El barco de esclavos

El barco de esclavos, originalmente titulado Los esclavistas arrojan por la borda a los muertos y moribundos: el tifón se acerca, es una pintura del artista británico J. M. W. Turner, exhibida por primera vez en la Royal Academy of Arts en 1840.

Esta obra, de 91 cm × 123 cm, está realizada en óleo sobre lienzo y actualmente se exhibe en el Museo de Bellas Artes de Boston. En este ejemplo clásico de una pintura romántica marítima, Turner representa un barco visible al fondo, navegando a través de un mar tumultuoso de aguas agitadas y dejando formas humanas dispersas flotando a su paso. Es posible que Turner se sintiera impulsado a pintar El barco de esclavos después de leer sobre el barco de esclavos Zong en La historia y la abolición de la trata de esclavos de Thomas Clarkson, cuya segunda edición se publicó en 1839. La primera exposición de la pintura en 1840 coincidió con las campañas abolicionistas internacionales. A medida que la pieza cambió de manos en los años siguientes, fue objeto de una amplia gama de interpretaciones contradictorias. Si bien la obra es generalmente admirada por sus espectaculares efectos atmosféricos, existen opiniones contradictorias sobre la relación entre su estilo y su temática.

En 1781, el capitán de un barco de esclavos que se dirigía a Jamaica, el Zong, había ordenado que 132 esclavos fueran arrojados por la borda cuando el agua potable se estaba agotando para poder cobrar los pagos del seguro; los esclavos que morían por causas naturales no estaban cubiertos por el seguro. Este incidente llegó a los tribunales y el juicio que siguió obtuvo una amplia atención pública, lo que generó apoyo para la abolición de la esclavitud. Aunque el juicio se consideró inconcluyente, fue un catalizador fundamental en el movimiento hacia la abolición británica y un momento que más tarde inspiró a Turner a retratar el incidente en El barco de esclavos.

Si bien el primer movimiento abolicionista británico organizado comenzó en 1727, el comercio de esclavos en el Imperio Británico no se abolió oficialmente hasta 1807 y la esclavitud misma se abolió en 1833. La abolición universal estaba entonces en el centro de la política después de la reforma británica. Los motivos del movimiento eran fundamentalmente humanitarios, pero los incentivos económicos también incitaban el deseo de terminar con este acto comercial en los países competidores.

J.M.W. Turner fue un conocido pintor de paisajes del siglo XIX nacido en Londres en 1775, muy valorado por su innovación estilística. Su formación en las artes fue extensa. Comenzó a estudiar en la Royal Academy a la edad de catorce años y adquirió experiencia adicional en dibujos topográficos y acuarela trabajando con el Dr. Thomas Monro, médico y alienista, desarrollando su interés por los paisajes y la aplicación distintiva de colores.

Debido a sus creencias liberales y su interés por los acontecimientos actuales, Turner estuvo directamente expuesto a las campañas y publicaciones de las sociedades antiesclavistas de su tiempo, la Sociedad para la Mitigación y la Abolición Gradual de la Esclavitud en los Dominios Británicos (1823-1838) y la Sociedad Antiesclavista Británica y Extranjera (fundada en 1839), que inevitablemente moldearon sus creencias abolicionistas. Como abolicionista, Turner sentía pasión por contribuir a las campañas de resistencia a la esclavitud en regiones internacionales, como en los Estados Unidos. La primera señal documentada de la contribución artística de Turner al movimiento antiesclavista ocurrió en 1828, cuando dedicó un grabado de su pintura El diluvio a un conocido abolicionista, John Joshua Proby. Doce años después, posiblemente después de haber sido informado sobre el incidente de Zong a través de la lectura de The History and Abolition of the Slave Trade de Thomas Clarkson, así como de la rebelión de Amistad y el posterior juicio en los Estados Unidos que fue noticia internacional, Turner se inspiró para describir estos horribles eventos en su obra The Slave Ship.

En 1840, se celebraron en Londres dos importantes convenciones internacionales contra la esclavitud: la de la "Sociedad General contra la Esclavitud" y la de la "Sociedad para la Extinción de la Trata de Esclavos y la Civilización de África". La exposición de Turner de "El barco de esclavos" en la Royal Academy of Arts coincidió con estas convenciones. Esta exhibición pública de un acontecimiento horroroso que recordaba a los espectadores el pasado de Gran Bretaña tenía como objetivo evocar una respuesta emocional al comercio inhumano de esclavos que todavía se producía en esa época en otras partes del mundo. Dado el contexto de su exposición inicial, es probable que la pintura se hubiera interpretado como un llamamiento político a la acción.

Cuando Turner expuso este cuadro en la Real Academia de las Artes en 1840, lo combinó con el siguiente extracto de su poema inacabado e inédito Falacias de la esperanza (1812):

"Arriba todas las manos, golpea las mastas y los balones;

Yon enojó el sol y las nubes feroces

Declara que viene el Typhon.

Antes de barrer sus cubiertas, tirar sobrebordo

Los muertos y los moribundos – ne'er atienden sus cadenas

Hope, Hope, ¡esperanza falsa!

¿Dónde está tu mercado ahora?"

La primera impresión que crea el cuadro es la de una enorme puesta de sol de un rojo intenso sobre un mar tempestuoso, indicio de la proximidad de un tifón. Este ominoso tifón se indica además con una nube de tormenta dramatizada que se acerca, arrastrándose hacia el espacio visible desde la izquierda, con sus ricos colores extendiéndose hacia un cielo sin manchas. Al observarlo más de cerca, se puede distinguir un barco que se aleja en la distancia. Este barco es identificable como un tipo de embarcación rápida utilizada por los esclavistas para escapar de las patrullas de la marina, caracterizado por sus "líneas bajas y esbeltas y su proa de clíper". Los mástiles del barco son rojos, a juego con el color rojo sangre del cielo y el color cobrizo enfermizo del agua, que sirve para difuminar las líneas entre los diversos objetos del cuadro. Las velas del barco están plegadas, lo que revela que se está preparando para el tifón.

En la esquina derecha del primer plano, una pierna de piel oscura sobresale del agua con una cadena de hierro alrededor de su tobillo. Se puede suponer que la figura es una mujer desnuda, ya que se puede encontrar una ilustración tenue de los pechos desnudos en la parte inferior de la imagen, debajo de la pierna. Un enjambre caótico de gaviotas y peces rodea la pierna, como si estuvieran devorando a la mujer; un pez, en particular, se muestra acercándose al frenesí con la boca bien abierta. Esta violencia se ve reforzada por manchas rojas sueltas alrededor de la cabeza del pez, lo que indica sangre. Miembros más pequeños y oscuros sobresalen del mar tormentoso a la izquierda, rodeados de cadenas sueltas, aludiendo a los numerosos otros esclavos que fueron arrojados del barco y abandonados para que se ahogaran. Se pueden observar colas de peces nadando en el agua alrededor de los esclavos que se están ahogando, lo que aumenta la agitación de la escena.

En consonancia con el énfasis que Turner pone en el color en muchas de sus otras obras, el cuadro se centra en las interacciones de los distintos colores. En la pintura aparecen pocas pinceladas definidas y los objetos, colores y figuras se vuelven indistintos. Los objetos se definen por colores en lugar de líneas definidas y algunos objetos, como los cuerpos humanos en el agua y la tormenta que se aproxima, que no tienen ningún borde real, se definen únicamente por el contraste con los pigmentos que los rodean. Los colores más destacados son el rojo del atardecer, que invade el agua y el barco, y el granate de los cuerpos y las manos de los esclavos. Este enfoque es característico del estilo pictórico de Turner, en el que suele exagerar los colores y omitir detalles para hacer que las formas sean más fluidas y sensacionales, provocando una respuesta emocional en el espectador. En la cúspide de su carrera, el estilo de Turner minimizaba los elementos de un paisaje y abstraía los detalles mediante formas y colores indistintos.

El énfasis de Turner en el color más que en el diseño es típico de muchas obras románticas de la época. Las formas indistintas y la omnipresencia del color rojo sangre de la puesta de sol sirven para ilustrar la idea de que la naturaleza es superior al hombre. Las intenciones de Turner se hacen más evidentes cuando se considera la pintura en relación con las circunstancias del incidente real de Zong, que no sucedió durante una tormenta sino en aguas tranquilas. Turner incluyó el tifón inminente y la puesta de sol para comentar las atrocidades del tráfico de esclavos. Otros colores en la pintura, como el azul frío del océano y las capas negras del agua, dan vida al movimiento agitado del océano y le dan al espectador una sensación de la naturaleza cataclísmica de la escena. La elección compositiva de retratar a los esclavos abandonados en los márgenes, en una escala reducida, y el barco negrero en el fondo distante, parcialmente oculto por la atmósfera brumosa, en favor del fascinante trabajo de color de la puesta de sol y el océano agitado, sirve además para disminuir el énfasis en la humanidad y transferirlo al poder abrumador de la naturaleza.

Al poner el énfasis en la naturaleza en lugar de en las figuras u objetos, Turner evoca el concepto de lo "sublime" desarrollado por Edmund Burke. La idea de lo sublime es la de la absoluta impotencia y el terror de la humanidad frente a la naturaleza; al dramatizar la fuerza de las olas y el sol, Turner utiliza "El barco de esclavos" para resumir la definición de Burke del término. La decisión de Turner de pintar la obra con una serie de pinceladas rápidas y frenéticas en lugar de líneas cuidadosamente definidas aumenta la intensidad de la pintura y sirve para hacer que el espectador se sienta aún más abrumado. Esta representación abstracta del paisaje dramatiza el poder absoluto de la naturaleza, capturando la atención del espectador y reduciendo los detalles identificativos de la masacre de los Zong. Los colores dinámicos y vivos de la tormenta que se mueve a través de un cielo indistinto y brillante evocan la autoridad y la agencia de la naturaleza. Las corrientes irregulares, diagonales y superpuestas del mar, que se confunden indistintamente con los tonos rojos oscuros del horizonte, crean un efecto desorientador, que hace que el espectador se sienta como si estuviera directamente en la entropía poderosa e inestable del mar abierto.

Turner también muestra elementos sublimes a través del terror y la violencia de los esclavos que se ahogan en el primer plano de la pieza. Este terror se ve reforzado por los tonos de rojo que rodean las extremidades que se agitan y las feroces criaturas marinas que se aprovechan de las víctimas sufrientes. Los objetos dispersos y los cuerpos desfigurados que flotan alrededor de las violentas olas contribuyen al caos visible de la escena.

Estos efectos sublimes en combinación con el tema de El barco de esclavos han suscitado diversas explicaciones. Según una interpretación, el tifón que se aproxima es un símbolo de la retribución divina que impide la inmoralidad del comercio de esclavos. Este sentimiento se ve reforzado visualmente en El barco de esclavos por el intimidante tifón que se aproxima, eclipsando al distante barco de esclavos. Esta interpretación se ve apoyada por la poesía abolicionista de la época, que incluye la intervención divina como una forma común de comentar la inevitable fatalidad del comercio de esclavos. El poema de Thomas Day, El negro moribundo, es un ejemplo representativo del tono común que compartían estos poemas en esa época, lo que probablemente influyó en la visión interpretativa de Turner del incidente de Zong:

"Gracias justo Dios! - La venganza todavía será mía;

Yon flashing relámpago dio el signo terrible,

Veo las llamas de la ira celestial hurld

Oigo que tus truenos sacuden un mundo culpable

El tiempo ha llegado la hora engordada está cerca,

Cuando la sangre sin culpa penetre en el cielo

Para los triunfos de África - su ira vengativa

Ninguna lágrima puede suavizar, y ninguna assuage de sangre.

Él golpea las olas temblantes, y en el choque

Sus flotas están en una roca.

Él ondea su dardo ardiente, y sus llanuras

En silencio de luto, reina la desolación."

Otra interpretación sostiene que el barco negrero que arrojó a los esclavos no es el que se muestra en la distancia, sino que el espectador se encuentra a bordo del barco negrero. El título original de la pintura, Esclavistas arrojando por la borda a los muertos y moribundos: se acerca el tifón, y los versos de Falacias de la esperanza con los que está emparejado son indicadores elocuentes de los eventos que conducen a la escena representada en la pieza. En consecuencia, el contexto de la escena incluye la llegada de un tifón, lo que provoca que los capitanes del Zong "arrojen por la borda / a los muertos y moribundos, sin prestar atención a sus cadenas", como se describe en el poema. Sin embargo, la representación real de la escena posterior proporciona una "incertidumbre ontológica", ya que los detalles visibles son inconsistentes con la supuesta secuencia de eventos. Por ejemplo, los esclavos que se están ahogando yacen en el primer plano de la escena, mientras que el barco negrero representado se encuentra a lo lejos. Si se supone que esta imagen representa la escena que sigue inmediatamente al capitán arrojando a los muertos y moribundos, lo que se ve respaldado por el título, el poema y las cadenas de metal que todavía se pueden observar sobre la superficie del agua, esta posición espacial no sería factible. Por lo tanto, sería lógico que el espectador estuviera realmente a bordo del barco negrero.

Además, algunos espectadores han argumentado que El barco de esclavos en realidad representa la reacción de Turner a la Revolución Industrial. La pintura podría verse como una alegoría contra la explotación de los esclavos y otros trabajos humanos en favor de las máquinas y el progreso económico, representada por la tormenta que se avecina y que envuelve al cruel capitán. Sin embargo, la tormenta también podría verse como una representación del dominio de la naturaleza sobre el hombre y de la futilidad final de intentar industrializar y hacer avanzar la sociedad.

Cuando El barco de esclavos se exhibió por primera vez en la Royal Academy of Arts en 1840, atrajo la atención de los críticos que estaban consternados por el tema horroroso y el estilo abstracto. Por ejemplo, una famosa reseña de William Makepeace Thackeray plantea la pregunta retórica: "¿Es la pintura sublime o ridícula? De hecho, no sé cuál de las dos". Otros criticaron el uso del color por parte de Turner y su fijación en la devastación de la naturaleza.

Después de que su padre le regalara la pintura a John Ruskin en 1844, escribió un ensayo publicado en Modern Painters en el que detallaba su apreciación por la obra. El texto se hizo famoso e influyó en la comprensión del cuadro por parte del público. Su escritura coloca al espectador directamente frente a la pintura, desarrollando una respuesta emocional a la sublimidad de la pintura. Como resultado de la escritura de Ruskin, la pintura en sí no era necesariamente necesaria para que la gente sintiera que la había experimentado. La celebración de Ruskin de la pieza es evidente cuando escribe: "Si tuviera que atribuir la inmortalidad de Turner a una sola obra, elegiría ésta". Sin embargo, Ruskin tuvo sus propios críticos; el más notable fue Mark Twain. En su libro de 1880 Un vagabundo en el extranjero, Volumen 1, Capítulo XXIV, declaró:

" Lo que un trapo rojo es para un toro, el "Slave Ship" de Turner fue para mí, antes de estudiar arte. El Sr. Ruskin es educado en el arte hasta un punto en el que esa imagen lo pone como loco un éxtasis de placer como solía arrojarme a una rabia, el año pasado, cuando era ignorante. Su cultivo le permite —y yo, ahora— ver el agua en ese fango amarillo resplandeciente, y los efectos naturales en esas exuberantes explosiones de humo y llamas mezcladas, y las glorias de la puesta de sol de crimson; lo reconcilia —y yo, ahora— a la flotación de cadenas de cable de hierro y otras cosas inflorables; nos reconcilia con los peces nadando alrededor sobre el barro— Me refiero al agua. La mayor parte de la imagen es una imposibilidad manifiesta —es decir, una mentira; y sólo el cultivo rígido puede permitir que un hombre encuentre la verdad en una mentira."

Ruskin finalmente vendió la pintura en 1872 para exhibirla en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, donde despertó el interés del público después de la publicación de Ruskin y se volvió muy apreciada por sus efectos atmosféricos. Sin embargo, debido a esta atención únicamente al esteticismo de la pieza por sobre el tema, esta reacción también generó una reacción negativa entre los críticos. Como dijo un crítico del New York Times: "Lo que busca el peregrino del arte promedio es la visión de un gran artista de un negrero en peligro en el mar. Sólo encuentra un milagro de luz y color".

Después de que El barco de esclavos fuera subastado en 1876, Alice Hooper lo compró y lo exhibió en el Museo de Bellas Artes de Boston, donde se exhibe hoy. La pintura se exhibió de forma independiente en la galería principal del museo y se acompañó con folletos del famoso ensayo de Ruskin y una descripción curada por el museo que relacionaba los atributos visibles de la pieza con la historia de la trata de esclavos y el contexto abolicionista que la sustenta. A medida que los espectadores comprendían mejor los temas históricos y éticos detrás de la pintura de Turner, el público comenzó a considerar si el tratamiento estético del tema era apropiado.

Como lo demuestra la respuesta general a la pieza cuando se exhibió en el Museo Metropolitano de Arte, el esteticismo del paisaje y la marginalización de los detalles identificativos del incidente de Zong podrían llevar a los espectadores a pasar por alto por completo su referencia histórica. Muchos críticos han abordado este dilema desde entonces, discutiendo si los efectos estéticos de The Slave Ship interfieren con el tema o lo amplían adecuadamente. Aquellos que creen que el estilo de la pieza refuerza su mensaje argumentan que las características sublimes del océano abrumador y el tifón que se aproxima comentan los horrores de la trata de esclavos. Según esta visión, la configuración de las figuras en primer plano obliga al espectador a enfrentarse a los esclavos que se están ahogando. Como explica el crítico de arte y profesor George Landow, "la misma proximidad de los esclavos moribundos al espectador [incita al] reconocimiento de que la naturaleza que castigará justamente al barco es la misma naturaleza que ya está devorando injustamente a las víctimas inocentes del barco". Los efectos atmosféricos también pueden interpretarse como una intensificación de la premonición de la desaparición del barco negrero y, por lo tanto, de la abolición total de la esclavitud.

Por otra parte, algunos críticos sostienen que los aspectos estéticos de la escena dominan la atención del espectador y la obra se apropia del trágico acontecimiento para el placer artístico. Un crítico, Tobias Döring, sostuvo que "los terrores de la trata [de esclavos] se han transfigurado como objetos estéticos producidos para la delegación de espectadores [y] estableciendo una complicidad encubierta entre el terror y el conocedor". Según Döring, "la estética está ligada a la política, en este caso a las ideologías del colonialismo, que permiten representar la muerte de los esclavos en un estilo sublime al tiempo que se transforman en el "otro" oculto e incomprensible, inspirando terror a los ojos del espectador. En este sentido, cualquier noción de una estética descolonizada está condenada al fracaso, ya que nuestra propia noción de lo que constituye lo sublime se ha forjado dentro de un contexto en el que el imperialismo oscurece y distancia imaginativamente la otredad o alteridad".

En 2006, la pintura fue el tema central del episodio 5 de la miniserie de ocho partes de la BBC Simon Schama's Power of Art, transmitida por BBC Two.

En 2018, el extracto inédito del poema que Turner utilizó para acompañar la pintura se utilizó como introducción al álbum de Lupe Fiasco de 2018, Drogas Wave. El extracto del poema se lee en voz alta en la canción de apertura "In the Event of a Typhoon".

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