El último día de Pompeya

El último día de Pompeya es una gran pintura histórica de Karl Bryullov realizada entre 1830 y 1833 sobre el tema de la erupción del Monte Vesubio en el año 79 d.C. Destaca por su posicionamiento entre el neoclasicismo, el estilo predominante en Rusia en ese momento, y el romanticismo, cada vez más practicado en Francia. La pintura fue recibida con elogios casi universales y convirtió a Bryullov en el primer pintor ruso en tener reputación internacional. En Rusia se consideró una prueba de que el arte ruso era tan bueno como el arte practicado en el resto de Europa. Inspiró la mundialmente famosa novela de Edward Bulwer-Lytton Los últimos días de Pompeya. Los críticos en Francia y Rusia notaron, sin embargo, que la perfección de los cuerpos modelados clásicamente parecía no estar en consonancia con su desesperada situación y el tema general de la pintura, que era un tema romántico del sublime poder de la naturaleza para destruir al hombre. #39;s creaciones.

Fondo

La ciudad romana de Pompeya, al sur de Nápoles, fue objeto de excavaciones activas a principios del siglo XIX; los trabajos en la ciudad y su vecina Herculano comenzaron a mediados del siglo anterior. Los artistas eran muy conscientes de su potencial como tema. John Martin había pintado La destrucción de Pompeya y Herculano en 1822 y otros habían esbozado y realizado grabados del lugar.

En 1823, Bryullov llegó a Roma con su hermano Aleksandr vía Venecia y Florencia. Aleksandr participó en un estudio científico y restauración de los baños Pompeya en 1825–26, lo que llevó a la publicación de su libro Thermes de Pompéi en París en 1829, y Karl pudo haber visitado Pompeya en 1824. Vio los diseños de Alessandro Sanquirico para la ópera de Giovanni Pacini L'ultimo giorno di Pompei (1825), que se realizó en Nápoles y en La Scala, Milán, y visitó el museo de Nápoles para estudiar objetos recuperados de Pompeya. Sin duda visitó Pompeya en 1827 y según Rosalind Blakesley, fue tan afectado por los restos de la Via dei Sepolcri (Street of the Tombs) que decidió poner su pintura en esa calle. Cartas contemporáneas indican que estudió Pliny la descripción de los testigos oculares del desastre, en la que murió el tío de Pliny, y las observaciones de Pliny en sus cartas a Tacitus se refirieron en la imagen. También en la literatura, Bryullov leyó la novela de Alessandro Manzoni I Promessi Sposi ()The Betrothed) (1827) con su relato histórico de una plaga desastrosa y las reacciones a ella de los individuos.

Estas fuentes se fusionaron en la obra conocida como El último día de Pompeya para la que Bryullov pintó un boceto compositivo en 1828 a petición de la condesa María Razumovskaya. El lienzo principal fue encargado por el conde Anatoly Demidov, a quien Bryullov había conocido en Nápoles y para quien pintó un retrato ecuestre ese mismo año. Debía estar terminado en 1830 por la suma de 40.000 francos, pero a finales de ese año Bryullov sólo había llegado a delinear las figuras en el lienzo en dos colores y había prestado poca atención a la elección de los colores. Un viaje a Bolonia y Venecia para ver obras de Tintoretto y Tiziano le dio las respuestas que necesitaba.

Tema y composición

El tema es la erupción del Monte Vesubio en el año 79 que envolvió la ciudad de Pompeya en ceniza volcánica matando a la mayoría de sus habitantes. Como escena del mundo antiguo era un tema apropiado para una pintura de historia, luego considerado como el género más alto de la pintura, y la magnitud del evento también lo hizo adecuado para un gran lienzo que permitiría a Bryullov mostrar todas sus habilidades.

Bryullov dijo que sólo podría haber completado el trabajo con el ejemplo de la obra grande y compleja de Rafael La Escuela de Atenas (1509-1511) como modelo, y utilizó la obra clásica. formas reconocibles como las utilizadas por los maestros del Renacimiento, pero las combinó con características encontradas en la pintura romántica, como el colorido dramático, el uso del claroscuro y un alto contenido emocional. Otras obras que se cree que influyeron en Bryullov son El fuego en el Borgo de Rafael (1514-17) y La plaga en Ashdod [es] (1630).

Evitó la frialdad y la monotonía del neoclasicismo predominante en ese momento en favor de la emoción y el color vibrante, combinados con una profunda recesión cuando un caballo se lanza hacia las profundidades de la pintura, derrocando a su maestro. Nikolai Gogol comentó: "Su color es posiblemente más brillante que nunca; sus pinturas arden y te golpean en los ojos", pero no fue el único en notar que la perfección de las figuras clásicas contrastaba con la miseria de su situación.

Bryullov llenó el lienzo con detalles auténticos de Pompeya que había visto en el sitio y en el museo de Nápoles, como los artefactos que portaban las figuras y los auténticos adoquines y bordillos. Las estatuas que caen de sus pedestales aportan dramatismo adicional y demuestran el poder sublime de la naturaleza sobre el hombre, un tropo común en la pintura romántica. Las figuras proporcionan pequeñas viñetas de experiencias individuales que hacen referencia a historias de la mitología clásica, la pintura renacentista o la literatura antigua, como el relato de Plinio el Joven a Tácito, pero la mayoría de los personajes conservan su dignidad ante la muerte que indica Bryullov. Gran deuda de España con los principios del Clasicismo. Las poses y figuras están extraídas de la pintura clásica o de personas que el artista conoció, como Yuliya Samoylova y sus hijas. El soldado y el niño que rescatan a un hombre mayor pueden derivar de la historia del rescate de Eneas de su padre de la destrucción de Troya en la mitología. A la escena se añade una imagen del propio artista como artista pompeyano con su equipo en equilibrio sobre su cabeza.

Recepción

La pintura tardó tanto en terminarse que Demidov amenazó con cancelar su encargo, pero cuando se mostró por primera vez en el estudio de Bryullov en Italia en Via San Claudio en Roma, recibió una respuesta entusiasta. Se dice que Sir Walter Scott estudió la pintura durante una hora antes de declarar que no era una pintura ordinaria, sino una epopeya y Vincenzo Camuccini la describió como un "coloso en llamas". El arqueólogo italiano Pietro Ercole Visconti escribió un artículo elogiando al pintor y la pintura. Los Uffizi solicitaron un autorretrato del artista. En Milán, Bryullov recibió una gran ovación en un teatro y fue llevado por las calles de la ciudad con una guirnalda de flores. Fue vista allí por Edward Bulwer-Lytton, cuya novela Los últimos días de Pompeya se publicó en 1834. En Bolonia, los responsables de la galería retiraron Santa Cecilia de Rafael de la exposición. paredes y lo colocó en una habitación privada cuando Bryullov pidió copiarlo.

La recepción fue un poco más fría cuando se exhibió en el Salón de París de 1834. Aun así ganó una medalla de oro, pero algunos críticos lo consideraron un poco anticuado en comparación con Mujeres de honor de Eugène Delacroix. Alger dans leur Appartement (1834), que se exhibió junto a él, cuyo alto contenido emocional llevó a un crítico a comentar en L'Artiste, "l'impression est moins voisine de la terreur que du ridicule" (la impresión se parece menos al terror que al ridículo). Rosalind Blakesley atribuye esta sensación ligeramente anticuada al aislamiento de la enseñanza del arte ruso contemporáneo de los últimos avances franceses desde principios del siglo XIX y a las tensiones inherentes al trabajo entre neoclasicismo y romanticismo.

Fue la primera obra de arte rusa que despertó tal interés en el extranjero, lo que convirtió a Bryullov en el primer pintor ruso en ganar reputación internacional. Cinco academias extranjeras lo nombraron miembro honorario y la cantidad de críticas positivas y comentarios críticos fue tal que la Sociedad para el Fomento de los Artistas publicó un volumen de ellos en traducción al ruso.

Cuando el cuadro llegó a Rusia en agosto de 1834, fue recibido con tanto entusiasmo como lo había sido en Italia, según Gogol tanto por aquellos con un gusto refinado como por aquellos que ignoraban el arte. Bryullov fue nombrado asociado libre honorario de la academia y recibió la Orden de Santa Ana, de tercera clase. Fue nombrado profesor en la Academia de San Petersburgo y encargado de la pintura histórica. Conoció al zar. Ivan Turgenev describió la pintura como "la gloria de Rusia e Italia" e inspiró a Alexander Pushkin a escribir un poema sobre la destrucción de Pompeya. Los rusos vieron la pintura como una elevación del estatus del arte ruso en Europa en general y, a su vez, elevó el estatus de los pintores en Rusia. Gogol opinó que se trataba de una "brillante resurrección de la pintura, que ha estado durante demasiado tiempo en una especie de estado semi-letárgico", pero no fue el único que vio un paralelo entre Pompeya y el San Petersburgo contemporáneo y la pintura. como un pronóstico de retribución divina por las decadentes costumbres occidentales de la ciudad moderna. Mientras tanto, el disidente Alexander Herzen lo vio como una alegoría sobre el colapso de las monarquías europeas o el poder tiránico del Estado ruso sobre el individuo.

Después de su gran éxito con El último día de Pompeya, se esperaba que Bryullov produjera grandes obras históricas similares, pero la mayoría de sus intentos quedaron inconclusos y fue criticado por su Muerte de Inés de Castro [pt], que se completó en sólo 17 días en 1834. En cambio, encontró éxito en los retratos de la élite rusa, incluida la familia real.

Propiedad

En 1834, Demidov presentó la pintura, por la que había pagado 25.000 rublos, al zar Nicolás en un intento de ganarse su favor. Al principio se exhibió en el Palacio de Invierno, pero en 1836 Nicolás lo donó a la Academia Imperial de las Artes, donde permaneció hasta que fue instalado como centro de la exhibición de pintura rusa en el Nuevo Hermitage en 1851. Actualmente forma parte del Colección del Museo Estatal Ruso de San Petersburgo.

Galería

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  El artista y su cuadro de pintura.
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  Se cree que la condesa Yuliya Samoylova y sus hijas Giovannina y Amazilia fueron los modelos para estas figuras.
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  Estatuas superan de sus pedestales mostrando el poder sublime de la naturaleza sobre el hombre.
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  Los cuerpos modelados clásicamente del jinete y el soldado se combinan con representaciones románticas del terror que pueden ser creadas por las fuerzas de la naturaleza en las figuras del viejo hombre y el caballo.
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  Una madre implora a su hijo que huya como la madre de Pliny le había instado a hacerlo.
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  Piedra de trabajo y pavimentos similares a los de Pompeya.
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  El caballo atornillado y el carro roto conducen al espectador profundamente en la pintura donde se está produciendo más caos.