Elia Kazán

Elia Kazan (nacido Elias Kazantzoglou (griego: Ηλίας Καζαντζόγλου); 7 de septiembre de 1909 - 28 de septiembre de 2003) fue un director, productor, guionista y actor de cine y teatro estadounidense, descrito por The New York Times como "uno de los directores más honrados e influyentes en la historia de Broadway y Hollywood".

Nacido en Constantinopla (ahora Estambul), de padres griegos de Capadocia, su familia llegó a los Estados Unidos en 1913. Después de asistir al Williams College y luego a la Yale School of Drama, actuó profesionalmente durante ocho años y luego se unió al Group Theatre. en 1932, y co-fundó Actors Studio en 1947. Con Robert Lewis y Cheryl Crawford, sus actores' studio presentó "Method Acting" bajo la dirección de Lee Strasberg. Kazan actuó en algunas películas, incluida City for Conquest (1940).

Sus películas trataban temas personales o sociales de especial interés para él. Kazan escribe: "No me muevo a menos que tenga cierta empatía con el tema básico". Su primer "número" La película fue Gentleman's Agreement (1947), con Gregory Peck, que trataba sobre el antisemitismo en Estados Unidos. Recibió ocho nominaciones al Oscar y tres victorias, incluida la primera de Kazan como Mejor Director. Le siguió Pinky (1949), una de las primeras películas de la corriente principal de Hollywood en abordar los prejuicios raciales contra los afroamericanos. Un tranvía llamado deseo (1951), una adaptación de la obra de teatro que también había dirigido, recibió doce nominaciones al Oscar, ganando cuatro, y fue el papel revelación de Marlon Brando. Tres años más tarde, volvió a dirigir a Brando en On the Waterfront, una película sobre la corrupción sindical en el muelle del puerto de Nueva York. También recibió 12 nominaciones al Oscar, ganando ocho. En 1955, dirigió East of Eden de John Steinbeck, que presentó a James Dean al público cinematográfico.

Un punto de inflexión en la carrera de Kazan se produjo con su testimonio como testigo ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes en 1952, en la época de la lista negra de Hollywood, que provocó fuertes reacciones negativas por parte de muchos amigos y colegas.. Su testimonio ayudó a poner fin a las carreras de los ex compañeros de actuación Morris Carnovsky y Art Smith, junto con el trabajo del dramaturgo Clifford Odets. Kazan y Odets habían hecho un pacto para nombrarse frente al comité. Kazan luego justificó su acto diciendo que tomó "solo la más tolerable de dos alternativas que eran dolorosas e incorrectas". Casi medio siglo después, su testimonio anticomunista siguió causando controversia. Cuando Kazan recibió un Oscar honorario en 1999, decenas de actores optaron por no aplaudir mientras 250 manifestantes protestaban en el evento.

Kazan influyó en las películas de las décadas de 1950 y 1960 con sus temas provocativos y centrados en temas concretos. El director Stanley Kubrick lo llamó "sin lugar a dudas, el mejor director que tenemos en Estados Unidos, [y] capaz de hacer milagros con los actores que utiliza". El autor de cine Ian Freer concluye que incluso "si sus logros están empañados por la controversia política, la deuda que Hollywood, y los actores de todo el mundo, tienen con él es enorme". En 2010, Martin Scorsese codirigió el documental A Letter to Elia como tributo personal a Kazan.

Primeros años

Elia Kazan nació en el distrito Kadıköy de Constantinopla (ahora Estambul), de padres griegos de Capadocia, originaria de Kayseri en Anatolia. Llegó a los Estados Unidos con sus padres, George y Athena Kazantzoglou (née Shishmanoglou), el 8 de julio de 1913. Recibió el nombre de su abuelo paterno, Elia Kazantzoglou. Su abuelo materno fue Isaak Shishmanoglou. El hermano de Elia, Avraam, nació en Berlín y luego se convirtió en psiquiatra.

Kazan se crió en la Iglesia Ortodoxa Griega y asistía a los servicios ortodoxos griegos todos los domingos, donde tenía que estar de pie durante varias horas con su padre. Su madre leía la Biblia pero no iba a la iglesia. Cuando Kazan tenía alrededor de ocho años, la familia se mudó a New Rochelle, Nueva York, y su padre lo envió a una escuela de catecismo católico romano porque no había una iglesia ortodoxa cerca.

En la obra Paraíso perdido (1937)

Cuando era niño, se le recordaba como tímido y sus compañeros de universidad lo describían como un solitario. Gran parte de su vida temprana fue retratada en su libro autobiográfico, America America, que llevó al cine en 1963. En él, describe a su familia como "alienada" de sus padres' valores ortodoxos griegos y de los de la corriente principal de Estados Unidos. La familia de su madre eran comerciantes de algodón que importaban algodón de Inglaterra y lo vendían al por mayor. Su padre se había convertido en comerciante de alfombras después de emigrar a los Estados Unidos y esperaba que su hijo se dedicara al mismo negocio.

Después de asistir a escuelas públicas hasta la escuela secundaria, Kazan se matriculó en Williams College en Massachusetts, donde ayudó a pagar sus gastos sirviendo mesas y lavando platos; todavía se graduó cum laude. También trabajó como cantinero en varias fraternidades, pero nunca se unió a una. Mientras estudiaba en Williams, se ganó el apodo de 'Gadg', por Gadget, porque, dijo, 'era pequeño, compacto y práctico para tenerlo cerca'. El apodo finalmente fue adoptado por sus estrellas de teatro y cine.

En América América cuenta cómo y por qué su familia dejó Turquía y se mudó a América. Kazan señala que gran parte proviene de historias que escuchó cuando era niño. Él dice durante una entrevista que "todo es verdad: la riqueza de la familia fue puesta a lomos de un burro, y mi tío, realmente todavía un niño, fue a Estambul... para traer gradualmente la familia allí para escapar de las circunstancias opresivas... También es cierto que perdió el dinero en el camino, y cuando llegó barrió alfombras en una tiendita."

Kazan señaló algunos de los aspectos controvertidos de lo que puso en la película. Escribió: "Solía decirme a mí mismo cuando estaba haciendo la película que Estados Unidos era un sueño de libertad total en todas las áreas". Para demostrar su punto, el personaje que interpreta al tío Avraam de Kazan besa el suelo cuando pasa por la aduana, mientras que la Estatua de la Libertad y la bandera estadounidense están en el fondo. Kazan había considerado si ese tipo de escena podría ser demasiado para el público estadounidense:

Lo dudé mucho tiempo. Mucha gente, que no entiende lo desesperada que puede conseguir la gente, me aconsejó que lo cortara. Cuando me acusan de ser excesivo por los críticos, están hablando de momentos así. Pero no lo tomaría para el mundo. De hecho sucedió. Créeme, si un turco pudiera salir de Turquía y venir aquí, incluso ahora, él besaba el suelo. Para los oprimidos, Estados Unidos sigue siendo un sueño.

Antes de emprender la película, Kazan quería confirmar muchos de los detalles sobre los antecedentes de su familia. En un momento, sentó a sus padres y registró sus respuestas a sus preguntas. Recuerda que eventualmente le hizo a su padre una "pregunta más profunda: '¿Por qué Estados Unidos? ¿Qué esperabas?'" Sin embargo, su madre le dio la respuesta: "A.E. nos trajo aquí." Kazan afirma que "A.E. fue mi tío Avraam Elia, el que salió de la aldea de Anatolia con el burro. A los veintiocho años, de alguna manera —ésa era la maravilla— se dirigió a Nueva York. Envió dinero a casa y con el tiempo trajo a mi padre. Mi padre mandó a buscar a mi madre, a mi hermanito y a mí cuando yo tenía cuatro años."

Kazan escribió sobre la película: "Es mi favorita de todas las películas que he hecho; la primera película que fue enteramente mía."

Carrera

1930: carrera escénica

Kazan (atras fila, derecha) con otros miembros del Teatro del Grupo en 1938

En 1932, después de pasar dos años en la Escuela de Arte Dramático de la Universidad de Yale, se mudó a la ciudad de Nueva York para convertirse en actor de teatro profesional. Continuó sus estudios profesionales en la Juilliard School donde estudió canto con Lucia Dunham. Su primera oportunidad llegó con un pequeño grupo de actores dedicados a presentar obras que contenían "comentario social". Se llamaban Group Theatre, que presentaba muchas obras menos conocidas con profundos mensajes sociales o políticos. Después de luchar para ser aceptado por ellos, descubrió su primer sentido fuerte de sí mismo en Estados Unidos dentro de la "familia del Group Theatre, y más libremente en los movimientos sociales y culturales radicales de la época", escribe el autor de la película. Joanna E. Rapf.

En la autobiografía de Kazan, escribe sobre el "impacto duradero que tuvo el Grupo en él", destacando en particular a Lee Strasberg y Harold Clurman como "figuras paternas", junto con su estrecha amistad con el dramaturgo Clifford Odets. Kazan, durante una entrevista con Michel Ciment, describe el Grupo:

El Grupo fue lo mejor profesionalmente que me pasó. Conocí a dos hombres maravillosos. Lee Strasberg y Harold Clurman, ambos de unos treinta años. Eran líderes magnéticos e intrépidos. Durante el verano era un aprendiz, estaban entretenidos en un campamento de verano judío... Al final del verano me dijeron: "Usted puede tener talento para algo, pero ciertamente no está actuando".

Kazan, en su autobiografía, también describe a Strasberg como un líder vital del grupo:

Llevaba consigo el aura de un profeta, un mago, un doctor de brujas, un psicoanalista, y un padre temido de una casa judía... [H]e fue la fuerza que mantuvo a los treinta y dos miembros del teatro juntos, y los hizo permanentes.

El primer éxito nacional de Kazán se produjo como director de teatro en Nueva York. Aunque inicialmente trabajó como actor en el escenario y dijo al principio de su carrera como actor que no tenía habilidad para actuar, sorprendió a muchos críticos al convertirse en uno de los actores más capaces del grupo. En 1935 interpretó el papel de un taxista líder de la huelga en un drama de Clifford Odets, Waiting for Lefty, y su actuación se denominó "dinámica", lo que llevó a algunos a describirlo como el "rayo proletario".

Entre los temas que atravesaban toda su obra estaban "la alienación personal y la indignación por la injusticia social", escribe el crítico de cine William Baer. Otros críticos también han señalado su "fuerte compromiso con las implicaciones sociales y psicológicas sociales, en lugar de las puramente políticas, del drama".

A mediados de la década de 1930, cuando tenía 26 años, comenzó a dirigir varias obras del Group Theatre, incluida la conocida obra de Robert Ardrey Thunder Rock. En 1942 logró su primer éxito notable al dirigir una obra de teatro de Thornton Wilder, La piel de nuestros dientes, protagonizada por Tallulah Bankhead y Fredric March. La obra, aunque controvertida, fue un éxito comercial y de crítica y le valió a Wilder un premio Pulitzer. Kazan ganó el Premio de la Crítica Dramática de Nueva York al Mejor Director y el Bankhead a la mejor actriz. Luego, Kazan dirigió Death of a Salesman de Arthur Miller, y luego dirigió A Streetcar Named Desire de Tennessee Williams, las cuales también tuvieron éxito. La esposa de Kazan, Molly Thacher, la lectora del Grupo, descubrió a Williams y le otorgó un 'premio que lanzó su carrera'.

La sede de ensayo de verano del Group Theatre estuvo en Pine Brook Country Club, ubicado en el campo de Nichols, Connecticut, durante la década de 1930 y principios de la de 1940. Junto con Kazan estaban muchos otros artistas: Harry Morgan, John Garfield, Luise Rainer, Frances Farmer, Will Geer, Howard Da Silva, Clifford Odets, Lee J. Cobb e Irwin Shaw.

1940: The Actors Studio, primeras películas

En 1940, Kazan tuvo un gran papel secundario como un gángster vestido de forma extravagante en el thriller de boxeo City for Conquest, protagonizado por James Cagney, Ann Sheridan y Anthony Quinn. Su ropa elegantemente distintiva pero vulgar parece haber sido copiada por Frank Sinatra una década y media más tarde y su papel es comprensivo y extremadamente dramático.

En 1947, fundó Actors Studio, un taller sin fines de lucro, con los actores Robert Lewis y Cheryl Crawford. En 1951, Lee Strasberg se convirtió en su director después de que Kazan se fuera a Hollywood para centrarse en su carrera como director de cine. Continuó siendo una empresa sin fines de lucro. Strasberg introdujo el "Método" al Actors Studio, un término general para una constelación de sistematizaciones de las enseñanzas de Konstantin Stanislavski. El "Método" La escuela de actuación se convirtió en el sistema predominante de Hollywood posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Entre los estudiantes de Strasberg estaban Montgomery Clift, Mildred Dunnock, Julie Harris, Karl Malden, Patricia Neal, Maureen Stapleton, Eli Wallach y James Whitmore. Kazan dirigió a dos de los protegidos del Studio, Karl Malden y Marlon Brando, en la obra de Tennessee Williams A Streetcar Named Desire.

Aunque en el apogeo de su éxito en el escenario, Kazan recurrió a Hollywood como director de películas. Primero dirigió dos cortometrajes, pero su primer largometraje fue A Tree Grows in Brooklyn (1945), uno de sus primeros intentos de filmar dramas centrados en preocupaciones contemporáneas, que luego se convirtió en su fuerte. Dos años más tarde dirigió Acuerdo de caballeros, donde abordó un tema poco discutido en Estados Unidos, el antisemitismo, por el que ganó su primer Oscar como Mejor Director. En 1947, dirigió el drama judicial Boomerang!. En 1949 volvió a tratar un tema controvertido cuando dirigió Pinky, que trataba sobre temas de racismo en Estados Unidos y fue nominado a tres Premios de la Academia.

1950: Ascenso a la prominencia

En 1950 dirigió Panic in the Streets, protagonizada por Richard Widmark, en un thriller rodado en las calles de Nueva Orleans. En esa película, Kazan experimentó con un estilo documental de cinematografía, que logró "energizar" las escenas de acción. Ganó el Premio Internacional del Festival de Cine de Venecia como director y la película también ganó dos Premios de la Academia. Kazan había solicitado que Zero Mostel también actuara en la película, a pesar de que Mostel estaba en la "lista negra" como resultado del testimonio de HCUA unos años antes. Kazan escribe sobre su decisión:

Cada director tiene un favorito en su reparto... mi favorito esta vez era Zero Mostel... Pensé que era un artista extraordinario y un compañero encantador, uno de los hombres más divertidos y originales que había conocido... constantemente busqué su compañía... Era una de las tres personas a las que rescaté de la lista negra de la "industria"... Durante mucho tiempo, Zero no había podido conseguir trabajo en películas, pero lo conseguí en mi película.

En 1951, después de presentar y dirigir a Marlon Brando y Karl Malden en la versión teatral, pasó a elegir a ambos en la versión cinematográfica de la obra, Un tranvía llamado deseo, que ganó cuatro premios Oscar., siendo nominado para 12.

A pesar de estos aplausos, la película se consideró un paso atrás cinematográficamente con la sensación de teatro filmado, aunque Kazan al principio usó un escenario más abierto, pero luego se sintió obligado a volver a la atmósfera del escenario para mantenerse fiel al guión.. El explica:

En "Streetcar" trabajamos muy duro para abrirlo, y luego regresamos a la obra porque habíamos perdido toda la compresión. En la obra, estas personas estaban atrapadas en una habitación entre sí. Lo que hice fue hacer el set más pequeño. A medida que avanzaba la historia... el set se volvió más pequeño y más pequeño.

La siguiente película de Kazan fue Viva Zapata! (1952), que también protagonizó Marlon Brando. Esta vez, la película agregó una atmósfera real con el uso de tomas en exteriores y fuertes acentos de los personajes. Kazan llamó a esto su "primera película real" debido a esos factores.

En 1954 volvió a utilizar a Brando como protagonista en On the Waterfront. Como continuación de los temas socialmente relevantes que desarrolló en Nueva York, la película expuso la corrupción dentro del sindicato de estibadores de Nueva York. También fue nominada a 12 Premios de la Academia y ganó 8, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor, para Marlon Brando.

On the Waterfront fue también el debut en la pantalla de Eva Marie Saint, quien ganó el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel. Saint recuerda que Kazan la seleccionó para el papel después de que le pidió que hiciera una parodia de improvisación con Brando interpretando al otro personaje. Sin embargo, no tenía idea de que él estaba buscando un papel en particular en la película, pero recuerda que Kazan preparó el escenario con Brando, lo que provocó emociones sorprendentes:

Terminé llorando. Llorando y riendo... quiero decir que había una atracción allí... Esa sonrisa de su... Era muy tierno y divertido... Y Kazan, en su genio, vio la química allí.

Life describió On the Waterfront como la "película más brutal del año" pero con "las escenas de amor más tiernas del año", y afirmando que Saint fue un "nuevo descubrimiento" en películas En su artículo de portada sobre Saint, se especuló que probablemente será como Edie en On the Waterfront como ella "comienza su verdadero viaje a la fama".

La película hizo uso de extensas escenas callejeras en el lugar y tomas frente al mar, e incluyó una partitura notable del destacado compositor Leonard Bernstein.

Después del éxito de On the Waterfront, pasó a dirigir otra adaptación cinematográfica de una novela de John Steinbeck, East of Eden (1955). Como director, Kazan volvió a utilizar a otro actor desconocido, James Dean. Kazan había visto a Dean en el escenario de Nueva York y después de una audición le dio el papel protagónico junto con un contrato exclusivo con Warner Bros. Dean voló de regreso a Los Ángeles con Kazan en 1954, la primera vez que había volado en un avión, trayendo su ropa en una bolsa de papel marrón. El éxito de la película presentó a James Dean al mundo y lo estableció como un actor popular. Luego protagonizó Rebelde sin causa (1955), dirigida por el amigo de Kazan, Nicholas Ray, y luego Gigante (1956), dirigida por George Stevens..

El autor Douglas Rathgeb describe las dificultades que tuvo Kazan para convertir a Dean en una nueva estrella, y señala cómo Dean fue una figura controvertida en Warner Bros. desde el momento en que llegó. Hubo rumores de que "guardaba un arma cargada en su remolque de estudio; que condujo su motocicleta peligrosamente por calles de estudios o escenarios de sonido; que tenía amigos extraños y desagradables." Como resultado, Kazan se vio obligado a 'cuidar al joven actor en tráileres uno al lado del otro', para que no se escapara durante la producción. La coprotagonista Julie Harris trabajó horas extras para sofocar los ataques de pánico de Dean. En general, Dean ignoraba los métodos de Hollywood, y Rathgeb señala que "su estilo radical no encajaba con los engranajes corporativos de Hollywood".

Dean quedó asombrado con su propia actuación en la pantalla cuando más tarde vio una versión preliminar de la película. Kazan había invitado al director Nicholas Ray a una proyección privada, con Dean, ya que Ray estaba buscando a alguien para interpretar el papel principal en Rebelde sin causa. Ray observó la poderosa actuación de Dean en la pantalla; pero parecía imposible que fuera la misma persona en la habitación. Ray sintió que Dean era tímido y totalmente retraído mientras se sentaba encorvado. "El propio Dean no parecía creerlo", señala Rathgeb. "Se miraba a sí mismo con una fascinación extraña, casi adolescente, como si estuviera admirando a otra persona". La película también hizo un buen uso de las escenas en el lugar y al aire libre, junto con el uso efectivo del formato panorámico temprano, lo que la convierte en una de las obras más logradas de Kazán. James Dean murió al año siguiente, a la edad de 24 años, en un accidente con su auto deportivo en las afueras de Los Ángeles. Solo había hecho tres películas, y la única película completa que vio fue East of Eden.

1960: trabajo continuo

Elia Kazan en 1967

En 1961, Kazan presentó a Warren Beatty en su primera aparición en la pantalla con un papel protagónico en Esplendor en la hierba (1961), con Natalie Wood; la película fue nominada a dos premios Oscar y ganó uno. El autor Peter Biskind señala que Kazan "fue el primero de una serie de directores importantes que Beatty buscó, mentores o figuras paternas de quienes quería aprender". Biskind también señala que "eran tremendamente diferentes: mentor versus protegido, director versus actor, extranjero inmigrante versus hijo nativo". Kazan estaba armado con la confianza nacida de la edad y el éxito, mientras que Beatty estaba virtualmente inflamado con la arrogancia de la juventud." Kazan recuerda sus impresiones de Beatty:

Warren, era obvio la primera vez que lo vi, lo deseaba todo y lo quería a su manera. ¿Por qué no? Tenía la energía, una inteligencia muy aguda, y más chutzpah que cualquier judío que haya conocido. Incluso más que yo. Brillantes como vienen, intrépidos, y con esa cosa todas las mujeres respetan secretamente: confianza total en sus poderes sexuales, confianza tan grande que nunca tuvo que anunciarse, incluso por consejos.

Biskind describe un episodio durante la primera semana de rodaje, en el que Beatty se enojó por algo que dijo Kazan: "La estrella arremetió contra el lugar donde sabía que Kazan era más vulnerable, el testimonio amistoso del director". ante el HCUA. Dijo bruscamente: 'Déjame preguntarte algo: ¿por qué mencionaste todos esos nombres?'"

Beatty recordó el episodio: "En un intento parricida de hacer frente al gran Kazan, lo desafié de manera arrogante y estúpida." Biskind describe cómo "Kazan lo agarró del brazo y le preguntó: '¿Qué dijiste?' y lo arrastró a un camerino diminuto... después de lo cual el director procedió a justificarse durante dos horas." Beatty, años más tarde, durante un homenaje a Kazan en el Kennedy Center, declaró a la audiencia que Kazan 'le había dado la oportunidad más importante de su carrera'.

La coprotagonista de Beatty, Natalie Wood, estaba en un período de transición en su carrera, ya que en su mayoría había sido elegida para papeles de niña o adolescente, y ahora esperaba ser elegida para papeles de adultos. La biógrafa Suzanne Finstad señala que un "punto de inflexión" en su vida como actriz fue al ver la película A Streetcar Named Desire: "Se transformó, asombrada por Kazan y por la actuación de Vivien Leigh... [quien] se convirtió en un modelo a seguir para Natalie." En 1961, después de una "serie de malas películas, su carrera ya estaba en declive", señala Rathgeb. Kazan escribe que los "sabios" de la comunidad cinematográfica la declaró como "lavada" como actriz, aunque todavía quería entrevistarla para su próxima película:

Cuando la vi, detecté detrás de la "esposa joven" de la mano derecha un brazalete desesperado en sus ojos... Hablé con ella más tranquilamente y más personalmente. Quería saber qué material humano había allí, qué era su vida interior... Entonces me dijo que estaba siendo psicoanalítica. Eso lo hizo. Pobre R.J. [Wagner, marido de Wood], me dije a mí mismo. Me gustaba Bob Wagner, todavía lo hago.

Kazan la eligió como protagonista femenina en Splendor in the Grass, y su carrera se recuperó. Finstad siente que, a pesar de que Wood nunca recibió capacitación en las técnicas de actuación del Método, "trabajar con Kazan la llevó a las mayores alturas emocionales de su carrera". La experiencia fue estimulante pero desgarradora para Natalie, que se enfrentó a sus demonios en Splendor." Añade que una escena de la película, como resultado de la 'magia de Kazan'... produjo una histeria en Natalie que puede ser su momento más poderoso como actriz."

El actor Gary Lockwood, que también actuó en la película, sintió que "Kazan y Natalie formaban un matrimonio fantástico, porque tenías a esta chica hermosa y tenías a alguien que podía sacar cosas de ella".; La escena favorita de Kazan en la película fue la última, cuando Wood regresa para ver a su primer amor perdido, Bud (Beatty). 'Es terriblemente conmovedor para mí. Todavía me gusta cuando lo veo”, escribe Kazan. “Y ciertamente no necesitaba decirle cómo jugarlo. Ella lo entendió perfectamente."

Colaboradores

Kazan se destacó por su estrecha colaboración con los guionistas. En Broadway, trabajó con Arthur Miller, Tennessee Williams y William Inge; en cine, volvió a trabajar con Willams (A Streetcar Named Desire y Baby Doll), Inge (Splendor in the Grass), Budd Schulberg (On the Waterfront y A Face in the Crowd), John Steinbeck (Viva Zapata!) y Harold Pinter (The Last Tycoon ). Como figura fundamental en las carreras de muchos de los mejores escritores de su tiempo, "siempre los trató a ellos y a su trabajo con el máximo respeto". En 2009, se estrenó como película un guión inédito de Williams, The Loss of a Teardrop Diamond. Williams escribió el guión específicamente para que Kazan lo dirigiera durante la década de 1950.

Williams se convirtió en uno de los amigos más cercanos y leales de Kazan, y Kazan solía sacar a Williams de "depresiones creativas" redirigiendo su enfoque con nuevas ideas. En 1959, en una carta a Kazan, escribe: "Algún día sabrás cuánto valoro las grandes cosas que hiciste con mi trabajo, cómo lo elevaste por encima de su medida con tu gran regalo".

Entre las otras películas de Kazan se encuentran Panic in the Streets (1950), East of Eden (1955), Baby Doll (1956), Wild River (1960) y The Last Tycoon (1976).

Estilo de dirección

En el conjunto de Esplendor en el Grass (1961)

Preferencia por actores desconocidos

Kazan luchó por el "realismo cinematográfico", una cualidad que a menudo logró al descubrir y trabajar con actores desconocidos, muchos de los cuales lo trataron como su mentor, lo que le dio la flexibilidad para representar "social realidad con precisión e intensidad vívida". También sintió que elegir a los actores adecuados representaba el 90% del éxito o fracaso final de una película. Como resultado de sus esfuerzos, también le dio a actores como Lee Remick, Jo Van Fleet, Warren Beatty, Andy Griffith, James Dean y Jack Palance, sus primeros papeles importantes en una película. Le explicó al director y productor George Stevens Jr. que sentía que "las grandes estrellas apenas están entrenadas o no están muy bien entrenadas". También tienen malos hábitos... ya no son flexibles." Kazan también describe cómo y por qué llega a conocer a sus actores a nivel personal:

Ahora lo que intento hacer es conocerlos muy bien. Los llevo a cenar. Hablo con ellos. Conozco a sus esposas. Averiguaré con qué demonios es el material humano con el que estoy lidiando, para que cuando tomo un desconocido no sea un desconocido para mí.

Kazan continúa describiendo cómo llegó a entender a James Dean, como ejemplo:

Cuando lo conocí dijo: "Te llevaré a pasear en mi moto...." Era su manera de comunicarse conmigo, diciendo "Espero que te guste,..." Pensé que era un grotesco extremo de un niño, un chico retorcido. Cuando llegué a conocer a su padre, como me enteré de su familia, aprendí que había sido, de hecho, retorcido por la negación del amor... Fui a Jack Warner y le dije que quería usar a un chico absolutamente desconocido. Jack era un tirador de la primera orden, y dijo, "Adelante".

Temas de realismo personal y social

Kazan eligió a sus sujetos para expresar eventos personales y sociales con los que estaba familiarizado. Describió su proceso de pensamiento antes de asumir un proyecto:

No me moveré a menos que tenga empatía con el tema básico. De alguna manera el canal de la película también debería estar en mi propia vida. Empiezo con un instinto. Con Este del Edén... es realmente la historia de mi padre y yo, y no me di cuenta durante mucho tiempo... De alguna manera sutil o no tan sutil, cada película es autobiográfica. Una cosa en mi vida se expresa por la esencia de la película. Entonces lo sé experimentalmente, no sólo mentalmente. Tengo que sentir que es de alguna manera sobre mí, sobre mis luchas, sobre mi dolor, mis esperanzas.

La historiadora de cine Joanna E. Rapf señala que entre los métodos que utilizó Kazan en su trabajo con los actores, estaba su enfoque inicial en la "realidad", aunque su estilo no se definió como "naturalista".;. Ella agrega: "Él respeta su guión, pero proyecta y dirige con un ojo particular para la acción expresiva y el uso de objetos emblemáticos". Kazan declaró que "a menos que el personaje esté en alguna parte del propio actor, no deberías elegirlo".

En sus últimos años cambió de opinión sobre parte de la filosofía detrás del Group Theatre, en el sentido de que ya no sentía que el teatro era un "arte colectivo", como una vez creyó:

Para tener éxito debe expresar la visión, la convicción y la presencia insistente de una persona.

El autor de cine Peter Biskind describió la carrera de Kazan como "totalmente comprometida con el arte y la política, con la política alimentando el trabajo". Kazan, sin embargo, ha minimizado esa impresión:

No creo que sea un animal político. Creo que soy un animal egocéntrico... Creo que lo que me preocupaba de toda mi vida era decir algo artístico que era único en mí.

Sin embargo, ha habido mensajes claros en algunas de sus películas que involucran la política de varias maneras. En 1954, dirigió On the Waterfront, escrita por el guionista Budd Schulberg, que era una película sobre la corrupción sindical en Nueva York. Algunos críticos la consideran "una de las mejores películas de la historia del cine internacional". Otra película política fue A Face in the Crowd (1957). Su protagonista, interpretado por Andy Griffith (en su debut cinematográfico) no es un político, pero su carrera de pronto se enreda profundamente en la política. Según el autor de la película Harry Keyishian, Kazan y el guionista Budd Schulberg estaban usando la película para advertir al público sobre el peligroso potencial del nuevo medio de la televisión. Kazan explica que él y Schulberg estaban tratando de advertir 'del poder que tendría la televisión en la vida política de la nación'. Kazan afirma: "Escuche lo que dice el candidato; No te dejes engañar por su encanto o su personalidad que inspira confianza. No compre el anuncio; compre lo que hay en el paquete."

Uso de "método" actuando

Como producto del Group Theatre and Actors Studio, se destacó principalmente por su uso de "Method" actores, especialmente Brando y Dean. Durante una entrevista en 1988, Kazan dijo: "Hice todo lo que fue necesario para obtener una buena actuación incluyendo la llamada actuación del método". Los hice correr por el set, los regañé, inspiré celos en sus novias... ¡El director es una bestia desesperada!... No tratas a los actores como muñecos. Los tratas como personas que son poetas hasta cierto punto." El actor Robert De Niro lo llamó un "maestro de un nuevo tipo de fe psicológica y conductual en la actuación".

Kazan era consciente del rango limitado de sus habilidades de dirección:

No tengo gran alcance. No soy bueno con música o espectáculos. Los clásicos están más allá de mí... Soy un director mediocre excepto cuando una obra o película toca una parte de la experiencia de mi vida... Tengo coraje, incluso un poco atrevido. Soy capaz de hablar con los actores... para despertarlos a trabajar mejor. Tengo sentimientos fuertes, incluso violentos, y son activos.

Explicó que trató de inspirar a sus actores para que ofrecieran ideas:

Cuando hablo con los actores empiezan a darme ideas, y las agarro porque las ideas que me dan me las excitan. Quiero el aliento de vida de ellos en lugar de la realización mecánica del movimiento que pedí... amo a los actores. Solía ser actor durante ocho años, así que agradezco su trabajo.

Kazan, sin embargo, tenía ideas sólidas sobre las escenas y trataba de fusionar las sugerencias y los sentimientos internos de un actor con los suyos propios. A pesar del fuerte erotismo creado en Baby Doll, por ejemplo, puso límites. Antes de filmar una escena de seducción entre Eli Wallach y Carroll Baker, le preguntó en privado a Wallach: "¿Crees que realmente vas a seguir seduciendo a esa chica?". Wallach escribe: "No había pensado en esa pregunta antes, pero respondí... 'No'." Kazan responde: "Buena idea, juega de esa manera". Kazan, muchos años después, explicó su justificación para las escenas de esa película:

Lo que es erótico sobre el sexo para mí es la seducción, no el acto... La escena en los columpios (Eli Wallach y Carroll Baker) en Baby Doll es mi idea exacta de lo que debe ser el erotismo en las películas.

Ser un 'actor' director'

Patricia Neal y Andy Griffith en Una cara en el cuervo (1957)

Joanna Rapf agrega que Kazan fue más admirado por su trabajo cercano con los actores, y señaló que el director Nicholas Ray lo consideraba "el mejor director de actores que Estados Unidos haya producido jamás". El historiador de cine Foster Hirsch explica que "creó prácticamente un nuevo estilo de actuación, que era el estilo del Método... [que] permitió a los actores crear una gran profundidad de realismo psicológico".

Entre los actores que describen a Kazan como una influencia importante en su carrera se encuentran Patricia Neal, quien coprotagonizó con Andy Griffith A Face in the Crowd (1957): "Era muy bien. Era actor y sabía cómo actuábamos. Él vendría y hablaría contigo en privado. Me gustaba mucho." Anthony Franciosa, actor de reparto en la película, explica cómo Kazan animó a sus actores:

Siempre decía: "Déjame ver lo que puedes hacer. Déjame verlo. No me hables de eso". Sentiste que tenías un hombre que estaba completamente de tu lado, sin reparos sobre lo que hiciste. Te dio un tremendo sentido de confianza... Nunca me hizo sentir como si estuviera actuando para la cámara. Muchas veces, ni siquiera sabía dónde estaba la cámara.

Sin embargo, para obtener una actuación de calidad de Andy Griffith, en su primera aparición en la pantalla, y lograr lo que Schickel llama "un asombroso debut cinematográfico", Kazan a menudo tomaba medidas sorprendentes. En una escena importante y muy emotiva, por ejemplo, Kazan tuvo que advertirle a Griffith: "Es posible que tenga que usar medios extraordinarios para obligarte a hacer esto". Puede que tenga que salirme de la raya. No conozco otra forma de obtener una actuación extraordinaria de un actor."

La actriz Terry Moore llama a Kazan su "mejor amigo" y señala que "te hacía sentir mejor de lo que pensabas". Nunca tuve otro director que lo haya tocado. Me mimaron de por vida." "Descubriría si tu vida era como la del personaje", dice Carroll Baker, estrella de Baby Doll; "fue el mejor director con actores".

La necesidad de Kazan de permanecer cerca de sus actores continuó hasta su última película, The Last Tycoon (1976). Recordó que Robert De Niro, la estrella de la película, "haría casi cualquier cosa para tener éxito", e incluso bajó su peso de 170 a 128 libras para el papel. Kazan agrega que De Niro "es uno de un número selecto de actores que he dirigido que trabajan duro en su oficio, y el único que pidió ensayar los domingos". La mayoría de los demás juegan al tenis. Bobby y yo repasábamos las escenas a rodar."

Los poderosos papeles dramáticos que Kazan sacó de muchos de sus actores se debieron, en parte, a su capacidad para reconocer sus rasgos personales de carácter. Aunque no conocía a De Niro antes de esta película, por ejemplo, Kazan escribe más tarde: "Bobby es más meticuloso... es muy imaginativo". Es muy preciso. Se da cuenta de todo, tanto por dentro como por fuera. Tiene buena emoción. Es un actor de carácter: todo lo que hace lo calcula. En el buen sentido, pero calcula." Kazan desarrolló y usó esos rasgos de personalidad para su personaje en la película. Aunque a la película le fue mal en taquilla, algunos críticos elogiaron la actuación de De Niro. La crítica de cine Marie Brenner escribe que "para De Niro, es un papel que supera incluso su brillante y atrevida interpretación de Vito Corleone en El padrino, parte II... [su] interpretación merece ser comparada con la misma mejor."

Marlon Brando, en su autobiografía, entra en detalles sobre la influencia que tuvo Kazan en su actuación:

He trabajado con muchos directores de cine, algo bueno, algo justo, algo terrible. Kazan fue el mejor director de actores por lejos de cualquier para el que he trabajado... el único que realmente me ha estimulado, se metió en una parte y virtualmente lo actuó conmigo... eligió buenos actores, los alentó a improvisar, y luego improvisado en la improvisación... Él dio su libertad de fundición y... estaba siempre involucrado emocionalmente en el proceso y sus instintos eran perfectos... Nunca he visto a un director que se involucró tan profundamente y emocionalmente en una escena como Gadg... se puso tan nervioso que empezó a masticar en su sombrero.

Era un archi-manipulador de los sentimientos de los actores, y era extraordinariamente talentoso; tal vez nunca volveremos a ver su estilo.

Testimonio HCUA

Kazan testificó ante el Comité de Actividades Antiamericanas (HCUA) de la Cámara de Representantes en 1952, durante la era de la posguerra que el periodista Michael Mills llama "posiblemente el período más controvertido en la historia de Hollywood". Cuando Kazan tenía veintitantos años, durante los años de la Depresión de 1934 a 1936, había sido miembro del Partido Comunista Estadounidense en Nueva York durante un año y medio.

En abril de 1952, el Comité pidió a Kazan, bajo juramento, que identificara a los comunistas de ese período 16 años antes. Kazan inicialmente se negó a proporcionar nombres, pero finalmente nombró a ocho ex miembros del Group Theatre que dijo que habían sido comunistas: Clifford Odets, J. Edward Bromberg, Lewis Leverett, Morris Carnovsky, Phoebe Brand, Tony Kraber, Ted Wellman y Paula Miller, quienes más tarde se casó con Lee Strasberg. Testificó que Odets abandonó el partido al mismo tiempo que él. Kazan dijo que todas las personas nombradas ya eran conocidas por HCUA, aunque esto ha sido cuestionado. Kazan cuenta cómo recibió una carta que detalla cómo su nombramiento de Art Smith dañó la carrera del actor. Los nombres de Kazan le costaron muchos amigos dentro de la industria del cine, incluido el dramaturgo Arthur Miller, aunque Kazan señala que los dos trabajaron juntos nuevamente.

Kazan escribiría más tarde en su autobiografía sobre el "placer del guerrero al resistir a sus enemigos". Cuando Kazan recibió un Premio de la Academia Honorario en 1999, la audiencia se dividió notablemente en su reacción, algunos, incluidos Nick Nolte, Ed Harris, Ian McKellen y Amy Madigan, se negaron a aplaudir, y otros, como los actores Kathy Bates, Meryl Streep, Karl Malden y Warren Beatty, y el productor George Stevens Jr., de pie y aplaudiendo. Stevens especula sobre por qué él, Beatty y muchos otros en la audiencia decidieron ponerse de pie y aplaudir:

Nunca lo discutí con Warren, pero creo que ambos estábamos de pie por la misma razón—sin tener en cuenta la creatividad, la resistencia y las muchas batallas ferozes y noches solitarias que habían entrado en las veinte películas del hombre.

En 1982, a Orson Welles se le hizo una pregunta sobre Kazán en la Cinémathèque française de París. Welles respondió: "Chère, mademoiselle, ha elegido el metteur en scène equivocado, porque Elia Kazan es un traidor". Es un hombre que vendió a McCarthy a todos sus compañeros en un momento en que podía seguir trabajando en Nueva York con un salario alto, y habiendo vendido a toda su gente a McCarthy, luego hizo una película llamada On the Waterfront que fue una celebración del delator."

Los Angeles Times Kenneth Turan escribió "El único criterio para un premio como este es el trabajo". A Kazan ya se le "negaron los elogios" del American Film Institute, y otros críticos de cine' asociaciones. Según Mills, 'Es hora de que la Academia reconozca a este genio', y agrega que 'Aplaudimos cuando el gran Chaplin finalmente tuvo su momento'. En respuesta, el exvicepresidente de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, Joseph McBride, afirmó que un premio honorífico reconoce "la totalidad de lo que representa, y la carrera de Kazán, posterior a 1952, se construyó sobre la ruina". de las carreras de otras personas."

En entrevistas posteriores, Kazan explicó algunos de los primeros acontecimientos que le llevaron a decidir convertirse en un testigo amistoso, sobre todo en relación con el Group Theatre, al que llamó su primera "familia", y el & #34;lo mejor profesionalmente" que le ha pasado alguna vez:

El Grupo El teatro dijo que no deberíamos comprometernos a ningún programa político fijo establecido por otras personas fuera de la organización. Me estaba comportando con traicion al Grupo cuando me encontré en el centro del CP [Partido Comunista], para decidir entre los comunistas lo que debemos hacer en el Grupo, y luego regresar y presentar un frente unido, fingiendo que no habíamos estado en caucus...

Fui juzgado por el Partido y esa fue una de las razones por las que me incorporé más tarde. El juicio fue sobre la cuestión de mi negativa a seguir instrucciones, que debemos atacar en el Teatro del Grupo, e insistir en que los miembros tienen el control de su organización. Dije que era una organización artística, y apoyé a Clurman y Strasberg que no eran comunistas... El juicio me dejó una impresión indeleble... Todos los demás votaron contra mí y me estigmatizaron y condenaron mis actos y actitud. Estaban pidiendo confesión y autohumildeo. Fui a casa esa noche y le dije a mi esposa "Estoy renunciando". Pero durante años después de renunciar, todavía era fiel a su forma de pensar. Todavía creía en ello. Pero no en los comunistas americanos. Solía hacer una diferencia y pensar: "Estas personas aquí son malditos tontos pero en Rusia tienen lo real", hasta que aprendí sobre el pacto Hitler-Stalin, y renunció a la URSS.

Mills señala que antes de convertirse en "testigo amistoso", Kazan discutió los problemas con Miller:

Para defender un secreto no creo que sea correcto y para defender a la gente que ya ha sido nombrada o pronto sería por otra persona... Odio a los comunistas y desde hace muchos años, y no me siento bien al renunciar a mi carrera para defenderlos. Voy a renunciar a mi carrera cinematográfica si es en interés de defender algo en lo que creo, pero no esto.

Miller rodeó a Kazan con el brazo y replicó: "No te preocupes por lo que pensaré". Hagas lo que hagas está bien para mí, porque sé que tu corazón está en el lugar correcto."

En sus memorias, Kazan escribe que su testimonio significó que "el pez gordo se había convertido en el forastero". También señala que fortaleció su amistad con otro forastero, Tennessee Williams, con quien colaboró en numerosas obras de teatro y películas. Llamó a Williams "el amigo más leal y comprensivo que tuve durante esos meses negros".

Vida y muerte personales

Kazan se casó tres veces. Su primera esposa fue la dramaturga Molly Day Thacher. Estuvieron casados desde 1932 hasta su muerte en 1963; este matrimonio produjo dos hijas y dos hijos, incluido el guionista Nicholas Kazan. Su segundo matrimonio, con la actriz Barbara Loden, duró desde 1967 hasta su muerte en 1980 y tuvo un hijo. Su matrimonio, en 1982, con Frances Rudge continuó hasta su muerte, en 2003, a los 94 años.

A principios de la década de 1930, Kazan y su esposa se mudaron a una granja de 1885 en Sandy Hook, Connecticut, donde criaron a sus cuatro hijos. Continuaron utilizando la propiedad como retiro de verano y de fin de semana hasta 1998, cuando la propiedad se puso a la venta.

En 1978, el gobierno de EE. UU. pagó para que Kazan y su familia viajaran al lugar de nacimiento de Kazan, donde se proyectarían muchas de sus películas. Durante un discurso en Atenas, habló sobre sus películas y su vida personal y empresarial en los EE. UU., junto con los mensajes que trató de transmitir:

En mi opinión, la solución es hablar de los seres humanos y no de los resúmenes, revelar la cultura y el momento social como se refleja en el comportamiento y la vida de las personas individuales. No ser "correcto". Para ser total. Así que no creo en ninguna ideología que no permita —no aliente— la libertad del individuo.

También ofreció sus opiniones sobre el papel de los EE. UU. como modelo mundial de democracia:

Creo que tú y yo, todos nosotros, tenemos algún tipo de participación en los Estados Unidos. Si falla, el fracaso será el de todos nosotros. De la humanidad misma. Nos costará a todos.... Pienso en los Estados Unidos como un país que es una arena y en esa arena hay un drama en juego.... He visto que la lucha es la lucha de hombres libres.

Kazan murió por causas naturales en su apartamento de Manhattan el 28 de septiembre de 2003, a la edad de 94 años.

Filmografía

Documental

• Gente del Cumberland (1937)
• Watchtower Over Tomorrow (1945)

Como actor

• City for Conquest (1940)
• Azules en la noche (1941)

Premios y nominaciones

Además de estos premios, Kazan tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, que se encuentra en 6800 Hollywood Boulevard.
También es miembro del Salón de la Fama del Teatro Americano.

Actuaciones de premios de la Academia dirigidas

Legado

Kazan se hizo conocido como un "director de actores" porque pudo obtener algunas de las mejores actuaciones en las carreras de muchas de sus estrellas. Bajo su dirección, sus actores recibieron 24 nominaciones a los Premios de la Academia y ganaron nueve premios Oscar.

Ganó como Mejor Director por Gentleman's Agreement (1947) y por On the Waterfront (1954). Tanto A Streetcar Named Desire (1951) como On the Waterfront fueron nominadas a doce premios de la Academia, ganando cuatro y ocho respectivamente.

Con sus muchos años en el Group Theatre and Actors Studio en la ciudad de Nueva York y luego sus triunfos en Broadway, se hizo famoso "por el poder y la intensidad de sus actores' actuaciones". Fue la figura fundamental en el lanzamiento de las carreras cinematográficas de Marlon Brando, James Dean, Julie Harris, Eli Wallach, Eva Marie Saint, Warren Beatty, Lee Remick, Karl Malden y muchos otros. Siete de las películas de Kazan ganaron un total de 20 premios de la Academia. Dustin Hoffman comentó que "dudaba que él, Robert De Niro o Al Pacino se hubieran convertido en actores sin la influencia del Sr. Kazan".

A su muerte, a la edad de 94 años, The New York Times lo describió como "uno de los directores más honrados e influyentes en la historia de Broadway y Hollywood". La muerte de un viajante y Un tranvía llamado deseo, dos obras que dirigió, están consideradas como algunas de las más grandes del siglo XX. Aunque se convirtió en un director respetado en Broadway, hizo una transición igualmente impresionante para convertirse en uno de los principales directores de cine de su tiempo. El crítico William Baer señala que a lo largo de su carrera "enfrentó constantemente el desafío de sus propias aspiraciones", y agregó que "fue un pionero y un visionario que influyó mucho en la historia tanto del teatro como del cine";. Parte de su material relacionado con el cine y documentos personales se encuentran en los Archivos de Cine de la Universidad Wesleyana a los que académicos y expertos en medios de todo el mundo pueden tener acceso completo.

Su controvertida postura durante su testimonio ante el Comité de la Cámara sobre Actividades Antiamericanas (HCUA) en 1952 se convirtió en el punto más bajo de su carrera, aunque seguía convencido de que tomó la decisión correcta al dar los nombres del Partido Comunista. miembros Dijo en una entrevista en 1976 que "preferiría hacer lo que hice que arrastrarme frente a una izquierda ritualista y mentir como lo hicieron esos otros camaradas, y traicionar mi propia alma". No lo traicioné. Tomé una decisión difícil."

Durante su carrera, Kazan ganó los premios Tony y Oscar por su dirección en el escenario y la pantalla. En 1982, el presidente Ronald Reagan le otorgó el premio de honor del Centro Kennedy, un tributo nacional por su trayectoria en las artes. En la ceremonia, el guionista Budd Schulberg, quien escribió On the Waterfront, agradeció a su amigo de toda la vida diciendo: "Elia Kazan nos ha conmovido a todos con su capacidad de honrar no solo al hombre heroico, sino también al héroe en cada hombre."

En 1999, en la 71.ª edición de los Premios de la Academia, Martin Scorsese y Robert De Niro entregaron el Oscar Honorífico a Kazan. Esta sería una elección controvertida para la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas debido a la historia de Kazan con respecto a su participación en la Lista Negra de Hollywood en la década de 1950. Varios miembros de la audiencia, incluidos Nick Nolte y Ed Harris, se negaron a aplaudir a Kazan cuando recibió el premio, mientras que otros como Warren Beatty, Meryl Streep, Kathy Bates y Kurt Russell lo ovacionaron de pie.

Martin Scorsese dirigió un documental cinematográfico, A Letter to Elia (2010), considerado un "tributo intensamente personal y profundamente conmovedor" a Kazán. Scorsese estaba 'cautivado' por las películas de Kazan cuando era joven, y el documental refleja la historia de su propia vida, mientras que también reconoce a Kazan como la inspiración para convertirse en cineasta. Ganó un premio Peabody en 2010.