El año pasado en Marienbad
El año pasado en Marienbad (Francés: L'Année dernière à Marienbad; estrenada en el Reino Unido como Last Year in Marienbad) es una película de Left Bank de 1961 dirigida por Alain Resnais a partir de un guión de Alain Robbe-Grillet.
Ambientada en un palacio en un parque que se ha convertido en un hotel de lujo, está protagonizada por Delphine Seyrig y Giorgio Albertazzi como una mujer y un hombre que pueden haberse conocido el año anterior y pueden haber contemplado o iniciado una aventura con Sacha. Pitoëff como un segundo hombre que puede ser el marido de la mujer. Los personajes no tienen nombre.
Trama
En un hotel barroco adornado poblado por personas adineradas y parejas que socializan entre sí, un hombre se acerca a una mujer y le dice que se conocieron el año anterior en un resort similar (quizás en Frederiksbad, Karlstadt, Marienbad o Baden-Salsa) y tenían una relación sentimental, pero ella respondió a su pedido de fugarse juntos pidiéndole que esperara un año, tiempo que ya ha transcurrido. La mujer insiste en que nunca ha conocido al hombre, por lo que él procede a intentar recordarle su pasado compartido, mientras ella lo rechaza y contradice su relato. Entre las interacciones con la mujer, un segundo hombre, que puede ser el esposo de la mujer, afirma su dominio sobre el primer hombre venciéndolo repetidamente en un juego matemático (una versión de Nim).
A través de flashbacks ambiguos y cambios desorientadores de tiempo y lugar, la película explora las relaciones entre los tres personajes. Las conversaciones y los eventos se repiten en diferentes lugares del edificio y los jardines, y hay numerosos travellings de los pasillos del hotel con voces en off ambiguas y repetitivas. No se ofrece una conclusión certera sobre lo que es real y lo que es imaginario, pero al final de la película la mujer se somete y sale del hotel con el primer hombre.
Reparto
- Giorgio Albertazzi como el hombre
- Delphine Seyrig como mujer
- Sacha Pitoëff como el segundo hombre, que puede ser el marido de la mujer
Aunque los personajes no tienen nombre en la película, en la "ciné-novela" publicada por Robbe-Grillet; del guión se hace referencia al primer hombre con la letra "X", a la mujer con la letra "A", y al segundo hombre con la letra "M".
Producción
El año pasado en Marienbad se creó a partir de una colaboración inusual entre su escritor, Alain Robbe-Grillet, y su director, Alain Resnais. Robbe-Grillet describió su base:
Alain Resnais y yo pudimos colaborar sólo porque teníamos visto la película de la misma manera desde el principio, y no sólo en los mismos esquemas generales sino exactamente, en la construcción del mínimo detalle que en su arquitectura total. Lo que escribí pudo haber sido lo que ya estaba en su mente; lo que añadió durante el tiroteo fue lo que podría haber escrito... Paradójicamente suficiente, y gracias a la perfecta identidad de nuestras concepciones, casi siempre trabajamos por separado.
El guión que Robbe-Grillet escribió fue muy detallado, especificando no solo el diálogo, los gestos y la decoración, sino también la ubicación y el movimiento de la cámara y la secuencia de tomas en la edición. Resnais filmó el guión con gran fidelidad, y cuando Robbe-Grillet, que no estuvo presente durante la filmación, vio el borrador, dijo que encontró la película tal como la había previsto, al tiempo que reconoció cuánto había agregado Resnais para hacer funciona en la pantalla y completa lo que faltaba en el guión. Robbe-Grillet publicó su guión, ilustrado con tomas de la película, calificándola de "ciné-roman" (cine-novela).
A pesar de la estrecha correspondencia entre las obras escritas y filmadas, se han identificado numerosas diferencias entre ellas. Dos ejemplos notables son la elección de la música en la película (la partitura de Francis Seyrig presenta un uso extensivo de un solo de órgano) y una escena cerca del final de la película en la que el guión describe explícitamente una violación, mientras que la película la sustituye. una serie de travellings sobreexpuestos repetidos que avanzan hacia la mujer sonriente. En declaraciones de los dos autores de la película en las décadas posteriores a su estreno, se reconoció en parte que no compartían del todo la misma visión de la misma. Según Resnais, Robbe-Grillet solía insistir en que fue él quien escribió Marienbad, sin dudarlo, y que la filmación de Resnais fue una traición, pero que como él la encontraba muy hermosa no culpó a Resnais por ello.
La filmación se llevó a cabo con película en blanco y negro y el proceso de pantalla ancha Dyaliscope, durante un período de diez semanas entre septiembre y noviembre de 1960. La mayoría de los vestidos de Delphine Seyrig en la película fueron diseñados por Chanel. Las ubicaciones utilizadas para la mayoría de los interiores y los jardines fueron los palacios de Schleissheim y Nymphenburg, incluido el pabellón de caza de Amalienburg y el Antiquarium de la Residenz, todos los cuales se encuentran en Múnich y sus alrededores. Se filmaron escenas interiores adicionales en los estudios Photosonore-Marignan-Simo en París. Ninguna filmación se realizó en la ciudad balneario checa de Marienbad, ni la película permite al espectador saber con certeza qué escenas, si es que hay alguna, se supone que se ubican allí.
Estilo
Al determinar la apariencia visual de la película, Resnais dijo que quería recrear "un cierto estilo de cine mudo", que buscaba producir a través de su dirección, así como de los actores' constituir; incluso le preguntó a Eastman Kodak si podían proporcionarle una película antigua que 'floreciera'. o "halo" para crear la apariencia de una película muda, pero no pudieron. Resnais mostró a su diseñador de vestuario fotografías de Marcel L'Herbier's L'Inhumaine (1924) y L'Argent (1928), para que grandes diseñadores de moda de la década de 1920 habían creado el vestuario, y pidió a los miembros de su equipo que miraran otras películas mudas, en particular La caja de Pandora de G. W. Pabst (1929), como quería que la apariencia y los modales de Seyrig se parecieran a los de Louise Brooks en esa película (un plan que se vio socavado un poco cuando Seyrig se cortó el cabello, lo que requirió el desarrollo de su propio peinado icónico). El estilo de ciertas películas mudas también está sugerido por la forma en que los personajes que pueblan el hotel se ven en su mayoría en poses artificiales, como si estuvieran congelados en el tiempo, en lugar de comportarse de manera natural.
La película crea continuamente una ambigüedad en los aspectos espaciales y temporales de lo que muestra y crea incertidumbre en la mente del espectador sobre las relaciones causales entre los eventos. Esto se logra a través de la edición al dar información aparentemente incompatible en tomas consecutivas, o dentro de una sola toma que parece mostrar yuxtaposiciones imposibles, o por medio de repeticiones de eventos en diferentes escenarios. Estas ambigüedades se combinan con contradicciones en el comentario de la voz en off del narrador. Entre las imágenes notables de la película se encuentra una escena en la que dos personajes (y la cámara) salen corriendo del castillo y se enfrentan a un cuadro de figuras dispuestas en un jardín geométrico; aunque la gente proyecta largas sombras dramáticas (que fueron pintadas en el suelo), los árboles en el jardín no lo hacen (y, de hecho, no son árboles reales, sino construcciones).
La forma en que se edita la película desafió el estilo clásico establecido de construcción narrativa. Permitió explorar de manera original los temas del tiempo y la mente y la interacción del pasado y el presente. Como la continuidad espacial y temporal es destruida por los métodos de filmación y edición que se utilizan, la película ofrece en cambio una 'continuidad mental', una continuidad de pensamiento.
Si bien las películas que precedieron y siguieron inmediatamente a Marienbad en la carrera de Resnais mostraron un compromiso político con temas contemporáneos (la bomba atómica, las secuelas de la ocupación de Francia, el entonces tema tabú de la guerra en Argelia), se consideraba que Marienbad iba en una dirección completamente diferente y se centraba principalmente en el estilo. Al comentar sobre esta salida, Resnais dijo: “Estaba haciendo esta película en un momento en el que pienso, con razón, que no se podía hacer una película en Francia sin hablar de la Guerra de Argelia. De hecho, me pregunto si la atmósfera cerrada y sofocante de L'Année no será el resultado de esas contradicciones."
Recepción
La respuesta crítica contemporánea a la película fue polarizada. La controversia se alimentó cuando Robbe-Grillet y Resnais parecieron dar respuestas contradictorias cuando se les preguntó si el hombre y la mujer realmente se habían conocido en Marienbad el año pasado o no, ya que esto fue utilizado como un medio para atacar la película por parte de quienes no les gustó.
En 1963, el escritor y cineasta Ado Kyrou declaró que la película era un triunfo total en su influyente Le Surréalisme au cinéma, reconociendo que el ambiente ambiguo y los motivos oscuros dentro de la película representaban muchas de las preocupaciones de El surrealismo en el cine narrativo. Otro de los primeros partidarios, el actor y surrealista Jacques Brunius, declaró que "Marienbad es la mejor película jamás realizada".
Con menos reverencia, la crítica de cine Pauline Kael llamó a Marienbad "la película experimental de alta costura, el trabajo de nieve en el palacio de hielo... de vuelta en la fiesta sin diversión para no- gente'. La película recibió una entrada en Las cincuenta peores películas de todos los tiempos, en la que los autores Harry Medved, Randy Dreyfuss y Michael Medved satirizaron su estilo surrealista y citaron a numerosos críticos que la encontraron pretenciosa o incomprensible.
La película inspiró una breve locura por la variación de Nim interpretada por los personajes.
Aunque sigue siendo menospreciado por algunos críticos, Last Year at Marienbad ha llegado a ser considerado por muchos como uno de los éxitos de Resnais' grandes obras. El sitio web de agregación de reseñas They Shoot Pictures, Don't They ha determinado que es la película número 83 más aclamada de la historia, y recibió 23 votos en la decenal del British Film Institute Vista y amplificador; Sondeos sonoros. El cineasta japonés Akira Kurosawa la citó como una de sus películas favoritas.
En julio de 2018, Marienbad fue seleccionada para proyectarse en la 75.ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia en la sección "Venice Classics" sección.
Premios
A la película se le negó la entrada al Festival de Cine de Cannes, supuestamente porque Resnais había firmado el Manifiesto de Jean-Paul Sartre de los 121 contra la Guerra de Argelia, pero ganó el León de Oro en la 22.ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia en 1961. En 1962, fue elegida como la mejor película francesa del año anterior por el Sindicato Francés de Críticos de Cine. Fue seleccionada como la entrada francesa a la Mejor Película en Lengua Extranjera en la 34ª edición de los Premios de la Academia en 1962 y, aunque no fue elegida como una de las cinco nominadas para ese premio, Robbe-Grillet fue nominada al Premio de la Academia al Mejor Guión Original. al año siguiente por su trabajo en la película. La película también fue nominada a un Premio Hugo en la categoría de Mejor Presentación Dramática.
Interpretaciones
Se han dado numerosas explicaciones sobre los hechos de la película, entre ellas: que es una versión del mito de Orfeo y Eurídice, que representa la relación entre paciente y psicoanalista, que todo tiene lugar en el la mente de la mujer, que todo tiene lugar en la mente del hombre y representa su negativa a reconocer que ha matado a la mujer que amaba, y que los personajes son fantasmas o almas muertas en el limbo. Algunos han notado que la película tiene la atmósfera y la forma de un sueño, y afirman que la estructura de la película puede entenderse por la analogía de un sueño recurrente, o incluso que el encuentro del hombre con la mujer es el recuerdo (o sueño) de un sueño.
Otros han seguido, al menos como punto de partida, las indicaciones dadas por Robbe-Grillet en la introducción a su "ciné-novela" del guión: "Dos actitudes son posibles entonces: o bien el espectador intentará reconstituir algo 'cartesiano' esquema -el más lineal, el más racional que pueda idear- y este espectador seguramente encontrará la película difícil, si no incomprensible; o bien el espectador se dejará llevar por las extraordinarias imágenes que tiene delante... y a este espectador la película le parecerá la más fácil que haya visto nunca: una película dirigida exclusivamente a su sensibilidad, a sus facultades de la vista, oír, sentir." Como una sugerencia de cómo uno podría ver el trabajo, ofreció que "Toda la película, de hecho, es la historia de una persuasión ["une persuasión&# 34;]: se trata de una realidad que el héroe crea a partir de su propia visión, a partir de sus propias palabras."
Resnais, por su parte, dio una explicación más abstracta del propósito de la película: "Para mí, esta película es un intento, todavía muy crudo y muy primitivo, de abordar la complejidad del pensamiento, de sus procesos."
Influencia
El impacto de Last Year at Marienbad sobre otros cineastas ha sido ampliamente reconocido y ilustrado de diversas formas, desde directores franceses (como Agnès Varda, Marguerite Duras y Jacques Rivette) hasta figuras internacionales (como Ingmar Bergman y Federico Fellini). The Shining (1980) de Stanley Kubrick e Inland Empire (2006) de David Lynch son dos películas que se citan con particular frecuencia como muestra de la influencia de Marienbad. Terence Young declaró que diseñó la secuencia previa a los créditos de la película de James Bond From Russia with Love (1963) en Marienbad, y Peter Greenaway dijo que la película había sido la más una influencia importante en su propia realización cinematográfica (y él mismo llegaría a establecer una estrecha relación de trabajo con su director de fotografía, Sacha Vierny).
El estilo visual de la película ha sido imitado en muchos comerciales de televisión y fotografías de moda, y el video musical de 'To the End', un sencillo de 1994 del grupo de rock británico Blur, está basado en él.
Marienbad fue la principal inspiración para la colección Chanel primavera-verano 2011 de Karl Lagerfeld, ya que Coco Chanel diseñó el vestuario de la película. El espectáculo de Lagerfeld se completó con una fuente y una réplica moderna del famoso jardín de la película, que combinó con los jardines de Versalles.
La diseñadora de Chanel, Virginie Viard, reutilizó la idea de Lagerfeld de basar una colección en torno a la película para la Semana de la Moda de París de otoño de 2022.
Lanzamientos de videos caseros
El 23 de junio de 2009, Criterion Collection lanzó Last Year at Marienbad en los Estados Unidos, tanto en DVD de la Región 1 como en Blu-ray Disc. Alain Resnais participó en este lanzamiento e insistió en que incluyera una banda sonora no restaurada además de la restaurada, diciendo:
Las técnicas de grabación y reproducción sonoras han cambiado mucho durante las décadas. Si uno remasteriza una película para adaptarla a los estándares de 2009, existe el peligro de alterar drásticamente el equilibrio de las voces, los efectos del sonido y la música. Al corregir los supuestos defectos, uno puede perder el estilo de una película por completo. Es mejor respetar las características sonoras del tiempo, especialmente como en la mayoría de los casos ya no perturban al espectador después de dos minutos. Sobre todo, si se quita el suyo de fondo de la banda sonora, se saca todas las frecuencias armónicas de las voces de los actores en el proceso. Sea en el bajo, el médium, o el rango treble, las voces se vuelven neutrales, planas, educadas; la actuación pierde una gran parte de su valor dramático. Cuando ves una película agresivamente remasterizada por Sacha Guitry, tienes la sensación de que la voz que escuchas no es de Guitry; crees que es una película doblada y el diálogo está siendo leído o recitado. En la mayoría de los casos lo sé, la remasterización es tan brutal que las actuaciones se ven privadas de su apelación. Cada vez que he tenido la oportunidad de comparar una banda sonora no restaurada y restaurada en un estudio de grabación, la pérdida era obvia. Lo mismo pasa por la música: si uno corregía un punto distorsionado, la música probablemente sonará muerta. Como director, no me opongo a una remasterización cuidadosamente considerada y no mecánica de mis películas, pero me interesa darle al espectador la opción entre las dos bandas sonoras. Como espectador, siempre prefiero lo que se puede llamar la versión original.
El empaque de Criterion de la película se agotó en marzo de 2013.
StudioCanal estrenó la película en Europa en Blu-ray y DVD en septiembre de 2018, y Kino Lorber la estrenó en Estados Unidos en agosto de 2019.