Efectos sociales de la música rock.
La popularidad y el alcance mundial de la música rock tuvieron como resultado un poderoso impacto en la sociedad del siglo XX, particularmente entre la generación del baby boom. El rock and roll influyó en la vida cotidiana, la moda, las actitudes sociales y el lenguaje de una manera que pocos otros desarrollos sociales han igualado. A medida que la generación original de fanáticos del rock and roll maduró, la música se convirtió en un hilo aceptado y profundamente entrelazado en la cultura popular. A principios de la década de 1950, las canciones de rock comenzaron a utilizarse en algunos comerciales de televisión; Al cabo de una década, esta práctica se generalizó y la música rock también apareció en bandas sonoras de películas y programas de televisión. En la década de 1980, la cultura de la música rock se había convertido en la forma dominante de cultura musical popular en los Estados Unidos y otros países occidentales, antes de experimentar un declive en los años siguientes.
Carrera
En el cruce de la "música racial" Para una creciente audiencia juvenil blanca, la popularización del rock and roll involucró tanto a artistas negros que llegaban a una audiencia blanca como a artistas blancos que se apropiaban de la música afroamericana. El rock and roll apareció en un momento en el que las tensiones raciales en Estados Unidos entraban en una nueva fase, con el inicio del movimiento de derechos civiles a favor de la desegregación, que desembocó en el fallo de la Corte Suprema que abolió la política de "separados pero iguales". 34; en 1954, pero dejando una política que sería extremadamente difícil de aplicar en algunas partes de Estados Unidos. La unión del público juvenil blanco y la música negra en el rock and roll provocó inevitablemente fuertes reacciones racistas entre los blancos dentro de Estados Unidos, y muchos blancos condenaron la ruptura de las barreras basadas en el color. Muchos observadores vieron el rock and roll como un presagio del camino hacia la abolición de la segregación, al crear una nueva forma de música que fomentaba la cooperación racial y la experiencia compartida. Muchos autores han argumentado que el rock and roll temprano contribuyó decisivamente a la forma en que los adolescentes blancos y negros se identificaban a sí mismos.
Sexo y drogas
El estilo de vida del rock and roll se asociaba popularmente con el sexo y las drogas. Muchas de las primeras estrellas del rock and roll (así como sus contrapartes del jazz y el blues) eran conocidas como personas que bebían mucho y vivían duramente. Durante la década de 1960, el estilo de vida de muchas estrellas se hizo más conocido públicamente, ayudado por el crecimiento de la prensa de rock underground. Los músicos siempre habían atraído la atención de las "groupies" (chicas que seguían a los músicos) que pasaban tiempo con los miembros de la banda y, a menudo, les realizaban favores sexuales.
Como las estrellas' A medida que los estilos de vida se hicieron más públicos, la popularidad y la promoción del uso recreativo de drogas por parte de los músicos pueden haber influido en el uso de drogas y en la percepción de aceptabilidad del consumo de drogas entre los jóvenes de la época. Por ejemplo, cuando a fines de la década de 1960 los Beatles, que anteriormente habían sido promocionados como jóvenes pulcros, comenzaron a reconocer públicamente que consumían LSD, muchos fanáticos los siguieron. El periodista Al Aronowitz escribió "... todo lo que hicieron los Beatles era aceptable, especialmente para los jóvenes". Jerry García, de la banda de rock Grateful Dead, dijo: "Para algunas personas, tomar LSD e ir al espectáculo de Grateful Dead funciona como un rito de iniciación... no tenemos un producto para vender; pero tenemos un mecanismo que funciona."
A finales de los años 1960 y principios de los años 1970, gran parte del prestigio del rock and roll asociado con el consumo de drogas se disipó cuando la música rock sufrió una serie de muertes relacionadas con las drogas, incluidas las muertes de 27 miembros del Club: Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison. Aunque cierto consumo de drogas siguió siendo común entre los músicos de rock, se observó un mayor respeto por los peligros del consumo de drogas y muchas canciones antidrogas pasaron a formar parte del léxico del rock, en particular "The Needle and the Damage Done" ; por Neil Young (1972).
Muchos músicos de rock, incluidos John Lennon, Paul McCartney, Mick Jagger, Bob Dylan, Jerry García, Stevie Nicks, Jimmy Page, Keith Richards, Bon Scott, Eric Clapton, Pete Townshend, Brian Wilson, Carl Wilson, Dennis Wilson, Steven Tyler, Scott Weiland, Sly Stone, Ozzy Osbourne, Mötley Crüe, Layne Staley, Kurt Cobain, Lemmy, Bobby Brown, Buffy Sainte Marie, Dave Matthews, David Crosby, Anthony Kiedis, Dave Mustaine, David Bowie, Richard Wright, Phil Rudd , Phil Anselmo, James Hetfield, Kirk Hammett, Joe Walsh, Julian Casablancas y otros, han reconocido haber luchado contra adicciones a muchas sustancias, incluidas el alcohol, la cocaína y la heroína; muchos de ellos se han sometido con éxito a programas de rehabilitación de drogas, pero otros han muerto.
A principios de los años 1980. Junto con el surgimiento de la banda Minor Threat, se hizo popular un estilo de vida recto. La filosofía estricta de abstinencia de drogas recreativas, alcohol, tabaco y sexo se asoció con algunos punks incondicionales a lo largo de los años, y ambas siguen siendo populares entre los jóvenes de hoy.
Moda
La música rock y la moda han estado indisolublemente ligadas. A mediados de la década de 1960 en el Reino Unido, surgió la rivalidad entre los "Mods" (que favorecía la moda 'moderna' liderada por Italia) y "Rockers" (que vestían trajes de cuero de motocicleta), cada estilo tenía sus propios actos musicales favoritos. (La controversia formaría el telón de fondo de la ópera rock de The Who Quadrophenia). En la década de 1960, los Beatles pusieron de moda los cortes de pelo con trapeador, las chaquetas sin cuello y las botas Beatle.
Los músicos de rock también fueron los primeros en adoptar la moda hippie y popularizaron estilos como el pelo largo y la chaqueta Nehru. A medida que los géneros de música rock se volvieron más segmentados, lo que vestía un artista se volvió tan importante como la música misma para definir la intención del artista y su relación con la audiencia. A principios de la década de 1970, el glam rock se volvió muy influyente con modas brillantes, tacones altos y estilo camp. A fines de la década de 1970, los actos disco ayudaron a llevar estilos urbanos llamativos a la corriente principal, mientras que los grupos de punk comenzaron a usar atuendos simuladamente conservadores (incluyendo chaquetas de traje y corbatas delgadas), en un intento de ser tan diferentes a los músicos de rock convencionales, que todavía preferían el azul. jeans y ropa de influencia hippie.
Las bandas de heavy metal de la década de 1980 a menudo favorecían una imagen visual fuerte. Para algunas bandas, esto consistía en chaquetas y pantalones de cuero o mezclilla, clavos/tachuelas y cabello largo. La imagen visual fue un componente fuerte del movimiento del glam metal.
En 1981, se formó MTV, lo que marcó un gran cambio en el mundo de la música. Debido a que MTV se convertiría en una fuerza cultural, los jóvenes mirarían hacia MTV. La moda pasó a ser uno de esos centros culturales en los que la compañía de televisión tendría un gran impacto. Con debuts como el icónico look de ropa interior como prenda exterior de Madonna y las compañías que presentan heavy metal, así como new wave y otros géneros que promoverían la marca de moda de cada artista en la cultura general, debido a la gran cantidad de visibilidad que MTV les dio a estos artistas a través de videos musicales y otros contenidos que tenía el canal de televisión.
A principios de la década de 1990, la popularidad del grunge trajo consigo una moda propia con influencia punk, que incluía jeans rotos, zapatos viejos, camisas de franela, gorras de béisbol al revés y la gente se dejaba crecer el cabello en contra de la imagen de corte limpio que era popular. en ese momento en la cultura de la música pop fuertemente comercializada.
Los músicos siguen siendo iconos de la moda; Las revistas de cultura pop como Rolling Stone suelen incluir diseños de moda en los que aparecen músicos como modelos.
Autenticidad
Los músicos y fanáticos del rock han luchado constantemente con la paradoja de "venderse": para ser considerada "auténtica", la música rock debe mantenerse a cierta distancia del mundo comercial y sus construcciones. ; sin embargo, se cree ampliamente que se deben hacer ciertos compromisos para tener éxito y poner la música a disposición del público. Este dilema ha creado fricciones entre músicos y fans, y algunas bandas han hecho todo lo posible para evitar la apariencia de "vendidos" (sin dejar de encontrar formas de ganarse la vida lucrativamente). En algunos estilos de rock, como el punk y el heavy metal, un intérprete que se cree que ha "agotado" a intereses comerciales puede ser etiquetado con el término peyorativo "farsante".
Si un artista llama la atención del público por primera vez con un estilo, cualquier desarrollo estilístico posterior puede considerarse como una venta para sus fans de toda la vida. Por otro lado, los managers y productores pueden progresivamente tomar más control sobre el artista, como ocurrió, por ejemplo, en la rápida transición de especie de Elvis Presley desde "The Hillbilly Cat" a "tu osito de peluche". Puede resultar difícil definir la diferencia entre buscar una audiencia más amplia y venderse. Ray Charles dejó atrás su clásica formulación del ritmo y el blues para cantar música country, canciones pop y anuncios de refrescos. En el proceso, pasó de ser un público especializado a tener fama mundial. Bob Dylan enfrentó la consternación de sus fans por abrazar la guitarra eléctrica. Al final, es un juicio moral hecho por el artista, la dirección y el público.
Causas benéficas y sociales
El amor y la paz fueron temas muy comunes en la música rock durante las décadas de 1960 y 1970. Los músicos de rock a menudo han intentado abordar cuestiones sociales directamente como comentarios o llamados a la acción. Durante la Guerra de Vietnam se escucharon las primeras canciones de protesta del rock, inspiradas en las canciones de músicos folklóricos como Woody Guthrie y Bob Dylan, que iban desde evocaciones abstractas de paz como el “If I Had” de Peter, Paul y Mary. un martillo" para mitigar las diatribas antisistema Crosby, Stills, Nash & "Ohio" de Young. Otros músicos, en particular John Lennon y Yoko Ono, expresaron su sentimiento contra la guerra tanto en su música como en declaraciones públicas con canciones como "Imagine" y "Give Peace a Chance". ;.
Músicos de rock famosos han adoptado causas que van desde el medio ambiente ("Mercy Mercy Me (The Ecology)" de Marvin Gaye) hasta el movimiento contra el apartheid (Peter Gabriel & #34;Biko"), a la violencia en Irlanda del Norte (el "Domingo Sangriento" de U2) y a la política económica mundial (los Dead Kennedys' "Kill the Poor"). 34;). Otra canción de protesta notable es la grabación de Patti Smith "People Have the Power". En ocasiones, esta participación iba más allá de la simple composición de canciones y tomaba la forma de conciertos, a veces espectaculares, o eventos televisados, a menudo recaudando dinero para obras de caridad y concienciación sobre problemas globales.
El rock and roll como activismo social alcanzó un hito en los conciertos Live Aid, celebrados el 13 de julio de 1985, que fueron una consecuencia del sencillo benéfico de 1984 "Do They Know It's Christmas?" ; y se convirtió en el concierto musical más grande de la historia con artistas en dos escenarios principales, uno en Londres, Inglaterra y el otro en Filadelfia, EE. UU. (además de algunos otros actos que se presentaron en otros países) y televisado en todo el mundo. El concierto duró 16 horas y contó con la participación de casi todos los que estuvieron en la vanguardia del rock y el pop en 1985. El evento benéfico recaudó millones de dólares para aliviar el hambre en África. Live Aid se convirtió en un modelo para muchos otros esfuerzos de recaudación de fondos y concientización, incluidos los conciertos de Farm Aid para agricultores familiares en América del Norte y las presentaciones televisadas en beneficio de las víctimas de los ataques del 11 de septiembre. El propio Live Aid se repitió en 2005 con el concierto Live 8, para crear conciencia sobre la política económica global. Las cuestiones medioambientales también han sido un tema común, un ejemplo de ello es Live Earth.
Religión
Compositores como Pete Townshend han explorado estos aspectos espirituales en su trabajo. El uso común del término "dios del rock" reconoce la cualidad religiosa de la adulación que reciben algunas estrellas de rock. John Lennon se hizo famoso por una afirmación que hizo en 1966 de que los Beatles eran "más populares que Jesús". Sin embargo, más tarde dijo que esta declaración fue mal entendida y no pretendía ser anticristiana.
Iron Maiden, Metallica, Ozzy Osbourne, King Diamond, Alice Cooper, Led Zeppelin, Marilyn Manson, Slayer y muchos otros también han sido acusados de ser satanistas, inmorales o de tener un carácter "malvado". influencia en sus oyentes. Los sentimientos antirreligiosos también aparecen en el punk y el hardcore. Ahí está el ejemplo de la canción "Filler" de Minor Threat, el nombre y el famoso logo de la banda Bad Religion y la crítica al cristianismo y a todas las religiones es un tema importante en el anarco-punk y el crust punk.
Cristianismo
El rock cristiano, el rock alternativo, el metal, el punk y el hardcore son géneros de música rock específicos e identificables con fuertes connotaciones e influencias cristianas. Muchos grupos e individuos que no se consideran artistas de rock cristianos tienen creencias religiosas. Por ejemplo; The Edge y Bono de U2 son metodista y anglicano, respectivamente; Bruce Springsteen es católico romano; y Brandon Flowers de The Killers es un Santo de los Últimos Días. Carlos Santana, Ted Nugent y John Mellencamp son otros ejemplos de estrellas de rock que profesan alguna forma de fe cristiana.
Sin embargo, algunos cristianos conservadores señalan que los géneros musicales del hip hop y el rock, así como el blues y el jazz, contienen ritmos selváticos o música de la jungla, y afirman que es un ritmo o estilo musical que es inherentemente malvado, inmoral o sensual. Por lo tanto, según ellos, cualquier canción de los géneros rap, hip hop y rock es inherentemente mala debido al ritmo musical de la canción, independientemente de la letra o el mensaje de la canción. Algunos incluso extienden este análisis incluso a las canciones de rock cristiano.
El autor cristiano conservador David Noebel es uno de los opositores más notables a la existencia de los ritmos de la jungla. En sus escritos y discursos, Noebel sostuvo que el uso de tales ritmos en la música era un complot comunista para subvertir la moralidad de la juventud de los Estados Unidos. El Papa Benedicto XVI fue citado diciendo, según la British Broadcasting Corporation, que "el rock... es la expresión de las pasiones elementales, y en los festivales de rock asume a veces un carácter de culto, una forma de adoración, de hecho". , en oposición al culto cristiano."
Satanismo
Algunas bandas metálicas usan imágenes demoníacas para propósitos artísticos y/o de entretenimiento, aunque muchos no adoran o creen en Satanás. Ozzy Osbourne es conocido como Anglicano y Alice Cooper es un cristiano nacido de nuevo. En algunos casos, sin embargo, los intérpretes de metal han expresado opiniones satánicas. Numerosos otros en la primera escena del metal negro noruego eran satanistas. El ejemplo más conocido de esto es Euronymous, que afirmó que él adoraba a Satanás como un dios. Varg Vikernes (también llamado "el Conde" o Grishnak) también ha sido llamado satanista, incluso a través de él ha rechazado esa etiqueta. Incluso dentro de este subgenre musical localizado, sin embargo, los ataques arson contra iglesias cristianas y otros centros de adoración fueron condenados por algunas figuras prominentes dentro de la escena de metal negro noruego, como Kjetil Manheim.