El estudio rojo

El taller rojo (en francés: L'Atelier Rouge) es una pintura al óleo sobre lienzo del artista francés Henri Matisse de 1911. Se conserva en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 2004, L'Atelier Rouge ocupó el quinto lugar en una encuesta a 500 expertos en arte que votaron por las obras de arte moderno más influyentes, junto con las obras de Pablo Picasso, Marcel Duchamp y Andy Warhol.

Esta obra muestra el taller que Matisse había construido para sí mismo en 1909, completamente cubierto de un tono rojo vibrante y oxidado. Con unas medidas de 162 x 130 cm, la naturaleza muerta del interior logra con éxito una monumentalidad a la vez que resulta acogedora. Líneas amarillas discretas crean los contornos de los muebles de Matisse, creando objetos a partir del amplio espacio rojo. Un reloj de pie se encuentra aproximadamente en el centro de la composición, sirviendo como eje vertical que aporta equilibrio y armonía a las discontinuidades espaciales del estudio. Las pinturas y los objetos dentro de la habitación, aparentemente suspendidos en el mar de rojo, establecen una sensación de profundidad espacial al crear ángulos y perspectiva en una imagen por lo demás plana. También ofrecen a la vista un lugar donde descansar y aportan una sensación de armonía a los colores. La mayoría de los objetos están pintados con blancos, azules y verdes, colores que contrastan y equilibran la pintura roja aplicada en capas finas. También hay una mesa que domina la esquina inferior izquierda del lienzo, que sobresale del borde como si el espectador estuviera junto a ella y mirara hacia abajo desde una esquina de la habitación. Las discontinuidades espaciales de la mesa, los objetos de la habitación, las sillas en el lado derecho del lienzo y la ventana en la pared izquierda dan la sensación de que este es el entorno del artista, dominado por la creatividad y el color más que por las leyes del orden natural.

Si uno tuviera que ubicar a L'Atelier Rouge en la cronología de la producción artística de Matisse, se situaría inmediatamente después de sus pinturas fauvistas. Creada en 1911, la obra es una expresión singular y culminante de varios aspectos clave del desarrollo artístico de Matisse hasta ese momento. Es decir, la pintura refleja la influencia del fauvismo, el impresionismo, el postimpresionismo, sus primeros viajes al extranjero y su propio código artístico emergente. Por ejemplo, el rojo que domina el lienzo evoca su obra anterior El postre: armonía en rojo (1908), pero también ilustra diferencias convincentes: perspectiva forzada exagerada, capas de color más delgadas y una composición reducida. Estas diferencias son indicativas de la creciente preocupación de Matisse por "a) la orquestación de colores puros y b) la búsqueda de una composición estable con los medios más simples." Por ejemplo, la pintura lleva la influencia del impresionismo en su falta de punto focal, pero es evidente que el punto focal fue abandonado en favor del equilibrio compositivo y la armonía que Matisse tanto deseaba. De manera similar, el uso expresivo del color y la perspectiva forzada es comparable al de El café de noche del posimpresionista Vincent van Gogh, pero una vez más es evidente cómo Matisse adaptó estos elementos a sus propios intereses estéticos. En L'Atelier Rouge, el uso expresivo del color y la falta de punto focal trabajan juntos para crear armonía y equilibrio. Incluso el fauvismo, un estilo que el propio Matisse desarrolló con otros artistas en París, deja su huella en la obra en el uso de colores atrevidos y el desdén por la pintura realista y figurativa.

Matisse también realizó varios viajes importantes justo antes de la creación de L'Atelier Rouge. Visitó una exposición islámica en Múnich; las ciudades árabes de Sevilla, Córdoba y Granada en España; y San Petersburgo y Moscú. Se puede ver cómo esto influyó en el desarrollo de su estética, ya que sus tonos y motivos decorativos se vuelven más exóticos, casi lúdicos en su experimentación con formas y colores.

La técnica de Matisse en L'Atelier Rouge, que consistía en utilizar un solo color intenso y audaz para crear la totalidad de la composición (mediante el uso estratégico de la ausencia del rojo), influiría significativamente en las generaciones posteriores de artistas modernos. Algunos consideran que este logro es un precursor directo de la pintura de campos de color, cuyo mejor ejemplo son artistas como Mark Rothko y Kenneth Noland. Por ejemplo, si se observa con más atención, las "líneas" pálidas (que recortan los objetos del espacio rojo y dictan la perspectiva de la habitación) no son líneas en absoluto. Más bien, las líneas en sí mismas están construidas por la ausencia de la pintura roja. Es decir, Matisse originalmente pintó el lienzo de un amarillo pálido. Luego pintó sobre ese color con un rojo intenso y oxidado aplicado en una capa fina, dejando delgadas bandas del color subyacente para que sirvieran como línea. Este mismo enfoque se puede ver en las obras de Frank Stella, aunque dejó bandas de lienzo sin tratar. De manera similar, la técnica de superponer colores para establecer profundidad o perspectiva (sin el uso formal de la línea) es el eje central de la mayor parte de la pintura de campos de color.

Esta pintura fue objeto de una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (del 1 de mayo al 10 de septiembre de 2022) y en la Galería Nacional de Dinamarca en Copenhague (del 13 de octubre de 2022 al 26 de febrero de 2023).

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