El diablo viste de Prada (película)

El diablo viste de Prada es una película de comedia dramática estadounidense de 2006 dirigida por David Frankel y producida por Wendy Finerman. El guion, escrito por Aline Brosh McKenna, está basado en la novela de 2003 de Lauren Weisberger. La película está protagonizada por Meryl Streep, Anne Hathaway, Stanley Tucci y Emily Blunt.

En 2003, 20th Century Fox compró los derechos de una adaptación cinematográfica de la novela de Weisberger antes de que estuviera lista para su publicación; el proyecto no recibió luz verde hasta que Streep fue elegida para el papel principal. La fotografía principal duró 57 días y se llevó a cabo principalmente en la ciudad de Nueva York, de octubre a diciembre de 2005. El resto del rodaje se realizó en París, Francia.

Tras su estreno en el Festival de Cine de Los Ángeles el 22 de junio de 2006, El diablo viste de Prada se estrenó en los cines de Estados Unidos el 30 de junio. La película recibió críticas positivas de los críticos, y la actuación de Streep recibió elogios generalizados de la crítica, lo que le valió numerosos premios y nominaciones, entre ellos el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical y nominaciones al Oscar a la mejor actriz y al premio del Sindicato de Actores de Cine a la mejor interpretación femenina en un papel principal. Hathaway y Blunt también recibieron críticas favorables y varias nominaciones por sus actuaciones. La película recaudó más de 326 millones de dólares en todo el mundo, frente a su presupuesto de 41 millones de dólares, y fue la duodécima película más taquillera del mundo en 2006.

Aunque la película se desarrolla en el mundo de la moda y hace referencia a personalidades y establecimientos conocidos de esa industria, la mayoría de los diseñadores y otras personalidades de la moda evitaron aparecer como ellos mismos por miedo a disgustar a la editora de la revista estadounidense Vogue, Anna Wintour, quien se cree que fue la inspiración para Priestly. Wintour superó más tarde su escepticismo inicial y dijo que le gustaba la película y, en particular, la actuación de Streep.

La aspirante a periodista Andrea "Andy" Sachs se ha graduado recientemente de la Universidad Northwestern y ha conseguido un trabajo como asistente personal de Miranda Priestly, la editora en jefe de la revista Runway. A pesar de su falta de conocimiento de la industria de la moda, Andy planea soportar el trato abusivo de Miranda durante al menos un año con la esperanza de utilizar sus contactos de Runway para encontrar un trabajo más centrado en el periodismo.

Andy no encaja bien con sus compañeros de trabajo, que son chismosos y vanguardistas, especialmente con la asistente principal de Miranda, Emily Charlton, y tiene dificultades para cumplir con las exigencias irracionales de Miranda, como reservar un vuelo a casa desde Florida durante un huracán y obtener un manuscrito inédito de una novela de Harry Potter para sus hijas gemelas. Después de una reunión de prueba de vestuario durante la cual Miranda la reprende frente a todo el equipo, Andy se acerca al director artístico de Runway, Nigel, para pedirle consejo, y él la ayuda a seleccionar ropa elegante para usar en el trabajo.

Al notar el cambio de apariencia de Andy y su mayor compromiso con el trabajo, Miranda comienza a delegarle tareas más complicadas e importantes. A medida que Andy se vuelve más glamorosa y absorbe la filosofía de Runway, gradualmente supera a Emily, quien anhela asistir a la Semana de la Moda de París como asistente de Miranda y, en preparación para el evento, se adhiere a dietas extremas que ponen en peligro su salud.

Cuando Emily llega al trabajo estando enferma y olvida detalles importantes sobre los invitados a un evento benéfico, Andy interviene para salvar a Miranda de la vergüenza. Miranda luego elige a Andy para ser su asistente en la Semana de la Moda de París en lugar de Emily. Emily es atropellada más tarde por un auto; mientras la visita en el hospital, Andy le informa a Emily sobre el cambio de plan de Miranda, para gran consternación de Emily. El novio de Andy, Nate, rompe con ella, decepcionado de que se haya convertido en una de las mujeres superficiales y egoístas a las que alguna vez ridiculizó.

En París, Andy se entera de que el marido de Miranda ha solicitado el divorcio. Más tarde esa noche, Nigel le dice a Andy que ha aceptado un trabajo como director creativo con el diseñador en ascenso James Holt. Ella pasa la noche con un atractivo escritor, Christian Thompson, quien le dice que Jacqueline Follet está lista para reemplazar a Miranda como editora de Runway. Andy intenta advertir a Miranda, pero Miranda la rechaza.

En un almuerzo que se celebra más tarde ese día, Miranda anuncia que Jacqueline es la nueva directora creativa de Holt, para gran sorpresa de Andy y Nigel. Más tarde, Miranda revela que ya sabía del complot para reemplazarla y sacrificó a Nigel para conservar su propio trabajo. Andy siente repulsión por la traición de Miranda a su amiga, pero Miranda señala que Andy hizo lo mismo con Emily al aceptar acompañar a Miranda a París. Como no quiere convertirse en el tipo de persona que es Miranda, Andy renuncia a su trabajo y se va furiosa. Cuando Miranda intenta llamarla, Andy arroja su teléfono a la Fontaine de la Concorde.

Algún tiempo después, Andy se encuentra con Nate, quien le cuenta que tiene un nuevo trabajo como ayudante de cocina en Boston, y acuerdan seguir en contacto como amigos. Ese mismo día, ella tiene una entrevista en un importante periódico de Nueva York. El editor cuenta que cuando llamó a Runway para pedirle una referencia, Miranda le dijo que Andy había sido la mayor decepción que había tenido como asistente, pero que sería un idiota si no la contratara.

Después de conseguir el trabajo, Andy llama a Emily y le ofrece la ropa que consiguió en París. Mientras pasa por el edificio de oficinas de Runway, Andy ve a Miranda y la saluda con la mano. Miranda no saluda a Andy, pero sonríe para sí misma una vez que está sentada en su auto.

• Meryl Streep como Miranda Sacerdotal
• Anne Hathaway como Andrea "Andy" Sachs
• Emily Blunt como Emily Charlton
• Stanley Tucci como Nigel Kipling
• Simon Baker como Christian Thompson
• Adrian Grenier como Nate Cooper
• Gisele Bündchen como Serena
• Tracie Thoms como Lily
• Rich Sommer como Doug
• Daniel Sunjata como James Holt
• James Naughton como Stephen
• Colleen Dengel como Caroline Priestly
• Suzanne Dengel como Cassidy Priestly
• David Marshall Grant como Richard Sachs
• Tibor Feldman como Irv Ravitz
• Rebecca Mader como Jocelyn
• Alyssa Sutherland como Clacker
• Ines Rivero como Clacker en ascensor
• Stéphanie Szostak as Jacqueline Follet
• David Callegati como Massimo
• Paul Keany como Doorman de San Regis

• Valentino Garavani
• Giancarlo Giammetti
• Carlos de Souza
• Bridget Hall
• Lauren Weisberger como la niñera de los gemelos
• Robert Verdi como periodista de moda en París que entrevista a Miranda
• Heidi Klum
• Jen Taylor como Lou
• Nigel Barker

Cuando lo hicimos era ingenua. Ahora sé lo raro que es encontrar situaciones donde las estrellas se alinean.

—Aline Brosh McKenna, guionista

El director David Frankel y la productora Wendy Finerman habían leído originalmente El diablo viste de Prada en forma de propuesta de libro. Sería el segundo largometraje de Frankel para cine y el primero en más de una década. Él, el director de fotografía Florian Ballhaus y la diseñadora de vestuario Patricia Field se basaron en gran medida en su experiencia en la realización de Sexo en Nueva York.

Frankel recuerda que toda la experiencia tuvo mucho en juego para los involucrados, ya que para él y los demás detrás de la cámara era el proyecto más grande que habían intentado hasta ahora, con apenas recursos adecuados. "Sabíamos que estábamos en una situación muy delicada", le dijo a Variety en un artículo de 2016 sobre el décimo aniversario de la película. "Era posible que este fuera el final del camino para nosotros".

Se cree que Weisberger se inspiró en Anna Wintour, la redactora jefe de Vogue, para quien ella misma había trabajado como asistente personal. El miedo a lo que Wintour pudiera hacer como represalia por cualquier cooperación visible con la producción planteó obstáculos, no sólo en la industria de la moda, sino también en Hollywood.

Fox compró los derechos de la novela de Weisberger no sólo antes de su publicación en 2003, sino incluso antes de que estuviera terminada. Carla Hacken, entonces vicepresidenta ejecutiva del estudio, sólo había visto las primeras cien páginas del manuscrito y un esquema de cómo se desarrollaría el resto de la trama. Pero para ella eso fue suficiente. "Pensé que Miranda Priestly era una de las mayores villanas de la historia", recordó en 2016. "Recuerdo que entramos agresivamente y la recogimos".

El trabajo en el guión comenzó inmediatamente, antes de que Weisberger hubiera terminado su obra. Cuando se convirtió en un éxito de ventas tras su publicación, se incorporaron elementos de la trama al guión en curso. La mayoría se inspiraron en la película de Ben Stiller de 2001 Zoolander y satirizaban principalmente la industria de la moda. Pero aún no estaba listo para ser filmado. Elizabeth Gabler, más tarde jefa de producción en Fox, señaló que la novela terminada no tenía una narrativa completa. "Como no había un tercer acto fuerte en el libro", dijo más tarde, "necesitábamos inventarlo".

Mientras tanto, el estudio y la productora Wendy Finerman buscaban un director. De entre muchos candidatos con experiencia en comedia, contrataron a David Frankel a pesar de su limitada experiencia, ya que sólo había hecho un largometraje, Miami Rhapsody, junto con algunos episodios de Sex and the City y Entourage. No estaba seguro sobre la película, y la calificó de "indirigible... una sátira más que una historia de amor". Más tarde, citó a Unzipped, el documental de 1995 sobre el diseñador Isaac Mizrahi, como su modelo para la actitud de la película hacia la moda: "[Se] deleita con algunas de las tonterías del mundo de la moda, pero también es muy seria".

En una reunión con Finerman, Frankel le dijo que pensaba que la historia castigaba innecesariamente a Miranda. "Mi opinión era que deberíamos estar agradecidos por la excelencia. ¿Por qué la gente excelente tiene que ser amable?". Se preparó para seguir adelante y considerar más guiones. Dos días después, su representante lo convenció de que reconsiderara y buscara algo que le gustara y que pudiera convertir en la película. Aceptó el trabajo, le dio a Finerman extensas notas sobre el guión y le presentó una visión detallada de la película.

Cuatro guionistas trabajaron en la propiedad. Peter Hedges escribió el primer borrador, pero no pensó que pudiera hacer más; otro escritor se negó. Paul Rudnick trabajó un poco en las escenas de Miranda, seguidas de una reescritura de Don Roos. Después de eso, Aline Brosh McKenna, que pudo relacionar sus propias experiencias de juventud al intentar iniciar una carrera de periodismo en Nueva York con la historia, produjo un borrador después de un mes de trabajo que logró el equilibrio adecuado para Finerman y Frankel, cuyas notas se incorporaron a una versión final, reorganizando significativamente la trama, siguiendo menos de cerca el libro y centrando la historia en el conflicto entre Andy y Miranda. Encontró la experiencia de escribir una historia con protagonistas femeninas que no se centrara en una relación "muy liberadora... Sentí que se me permitía hacer lo que la película quería ser, una historia de Fausto, un Wall Street para mujeres".

McKenna también suavizó inicialmente la mezquindad de Miranda a pedido de Finerman y Frankel, solo para restaurarla más tarde para Streep. Más tarde citó a Don Rickles como su principal influencia para los insultos en el diálogo; antes incluso de comenzar a trabajar en el guion, se le ocurrió la frase de Miranda "Arriésgate. Contrata a la chica gorda inteligente", que sintió que resumía la disparidad entre Andy y el mundo en el que se encontraba. Weisberger recordó en 2021, en el 15º aniversario de la película, que el borrador de McKenna la alejó de la dirección de "típica película para chicas" en la que iba.

En una entrevista de 2017 con Entertainment Weekly, McKenna reveló que el personaje sobre el que ella y Frankel habían tenido más discusiones era el novio de Andrea, Nate. Ella comparó su papel en la historia con el que suele desempeñar la novia o esposa de un protagonista masculino que le recuerda regularmente las responsabilidades en el hogar que ha descuidado. "Queríamos asegurarnos de que no fuera un dolor de cabeza, pero es la persona que está tratando de decir: '¿Es esta la persona que quieres ser moralmente?'"

McKenna consultó con conocidos que trabajaban en el mundo de la moda para que su guión fuera más realista, una tarea que, según dijo más tarde, le resultó difícil, ya que muchos de ellos no querían correr el riesgo de ofender a Wintour. En una conferencia de la Academia Británica de Cine y Televisión en 2010, contó una escena que se modificó después de una de estas críticas, en la que Nigel le dijo a Andy que no se quejara tanto de su trabajo. Originalmente, había hecho que su discurso fuera más bien una charla de apoyo y motivación, pero uno de esos conocidos le dijo que eso no sucedería: "Nadie en ese mundo es amable con los demás... No hay razón para serlo, y no tienen tiempo", dijo, según lo citó ella.

El "discurso cerúleo", en el que Miranda establece la conexión entre la moda de diseño en las páginas de Runway y el suéter azul cerúleo de Andy, criticando el esnobismo de Andy sobre la moda y explicando el efecto dominó, tuvo su origen en una escena eliminada de borradores anteriores que Streep había pedido que se restauraran. Poco a poco, fue creciendo desde unas pocas líneas en las que la editora menospreciaba el sentido de la moda de su asistente hasta un discurso sobre "por qué pensaba que la moda era importante... Ella es tan consciente de que está afectando a miles de millones de personas, y de lo que recogen del suelo y lo que se ponen en el cuerpo por la mañana". Streep dijo en 2016 que estaba interesada en "la responsabilidad que pesa sobre los hombros de una mujer que era la cabeza de una marca global... Esa escena no se trataba de la diversión de la moda, se trataba de marketing y negocios".

McKenna recuerda que siguió ampliándolo para que se adaptara a Streep y Frankel, pero incluso unos días antes de que se programara su filmación no estaba segura de si se usaría o incluso se filmaría. Estaba revisándolo en un Starbucks cercano cuando se dio cuenta de que Miranda describiría algo no solo como azul (elegido como el color para el suéter de Andy porque funcionaría mejor en la pantalla), sino que usaría un tono exacto. De una lista de tonos que McKenna envió, Streep eligió el cerúleo; el discurso final ocupa casi una página del guion, mucho tiempo para una película convencional. Las referencias a colecciones de diseñadores anteriores son completamente ficticias, explica McKenna, ya que el discurso se escribió en torno al color del suéter (sin embargo, el Huffington Post señaló más tarde que los diseñadores a menudo se inspiran en la moda de la calle).

El discurso se ha convertido en uno de los momentos más memorables de la película; "el monólogo característico de Miranda" en The Ringer. "No hay ninguna cita de moda que se mencione, se mencione y se use más ampliamente para "explicar" la "moda" que [ese] discurso", dice Refinery 29. "Muchas personas lo consideran el momento en el que finalmente entendieron cómo funciona la industria de la moda y por qué es importante".

"Cerulean" [nunca] ha sonado más siniestro", escribió el Huffington Post en 2016, "Se podrían escribir libros enteros sobre las inflexiones de Streep en esta escena", escribió The New Zealand Herald en 2020, "pero centrémonos en una palabra", refiriéndose a su "énfasis verdaderamente extraordinario" en la primera sílaba de "ready":

Ella extiende la misma palabra como si no estuviera haciendo su trabajo, como si 'ya' no estuviera lista, pero arrastrando sus neumáticos talones como todos los demás... La escena es un escaparate de Streep garantizado para hacer sus clipreels de por vida. (Emily Blunt's one moment, silently shaking her head by the doorway to pre-empt interrupt, is a small treat, too). Pero también es un ejemplo de esta comedia tenebrosa adquiriendo profundidad, porque para todo el aire de Miranda de aburrimiento absoluto con otras personas, este ataque al ser de Andy también equivale a una defensa filosófica de la línea de trabajo de su jefe.

En 2018, la crítica de moda del New York Times, Vanessa Friedman, invocó el discurso en su defensa de la importancia de cubrir la alta costura:

Y no es el argumento "Devil Wears Prada", aunque eso es cierto: En un mundo en el que todo entra en la sopa de Instagram y desde allí entra en el sistema digestivo cultural, lo que podría aparecer en una pista en el Musée Rodin (donde Dior mantiene sus espectáculos) en julio afectará lo que H implicaM en agosto.

Morwenna Ferrier, reportera de moda de The Guardian, estuvo de acuerdo, a pesar de las referencias del discurso a colecciones ficticias. "Como periodista de moda, puedo dar fe de su esencia: que independientemente de lo inmune que creas que eres a la moda, si compras ropa, estás en deuda con la elección de otra persona", escribió en un artículo sobre cómo la industria de la moda continúa adoptando el argumento del discurso. "Argumentar que eres ajeno a las tendencias es una elección de moda en sí misma". Como ejemplo de cómo había sucedido eso en la realidad desde la película, citó el vestido amarillo Guo Pei que Rihanna usó en la Gala del Met de 2015, popularizando enormemente ese color para la ropa durante los siguientes dos años. Pero Refinery 29 escribió en 2017 que, si bien la visión del discurso sobre la moda que se filtra desde una élite cultural probablemente era cierta cuando se estrenó la película, dejó de serlo en la era de las redes sociales que siguió. Study Breaks señaló más tarde marcas como Vetements, que se inspira en la ropa de calle de uso diario, y Champion, la marca de ropa deportiva cuya popularidad entre los clientes de bajos ingresos ayudó a crear una marca de élite que esos clientes ya no pueden permitirse.

En 2016, en el décimo aniversario de la película, Mic escribió que la lógica del discurso también funcionaba como una crítica a la apropiación cultural. "En muchos sentidos, el monólogo de Priestley abordó el verdadero problema de la apropiación cultural: la gente no entiende la historia o el significado detrás de algo como las trenzas africanas o los tocados, pero los trata de todos modos como una nueva tendencia o accesorio".

Seis años después, en un artículo de Slate en el que se analizaba el atractivo de los personajes femeninos en el cine y la televisión que lanzan insultos incisivos y otros comentarios sin aparente efecto, como los interpretados por Aubrey Plaza, Nadira Goffe recordó el "monólogo épico e insensible" de Streep sobre el suéter como un "ejemplo perfecto" del arquetipo. "En un momento en el que un personaje normalmente mostraría un dejo de frustración, enojo o incluso molestia, Streep alecciona al personaje de Anne Hathaway de una manera que parece como si apenas hubiera pensado en las palabras que estaba diciendo", escribe. "Le da un aire de distanciamiento y, por lo tanto, de control: mostrarse seria y serena en una situación emocional demuestra lo poco que le importa, o que está mintiendo sobre si le importa en absoluto".

La respuesta sarcástica de Miranda a la sugerencia de la editora asistente Jocelyn de escribir una historia sobre los estampados florales que se muestran en las colecciones de primavera ha sido considerada la mejor frase de la película. McKenna la ve con frecuencia como titular en esa época del año, y algunos periodistas de moda la han mencionado en historias sobre estampados florales como una de las prendas favoritas de la moda de primavera.

"Hacer cosas floreadas en primavera es un cliché, y creo que esa es una de las razones por las que esa frase resuena", dijo McKenna a Thrillist en 2019. "Es un código secreto que las mujeres entienden, que es: todos los años en otoño intentan venderte cuadros, y en primavera intentan venderte estampados florales, y probablemente tengas 10 de esos en tu armario, y están tratando de darte una razón convincente para venderte cosas que ya tienes".

McKenna escribió la escena de la película pensando en Streep. Cuando las dos se reunieron por primera vez para hablar del guión, Streep le dijo que le había gustado mucho la frase "Por supuesto, muévete a un ritmo glacial; sabes que eso me emociona" que aparece al principio de la película. En el guión estaba escrita con puntos después de "florales" y "primavera"; Streep las pronunció con una entonación ligeramente ascendente, como si terminaran en signos de interrogación, cuando se filmó la escena. McKenna cree que la forma en que Streep dice "florales" tiene la misma resonancia para ella que "ritmo glacial" en la escena anterior. "Simplemente te golpea en la cara muy suavemente, arruinando lentamente tu autoestima".

Algunos periodistas de moda han reconocido la validez de esta frase y han defendido los estampados florales como motivo de moda primaveral. "Es cierto que recurrir a ese patrón no es exactamente reinventar la rueda", escribe E!. "Pero, ¿por qué habría que hacerlo? Al igual que los clichés, los clásicos son clásicos por una razón". Tatler añade: "Quizás Miranda Priestly tenía razón y no hay nada innovador en los estampados florales para la primavera, pero eso no significa que no se puedan hacer bien y con estilo".

Finerman reveló que Streep casi fue descartada para el papel porque algunas personas pensaban que "nunca había sido graciosa en su vida". Otra fuente afirmó que Michelle Pfeiffer, Glenn Close y Catherine Zeta-Jones también habían sido consideradas para el papel. Weisberger, quien inicialmente no podía imaginar a Streep interpretando el papel, recordó que después de verla en el set estaba "clarísimo" que era perfecta para el papel. Su elección ayudó a compensar algunas de las dificultades que había creado la resistencia de Wintour a la película.

La noticia de que Streep se reuniría con Frankel fue celebrada en Fox. Pero, aunque Streep, por su parte, sabía que la película podía ser un gran éxito, sintió que el salario que le ofrecían por interpretar a Miranda era "ligeramente, si no insultante, tal vez no reflejaba mi valor real para el proyecto". Los productores duplicaron la oferta a unos 4 millones de dólares y ella firmó, lo que permitió a Fox dar luz verde a la película. Según Frankel, Streep vio la película como una oportunidad para "burlarse de las decanas del mundo de la moda". Tiene tres hijas y, como ardiente feminista, sintió que las revistas de moda "retorcían las mentes de las mujeres jóvenes de todo el mundo y sus prioridades. Esta era una forma interesante de vengarse de ellas". Además, dijo, la película pasó la prueba de Bechdel.

Ella insistió en el discurso del suéter cerúleo y en la escena en la que Miranda se sincera brevemente con Andy, sin maquillaje, sobre su divorcio. "Quería", explicó, "ver ese rostro sin su capa protectora, vislumbrar la mujer en la empresaria".

Elegir a Andy fue más difícil. Fox quería una actriz joven de primera línea y pensó que Rachel McAdams, que en ese momento venía de éxitos en Chicas pesadas y El diario de Noa, ayudaría a las perspectivas comerciales de la película. McAdams rechazó varias ofertas para interpretar a Andy, diciendo al estudio que estaba tratando de evitar proyectos de Hollywood convencionales por un tiempo. Kirsten Dunst, Natalie Portman, Scarlett Johansson y Kate Hudson fueron otras actrices consideradas para el papel.

Anne Hathaway, por el contrario, buscó activamente el papel, trazando "Contrátame" en la arena del jardín zen sobre el escritorio de Hacken cuando habló del proyecto con el ejecutivo. Aunque a Frankel le gustó lo suficiente como para no exigirle que hiciera una audición, ella sabía que no era la primera opción del estudio y que tendría que ser paciente (otras versiones dicen que ella era la única actriz considerada para el papel). La jefa de producción de Fox, Elizabeth Gabler, dice que el estudio no se había dado cuenta de lo fuerte que era su audiencia después de las películas de Princess Diaries. En una de sus reuniones, Gabler recuerda a Hathaway sentada en su sofá dándole notas sobre el tercer acto. Aunque el estudio no utilizó esas notas, "su sensibilidad estaba completamente alineada con lo que terminamos haciendo". Hathaway aceptó el papel para trabajar con Streep, pero también debido a algunos aspectos personales. Celebró cuando se enteró de que había conseguido el papel.

Se habían considerado más de 100 actrices para el papel de Emily antes de que uno de los agentes de casting grabara a Emily Blunt leyendo algunas de las líneas en otro lugar del estudio de Fox mientras salía para su vuelo a Londres después de su audición para Eragon. Aunque las leyó con su propio acento británico a pesar de que el personaje estaba escrito como estadounidense como en la novela, Frankel se mostró interesado; a Finerman le gustó por su sentido del humor. Después de que los creadores de Eragon eligieran a Sienna Guillory, Frankel la llamó al baño de "un club de buceo" en Londres, donde se estaba consolando con su hermana. Le dijo que, si bien la habría elegido solo por la cinta, el estudio quería ver otra audición con ella vestida más como el personaje. Ella insistió en seguir interpretando al personaje como británica. Tanto Hathaway como Blunt perdieron peso para sus papeles, y Hathaway contó más tarde que "nos agarrábamos el uno al otro y llorábamos porque teníamos mucha hambre". Blunt luego negó los rumores de que hizo esto a pedido de los cineastas.

Colleen y Suzanne Dengel, las gemelas que interpretaron a las hijas de Miranda, fueron elegidas dos semanas después de la audición para Frankel y Finerman. El director y el productor se rieron, lo que las hermanas creyeron que las ayudó a conseguir el papel. En 2017 recordaron que estaban emocionadas por poder trabajar juntas frente a la cámara por primera vez, así como por la oportunidad de actuar junto a Hathaway, ya que también eran grandes fanáticas de las películas de Princess Diaries.

Tucci fue uno de los últimos actores elegidos; aceptó interpretar a Nigel sólo tres días antes de que empezara el rodaje. "Era una obra de arte tan hermosa y no había forma de que pudieras decir que no a algo así", recordó. Según se informa, los cineastas habían hecho una audición al director creativo de Barney, Simon Doonan, y a Robert Verdi de E!, ambos hombres abiertamente homosexuales y muy visibles como comentaristas de moda en los medios, para el papel; Graham Norton de la BBC también hizo una audición entre 150 actores considerados para el papel. Verdi diría más tarde que no tenían intención de contratarlo y que los productores simplemente lo habían utilizado a él y a Doonan para darle a quien finalmente eligieran una investigación filmada para utilizarla en el papel de un personaje gay (acabaría con un papel de periodista de moda en París). Tucci dice que no estaba al tanto de esto: "Todo lo que sé es que alguien me llamó y me di cuenta de que este era un gran papel". Para crear el personaje, se basó en varias personas que conocía e insistió en que llevara las gafas que finalmente usó.

Daniel Sunjata había leído originalmente el papel de Tucci, sin demasiado entusiasmo ya que acababa de interpretar un personaje similar, pero luego leyó el papel de Holt y preguntó si podía hacer una audición para él. Simon Baker hizo la audición enviando un video de él mismo, con la misma chaqueta verde diseñada por él mismo que tiene puesta cuando él y Andy se conocen por primera vez.

Según se informa, Wintour advirtió a los principales diseñadores de moda que habían sido invitados a hacer apariciones especiales interpretándose a sí mismos en la película que serían desterrados de las páginas de la revista si lo hacían; Frankel dijo que en 2021, lo máximo que estaban dispuestos a hacer era ayudar a la producción con información de fondo, como permitir visitas a sus salas de exposición o dar notas sobre la autenticidad del guión. Vogue y otras importantes revistas femeninas y de moda han evitado reseñar o incluso mencionar el libro en sus páginas. Los portavoces de Wintour niegan la afirmación.

Sólo Valentino Garavani, que diseñó el vestido de noche negro que Miranda lleva durante la escena a beneficio del museo, decidió aparecer. Casualmente, estaba en la ciudad de Nueva York durante la producción y Finerman desafió a Field, una conocida, a que se lo pidiera personalmente. Para su sorpresa, él aceptó. Otros cameos notables incluyen a Heidi Klum como ella misma y a Weisberger como la niñera de las gemelas. El debut cinematográfico de la hija de Streep como barista en Starbucks fue cancelado. Gisele Bündchen aceptó aparecer en la película sólo si no interpretaba a una modelo.

La fotografía principal se llevó a cabo durante 57 días en Nueva York y París entre octubre y diciembre de 2005. El presupuesto inicial de la película era de 35 millones de dólares y sólo se iba a filmar en Nueva York. El presupuesto limitado causó problemas con algunas localizaciones: el equipo no pudo obtener permiso para filmar en el Museo de Arte Moderno o en Bryant Park, lo que también atribuyen al miedo a Wintour. Las juntas de cooperativas de muchos edificios de apartamentos también se negaron a permitir que la producción los utilizara para Miranda, lo que Frankel también cree que se debió a la influencia de Wintour.

Ballhaus, siguiendo la sugerencia de Finerman y Frankel, compuso tantas tomas como fuera posible, ya fueran interiores o exteriores, para captar al menos parcialmente escenas de calles ajetreadas de Nueva York en el fondo, para transmitir la emoción de trabajar en una industria glamorosa en Nueva York. También utilizó una cámara en mano durante algunas de las escenas de reuniones más ajetreadas en la oficina de Miranda, para transmitir mejor el flujo de la acción, y cámara lenta para la entrada de Andrea a la oficina después de su cambio de imagen. Fueron necesarias algunas tomas de proceso, principalmente para colocar vistas exteriores detrás de las ventanas de los sets y en el Mercedes donde Miranda y Andy están teniendo su conversación culminante.

Fox originalmente le negó permiso a Frankel para filmar algunas escenas del tercer acto en París, donde está ambientada, debido al bajo presupuesto. Después de seis semanas de rodaje "de pesadilla", le pidió a un editor que cortara un "video promocional" con los mejores momentos. Eso convenció al estudio de aumentar el presupuesto para permitir un rodaje limitado en el extranjero. Streep no fue porque Fox creyó que sería demasiado caro; en su lugar, se utilizaron tomas con pantalla verde y su doble de cuerpo.

Varias semanas después de que se hubieran elegido los papeles principales, los actores se reunieron en Nueva York para una lectura de guión. Hathaway estaba nerviosa y bobalicona, recuerda, ya que todavía no había desarrollado su idea del papel; describió su actuación en ese momento como "[nada] particularmente impresionante". Blunt, por el contrario, encontró que la risa de Streep la relajaba lo suficiente como para mantenerla concentrada en interpretar a una Emily nerviosa y distraída. El momento culminante de la sesión fue la primera línea de Streep como Miranda. En lugar de la "voz estridente, mandona y ladradora" que todos esperaban, dice Hathaway, Streep silenció a la sala hablando casi en un susurro. "Fue tan inesperado y brillante". En la lectura, Streep también cambió la última línea de Miranda a "todos quieren ser nosotros" del original "yo".

Devil fue la única película de Streep en la que adoptó un enfoque metodológico, permaneciendo en el personaje entre tomas. También se mantuvo apartada a propósito y no socializó con el resto del elenco y el equipo cuando terminó el rodaje. En su tráiler, "podía escucharlos a todos balanceándose y riendo. ¡Estaba tan deprimida! Dije: 'Bueno, ¡es el precio que pagas por ser la jefa!'" Como resultado, no ha vuelto a adoptar el enfoque metodológico.

Streep tomó la decisión consciente de no interpretar el papel como una imitación directa de Wintour, llegando incluso a no usar acento y hacer que el personaje fuera estadounidense en lugar de inglés ("sentí que era demasiado restrictivo"). "Creo que quería que la gente no confundiera en absoluto el personaje de Miranda Priestly con Anna Wintour", dijo Frankel. "Y es por eso que al principio del proceso decidió darle un aspecto muy diferente y un enfoque diferente al personaje". Las frases de "eso es todo", "por favor, aburre a alguien más ..." su abrigo arrojado sobre el escritorio de Andrea y el almuerzo de filete desechado se conservan de la novela. Streep se preparó leyendo un libro de Liz Tilberis, protegida de Wintour, y las memorias de Diana Vreeland, editora de Vogue. Perdió tanto peso durante el rodaje que tuvieron que ajustar la ropa.

Durante la gira de prensa de la película, Streep también dijo que su actuación como Miranda se inspiró en diferentes hombres que conoció, pero no dijo cuáles. En 2016, reveló a Variety que tomó el estilo de hablar suave de Miranda de Clint Eastwood: "Nunca, nunca, nunca levanta la voz y todos tienen que inclinarse para escuchar, y automáticamente es la persona más poderosa en la sala". Sin embargo, dijo, Eastwood no hace bromas, así que en su lugar modeló ese aspecto del personaje en el director de cine y teatro Mike Nichols, cuya forma de hacer un comentario mordaz, dijo, hizo reír a todos, incluido el objetivo. "La forma de caminar, me temo, es mía", agregó Streep.

Inspiraciones para el cabello de Miranda

Carmen Dell'Orefice

Christine Lagarde

Para el look real de Miranda, Streep se inspiró en dos mujeres. El peinado abultado se inspiró en la modelo y actriz Carmen Dell'Orefice, que Streep dijo que quería combinar con "la elegancia y autoridad inatacables de [la política francesa] Christine Lagarde". Quería que el cabello de Miranda fuera blanco, ya que los productores temían que la hiciera parecer demasiado mayor, pero el estudio confió en ella y trabajó con el maquillador y estilista J. Roy Helland, un socio de muchos años, para crear el look.

El vestuario que Field diseñó para combinar con ese look dio lugar a numerosas tomas distorsionadas durante el montaje, en las que Miranda arroja repetidamente su abrigo sobre el escritorio de Andrea cuando llega por la mañana. Cuando McKenna vio a Streep como Miranda por primera vez en el set, recuerda que sintió tanto miedo que lanzó su brazo frente a Frankel "como si estuviéramos en un accidente automovilístico".

Hathaway se preparó para el papel ofreciéndose como voluntaria durante una semana como asistente en una casa de subastas, donde "la sometieron a un gran esfuerzo", según Weisberger, quien agrega que Hathaway complementó eso haciéndole muchas preguntas sobre trabajar para Wintour. Frankel recuerda que estuvo nerviosa durante la mayor parte del rodaje, particularmente cuando trabajaba hasta tarde, ya que Raffaello Follieri, su novio en ese momento, prefería firmemente que no lo hiciera; también tenía problemas de salud debido a un quiste. El director dijo que estaba "aterrorizada" antes de comenzar su primera escena con Streep, quien había comenzado su relación laboral con Hathaway diciéndole primero "Creo que eres perfecta para el papel y estoy muy feliz de que vayamos a trabajar juntas en esto" y luego advirtiéndole que esa era la última cosa agradable que diría. Streep aplicó esta filosofía también a todos los demás en el set, manteniéndose alejada del elenco y los miembros del equipo a menos que fuera necesario discutir algo con ellos.

La escena en la que Andy entrega el libro, la maqueta de la revista en proceso, en el apartamento de Miranda, fue, según los Dengels, que interpretaron a las hijas gemelas de Miranda, totalmente improvisada. "Eso fue algo que hicimos con Anne y pasó la prueba", dijo Colleen Dengel a BuzzFeed en 2017. Sin embargo, se necesitaron tres días más de rodaje para lograr la toma de las niñas en la escalera como Frankel quería, un aspecto que cree que se inspiró en una escena similar con niñas gemelas en El resplandor.

Varios actores contribuyeron con diálogos y escenas para la película. Streep sugirió la escena de la reunión editorial, que no hace avanzar la trama pero muestra a Miranda trabajando sin Andy presente. También fue idea suya que Miranda no usara maquillaje en la escena en la que se sincera con Andy y se preocupa por el efecto que tendría en sus hijas que su divorcio se hiciera público.

Hathaway sugirió quitar el beso entre Andy y Nate de la escena en la que él le prepara un sándwich de queso a la parrilla. "Simplemente no creo que sea lo correcto... simplemente no siento que estemos en ese punto de nuestra relación", recuerda Grenier que ella dijo. "Hay demasiada historia".

Blunt contribuyó con la frase en la que le dice a Andy "Estoy escuchando esto y quiero escuchar esto" mientras abre y cierra la mano. En una entrevista de 2015, dijo que había escuchado a una madre decirle eso a un niño en un supermercado durante la producción. También contribuyó con la frase "Amo mi trabajo, amo mi trabajo" en una escena en la que su personaje está enfermo en el trabajo.

El comentario de Bündchen, "Te ves bien", al ver a Andy después de su cambio de imagen, fue su aporte al guión; pensó que equilibraba la maldad de Emily hacia Andy.

Frankel, que había trabajado con Patricia Field en su debut cinematográfico, Miami Rhapsody, así como en Sex and the City, sabía que lo que llevara el reparto sería de suma importancia en una película ambientada en la industria de la moda. "Mi planteamiento fue contratarla y luego marcharme de la sala", bromeó más tarde. Aunque sólo Valentino Garavani apareció en pantalla, muchos otros diseñadores fueron de ayuda para Field. Frankel recuerda que la decisión de Prada de ayudar a Field "la ayudó a romper el hielo".

El presupuesto de 100.000 dólares para el vestuario de la película se complementó con la ayuda de los amigos de Field en toda la industria; ella calculó más tarde que se exhibió ropa por un valor de alrededor de un millón de dólares. El artículo más caro fue un collar de Fred Leighton de 100.000 dólares que llevaba Streep, quien comparó el éxito de Field al armar el vestuario de la película con los efectos especiales de las películas de Misión: Imposible.

Cuando Hathaway entra a la oficina después de que Nigel le da acceso al armario de Runway', está vestida completamente de Chanel. Field explicó en 2016 que "sentí que Annie Hathaway era una chica Chanel orgánicamente, a diferencia de, digamos, una chica Versace [o Roberto Cavalli]". Cuando llamó a la empresa para pedir ayuda, estaban encantados porque "querían ver a Chanel en una chica joven para darle otro punto de vista", mostrando que era una marca "no solo para mujeres de mediana edad con traje, sino jóvenes y modernas". Calvin Klein completa el guardarropa de Andrea. La mayoría de las prendas que se ven en pantalla fueron prestadas; Streep recuerda que no podía comer espaguetis en el almuerzo mientras llevaba puesto un vestido porque si se ensuciaba, la producción no podía devolverlo.

Dolce & Gabbana y Calvin Klein también ayudaron a Field, con algunas contribuciones del diseñador libanés Georges Chakra. Aunque Field evita que Streep se parezca a Wintour, la viste con generosas dosis de Prada (según la propia Field, el 40 por ciento de los zapatos que lleva Streep son de Prada). "Sé que su personaje se basó originalmente en Anna Wintour", dijo Field, "pero no quería copiar el estilo de nadie". Field dijo que no quería que la gente reconociera fácilmente lo que llevaba Miranda. Pero, al igual que Wintour y su predecesora en Vogue, Diana Vreeland, las dos se dieron cuenta de que Miranda necesitaba un estilo característico, que se logró principalmente con la peluca blanca y el mechón de pelo que llevaba, así como con la ropa que las dos pasaron mucho tiempo estudiando en los catálogos de modelos. "Al elegir su vestuario, mi idea era que ella fuera una editora de moda en jefe, que tuviera su propio estilo", dijo Field a Women's Wear Daily en 2016. "Estamos creando un personaje original".

Blunt recuerda que ella y Streep generalmente usaban los zapatos que venían con sus atuendos solo cuando se mostraban en su totalidad. Cuando solo era necesario ver la parte superior del cuerpo, se ponían calzado más cómodo como las Uggs. Hathaway, por el contrario, siempre usaba los zapatos que le habían dado. "Corría por calles adoquinadas como una pequeña cabra montesa de paso seguro", recuerda Blunt.

Ella contrastó a Andy y Emily dándole a Andy un sentido del estilo, sin correr demasiados riesgos, que sugeriría la ropa que una revista de moda tendría a mano para las sesiones fotográficas, ropa que una recién graduada de la universidad con poco sentido del estilo se sentiría cómoda usando en un lugar de trabajo consciente de la moda. Blunt, por otro lado, estaba "tan al límite que casi se cae". Para ella, Field eligió piezas de Vivienne Westwood y Rick Owens para sugerir un gusto por la ropa más funky, más "underground". Después del estreno de la película, algunos de los estilos que eligió Field se hicieron populares, para diversión de los cineastas.

Tucci elogió la habilidad de Field para crear conjuntos que no sólo eran elegantes sino que lo ayudaron a desarrollar su personaje:

Ella se sienta allí con su cigarrillo y su pelo, y ella tiraría cosas —estos elementos muy dispares— y los juntaba en este conjunto, y tú irías, "Vamos, Pat, no puedes usar eso con eso". Ella diría: "Eh, pruébalo". Así que lo ponías, y no sólo funcionaba, sino que funciona en muchos niveles diferentes, y te permite averiguar quién es el tipo. Esos trajes logran exactamente lo que estaba tratando de lograr. Hay inflamancia, hay riesgo real, pero cuando entre en la habitación, no es llamativo. En realidad es muy sutil. Míralo y ve, "esa camisa, esa corbata, esa chaqueta, ese chaleco? ¿Qué?" Pero funciona.

Encontró una corbata de Dries van Noten que llevaba durante la película que le gustaba y se la quedó.

Después de recorrer algunas oficinas de revistas de moda reales, Jess Gonchor le dio a las oficinas de Runway un aspecto limpio y blanco que sugería un estuche de maquillaje ("los beiges y blancos castos de la autoridad impenetrable", lo llamó Denby). La oficina de Miranda tiene algunas similitudes importantes con la oficina real de Anna Wintour, hasta un espejo octogonal en la pared, fotografías y un arreglo floral en el escritorio. Gonchor le dijo más tarde a Women's Wear Daily que había basado el decorado en una foto de la oficina de Wintour que encontró en Internet; la similitud llevó a Wintour a redecorar su oficina después del estreno de la película. En 2021, Frankel dijo que Gonchor había logrado colarse en las oficinas de Vogue para echarle un vistazo a Wintour. "Lo consiguieron muy, muy cerca", dijo Weisberger.

Gonchor incluso eligió fondos de pantalla separados para resaltar diferentes aspectos del personaje de Blunt y Hathaway: el Arco del Triunfo de París en el de Blunt sugiere sus aspiraciones de acompañar a Miranda a los desfiles allí, mientras que la imagen floral en el de Andy sugiere las cualidades naturales y modestas que muestra al comienzo de su mandato en la revista. Para la foto de Andy con sus padres, Hathaway posó con su propia madre y David Marshall Grant. Los gemelos Dengel recordaron que les preguntaban todos los días durante tres años seguidos si las copias anticipadas de Harry Potter eran reales; para su gran decepción, no lo eran y, de hecho, eran "todo un galimatías". Finalmente, las subastaron por $586 en eBay, junto con varias prendas utilizadas en la película, para beneficiar a Dress for Success, una organización benéfica que proporciona ropa de negocios para ayudar a las mujeres a hacer la transición a la fuerza laboral.

• El edificio de la Avenida 1221 de las Américas de la Sexta Avenida fue utilizado para los exteriores y el vestíbulo de la sede de Elias-Clarke.
• El Runway oficinas son corredores parciales en el edificio vecino Fox y conjuntos parciales.
• La cafetería Elias-Clarke es la de la oficina de Reuters en Manhattan.
• El apartamento de Nate y Andy está en el Lower East Side.
• Andy entra en el metro en la estación de Spring Street y sale en la calle 51, ambos en la línea Lexington Avenue.
• Bubby's, el restaurante Nate trabaja en (y donde Andrea, Doug y Lily cenan en ocasiones) está en TriBeCa.
• Se utilizaron el filete Smith & Wollensky y su cocina.
• El showroom de Calvin Klein se utiliza en las escenas eliminadas.
• El estudio de Holt es un loft usado por un diseñador real.
• El Museo Americano de Historia Natural fue utilizado para el exterior del beneficio del museo, mientras que el vestíbulo de uno de los juzgados Foley Square se utiliza para el interior.
• El adosado sacerdotal está en el Upper East Side y pertenece a un amigo de Finerman. Tenía que estar vestida en breve aviso después de que otro no se pudiera utilizar.
• Christian da Andy el inédito Harry Potter manuscrito en el St. Regis Hotel King Cole Bar.
• El tren Amtrak los gemelos están subiendo por el río Hudson en Haverstraw Bay.
• Streep sale de su limusina, supuestamente en París, en la calle 77 y Central Park West.
• El New York Mirror sala de noticias donde Andy se contrata al final de la película es el del ahora-defunct New York Sun.
• El café donde Andy se disculpa con Nate fue el Mayrose en 920 Broadway (cerca del Edificio Flatiron), que desde entonces ha cerrado. En su sitio está una tienda Flying Tiger Copenhagen.

El equipo estuvo en París sólo dos días y sólo utilizó exteriores. Streep no viajó.

• La fuente en la que Andy lanza su teléfono está en la Place de la Concorde.
• Todos los interiores del hotel son en realidad el St. Regis en Manhattan. Los espectáculos de moda fueron filmados en un escenario de sonido en Queens. Del mismo modo, el hotel de Christian es el Hotel W en Times Square.

Mark Livolsi se dio cuenta, al igual que McKenna, de que la película funcionaba mejor cuando se centraba en la historia de Andrea y Miranda. Por ello, cortó varias escenas principalmente de transición, como la entrevista de trabajo de Andrea y el viaje del personal de Runway al estudio de Holt. También eliminó una escena al principio en la que Miranda felicita a Andrea. Al revisarlas para el DVD, Frankel admitió que ni siquiera las había visto antes, ya que Livolsi no las incluyó en ninguna copia que envió al director.

Frankel elogió a Livolsi por hacer que los cuatro montajes clave de la película (los créditos iniciales, el lanzamiento del abrigo de Miranda, el cambio de imagen de Andrea y la introducción de París) funcionaran. El tercero fue particularmente desafiante, ya que utiliza autos que pasan y otros obstáculos para cubrir los cambios de atuendo de Hathaway. Algunas escenas también se crearon en la sala de edición, como la recepción en el museo, donde Livolsi intercaló imágenes B-roll para mantener la acción fluida.

En 2021, McKenna calculó que había aprobado 10 millones de dólares en escenas cortadas. Se eliminó una escena inicial en la que Andy va al edificio equivocado de camino a su entrevista para que la historia comenzara más rápido. La escena en la que se pierde el cumpleaños de Nate originalmente era más elaborada, ya que se suponía que la pareja se encontraría con sus amigos en un concierto, pero resultó ser demasiado caro, por lo que se escribió la escena con la magdalena en su lugar. "Tuvimos muchas versiones de eso". Y se filmó un final alternativo para el arco de la pareja, donde tienen la misma conversación sobre el futuro de su relación mientras corren por el parque, pero se reemplazó con la escena menos optimista en el restaurante.

McKenna también había estado dispuesta a cortar la línea "Florals... for spring. Groundbreaking" de Miranda, pero Frankel la mantuvo.

El compositor Theodore Shapiro recurrió en gran medida a la guitarra y la percusión, con el apoyo de una orquesta completa, para captar un sonido urbano contemporáneo. Finalmente, escribió 35 minutos de música para la película, que fueron interpretados y grabados por la Hollywood Studio Symphony, dirigida por Pete Anthony. Su trabajo se equilibró con canciones de U2 ("City of Blinding Lights", Miranda y Andy en París), Madonna ("Vogue" y "Jump", el montaje de moda de Andrea y su primer día en el trabajo, respectivamente), KT Tunstall ("Suddenly I See", montaje femenino durante los créditos iniciales), Alanis Morissette ("Crazy", sesión de fotos en Central Park), Bitter:Sweet ("Our Remains", Andy recoge los bocetos de James Holt para Miranda; Bittersweet Faith, la exposición de arte de Lily), Azure Ray ("Sleep", tras la ruptura de su relación con Nate), Jamiroquai ("Seven Days in Sunny June", Andy y Christian se conocen en James La fiesta de Holt), entre otras. Frankel había querido utilizar "City of Blinding Lights" en la película después de haberla utilizado como banda sonora para un montaje de vídeo de escenas de París que había montado después de buscar localizaciones allí. Del mismo modo, Field había abogado con la misma fuerza por "Vogue".

El álbum de la banda sonora fue lanzado el 11 de julio de 2006 por Warner Music. Incluye la mayoría de las canciones mencionadas anteriormente, así como una serie de temas de Shapiro. Entre las canciones que no se incluyen se encuentra "Suddenly I See", una omisión que decepcionó a muchos fans.

En un principio, la intención era convencer a Fox de que financiara algunas grabaciones en París, pero el vídeo promocional de Frankel llevó al estudio a darle un impulso de marketing más fuerte a la película. Aplazó la fecha de estreno de febrero al verano, programándola como una alternativa más ligera que el público podría considerar a Superman Returns a fines de junio de 2006, y comenzó a posicionarla como una película de eventos en sí misma.

Dos decisiones del departamento de marketing del estudio que se suponía que serían preliminares terminaron siendo fundamentales para promocionar la película. La primera fue la creación del tacón de aguja rojo que terminaba en una horca como póster promocional de la película. Tuvo tanto éxito y fue tan eficaz, que se volvió casi "icónico" (en palabras de Finerman), que también se utilizó para el póster de estreno. Se convirtió en una marca y, con el tiempo, se utilizó en todos los medios relacionados con la película: la reimpresión de la novela, la banda sonora y las portadas del DVD también.

El estudio también armó un tráiler con escenas e imágenes de los primeros tres minutos de la película, en los que Andy conoce a Miranda por primera vez, para utilizarlo en preestrenos y festivales de cine hasta que pudieran crear un tráiler más estándar basado en toda la película. Pero, una vez más, esto resultó tan efectivo con el público inicial que se mantuvo como tráiler principal, ya que creó anticipación para el resto de la película sin revelar nada.

Gabler le da crédito al equipo de marketing del estudio por ser "realmente creativo". Fox vio la película como una "contraprogramación" el fin de semana en que se estrenó Superman Returns. Si bien sabían que el material y Hathaway ayudarían a atraer a una audiencia femenina más joven que no estaría tan interesada en ver esa película, "no queríamos que pareciera simplemente una película para mujeres que se estrena".

El diablo viste de Prada recibió críticas mayoritariamente positivas de los críticos. En Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación del 75% basado en 195 críticas, junto con una calificación promedio de 6.7/10. El consenso de los críticos del sitio web dice: "Una película poco común que supera la calidad de su novela original, este Diablo es una ingeniosa exposición de la escena de la moda de Nueva York, con Meryl Streep en su mejor forma y Anne Hathaway más que a la altura". En Metacritic, la película tiene una puntuación media ponderada de 62 sobre 100, basada en 40 críticos, lo que indica "críticas generalmente favorables". El público encuestado por CinemaScore le dio a la película una calificación promedio de "B" en una escala de A+ a F.

Las primeras críticas de la película se centraron principalmente en la actuación de Streep, elogiándola por hacer que un personaje extremadamente antipático fuera mucho más complejo de lo que había sido en la novela. "Con su pelo plateado y su piel pálida, su dicción susurrante tan perfecta como su postura, la Miranda de Streep inspira tanto terror como una medida de asombro", escribió A. O. Scott en The New York Times. "Ya no es simplemente la encarnación del mal, sino una visión de la gracia aristocrática, decidida y sorprendentemente humana".

David Edelstein, en la revista New York, criticó la película como "floja", pero elogió a Streep por su "fabulosa interpretación minimalista". J. Hoberman, antiguo colega de Edelstein en The Village Voice, calificó la película como una mejora respecto del libro y dijo que Streep era "la villana más aterradora, más matizada y más divertida desde la Bruja Blanca nazificada de Tilda Swinton en Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario".

Blunt también recibió críticas favorables. "Tiene muchas de las mejores líneas de la película y roba casi todas las escenas en las que aparece", escribió Clifford Pugh en el Houston Chronicle. Otros críticos y seguidores coincidieron. Si bien todos los críticos estuvieron de acuerdo con Streep y Blunt, señalaron otras debilidades, particularmente en la historia. Los críticos familiarizados con la novela de Weisberger coincidieron con su opinión de que el guión de McKenna la mejoraba mucho. Una excepción fue Angela Baldassare de The Microsoft Network Canada, quien sintió que la película necesitaba más de la maldad que otros le habían dicho que abundaba en la novela.

David Denby resumió esta respuesta en su crítica para la revista New Yorker: "El diablo viste de Prada cuenta una historia conocida y nunca va mucho más allá de lo que tiene que contar. Aun así, ¡qué superficie!". Las reacciones a la actuación de Hathaway no fueron tan unánimes como las de muchas de sus coprotagonistas. Denby dijo que "sugiere, con tan solo una mirada de soslayo y despavorida, lo que Weisberger tarda páginas en describir". Mientras que Baldassare dijo que "apenas llevaba la carga".

Algunos medios de comunicación permitieron que sus periodistas de moda actuales o anteriores opinaran sobre el grado de realismo de la película. Sus respuestas variaron ampliamente. Booth Moore, de Los Angeles Times, reprendió a Field por crear una "fantasía de moda refinada que poco tiene que ver con la realidad", un mundo que refleja lo que los forasteros piensan que es la moda en lugar de lo que la industria es en realidad. A diferencia de la película, en su experiencia, los amantes de la moda eran menos propensos a usar maquillaje y más propensos a valorar los estilos de vestir más atrevidos (que no incluirían anillos para los dedos del pie). "Si quieren un documental, pueden ver History Channel", replicó Field. La escritora de moda Hadley Freeman, de The Guardian, también se quejó de que la película estaba inundada del sexismo y los clichés que, para ella, acosan a las películas sobre moda en general.

Pero Charla Krupp, editora ejecutiva de SHOP, Inc., escribió: "Es la primera película que he visto que lo logra... [Tiene] los matices de la política y la tensión mejor que cualquier otra película, y las puñaladas por la espalda y la adulación". Joanna Coles, editora de la edición estadounidense de Marie Claire, estuvo de acuerdo:

La película brilla brillantemente un tipo particular de joven que vive, respira, piensa la moda sobre todo... esas jóvenes que están dispuestas a morir en lugar de ir sin la última bolsa de Muse de Yves Saint Laurent que cuesta tres veces su salario mensual. También es preciso en su comprensión de la relación entre el editor en jefe y el asistente.

Ginia Bellefante, ex reportera de moda de The New York Times, la calificó como "fácilmente la representación más fiel de la cultura de la moda desde Unzipped (1995)" y le dio crédito por mostrar la forma en que la moda había cambiado a principios del siglo XXI. Su colega Ruth La Ferla encontró una opinión diferente de los expertos de la industria después de una proyección especial de preestreno. La mayoría consideró que la moda en la película era demasiado segura y la belleza demasiado exagerada, más en sintonía con los años 80 que con los 2000. "Mi trabajo es presentar un entretenimiento, un mundo que la gente pueda visitar y hacer un pequeño viaje", respondió Field.

En su fin de semana de estreno, el 30 de junio, justo antes del feriado del Día de la Independencia, la película se exhibió en 2.847 pantallas. Hasta ese domingo 2 de julio, recaudó 27 millones de dólares, superada sólo por la película de gran presupuesto Superman Returns, rompiendo el récord de seis años de El patriota de la mayor recaudación por una película estrenada ese fin de semana festivo que no ganó el fin de semana; un récord que se mantuvo hasta que Ice Age: Dawn of the Dinosaurs lo rompió en 2009.

Durante su primera semana, recaudó 13 millones de dólares. Este éxito llevó a Fox a sumar 35 salas más el fin de semana siguiente, la distribución nacional más amplia que tuvo la película. Aunque nunca fue la película más taquillera de ninguna semana, se mantuvo entre las 10 primeras hasta julio. Su exhibición en cines continuó hasta el 10 de diciembre, poco antes del lanzamiento en DVD.

"El marketing principal estaba dirigido sin duda a las mujeres", recuerda Gabler, "pero los hombres no se resistieron a ir al cine". Ella sintió que los espectadores masculinos respondieron favorablemente a la película porque buscaban echar un vistazo al mundo de la moda y porque Miranda "era agradable de ver". La fecha de estreno ayudó a generar el boca a boca cuando las personas que la habían visto la comentaron en las reuniones de vacaciones. "Hablaban de ella, como si fuera un libro de lectura de verano", dijo Gabler.

La película tuvo un gran éxito en los cines, recaudando casi 125 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá y más de 326 millones de dólares en todo el mundo, un récord personal para las tres actrices más destacadas en ese momento. Streep la superaría dos años después con Mamma Mia, mientras que Hathaway la superaría en 2010 con Alicia en el país de las maravillas. Blunt no volvería a actuar en una película más taquillera hasta 2014 con Al filo del mañana.

También fue la película de Tucci con mayor recaudación hasta Capitán América: El primer vengador (2011).

Anna Wintour asistió al estreno de la película en Nueva York vestida de Prada. Su amiga Barbara Amiel informó que poco después dijo que la película se estrenaría directamente en DVD. McKenna dijo más tarde que Wintour y su hija Bee se sentaron frente a ella y Frankel. Esta última, recuerda McKenna, no dejaba de decirle a su madre que la película tenía muchas cosas bien hechas.

En una entrevista con Barbara Walters que se emitió el día del lanzamiento del DVD, calificó la película de "realmente entretenida" y dijo que apreciaba la naturaleza "decisiva" de la interpretación de Streep. "Todo lo que hace que la moda sea entretenida, glamurosa e interesante es maravilloso para nuestra industria. Así que la apoyé al 100 por ciento". Streep dijo que Wintour estaba "probablemente más molesta por el libro que por la película". La popularidad de Wintour se disparó después de su interpretación en El diablo viste de Prada. Streep dijo que no basó su personaje en El diablo viste de Prada en Anna Wintour, sino que dijo que se inspiró en hombres que había conocido anteriormente: "Desafortunadamente no hay suficientes mujeres en el poder, o al menos yo no las conozco, para copiar".

Frankel cree que Wintour puede que todavía guarde algún resentimiento hacia la película. Unos años más tarde, volvió a sentarse detrás de ella en un torneo de tenis en Miami y después se presentó. Cuando le dijo que había dirigido El diablo viste de Prada, recuerda, ella retiró la mano del apretón de manos.

Al final de una función de 2024 de Gutenberg! The Musical!, Wintour interpretó a la productora (un papel secundario que se le da a una celebridad diferente cada noche) que ofrece a las estrellas Josh Gad y Andrew Rannells un contrato para producir el musical que han estado desarrollando a lo largo del espectáculo. Presentó a Hathaway como su asistente, quien dijo: "¿Todavía?".

La novela de Weisberger ha sido traducida a 37 idiomas diferentes, lo que le ha dado a la película un gran potencial de audiencia extranjera. La taquilla internacional representaría en última instancia el 60% de la recaudación de la película. "Hicimos nuestro estreno europeo en el Festival de Cine de Venecia", dice Gabler, donde los gondoleros de la ciudad llevaban camisetas rojas con el logotipo de la película. "Mucha gente de todo el mundo quedó cautivada por el mundo de la moda brillante. Era sexy e internacional".

El diablo viste de Prada encabezó las listas en su primer gran fin de semana de estreno europeo el 9 de octubre, después de un fuerte estreno en septiembre en Oceanía y Latinoamérica. Sería la película más taquillera ese fin de semana en el Reino Unido, España y Rusia, recaudando 41,5 millones de dólares en total. La película continuó con buenos fines de semana en su estreno en el resto de Europa, lo que la ayudó a permanecer en lo más alto de las listas extranjeras durante el resto del mes. A finales de año, sólo quedaba su estreno en China; se estrenó en el país a finales de febrero de 2007 y recaudó 2,4 millones de dólares.

La mayor parte de los 201,8 millones de dólares de recaudación total en taquilla internacional provino del Reino Unido, con 26,5 millones. Alemania ocupó el segundo lugar, con 23,1 millones, seguida de Italia con 19,3 millones y Francia con 17,9 millones. Fuera de Europa, la taquilla japonesa fue la más alta, con 14,6 millones, seguida de Australia, con 12,6 millones.

La mayoría de las críticas de la prensa internacional se hicieron eco de las respuestas nacionales, elogiando a Streep y a los otros actores, pero de manera similar, calificando la película en su conjunto de "predecible". Peter Bradshaw de The Guardian, que encontró la película "moderadamente entretenida", criticó a Blunt y la calificó de "verdadera decepción... forzada y torpe". En The Independent, Anthony Quinn dijo que Streep "puede que nos haya dado un clásico aquí" y concluyó que la película en su conjunto era "tan vivaz y jugosa como un chicle fresco".

En la mayoría de los mercados, el título se mantuvo sin cambios; se utilizó el logotipo y el nombre en inglés o se realizó una traducción al idioma local. En América Latina, hubo excepciones en Chile, Colombia, Ecuador, México y Venezuela, donde se titula El diablo que viste Prada y El diablo se viste a la moda, respectivamente.

En polaco, el título es Diabeł ubiera się u Prady, que se traduce aproximadamente como "el diablo se viste de Prada" o "en Prada’s", en lugar del literal "el diablo viste de Prada".

En italiano, el título es Il diavolo veste Prada, que literalmente significa "el diablo viste de Prada".

En turco, el título es Şeytan Marka Giyer, que se podría traducir como "el diablo viste de marca" o "marcas". En rumano, el título es Diavolul se îmbracă de la Prada, que significa aproximadamente "el diablo se viste de Prada", y la misma construcción se repite de manera similar en el título francés, Le Diable s'habille en Prada ("el diablo se viste de Prada").

The Japanese version is titled プラダを着た悪魔 which translates to "the devil wearing Prada".

Tres meses después del estreno de la película en Norteamérica (octubre de 2006), Frankel y Weisberger aceptaron conjuntamente el primer premio Quill de la revista Variety Blockbuster Book to Film. Un comité de miembros del personal de la revista hizo las nominaciones y eligió al ganador del premio. El editor Peter Bart elogió ambos trabajos.

El diablo Wears Prada es una película dirigida enérgicamente, perfecta que ha sorprendido a algunos de la industria con sus patas de oficina. Ha encantado el país, al igual que el libro de Lauren Weisberger, que sigue siendo fuerte en varias listas nacionales de bestseller.

La película fue reconocida por la National Board of Review como una de las diez mejores del año. El American Film Institute le otorgó un reconocimiento similar.

La película recibió una gran atención de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood cuando se anunciaron sus nominaciones al Globo de Oro en diciembre. La película en sí misma competía por la Mejor Película (Comedia/Musical) y la Mejor Actriz de Reparto (por Blunt). Streep ganó más tarde el Globo de Oro a la Mejor Actriz (Musical/Comedia).

En enero de 2007, los compañeros de Streep en el Sindicato de Actores de Cine también la nominaron como Mejor Actriz. Cuatro días después, en los premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine, Streep ganó el premio a la Mejor Actriz de Reparto por su trabajo en Devil y A Prairie Home Companion. McKenna recibió una nominación al premio del Sindicato de Guionistas de Estados Unidos al Mejor Guion Adaptado.

Cuando la Academia Británica de Cine y Televisión anunció sus nominaciones para 2006, Blunt, Field, McKenna y Streep figuraban entre las nominadas. Las maquilladoras y peluqueras Nicki Ledermann y Angel de Angelis también estaban nominadas.

A finales de enero, Streep recibió su 14.ª nominación al Oscar a la mejor actriz, lo que amplió su récord de 13 nominaciones para un actor, hombre o mujer. Field también recibió una nominación a mejor diseño de vestuario. Ninguna de las dos ganó, pero Blunt y Hathaway presentaron el último premio mencionado, divirtiendo al público al meterse en sus personajes durante unas cuantas líneas, preguntando nerviosamente quién de ellas le había traído su capuchino a Streep. Streep siguió el juego con una expresión severa antes de sonreír.

El éxito de la película dio lugar a la propuesta de una serie dramática estadounidense, que no se llevó a cabo, que competía por emitirse en la temporada de televisión 2007-2008 en Fox. La iba a producir Fox Television Studios, con una premisa adaptada a los límites de una comedia dramática tradicional de media hora o una hora con una sola cámara. Sin embargo, nunca se llegó al punto de producir siquiera un episodio piloto.

Con el lanzamiento del video se renovó el interés por la novela de Weisberger. Se ubicó en el octavo lugar de la lista de los libros más vendidos de 2006 de USA Today y fue el segundo libro más prestado en las bibliotecas estadounidenses. La versión en audiolibro se lanzó en octubre de 2006 y rápidamente llegó al tercer lugar en la lista de los libros de ficción más vendidos de ese medio.

El DVD salió al mercado el 12 de diciembre de 2006 y, además de la película, contiene los siguientes extras:

• Comentarios de audio de Frankel, editor Mark Livolsi, Field, guionista Aline Brosh McKenna, productor Wendy Finerman y cinematógrafo Florian Ballhaus.
• Un carrete de cinco minutos con, entre otros disparos, bromas involuntarias de Hathaway debido a los tacones altos que tenía que usar. También incluye gag shots como un tripulante tripulante en ropa suelta que camina a lo largo de la pista en el programa de moda, y Streep anunciando "Tengo algunas fotografías desnudas para mostrarte" en la escena del brunch de París. A diferencia de la mayoría de los carretes hinchables, no es una colección de tomas secuenciales sino más bien un montaje de ritmo rápido fijado a la música de la película con muchos tiros de backstage y una captura de pantalla dividida que permite al espectador comparar el tiro real con el hincha. Los muchos tiros de actores que tocan sus narices son, Rich Sommer dice, un juego jugado para atribuir la culpa por las tomas arruinadas.
• Cinco filetes
  • "Trip to the Big Screen", un vistazo de 12 minutos a la preproducción de la película, discutiendo los cambios hechos de la novela, cómo Frankel fue elegido para dirigir y otros temas.
  • "NYC and Fashion", un vistazo a la verdadera escena de moda de Nueva York y cómo se presenta en la película.
  • "Fashion Visionary Patricia Field", un perfil del diseñador de disfraces de la película.
  • "Getting Valentino", cubriendo cómo el diseñador fue persuadido a aparecer como él mismo en la película.
  • "Boss del Infierno", un corto segmento sobre los superiores difíciles y oscuros como Sacerdote.
• Quince escenas eliminadas, con comentarios de Frankel y Livolsi disponibles (ver abajo).
• El tráiler teatral, y puntos promocionales para el álbum de banda sonora y otras versiones.

También hay subtítulos disponibles en francés y español. El DVD está disponible en versiones de pantalla completa y de pantalla panorámica. Se agregaron imágenes del elenco y el lema "Hell on Heels" a la imagen del tacón rojo para la portada. Se lanzó en el Reino Unido el 5 de febrero de 2007.

Simultáneamente con el DVD se lanzó un Blu-ray de la película. El Blu-ray mantiene las mismas características que el DVD; sin embargo, se eliminaron los featurettes y se reemplazaron por una pista de trivia con subtítulos que aparece en la pantalla y que se puede ver sola o junto con el comentario de audio.

Inmediatamente después de su estreno el 12 de diciembre, se convirtió en la película más vendida en Estados Unidos. Se mantuvo en ese puesto hasta finales de año, sumando otros 26,5 millones de dólares a la recaudación total de la película; a finales de marzo, salió del top 50, con una recaudación que casi se duplicó. La semana siguiente debutó en las listas de ventas de DVD en tercera posición. A finales de 2007, había vendido casi 5,6 millones de unidades, por un total de 94,4 millones de dólares en ventas.

Entre las escenas eliminadas hay algunas que aportaban más información de fondo a la historia, con comentarios disponibles del editor y el director. La mayoría fueron eliminadas por Livolsi para mantener la trama centrada en el conflicto entre Miranda y Andrea, a menudo sin consultar a Frankel.

Frankel, en general, aprobó las decisiones de su editor, pero discrepó en una escena, en la que se mostraba a Andy haciendo recados en la sala de exposiciones de Calvin Klein. Consideró que esa escena mostraba que el trabajo de Andrea era más que hacer recados personales para Miranda.

Una versión diferente de la escena de la gala fue objeto de una discusión en Twitter en 2017 cuando fue redescubierta por Spencer Althouse, el administrador de la comunidad de BuzzFeed. En ella, en lugar de que Andy le recuerde a Miranda el nombre de un invitado después de que Emily, enferma, no pueda recordarlo, aparece el esposo de Miranda y hace comentarios groseros no solo a su esposa sino también a Ravitz, el director de Elias-Clark. Andy se gana un silencioso "gracias" de Miranda cuando ella ayuda a evitar que la confrontación se intensifique al desviar la atención de Ravitz con una pregunta propia.

Althouse y muchos de los otros participantes del hilo no estuvieron de acuerdo en si se debería haber usado; aquellos que dijeron que se cortó correctamente creían que hubiera estado fuera de lugar para Miranda en ese punto de la película. Todos estuvieron de acuerdo, como escribió Glamour, en que "[e]ste breve intercambio habría cambiado por completo la película".

En 2016, cerca del décimo aniversario del estreno de la película, Vanity Fair hizo un resumen de algunos resultados de taquilla del fin de semana del Día de la Independencia de los últimos 15 años, y destacó cómo algunas películas más recordadas habían sido superadas por películas que no han resistido la prueba del tiempo. La revista calificó la victoria de Superman Returns sobre El diablo viste de Prada como la "más irónica" de estas victorias. "[E]l grado en el que El diablo viste de Prada ha penetrado en la cultura pop no necesita explicación, al igual que el grado en el que Superman Returns no lo hizo".

Las opiniones de los actores sobre por qué la película ha perdurado difieren. Hathaway dijo a Variety que cree que muchas personas se identifican con la situación de Andy de trabajar para alguien que parece imposible de complacer. "Todo el mundo ha tenido una experiencia así". Tucci no creyó que fueran necesarias explicaciones específicas. "Es una película jodidamente brillante... Las películas brillantes se vuelven influyentes, sin importar de qué se traten".

En su artículo de aniversario, Variety argumentó que había beneficiado a sus tres actrices principales. Además de la nominación al Oscar que batió récords, la revista observó que había demostrado que ella podía ser un atractivo de taquilla por sí sola, lo que le abrió las puertas para ser elegida como protagonista en películas posteriores del verano como Mamma Mia! (2008) y Julie & Julia (2009). Para Hathaway, fue su primer papel protagonista en una película destinada a un público adulto. Los productores posteriores quedaron impresionados de que se hubiera mantenido a la altura de las circunstancias actuando junto a Streep, lo que finalmente la llevó a ser elegida para papeles más serios como Rachel Getting Married (2008) y Les Misérables (2012), por la que ganó un Oscar. "Creo que lo que la gente vio fue prometedor; hizo que la gente quisiera ver más".

Hathaway cree que la carrera de Blunt despegó gracias a su papel. "Nunca había presenciado el nacimiento de una estrella", dice Hathaway. "Es la primera vez que lo veo". Blunt coincide en que fue "un cambio radical" para ella: el día después del estreno de la película, según le dijo a Variety, el personal de la cafetería a la que iba a desayunar todas las mañanas en Los Ángeles la reconoció de repente. Incluso diez años después, la gente todavía le cita sus líneas de la película al menos una vez a la semana, dice.

"[La película] definitivamente allanó el camino para que los cineastas y distribuidores del mundo supieran que había un público femenino muy fuerte", recuerda Gabler, uno que no estaba segmentado por edad. Señaló películas posteriores, como Mamma Mia!, 27 vestidos (2008) (escrita por McKenna) y Yo antes de ti (2016), que le parecieron intentar replicar el éxito de El diablo viste de Prada con ese grupo demográfico. Sin embargo, Gabler siente que no lo hicieron tan bien. "Prada me recuerda a películas que no tenemos en abundancia ahora; me recuerda a películas clásicas que tenían mucho más que un tipo de trama... Uno siempre quiere encontrar algo que pueda tocar el mismo espíritu de la época que esta película".

Para Streep, lo más significativo de la película fue que "fue la primera vez, en cualquier película que haya hecho, que los hombres se me acercaron y me dijeron: 'Sé cómo te sentiste, esto es como mi vida'". Para mí, eso fue lo más innovador de El diablo viste de Prada: atrajo a los hombres a un nivel visceral", le dijo a Indiewire.

La película ha tenido un impacto duradero en la cultura popular. Aunque no se eligió una serie de televisión basada en ella, en los años posteriores a su estreno, Los Simpson titulaban un episodio "El diablo viste de nada" y parodiaban algunas escenas. La versión estadounidense de The Office comenzó un episodio con Steve Carell como Michael Scott imitando a Miranda después de ver la película en Netflix. En el episodio 18 de la temporada 14 de Keeping Up with the Kardashians, Kris Jenner se vistió como Miranda, canalizando su personaje de "Boss Lady". En 2019, los informes de que la senadora de Minnesota Amy Klobuchar, que entonces buscaba la nominación presidencial demócrata para las elecciones de 2020, maltrató a su personal y les hizo demandas irrazonables llevaron a algunos escritores a invocar a Miranda como punto de referencia.

En 2008, The New York Times escribió que la película había definido la imagen de un asistente personal en la mente del público. Siete años después, Francesca Mari, de Dissent, escribió sobre la "economía del asistente", en la que muchos profesionales creativos dependen de trabajadores con ese título para que realicen tareas personales y profesionales menores para ellos; señaló a El diablo viste de Prada como la historia más conocida de la asistencia. El año siguiente, al escribir sobre un cambio propuesto en las regulaciones federales de horas extra de Estados Unidos que se consideró una amenaza para esa práctica, el Times lo llamó la "economía del diablo viste de Prada", un término que también utilizaron otros medios de comunicación.

En el décimo aniversario de la película, Alyssa Rosenberg escribió en The Washington Post que Miranda anticipó a las antiheroínas femeninas de las series de televisión populares de finales de los años 2000 y 2010, como Olivia Pope y Cersei Lannister de Scandal en Game of Thrones. Al igual que ellas, observa, Miranda asume con competencia una posición de autoridad que a menudo ocupan los personajes masculinos, a pesar de sus fallas morales, que debe defender contra los intentos de usar su vida personal para sacarla de ella, para "probar, como criatura de sentimientos, que nunca perteneció allí en primer lugar". Al hacerlo, por muy exitoso que haya sido para ella misma y para los demás, "se ha adaptado a una vida tan reglamentada y limitada como una falda tubo ajustada".

Cinco años después, la revista Harper's Bazaar adoptó una perspectiva diferente. Mekia Rivas criticó la descripción que la película hace de la relación entre Miranda y Andy, ya que refuerza la falsa creencia de que, dado que una mujer joven solo puede tener una oportunidad laboral, debe aprovecharla sin importar lo que tenga que soportar de su jefe. En el momento del estreno de la película, las "girlbosses" personificadas por Miranda habían sido vistas como potencialmente revolucionarias en el lugar de trabajo, señaló. Pero la idea había sido desacreditada desde entonces por ejemplos de la vida real de mujeres como Elizabeth Holmes y Steph Korey, que dirigían empresas donde los trabajadores vivían con miedo de los temperamentos y caprichos de sus jefes. Rivas describió a Miranda como "una superior totalmente tóxica que, al final, estaba más interesada en mantener el status quo que en reinventarlo, a pesar de tener todo el poder y la autoridad para hacerlo". Ella quería que Andy creyera que decirle que no sería el fin de su carrera, aunque sabía que Andy tenía todo el potencial del mundo para triunfar sin ella ni sus contactos.

"Como muchos clásicos instantáneos, Prada se benefició de un timing perfecto", observó el artículo de 2016 de Variety, intentando explicar el atractivo duradero de la película. "Marcó el comienzo de la democratización de la industria de la moda, cuando las masas comenzaron a prestar atención al negocio de lo que vestían". El artículo atribuyó a la película el haber ayudado a despertar el interés en Ugly Betty, una adaptación estadounidense de la telenovela colombiana Yo soy Betty, la fea, que debutó meses después del estreno de la película.

A la película también se le atribuye el creciente interés en el documental de R.J. Cutler, The September Issue, que siguió a Wintour y otros editores de Vogue mientras preparaban el número para ese mes de 2007. Alison Herman, escribiendo en The Ringer sobre el décimo aniversario, observó que "El diablo viste de Prada" transformó la imagen de Wintour de la de una mera figura pública a la de un icono cultural". Alguna vez conocida principalmente como editora de moda, ahora era "toda una de las grandes jefas de la lista de las que te quejabas después de tres copas en la hora feliz, solo para ir obedientemente a buscar su café al día siguiente". En definitiva, la película había producido un cambio positivo en la imagen de Wintour, según Herman, "de un tirano vestido de chinchilla a un ídolo para la era posterior a Sandberg".

Cuando la película cumplió 10 años, el artículo de Variety de 2016 afirmaba: "[La caracterización] le mostró a Hollywood que nunca es prudente subestimar el valor de una mujer fuerte".

Miranda no ha sido el único personaje de la película que ha provocado una reacción negativa de los espectadores a lo largo del tiempo; Nate ha sido llamado el "verdadero villano" de la película, descrito como "no solo un novio inseguro, es crítico, tóxico y repulsivo". "Se burla de ella por su nuevo interés en la moda, trivializa la revista en la que trabaja y desestima su arduo trabajo", escribió Entertainment Weekly en 2017, recopilando algunos tuits y otras publicaciones de las redes sociales que criticaban al personaje. A muchos, como el autor de ese artículo, les resultó particularmente molesto que reprendiera a Andy por faltar a su fiesta de cumpleaños a pesar de que ella tenía una buena razón relacionada con el trabajo para su ausencia.

McKenna defendió al personaje. "Lo que la gente se fija es en que él está intentando limitar su ambición", dijo a EW. "Pero su ambición va hacia algo en lo que ella realmente no cree, así que tiene razón". Aunque admitió que parecía "quejoso" por su cumpleaños, McKenna también señaló que le dice a Andy más tarde que eso no era lo que realmente lo molestaba. Le dio crédito a Grenier por lo que admitió que fue un papel "ingrato", diciendo que capturó "ese verdadero novio de la universidad, ese tipo que es baterista en una banda genial, y juega rugby intramuros, y toca la guitarra, y tal vez tomó una clase de cerámica".

En el 15º aniversario de la película, Grenier opinó: "Cuando todo eso... salió por primera vez, no podía entenderlo". Finalmente, se dio cuenta de que tenía más cosas en común con el personaje en ese momento y, al igual que Nate, no había madurado del todo. "[Ahora], después de tomarme un tiempo para reflexionar y deliberar mucho en línea, puedo darme cuenta de la verdad en esa perspectiva... No pudo apoyarla como ella necesitaba porque era un niño frágil y herido".

Hathaway fue más indulgente.

No creo que todo el mundo esté siendo completamente honesto consigo mismo sobre su propia belleza. Nate era pouty en su cumpleaños porque su novia no estaba allí! En retrospectiva, estoy seguro de que desea que haya tomado una decisión diferente, pero ¿quién no? Todos hemos sido mocosos en diferentes puntos.

Andrew Joseph Pegoda, profesor de estudios de género de la Universidad de Houston, señala que la película nunca cuestiona la arbitrariedad e injusticia de los estándares de belleza femeninos, sino que los presenta como inmutables e incuestionables, incluso cuando las mujeres de la película parecen irritarse por ellos. Ve esto al principio, con "Suddenly I See" de Tunstall, cuya letra celebra el ideal de una mujer hermosa sobre imágenes de Andy y las otras mujeres que trabajan para Runway vistiéndose ("¿Cuándo hemos visto una película que reproduzca una canción donde se describan los estándares de belleza masculina?", pregunta). Incluso Miranda está enmarcada por la mirada masculina cuando se la ve por primera vez con solo sus piernas visibles. Lee la película como una sugerencia de que Andy consigue su trabajo en el Sun al final en parte debido a que ella presta más atención a su apariencia.

En 2013, Weisberger escribió una secuela, Revenge Wears Prada. Sin embargo, no parecía probable que se hiciera una versión cinematográfica de la película, ni ninguna secuela, ya que dos de las estrellas de la película no estaban ansiosas por hacerlo. Streep dijo que no está interesada en hacer una secuela de esta película, y aunque Hathaway dijo que estaría interesada en trabajar con la misma gente, tendría que ser "algo totalmente diferente".

En julio de 2024, se informó que Walt Disney Studios estaba iniciando el desarrollo de una secuela. Frankel estaba en conversaciones para volver como director, mientras que McKenna y Finerman estaban listos para escribir el guion y producir nuevamente, respectivamente.

En 2015, se informó que el productor de Broadway Kevin McCollum había firmado un acuerdo dos años antes con Fox para desarrollar algunas de las películas de su catálogo anterior en musicales para el teatro. Dos de las que expresó un interés particular fueron La señora Doubtfire (1993) y El diablo viste de Prada. A principios de 2017, McCollum anunció que, en asociación con Fox Stage Productions, estaba desarrollando una versión musical de El diablo viste de Prada (basada tanto en la película como en el libro). Sir Elton John y Shaina Taub escribirán la banda sonora y las letras del proyecto, y el dramaturgo Paul Rudnick, que había escrito algunas escenas iniciales para el guion, escribirá el libro y las letras. McCollum no dijo cuándo esperaba que se estrenara, pero esperaba que finalmente se representara en Broadway.

En julio de 2019, el espectáculo realizó su primera presentación exclusiva para la industria de la lectura inicial del espectáculo. Contó con la participación de Emily Skinner como Miranda, Krystina Alabado como Andy, Heléne Yorke como Emily y Mario Cantone como Nigel. No se ha anunciado ningún taller o prueba de teatro antes de la presentación prevista en Broadway.

A finales de septiembre se anunció un estreno para julio y agosto de 2020 en el Teatro James M. Nederlander de Chicago. Según el productor Kevin McCollum, para la directora Anna D. Shapiro, directora artística de la Steppenwolf Theater Company, también con sede en Chicago, era importante que el espectáculo se estrenara allí. Posteriormente se espera que el espectáculo haga su debut en Broadway; no se ha anunciado dónde ni cuándo.

• 2006 en película

• El Intern, 2000 comedia sobre un empleado de bajo nivel de trabajo y maltratado en una revista de moda de Nueva York
• Nadando con tiburones, película de 1994 protagonizada por Kevin Spacey como productor de películas tiránicas y Frank Whaley como su ayudante de cabecilla
• Ugly Betty es un programa de televisión sobre un asistente que trabaja para una revista de moda

Weisberger, Laura (2003). El diablo viste de Prada. Nueva York: Broadway Books. ISBN 0-7679-1476-7.

• El diablo viste Prada en IMD b
• El diablo viste Prada en AllMovie
• The Devil Wears Prada en Box Office Mojo
• El diablo Wears Prada en Metacrítica
• El diablo viste Prada en Rotten Tomatoes