Emaki, versión monocroma de El cuento de Genji, siglo XVI

La yuxtaposición del texto y la pintura constituye un punto clave del aspecto narrativo del emakimono. Originalmente, en los sutras ilustrados, la imagen se organizaba en un friso largo y continuo en la parte superior del rollo, encima de los textos. Sin embargo, ese enfoque se abandonó rápidamente en favor de un diseño más abierto, del que existen tres tipos:

• Suplementación entre textos y pinturasDanraku-shiki), el primero tratando de transcribe las ilustraciones elegidas por el artista. Pinturas al estilo de la corteonna-e) a menudo optó por este enfoque, ya que las pinturas se centran más fácilmente en momentos importantes o transmiten una narrativa.
• Intermitencia, donde los textos aparecieron sólo al principio o al final del pergamino, dando orgullo de lugar a ilustraciones continuas (rusōgata-shiki o renzoku-shiki). Este tipo se utiliza a menudo en crónicas épicas e históricas; los ejemplos más conocidos son los Shigisan Engi Emaki y el Heiji Monogatari Emaki. A veces, los textos fueron alojados incluso por un apretón de manos separado.
• Las pinturas intercaladas con el texto, es decir, el texto fue colocado sobre las personas que hablaban, como en las cuentas budistas de los Dōjō-ji Engi Emaki [fr], el Kegon Gojūgo-sho Emaki [fr] o el Tengu Zōshi Emaki [fr].

El equilibrio entre textos e imágenes varía mucho de una obra a otra. El autor tiene una amplia "sintaxis de movimiento y tiempo" que le permite adaptar la forma a la historia y a los sentimientos transmitidos. Los pergaminos con ilustraciones continuas (rusōgata-shiki) hacen que las transiciones sean naturalmente más ambiguas, porque cada lector puede descubrir una porción mayor o menor de los cuadros, más o menos rápidamente. A falta de una separación clara entre las escenas, el modo de lectura debe sugerirse en los cuadros para mantener una cierta coherencia.

Los artistas utilizaron dos tipos de vínculos entre escenas. En primer lugar, los vínculos por separación utilizando elementos del paisaje (tradicionalmente, río, campo, niebla, edificios) eran muy comunes. En segundo lugar, los artistas utilizaron una paleta de elementos de transición sugeridos por las figuras o la disposición de los objetos. Así, no era raro que los personajes señalaran con el dedo el cuadro siguiente o que se los representara viajando para crear el vínculo entre dos ciudades, o que los edificios estuvieran orientados a la izquierda para sugerir la partida y a la derecha para sugerir la llegada. De manera más general, Bauer identifica la noción de fuera de campo (la parte del cuadro aún no visible) que el pintor debe aportar sin perder la coherencia.

• Transiciones entre textos y pinturas: extractos
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  Pintura en friso sobre el texto, una forma de origen chino que fue rápidamente abandonado, Sutrato ilustrado de Causa y Efecto [fr], siglo VIII
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  Texto antes de la pintura, Obusuma Saburo Emaki [fr], siglo VIII
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  Texto situado en una caja en la parte superior del pergamino, Kegon Gojūgo-sho Emaki [fr], siglo XII
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  Escena en la que las palabras de los personajes están escritas directamente en la pintura, sobre ellos, Kegon Engi Emaki, siglo XIII

• Transiciones entre textos y cuadros: pergaminos completos
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  Suplementación entre texto y pintura – Hell Scroll Museo Nacional Nara, siglo XII
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  Sucesión de escenas pintadas sin demarcación textual – Chōjū-jinbutsu-giga, siglo XII
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  Sucesión de escenas pintadas, con sólo dos secciones de texto al principio y al final – Heiji Monogatari Emaki, siglo XIII

El espacio en la composición de un emakimono constituye un segundo momento importante de la narración a lo largo del tiempo. Como el pergamino suele leerse de derecha a izquierda y de arriba a abajo, los autores adoptan principalmente puntos de vista en picado (chōkan, 'perspectiva a vista de pájaro'). Sin embargo, la baja altura del emakimono obliga al artista a establecer trucos como el uso de largas líneas de fuga diagonales o curvas sinuosas que sugieren profundidad. En el interior, son los elementos arquitectónicos (vigas, tabiques, puertas) los que se utilizan para establecer estas diagonales; En el exterior, las diagonales las forman los tejados, los muros, las carreteras y los ríos, dispuestos en varios planos. En la pintura emakimono no existe una perspectiva real en el sentido occidental –la que representa fielmente lo que el ojo percibe–, sino más bien una proyección paralela u oblicua.

La disposición de los elementos en una escena de emakimono se basa en el punto de vista, incluida la técnica conocida como fukinuki yatai. Como se mencionó anteriormente, las escenas se pintan más comúnmente cuando se ven desde arriba (vista de pájaro) para maximizar el espacio disponible para pintar, a pesar de la altura reducida de las volutas, mientras se deja visible parte del fondo.

En las escenas de interior, la técnica más sencilla fue desarrollada por los artistas chinos de la época Tang: se dibujan sólo tres paredes de la habitación, en perspectiva paralela; el punto de vista se sitúa en el lugar de la cuarta pared, un poco más arriba. Cuando surgió la necesidad de dibujar varios planos –por ejemplo el fondo de la habitación o una puerta abierta a la siguiente–, los artistas procedieron reduciendo el tamaño (de la escala). Las escenas más generales en las que se desarrolla la historia, como los paisajes, pueden representarse desde un punto de vista muy lejano (como en el Ippen Shōnin Eden o el Sumiyoshi Monogatari Emaki). En la Eshi no Soshi Emaki [fr] y en la Kokawa-dera Engi Emaki, el pintor optó principalmente por una vista lateral, y el desarrollo de la historia depende de una sucesión de planos comunicantes.

Sin embargo, los artistas japoneses imaginaron una nueva disposición para el emakimono que rápidamente se convirtió en la norma para representar interiores. Se llamó fukinuki yatai (literalmente, 'techo quitado'), y consiste en no representar los tejados de los edificios, y posiblemente las paredes en primer plano si es necesario, para permitir una representación del interior. A diferencia de la disposición anterior, el punto de vista se encuentra fuera de los edificios, todavía en lo alto, porque el propósito principal del fukinuki yatai es representar dos espacios narrativos separados, por ejemplo, dos habitaciones contiguas, o bien dentro y fuera. La génesis de esta técnica es aún poco conocida (ya aparece en la biografía sobre tabla de madera del príncipe Shōtoku), pero ya apareció con gran maestría en las pinturas de estilo cortesano (onna-e) en el siglo XII.

En la Genji Monogatari Emaki, la composición está estrechamente vinculada al texto y sugiere indirectamente el estado de ánimo de la escena. Cuando Kaoru visita a Ukifune, mientras su amor está surgiendo, el artista muestra al lector dos espacios narrativos gracias al fukinuki yatai: en la veranda, Kaoru está tranquila, posando en un espacio pacífico; en el interior del edificio, por el contrario, Ukifune y sus damas de compañía están pintadas en una superficie más pequeña, agitadas, en una composición confusa que refuerza su agitación. De manera más general, una composición poco realista (por ejemplo desde dos puntos de vista) permite sugerir sentimientos fuertes o tristes.

La técnica del fukinuki yatai también se utilizó de muchas otras maneras, por ejemplo, con un punto de vista muy alto para reforzar la división de espacios, incluso en una sola habitación, o dándole al paisaje un lugar más importante. En última instancia, el objetivo principal siguió siendo representar dos etapas narrativas y, por lo tanto, dos espacios distintos, en la misma pintura. Por lo tanto, el fukinuki yatai se utilizó ampliamente, a veces incluso como una simple instancia estilística sin relación con los sentimientos o el texto, a diferencia de lo que ocurre en el Genji Monogatari Emaki.

Por último, la escala de un emakimono también permite sugerir profundidad y guiar la disposición de los elementos. En la pintura japonesa, la escala no depende solo de la profundidad de la escena, sino también a menudo de la importancia de los elementos en la composición o en la historia, a diferencia de las representaciones realistas de los rollos de paisajes chinos. Así, el personaje principal puede verse agrandado en comparación con los demás, dependiendo de lo que el artista quiera expresar: en el Ippen Shōnin Eden, Ippen a veces se representa en el fondo de un paisaje del mismo tamaño que los árboles o los edificios, de modo que el lector puede identificarlo claramente. Los cambios de escala también pueden transmitir el estado de ánimo del momento, como la fuerza de voluntad y la angustia de Sugawara no Michizane en el Kitano Tenjin Engi Emaki. Para Saint-Marc, "cada elemento adquiere [de manera más general] la importancia que tiene en sí mismo en la mente del pintor", liberándose de las reglas de la composición realista.

• Técnicas de perspectiva
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  Larga línea desapareciendo el movimiento de los ojos, Shigisan Engi Emaki, siglo XII
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  Escena en la que la profundidad se lleva por diagonales paralelos (here arquitectura), sin perspectiva, Genji Monogatari Emaki, siglo XII
• 
  Ejemplo de una simple transición utilizando un curso de agua, Sutrato ilustrado de Causa y Efecto [fr], siglo VIII
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  Vista interior, en la que no se muestra el techo (fukinuki yatai). Ban Dainagon Ekotoba, siglo XII
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  Vista interior de Taima-dera, donde se reservan los espacios para mostrar varias etapas de la historia, gracias a la fukinuki yatai. Taima Mandala Engi [fr], siglo XIII
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  Variación de escala, donde el personaje principal aparece muy alto en comparación con la montaña; niebla opaca también son características del arte asiático. Kitano Tenjin Engi Emaki, 1219

El ritmo narrativo de emakimono surge principalmente de la disposición entre textos e imágenes, que constituye un marcador esencial de la evolución de la historia. En las pinturas de estilo cortesano (onna-e), el artista podía sugerir calma y melancolía mediante sucesiones de planos fijos y contemplativos, como, por ejemplo, en Genji Monogatari Emaki, en el que las escenas parecen estar fuera del tiempo, puntuando momentos de sensibilidad extrema. Por el contrario, las historias más dinámicas juegan con la alternancia entre primeros planos y panoramas amplios, elisiones, transiciones y exageraciones. En estos relatos, el ritmo narrativo se dedica por completo a la construcción del pergamino que conduce a la cumbre dramática o épica, con pergaminos pintados continuamente que permiten revelar la acción a medida que avanza, intensificando el ritmo y, por lo tanto, el suspense. El incendio del palacio Sanjō en el Heiji Monogatari Emaki ilustra bien este aspecto, ya que el artista, al utilizar un rojo muy opaco que se extiende por casi toda la altura del papel, representa una intensificación gradual de las batallas sangrientas y la persecución del emperador Go-Shirakawa hasta que el palacio se incendia. Otro incendio famoso, el Incidente de Ōtenmon en el Ban Dainagon Ekotoba, adopta el mismo enfoque, al retratar los movimientos de la multitud, cada vez más densa y desordenada, hasta la revelación del drama.

Los artistas japoneses también utilizan otras técnicas de composición para dar energía a una historia y marcar el ritmo: los mismos personajes se representan en una serie de escenarios variados (normalmente al aire libre), una técnica conocida como repetición (hampuku byōsha). En la Gosannen Kassen Ekotoba, una composición centrada en el castillo de Kanazawa muestra gradualmente la captura del castillo por las tropas de Minamoto no Yoshiie, creando un efecto gradual y dramático. En la Kibi Daijin Nittō Emaki, la torre a la que se asigna Kibi no Makibi (o Kibi Daijin) está pintada para representar cada desafío ganado por el protagonista.

Otra técnica narrativa característica del emakimono se llama iji-dō-zu: consiste en representar varias veces el mismo personaje en una misma escena, con el fin de sugerir una secuencia de acciones (luchas, discusiones, viajes) con un gran ahorro de espacio. El movimiento de la mirada suele ser circular y las escenas representan momentos diferentes. Iji-dō-zu puede sugerir igualmente un momento largo en una escena, como la monja en Shigisan Engi Emaki que permanece en retiro en Tōdai-ji durante varias horas, o una serie de acciones breves pero intensas, como las peleas en Ban Dainagon Ekotoba y Ippen Shōnin Eden. En la Kegon Engi Emaki, el artista ofrece una sucesión de planos casi "cinematográficos" que muestran alternativamente la angustia de Zenmyō, una joven china, y el barco que lleva a su amado en el horizonte.

• Técnicas narrativas
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  Escena usando el técnica iji-dō-zu: el grupo de demonios se representa primero ardiendo abajo, luego escuchando los sermones del Buda histórico en el medio, y finalmente bebiendo y alcanzando los cielos arriba. Gaki Zōshi [fr], siglo XII
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  Iji-dō-zu: la monja se representa alternadamente orando y durmiendo para sugerir la longitud de su retiro. Shigisan Engi Emaki, siglo XII
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  Iji-dō-zu: dos niños pelean en el centro bajo los ojos difundidos de la multitud, luego el padre de uno de ellos corre a la izquierda, y expulsa sin cesar al rival de su hijo. Ban Dainagon Ekotoba, siglo XII

Como se señaló en la sección de historia anterior, la aparición del silabario kana contribuyó al desarrollo de la literatura de la corte femenina y, por extensión, a la ilustración de novelas en pergaminos. Por lo tanto, el kana se utilizó en emakimono, aunque los caracteres chinos también se siguieron utilizando en gran medida. En algunos pergaminos en particular, se pueden encontrar otros alfabetos, en particular el sánscrito en el Hakubyō Ise Monogatari Emaki.

En Asia oriental, la caligrafía es un arte predominante que los aristócratas aprenden a dominar desde la infancia, y los estilos y disposiciones de los caracteres están ampliamente codificados, aunque son variados. En el contexto del emakimono, los textos caligráficos pueden tener varios propósitos: presentar la historia, describir las escenas pintadas, transmitir enseñanzas religiosas o presentarse en forma de poemas (la poesía waka sigue siendo la más representativa del Japón antiguo). Para las pinturas de estilo cortesano ricamente decoradas (Onna-e), como Genji Monogatari Emaki, los papeles se preparaban cuidadosamente y se decoraban con polvo de oro y plata.

El texto de un emakimono tenía más que una función de decoración y narración; también podía influir en la composición de las pinturas. Los Genji Monogatari Emaki han sido ampliamente estudiados en este punto: los historiadores del arte han demostrado una relación entre el sentimiento transmitido por un texto y el color dominante de la pintura que lo acompaña, un color que también se utiliza para el papel decorado. Además, la composición de las pinturas puede permitir comprenderlas de acuerdo con el texto: por ejemplo, los personajes de la historia pueden haber sido pintados en una escena en un palacio en el orden en que aparecen en el texto. Otros especialistas han insistido a su vez en la importancia del texto en la disposición de los cuadros, un punto importante en el emakimono budista, en el que la transmisión de dogmas y enseñanzas religiosas seguía siendo un objetivo esencial del artista.

Según Peter C. Swann, la producción de emakimono fue el primer movimiento artístico verdaderamente original de Japón desde la llegada de influencias extranjeras. La influencia de China en el emakimono y en las técnicas pictóricas se mantuvo tangible al principio, tanto que los historiadores han trabajado para formalizar lo que realmente constituye el arte emakimono como arte japonés. Además del estilo yamato-e, los especialistas suelen proponer varios elementos de respuesta: la composición diagonal muy típica, la perspectiva en función del tema, el proceso de izi-dō-zu, la sensibilidad de los colores (esencial en el estilo yamato-e), los rostros estereotipados de los personajes (impersonales, realistas o caricaturizados) y, por último, la atmósfera nebulosa. K. Chino y K. Nishi también destacaron la técnica del fukinuki yatai (literalmente, 'techo quitado'), sin precedentes en todo el arte asiático. Saint-Marc comentó que algunos de estos elementos ya existían en la pintura china y que la originalidad del emakimono residía en el enfoque general y los temas establecidos por los artistas japoneses.

La originalidad del arte también hay que buscarla en su espíritu, "la vida de una época traducida al lenguaje formal". Las pinturas de estilo cortesano (onna-e) forman parte de la estética del mono no awareness (literalmente 'el patetismo de las cosas'), un estado mental difícil de expresar, pero que puede considerarse como una inclinación por la belleza triste, la melancolía nacida del sentimiento de que todo lo bello es impermanente. D. y V. Elisseeff definen este aspecto del emakimono como el oko, el sentimiento de inadecuación, a menudo materializado por un humor propiamente japonés. Pero fuera de la corte, el estilo popular emakimono (otoko-e), el arte de la vida cotidiana, se acerca más al estado de ánimo humano y universal.

La producción sostenida de emakimono durante los períodos Heian, Kamakura y Muromachi (alrededor de los siglos XII al XIV) creó una fuente invaluable de información sobre la civilización japonesa contemporánea. Los historiadores han estudiado en profundidad el emakimono en ese sentido; ninguna otra forma de arte japonés ha estado tan íntimamente vinculada a la vida y la cultura del pueblo japonés.

Un amplio proyecto de la Universidad de Kanagawa ha llevado a cabo un estudio muy exhaustivo de las pinturas más interesantes a través de quince grandes categorías de elementos, entre los que se incluyen viviendas, elementos de la vida doméstica y elementos de la vida fuera del hogar, según edades (niños, trabajadores, ancianos) y clase social. Aunque los personajes principales son en la mayoría de los casos nobles, monjes famosos o guerreros, la presencia de gente corriente es más o menos tangible en una inmensa mayoría de obras, lo que permite estudiar una gran variedad de actividades cotidianas: pueden aparecer sucesivamente campesinos, artesanos, comerciantes, mendigos, mujeres, ancianos y niños. En la Shigisan Engi Emaki, resulta especialmente interesante la actividad de las mujeres, a las que el artista muestra preparando comidas, lavando la ropa o amamantando. El Sanjūni-ban Shokunin Uta-awase Emaki presenta a 142 artesanos del período Muromachi, desde un herrero hasta un fabricante de sake.

La vestimenta de los personajes de emakimono es típicamente fiel a la realidad y representa con precisión la vestimenta contemporánea y su relación con las categorías sociales de la época. En los pergaminos de temática militar, las armas y armaduras de los guerreros también están representadas con precisión; por ejemplo, Heiji Monogatari Emaki muestra muchos detalles, en particular la armadura y los arneses de los caballos, mientras que Mōko Shūrai Ekotoba representa los estilos de lucha de los japoneses durante las invasiones mongolas de Japón, cuyas tácticas aún estaban dominadas por el uso del arco. Por último, la Ban Dainagon Ekotoba ofrece una perspectiva única de ciertos detalles de los uniformes de los agentes de policía (conocidos como kebiishi).

La estética, junto con la representación de las emociones y las expresiones de los sentimientos de la gente, también muestra una clara división entre la gente común y la aristocracia. En los emakimono que representan a la gente común, emociones como el miedo, la angustia, la excitación y la alegría se representan de forma directa y clara, mientras que los emakimono aristocráticos enfatizan temas refinados, pero menos directos, como el romance clásico, la celebración de ceremonias y la nostalgia por el período Heian.

Dependiendo de los temas abordados, los emakimono también constituyen una importante fuente historiográfica de información sobre algo más que la vida cotidiana, incluidos los acontecimientos históricos, la cultura y la religión. Entre estos tipos de emakimono, el Nenjū Gyōji Emaki [fr] se presenta en forma de un calendario de varias ceremonias y ritos anuales celebrados en la corte. Por su importancia simbólica y la complejidad de sus códigos, estos eventos, así como algunas festividades más populares, absorbieron gran parte de la energía de la aristocracia del período Heian. Durante el período Kamakura posterior, los cuarenta y ocho rollos del Hōnen Shōnin Eden [fr] formaron un catálogo inédito de la cultura y la sociedad de la época, al tiempo que relataban, de manera proselitista, el establecimiento de la primera escuela de la Tierra Pura en Japón.

La arquitectura de los lugares utilizados como escenario para un emakimono puede presentar un gran nivel de detalle visual en relación con las estructuras de la época. El Murasaki Shikibu Nikki Emaki ofrece así una visión del estilo arquitectónico shinden-zukuri, marcado por una mezcla de influencias de la China Tang y el Japón tradicional, como los tejados de corteza. Más interesante aún, el Ippen Shōnin Eden detalla una amplia variedad de edificios (templos, santuarios, palacios, viviendas) tomados de la vida con un realismo sin precedentes por el monje pintor Enōi [fr], de modo que los edificios conservados hoy en día son fácilmente reconocibles. El Emakimono también puede incluir varios elementos de la vida en la ciudad o en el campo, como el mercado en el distrito comercial de Osaka. Otro ejemplo notable, el Shigisan Engi Emaki, ofrece un esbozo único del gran Buda original de Tōdai-ji, que se quemó en 1180.

Emakimono muy a menudo toman como fuente de inspiración acontecimientos históricos o religiosos: el valor narrativo de la historia (la historia verdadera) informa a los historiadores contemporáneos tanto sobre la historia como sobre la manera de percibir esta historia en ese momento (a veces hay una brecha de varios siglos entre la época de la historia y la época del pintor). Entre la información más interesante de un emakimono pueden estar los detalles de la construcción de templos antiguos, de prácticas religiosas y, finalmente, del desarrollo de batallas y eventos históricos importantes, como las invasiones mongolas, la Guerra Genpei o incluso la conspiración política de Ōtenmon.

• Reflexión histórica, cultural y religiosa
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  Buda original grande de Tōdai-ji: este es el único documento iconográfico sobre esta obra monumental, que se quemó en 1180. Shigisan Engi Emaki, siglo XII
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  Entretenimiento de los aristócratas en el lago del palacio; el hombre gordo en la terraza no es otro que el poderoso Fujiwara no Michinaga.Murasaki Shikibu Nikki Emaki, siglo XIII
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  Guerra en toda su brutalidad: samurai armado masacrando a los nobles en medio del ataque nocturno contra el palacio de Sanjō durante la rebelión de Heiji. Heiji Monogatari Emaki, siglo XIII

Los historiadores del arte han destacado en sus escritos repetidamente las técnicas específicas del arte emakimono a través de algunos pergaminos característicos.

El Genji Monogatari Emaki, fechado aproximadamente entre los años 1120 y 1140, ilustra La historia de Genji en el estilo refinado e íntimo de la corte (onna-e), pero hoy en día solo quedan unos pocos fragmentos de cuatro pergaminos. La escena que se muestra aquí representa la última visita del príncipe Genji a su amada moribunda, Lady Murasaki. En la composición, las diagonales revelan la emoción de los personajes. Primero, Lady Murasaki aparece en la parte superior derecha, luego las líneas guían la mirada hacia el príncipe en el centro inferior, que parece estar aplastado por el dolor. Luego, la lectura continúa y, a la izquierda, han pasado varios meses, mostrando el jardín de los amantes devastado por el tiempo, haciendo eco de la amada perdida. Los colores son más oscuros de lo habitual. En esta escena se aprecian todos los elementos pictóricos clásicos del emakimono del género onna-e: las diagonales que guían la mirada, el fukinuki yatai, el hikime kagibana y los colores aplicados uniformemente sobre toda la superficie, con la técnica tsukuri-e.

El Shigisan Engi Emaki ofrece una narración popular y humorística de tres episodios de la vida del monje budista Myōren (fundador de Chōgosonshi-ji), enfatizando la línea y los colores claros del otoko-e. Las estimaciones más precisas lo sitúan entre 1157 y 1180, y la calidad de las descripciones de los templos y el palacio sugiere que el artista está familiarizado tanto con los círculos eclesiásticos como con los aristocráticos. Myōren, que vivía como ermitaño en las montañas de Kioto, solía enviar un cuenco mágico por aire al pueblo cercano, para recibir su ofrenda de arroz. Un día, un rico comerciante se cansó de este ritual y encerró el cuenco en su ático. Para castigarlo, Myōren hizo estallar todo el granero que contenía la cosecha del pueblo, como se pinta en la escena que se muestra aquí; en esa escena, conocida como el granero volador, el artista representa plenamente los sentimientos populares, el miedo y el pánico al ver desaparecer la cosecha. Los movimientos de la multitud y los rostros expresivos, casi burlescos, de los paisajes contrastan con la contención tangible del Genji Monogatari Emaki. Así pues, este emakimono encaja en el género otoko-e, marcado por líneas de tinta dinámicas, colores claros que revelan el papel y temas de la vida cotidiana.

El Heiji Monogatari Emaki relata los acontecimientos históricos de la rebelión Heiji, un episodio de la guerra civil entre los clanes Taira y Minamoto al final de la era Heian. De los numerosos pergaminos originales, formados en la segunda mitad del siglo XIII, probablemente a lo largo de varias décadas, solo quedan tres, junto con varios fragmentos. El primer pergamino, que representa el asedio del palacio Sanjō, es uno de los más famosos en el arte del emakimono, debido a su dominio del movimiento y la puesta en escena de la narración hasta el clímax: el fuego, que se extiende por casi toda la altura del pergamino en la escena que se muestra aquí. En el lugar del incendio, unos soldados representados con gran realismo, equipados con armas y armaduras, luchan violentamente, mientras los aristócratas que intentan huir son masacrados salvajemente (aquí, uno es asesinado por un soldado peludo). El incendio del palacio se hace eco del de otro pergamino más antiguo, el Ban Dainagon Ekotoba, que es famoso por su mezcla de escenas coloridas y refinadas.

Los doce rollos del Ippen Shōnin Eden narran la biografía del monje santo Ippen, fundador de la escuela Ji-shū [fr; ja] del budismo de la Tierra Pura. Fueron pintados en 1299 por el monje pintor Enōi [fr], discípulo de Ippen, sobre seda, probablemente por la importancia del personaje. Ippen, cantor de la salvación de todas las almas y de oraciones danzadas (nenbutsu odori), viajó por todo Japón para transmitir su doctrina a hombres, campesinos, habitantes de las ciudades y nobles. El emakimono es famoso por sus numerosas y fuertes escenas de paisajes típicos de Japón, tan realistas que todavía hoy se pueden reconocer perfectamente. La escena que se muestra aquí, en la que Ippen y sus discípulos llegan a Kioto por el puente sobre el río Kamo, ilustra el estilo único del emakimono, que se inspira tanto en el realismo clásico del yamato-e arte de Kamakura como en la pintura al agua de la dinastía Song. El resultado, tan admirado por los especialistas, parece muy cercano a los paisajes chinos profundos y espirituales con trazos de tinta ásperos, al tiempo que conserva una iconografía japonesa a través de la libertad con la perspectiva (los personajes en particular son desproporcionados) y los elementos de la vida cotidiana.

La Kegon Engi Emaki, pintada alrededor de 1218-1230, ilustra la leyenda de dos monjes coreanos que fundaron la secta Kegon en su país en el siglo XII. Uno de ellos, Gishō, hizo una peregrinación a China en su juventud para completar su educación budista. Allí, conoció a una joven china, Zenmyō, que se enamoró de él. Por desgracia, el día en que debía partir, esta última llegó tarde al puerto y, desesperada, se arrojó al agua, jurando proteger a su amado para siempre. Luego se transformó en un dragón y se convirtió en una deidad protectora de la escuela Kegon, según la leyenda. La conocida escena que se muestra aquí, en la que Zenmyō, transformada en dragón, lleva a cuestas el barco de Gishō, presenta líneas suaves y finas, así como colores discretos que no enmascaran las pinceladas; este estilo también parece inspirado en la pintura al agua de la dinastía Song, a la que se ha añadido la sensibilidad muy japonesa por los colores. De hecho, el patrocinador del rollo, el monje Myōe de Kōzan-ji, apreciaba el arte del continente asiático y trajo a Japón varias obras chinas contemporáneas, que probablemente inspiraron a los artistas de su taller de pintura.

Los pergaminos originales de Kitano Tenjin Engi Emaki, que relatan los hechos sobre la vida y la muerte de Sugawara no Michizane, erudito ministro del Emperador durante su vida y deificado según la leyenda como un kami de estudios y letras, demuestran una sensibilidad a la hora de mezclar el budismo y, sobre todo, el sintoísmo. Los pergaminos estaban destinados en realidad al santuario sintoísta de Kitano Tenmangū en Kioto; los dos últimos de los ocho pergaminos narran la fundación y los milagros. Sin embargo, la división temática de la obra parece inacabada, ya que se ha sacado a la luz el esbozo de un noveno pergamino. En la escena que se muestra aquí, Michizane, condenado injustamente al exilio, invoca a los dioses en su desgracia. La composición del cuadro da testimonio de una sensibilidad muy japonesa; Michizane está representado de forma desproporcionada para subrayar su grandeza y determinación frente al deshonor, mientras que el paisaje de vivos colores y casi sin contornos (mokkotsu) está imbuido de animismo sintoísta. Las nieblas que se asemejan a largas cintas opacas son otras características del emakimono, aunque también están presentes en una forma diferente en el arte chino.

• Cantastoria
• Kamishibai
• Kasuga Gongen Genki E
• Panorama en movimiento
• Wayang bebida
• Lista de Tesoros Nacionales del Japón (pinturas)

• Medios relacionados con Emakimono en Wikimedia Commons