Edvard Munch
Edvard Munch (MUUNK, Noruego:[suena] ()
escucha); 12 de diciembre de 1863 – 23 de enero de 1944) fue un pintor noruego. Su obra más conocida, El grito (1893), se ha convertido en una de las imágenes más icónicas del arte occidental.
Su infancia se vio ensombrecida por la enfermedad, el duelo y el temor de heredar una enfermedad mental que venía de familia. Estudiando en la Royal School of Art and Design en Kristiania (hoy Oslo), Munch comenzó a vivir una vida bohemia bajo la influencia del nihilista Hans Jæger, quien lo instó a pintar su propio estado emocional y psicológico (' 39;pintura del alma'). De aquí surgió su estilo distintivo.
Los viajes trajeron nuevas influencias y salidas. En París, aprendió mucho de Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec, especialmente de su uso del color. En Berlín conoció al dramaturgo sueco August Strindberg, a quien pintó, mientras se embarcaba en una importante serie de pinturas que más tarde llamaría El friso de la vida, que representan una serie de temas profundamente sentidos como amor, angustia, celos y traición, impregnados de atmósfera.
El Grito fue concebido en Kristiania. Según Munch, estaba paseando al atardecer cuando 'escuchó el enorme e infinito grito de la naturaleza'. El rostro agonizante de la pintura se identifica ampliamente con la angst de la persona moderna. Entre 1893 y 1910 realizó dos versiones pintadas y dos al pastel, así como varias estampas. Uno de los pasteles eventualmente alcanzaría el cuarto precio nominal más alto pagado por una pintura en una subasta.
A medida que su fama y riqueza crecían, su estado emocional seguía siendo inseguro. Consideró brevemente el matrimonio, pero no pudo comprometerse. Un colapso mental en 1908 lo obligó a dejar de beber en exceso, y se sintió animado por su creciente aceptación por parte de la gente de Kristiania y su exposición en los museos de la ciudad. Sus últimos años los pasó trabajando en paz y privacidad. Aunque sus obras fueron prohibidas en la Europa ocupada por los nazis, la mayoría de ellas sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial, asegurándole un legado.
Vida
Infancia
Edvard Munch nació en una granja en el pueblo de Ådalsbruk en Løten, Noruega, hijo de Laura Catherine Bjølstad y Christian Munch, hijo de un sacerdote. Christian era un médico y funcionario médico que se casó con Laura, una mujer de la mitad de su edad, en 1861. Edvard tenía una hermana mayor, Johanne Sophie, y tres hermanos menores: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Laura tenía talento artístico y puede haber alentado a Edvard y Sophie. Edvard estaba emparentado con el pintor Jacob Munch y el historiador Peter Andreas Munch.
La familia se mudó a Christiania (rebautizada como Kristiania en 1877 y ahora Oslo) en 1864 cuando Christian Munch fue nombrado oficial médico en la Fortaleza de Akershus. La madre de Edvard murió de tuberculosis en 1868, al igual que la hermana favorita de Munch, Johanne Sophie, en 1877. Después de la muerte de su madre, los hermanos Munch fueron criados por su padre y su tía Karen. A menudo enfermo durante gran parte de los inviernos y sin ir a la escuela, Edvard dibujaba para mantenerse ocupado. Fue instruido por sus compañeros de escuela y su tía. Christian Munch también instruyó a su hijo en historia y literatura, y entretuvo a los niños con vívidas historias de fantasmas y los cuentos del escritor estadounidense Edgar Allan Poe.
Como recordaba Edvard, el comportamiento positivo de Christian hacia sus hijos se vio eclipsado por su pietismo morboso. Munch escribió: "Mi padre era temperamentalmente nervioso y obsesivamente religioso, hasta el punto de la psiconeurosis". De él heredé las semillas de la locura. Los ángeles del miedo, el dolor y la muerte estuvieron a mi lado desde el día en que nací." Christian reprendió a sus hijos diciéndoles que su madre miraba desde el cielo y se lamentaba por su mal comportamiento. El entorno religioso opresivo, la mala salud de Edvard y las vívidas historias de fantasmas ayudaron a inspirar sus macabras visiones y pesadillas; el niño sentía que la muerte avanzaba constantemente hacia él. A una de las hermanas menores de Munch, Laura, le diagnosticaron una enfermedad mental a una edad temprana. De los cinco hermanos, solo Andreas se casó, pero murió unos meses después de la boda. Munch escribiría más tarde: "Heredé dos de los enemigos más temibles de la humanidad: la herencia del consumo y la locura".
La paga militar de Christian Munch era muy baja y sus intentos de desarrollar una práctica privada fracasaron, lo que mantuvo a su familia en una pobreza elegante pero perenne. Se mudaban con frecuencia de un piso barato a otro. Los primeros dibujos y acuarelas de Munch representaban estos interiores y los objetos individuales, como frascos de medicamentos e instrumentos de dibujo, además de algunos paisajes. En su adolescencia, el arte dominaba los intereses de Munch. A los 13, Munch tuvo su primera exposición a otros artistas en la Asociación de Arte recién formada, donde admiró el trabajo de la escuela de paisaje noruega. Volvió a copiar las pinturas, y pronto comenzó a pintar al óleo.
Estudios e influencias
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En 1879, Munch se matriculó en un colegio técnico para estudiar ingeniería, donde se destacó en física, química y matemáticas. Aprendió dibujo a escala y en perspectiva, pero frecuentes enfermedades interrumpieron sus estudios. Al año siguiente, para gran decepción de su padre, Munch dejó la universidad decidido a convertirse en pintor. Su padre veía el arte como un 'oficio profano', y sus vecinos reaccionaron con amargura y le enviaron cartas anónimas. En contraste con el pietismo rabioso de su padre, Munch adoptó una postura no dogmática hacia el arte. Escribió su objetivo en su diario: "En mi arte trato de explicarme la vida y su significado".
En 1881, Munch se matriculó en la Real Escuela de Arte y Diseño de Kristiania, uno de cuyos fundadores fue su pariente lejano Jacob Munch. Sus maestros fueron el escultor Julius Middelthun y el pintor naturalista Christian Krohg. Ese año, Munch demostró su rápida absorción del entrenamiento de su figura en la academia en sus primeros retratos, incluido uno de su padre y su primer autorretrato. En 1883, Munch participó en su primera exposición pública y compartió estudio con otros estudiantes. Su retrato de cuerpo entero de Karl Jensen-Hjell, un notorio bohemio de la ciudad, se ganó la respuesta desdeñosa de un crítico: "Es impresionismo llevado al extremo". Es una parodia del arte." Las pinturas de desnudos de Munch de este período sobreviven solo en bocetos, a excepción de Desnudo de pie (1887). Es posible que hayan sido confiscados por su padre.
El impresionismo inspiró a Munch desde muy joven. Durante estos primeros años, experimentó con muchos estilos, incluidos el naturalismo y el impresionismo. Algunas obras tempranas recuerdan a Manet. Muchos de estos intentos le trajeron críticas desfavorables de la prensa y le valieron constantes reproches por parte de su padre, quien, sin embargo, le proporcionó pequeñas sumas para los gastos de manutención. En un momento, sin embargo, el padre de Munch, tal vez influenciado por la opinión negativa del primo de Munch, Edvard Diriks (un pintor tradicional establecido), destruyó al menos una pintura (probablemente un desnudo) y se negó a avanzar. más dinero para materiales de arte.
Munch también recibió la ira de su padre por su relación con Hans Jæger, el nihilista local que vivía según el código "una pasión por destruir es también una pasión creativa" y que abogó por el suicidio como el último camino a la libertad. Munch cayó bajo su malévolo hechizo antisistema. "Mis ideas se desarrollaron bajo la influencia de los bohemios o más bien bajo Hans Jæger. Mucha gente ha afirmado erróneamente que mis ideas se formaron bajo la influencia de Strindberg y los alemanes... pero eso es incorrecto. Ya se habían formado para entonces." En ese momento, a diferencia de muchos de los otros bohemios, Munch todavía era respetuoso con las mujeres, además de reservado y educado, pero comenzó a ceder ante las borracheras y las peleas de su círculo. Estaba inquieto por la revolución sexual que estaba ocurriendo en ese momento y por las mujeres independientes que lo rodeaban. Más tarde se volvió cínico en materia sexual, expresado no solo en su comportamiento y su arte, sino también en sus escritos, un ejemplo es un largo poema llamado La ciudad del amor libre. Aún dependiendo de su familia para muchas de sus comidas, la relación de Munch con su padre se mantuvo tensa por preocupaciones sobre su vida bohemia.
Después de numerosos experimentos, Munch llegó a la conclusión de que el lenguaje impresionista no permitía una expresión suficiente. Lo encontró superficial y demasiado parecido a la experimentación científica. Sintió la necesidad de profundizar y explorar situaciones llenas de contenido emocional y energía expresiva. Bajo el mandato de Jæger de que Munch debería "escribir su vida", lo que significa que Munch debería explorar su propio estado emocional y psicológico, el joven artista comenzó un período de reflexión y autoexamen, registrando sus pensamientos en su 'diario del alma'. Esta perspectiva más profunda lo ayudó a trasladarse a una nueva visión de su arte. Escribió que su pintura El niño enfermo (1886), basada en la muerte de su hermana, fue su primera 'pintura del alma', su primera ruptura con el impresionismo. La pintura recibió una respuesta negativa de la crítica y de su familia, y provocó otro "violento estallido de indignación moral" de la comunidad
Solo su amigo Christian Krohg lo defendió:
Pinta, o más bien ve, cosas de una manera diferente a la de otros artistas. Sólo ve lo esencial, y eso, naturalmente, es todo lo que pinta. Por esta razón las fotos de Munch son como regla "no completa", ya que la gente está tan encantada de descubrir por sí misma. Sí, están completos. Su obra completa. El arte está completo una vez que el artista ha dicho realmente todo lo que estaba en su mente, y esta es precisamente la ventaja que Munch tiene sobre los pintores de la otra generación, que él realmente sabe mostrarnos lo que ha sentido, y lo que lo ha agarrado, y a esto subordina todo lo demás.
Munch continuó empleando una variedad de técnicas de pinceladas y paletas de colores durante la década de 1880 y principios de la de 1890, mientras luchaba por definir su estilo. Su lenguaje continuó cambiando entre naturalista, como se ve en Retrato de Hans Jæger, e impresionista, como en Rue Lafayette. Su Inger On the Beach (1889), que provocó otra tormenta de confusión y controversia, insinúa las formas simplificadas, los contornos pesados, los contrastes nítidos y el contenido emocional de su estilo maduro por venir. Comenzó a calcular cuidadosamente sus composiciones para crear tensión y emoción. Aunque influenciado estilísticamente por los postimpresionistas, lo que evolucionó fue un tema de contenido simbolista, que representaba un estado mental en lugar de una realidad externa. En 1889, Munch presentó su primera exposición individual de casi todas sus obras hasta la fecha. El reconocimiento que recibió dio lugar a una beca estatal de dos años para estudiar en París con el pintor francés Léon Bonnat.
Munch parece haber sido uno de los primeros críticos de la fotografía como forma de arte, y señaló que "nunca competirá con el pincel y la paleta, hasta que se puedan tomar fotografías en el cielo o en el infierno.& #34;
La hermana menor de Munch, Laura, fue el tema de su interior Melancolía: Laura de 1899. Amanda O'Neill dice sobre la obra: "En esta acalorada escena claustrofóbica, Munch no solo retrata la tragedia de Laura, sino también su propio temor a la locura que podría haber heredado".
París
Munch llegó a París durante las festividades de la Exposición Universal (1889) y se alojó con dos compañeros artistas noruegos. Su cuadro Morning (1884) se exhibió en el pabellón noruego. Pasaba las mañanas en el ajetreado estudio de Bonnat (que incluía modelos femeninas) y las tardes en la exposición, las galerías y los museos (donde se esperaba que los estudiantes hicieran copias como una forma de aprender técnicas y observar). Munch registró poco entusiasmo por las lecciones de dibujo de Bonnat: "Me cansa y me aburre, me adormece", pero disfrutó de los comentarios del maestro durante los viajes al museo.
Munch quedó cautivado por la gran muestra de arte europeo moderno, incluidas las obras de tres artistas que serían influyentes: Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec, todos notables por cómo usaron el color para transmitir emociones.. Munch se inspiró particularmente en la "reacción contra el realismo" de Gauguin. y su credo de que "el arte era obra humana y no una imitación de la naturaleza", una creencia manifestada anteriormente por Whistler. Como dijo más tarde uno de sus amigos de Berlín sobre Munch, “no necesita ir a Tahití para ver y experimentar lo primitivo de la naturaleza humana”. Lleva su propia Tahití dentro de sí." Influenciado por Gauguin, así como por los grabados del artista alemán Max Klinger, Munch experimentó con grabados como medio para crear versiones gráficas de sus obras. En 1896 creó sus primeros grabados en madera, un medio que resultó ideal para las imágenes simbólicas de Munch. Junto con su contemporáneo Nikolai Astrup, Munch es considerado un innovador del medio grabado en madera en Noruega.
En diciembre de 1889 murió su padre, dejando a la familia de Munch en la indigencia. Regresó a casa y arregló un gran préstamo de un rico coleccionista noruego cuando los parientes ricos no lo ayudaron, y asumió la responsabilidad financiera de su familia a partir de ese momento. La muerte de Christian lo deprimió y estaba plagado de pensamientos suicidas: 'Vivo con los muertos: mi madre, mi hermana, mi abuelo, mi padre... Suicídate y luego se acabó'. ¿Por qué vivir? Las pinturas de Munch del año siguiente incluyeron escenas de tabernas incompletas y una serie de paisajes urbanos brillantes en los que experimentó con el estilo puntillista de Georges Seurat.
Berlín
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Hacia 1892, Munch formuló su estética sintetista característica y original, como se ve en Melancolía (1891), en la que el color es el elemento cargado de símbolos. Considerada por el artista y periodista Christian Krohg como la primera pintura simbolista de un artista noruego, Melancolía fue expuesta en 1891 en la Exposición de Otoño de Oslo. En 1892, Adelsteen Normann, en nombre de la Unión de Artistas de Berlín, invitó a Munch a exponer en su exposición de noviembre, la primera exposición individual de la sociedad. Sin embargo, sus pinturas provocaron una amarga controversia (apodada "El asunto Munch") y, después de una semana, la exposición cerró. Munch estaba complacido con la 'gran conmoción' y escribió en una carta: 'Nunca he tenido un momento tan divertido, es increíble que algo tan inocente como la pintura haya creado tal un revuelo."
En Berlín, Munch se involucró en un círculo internacional de escritores, artistas y críticos, incluido el dramaturgo sueco y destacado intelectual August Strindberg, a quien pintó en 1892. También conoció al escritor y pintor danés Holger Drachmann, a quien pintó en 1898. Drachmann era 17 años mayor que Munch y compañero de bebida en Zum schwarzen Ferkel en 1893-1894. En 1894, Drachmann escribió sobre Munch: “Él lucha mucho. Buena suerte con tus luchas, solitario noruego."
Durante sus cuatro años en Berlín, Munch esbozó la mayoría de las ideas que conformarían su obra principal, El friso de la vida, diseñada primero para la ilustración de libros pero luego expresada en pinturas. Vendió poco, pero obtuvo algunos ingresos cobrando entradas para ver sus controvertidas pinturas. Munch ya estaba mostrando renuencia a desprenderse de sus pinturas, a las que llamó sus 'hijos'.
Sus otras pinturas, incluidas las escenas de casino, muestran una simplificación de formas y detalles que marcaron su estilo maduro temprano. Munch también comenzó a preferir un espacio pictórico poco profundo y un fondo mínimo para sus figuras frontales. Dado que las poses se eligieron para producir las imágenes más convincentes de estados mentales y condiciones psicológicas, como en Ashes, las figuras imparten una calidad monumental y estática. Las figuras de Munch parecen representar papeles en el escenario de un teatro (Muerte en el cuarto del enfermo), cuya pantomima de posturas fijas significa diversas emociones; dado que cada personaje encarna una sola dimensión psicológica, como en El Grito, los hombres y mujeres de Munch comenzaron a parecer más simbólicos que realistas. Escribió: "Ya no deberían pintarse los interiores, la gente leyendo y las mujeres tejiendo: habría gente viva, respirando y sintiendo, sufriendo y amando."
El Grito
El Grito existe en cuatro versiones: dos pasteles (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También hay varias litografías de El Grito (1895 y posteriores).
El pastel de 1895 se vendió en una subasta el 2 de mayo de 2012 por 119 922 500 USD, incluida la comisión. Es la más colorida de las versiones y se distingue por la postura mirando hacia abajo de una de sus figuras de fondo. También es la única versión que no está en manos de un museo noruego.
La versión de 1893 fue robada de la Galería Nacional de Oslo en 1994 y fue recuperada. La pintura de 1910 fue robada en 2004 del Museo Munch de Oslo, pero se recuperó en 2006 con daños limitados.
El grito es la obra más famosa de Munch y una de las pinturas más reconocibles de todo el arte. Se ha interpretado ampliamente que representa la ansiedad universal del hombre moderno. Pintado con amplias franjas de color chillón y formas muy simplificadas, y empleando un punto de vista alto, reduce la figura agonizante a un cráneo ataviado en medio de una crisis emocional.
Con esta pintura, Munch cumplió su objetivo declarado de "el estudio del alma, es decir, el estudio de mí mismo". Munch escribió sobre cómo se hizo la pintura: “Estaba caminando por la calle con dos amigos cuando se puso el sol; De repente, el cielo se volvió tan rojo como la sangre. Me detuve y me apoyé contra la cerca, sintiéndome indescriptiblemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendieron sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me rezagaba, temblando de miedo. Entonces escuché el enorme e infinito grito de la naturaleza." Más tarde describió la angustia personal detrás de la pintura, "durante varios años estuve casi loco… ¿Conoces mi imagen, "El grito"? Estaba estirado hasta el límite: la naturaleza gritaba en mi sangre... Después de eso, perdí la esperanza de poder amar de nuevo."
En 2003, al comparar la pintura con otras grandes obras, la historiadora del arte Martha Tedeschi escribió:
Madre de Whistler, Wood's Gótico americano, Leonardo da Vinci Mona Lisa y Edvard Munch El grito todos han logrado algo que la mayoría de las pinturas —independientemente de su importancia histórica, belleza o valor monetario— no tienen: comunican un significado específico casi inmediatamente a casi todos los espectadores. Estas pocas obras han logrado la transición del reino de élite del visitante del museo al enorme lugar de la cultura popular.
Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte
En diciembre de 1893, Unter den Linden en Berlín fue el lugar de una exposición de la obra de Munch, que mostraba, entre otras piezas, seis pinturas tituladas Estudio para una serie: amor. comenzó un ciclo que más tarde llamó el Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte. Los motivos Frieze of Life, como The Storm y Moonlight, se sumergen en la atmósfera. Otros motivos iluminan el lado nocturno del amor, como Rose and Amelie y Vampire. En Death in the Sickroom, el tema es la muerte de su hermana Sophie, que reelaboró en muchas variaciones futuras. El foco dramático de la pintura, que retrata a toda su familia, se dispersa en las figuras separadas e inconexas del dolor. En 1894, amplió el espectro de motivos añadiendo Ansiedad, Cenizas, Madonna y Mujeres en tres etapas (desde la inocencia hasta la vejez).
A principios del siglo XX, Munch trabajó para terminar el "Friso". Pintó una serie de cuadros, varios de ellos en formato más grande y en cierta medida con la estética Art Nouveau de la época. Realizó un marco de madera con relieves tallados para el gran cuadro Metabolismo (1898), inicialmente llamado Adán y Eva. Este trabajo revela la preocupación de Munch por la "caída del hombre" y su pesimista filosofía del amor. Motivos como La cruz vacía y Gólgota (ambos c. 1900) reflejan una orientación metafísica y también reflejan la educación pietista de Munch. El friso completo se mostró por primera vez en la exposición secesionista de Berlín en 1902.
"El friso de la vida" Los temas se repiten a lo largo del trabajo de Munch, pero se centró especialmente en ellos a mediados de la década de 1890. En bocetos, pinturas, pasteles y grabados, aprovechó las profundidades de sus sentimientos para examinar sus motivos principales: las etapas de la vida, la femme fatale, la desesperanza del amor, la ansiedad, la infidelidad, los celos, la humillación sexual y la separación en vida y muerte. Estos temas se expresan en pinturas como El niño enfermo (1885), Amor y dolor (retitulado Vampiro; 1893–94), Cenizas (1894), y El puente. Este último muestra figuras inertes con rostros sin rasgos u ocultos, sobre los cuales se ciernen las formas amenazantes de árboles pesados y casas inquietantes. Munch retrató a las mujeres como víctimas frágiles e inocentes (ver Pubertad y Amor y dolor) o como la causa de un gran anhelo, celos y desesperación (ver Separación). i>, Celos y Cenizas).
Munch a menudo usa sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para enfatizar un aura de miedo, amenaza, ansiedad o intensidad sexual. Estas pinturas han sido interpretadas como reflejos de las inquietudes sexuales del artista, aunque también se podría argumentar que representan su turbulenta relación con el amor mismo y su pesimismo general sobre la existencia humana. Muchos de estos bocetos y pinturas se realizaron en varias versiones, como Madonna, Hands y Pubertad, y también se transcribieron como xilografías y litografías. Munch odiaba separarse de sus pinturas porque pensaba en su trabajo como un solo cuerpo de expresión. Entonces, para capitalizar su producción y obtener algunos ingresos, recurrió a las artes gráficas para reproducir muchas de sus pinturas, incluidas las de esta serie. Munch admitió los objetivos personales de su trabajo, pero también ofreció su arte a un propósito más amplio: "Mi arte es realmente una confesión voluntaria y un intento de explicarme a mí mismo mi relación con la vida; es, por lo tanto, en realidad un una especie de egoísmo, pero estoy constantemente esperando que a través de esto pueda ayudar a otros a lograr la claridad."
Si bien atrajo reacciones fuertemente negativas, en la década de 1890, Munch comenzó a recibir cierta comprensión de sus objetivos artísticos, como escribió un crítico: "Con un desprecio despiadado por la forma, la claridad, la elegancia, la totalidad y el realismo, pinta con fuerza intuitiva del talento las visiones más sutiles del alma." Uno de sus grandes partidarios en Berlín fue Walther Rathenau, más tarde ministro alemán de Asuntos Exteriores, quien contribuyó en gran medida a su éxito.
París, Berlín y Kristiania
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En 1896, Munch se mudó a París, donde se centró en las representaciones gráficas de sus temas Friso de la vida. Desarrolló aún más su técnica de xilografía y litografía. El Autorretrato con brazo esquelético de Munch (1895) está realizado con un método de grabado con aguja y tinta que también utilizó Paul Klee. Munch también produjo versiones multicolores de The Sick Child, sobre la tuberculosis, que se vendieron bien, así como varios desnudos y múltiples versiones de Kiss (1892). En mayo de 1896, Siegfried Bing realizó una exposición del trabajo de Munch dentro de la Maison de l'Art Nouveau de Bing. La exhibición mostró 60 obras, incluidas El beso, El grito, Madonna, El niño enfermo, La cámara de la muerte y El día después. La exhibición de Bing ayudó a presentar a Munch a una audiencia francesa. Aun así, muchos de los críticos parisinos todavía consideraban la obra de Munch como 'violenta y brutal'. incluso si sus exposiciones recibieron una gran atención y buena asistencia. Su situación económica mejoró considerablemente y, en 1897, Munch se compró una casa de verano frente a los fiordos de Kristiania, una pequeña cabaña de pescadores construida a finales del siglo XVIII, en el pequeño pueblo de Åsgårdstrand en Noruega. Llamó a esta casa la "Casa Feliz" y regresé aquí casi todos los veranos durante los siguientes 20 años. Era este lugar que extrañaba cuando estaba en el extranjero y cuando se sentía deprimido y agotado. "Pasear por Åsgårdstrand es como caminar entre mis cuadros: me inspira mucho pintar cuando estoy aquí".
En 1897, Munch regresó a Kristiania, donde también recibió una aceptación a regañadientes; un crítico escribió: "Muchos de estos cuadros se han exhibido antes". En mi opinión, estos mejoran en el conocimiento." En 1899, Munch inició una relación íntima con Tulla Larsen, una mujer "liberada" mujer de clase alta. Viajaron juntos a Italia y, al regresar, Munch comenzó otro período fértil en su arte, que incluyó paisajes y su pintura final en "The Frieze of Life" serie, La danza de la vida (1899). Larsen estaba ansioso por casarse, pero Munch no. Su consumo de alcohol y su mala salud reforzaron sus temores, como escribió en tercera persona: "Desde que era niño odiaba el matrimonio". Su hogar enfermo y nervioso le había dado la sensación de que no tenía derecho a casarse." Munch estuvo a punto de ceder ante Tula, pero huyó de ella en 1900, alejándose también de su considerable fortuna, y se mudó a Berlín. Sus Girls on the Jetty, creadas en 18 versiones diferentes, demostraron el tema de la juventud femenina sin connotaciones negativas. En 1902, exhibió sus obras temáticamente en el salón de la Secesión de Berlín, produciendo "un efecto sinfónico, causó un gran revuelo, mucho antagonismo y mucha aprobación". Los críticos de Berlín comenzaban a apreciar el trabajo de Munch a pesar de que el público todavía encontraba su trabajo extraño y extraño.
La buena cobertura de la prensa le ganó a Munch la atención de los patrocinadores influyentes Albert Kollman y Max Linde. Describió el giro de los acontecimientos en su diario: "Después de 20 años de lucha y miseria, las fuerzas del bien finalmente vienen en mi ayuda a Alemania, y una puerta brillante se abre para mí". Sin embargo, a pesar de este cambio positivo, el comportamiento autodestructivo y errático de Munch lo llevó primero a una violenta pelea con otro artista, luego a un disparo accidental en presencia de Tulla Larsen, quien había regresado para una breve reconciliación, que herido en dos de sus dedos. Más tarde, Munch cortó un autorretrato que lo representaba a él y a Larsen por la mitad como consecuencia del tiroteo y los eventos posteriores. Ella finalmente lo dejó y se casó con un colega más joven de Munch. Munch tomó esto como una traición, y se refirió a la humillación durante algún tiempo, canalizando parte de la amargura en nuevas pinturas. Sus pinturas Naturaleza muerta (La asesina) y La muerte de Marat I, realizadas en 1906-1907, hacen referencia clara al incidente del tiroteo y las secuelas emocionales.
En 1903–04, Munch expuso en París, donde los próximos fauvistas, famosos por sus audaces colores falsos, probablemente vieron sus obras y podrían haber encontrado inspiración en ellas. Cuando los Fauves realizaron su propia exhibición en 1906, Munch fue invitado y exhibió sus obras con las de ellos. Después de estudiar la escultura de Rodin, Munch pudo haber experimentado con plastilina como ayuda para el diseño, pero produjo pocas esculturas. Durante este tiempo, Munch recibió muchos encargos de retratos y grabados que mejoraron su condición financiera generalmente precaria. En 1906, pintó la pantalla para una obra de Ibsen en el pequeño Kammerspiele Theatre ubicado en el Deutsches Theatre de Berlín, en la que se colgó el Friso de la vida. Más tarde, el director del teatro, Max Reinhardt, lo vendió; ahora está en la Nationalgalerie de Berlín. Tras un período anterior de paisajes, en 1907 vuelve a centrar su atención en las figuras y situaciones humanas.
Desglose y recuperación
En el otoño de 1908, la ansiedad de Munch, agravada por el consumo excesivo de alcohol y las peleas, se agudizó. Como escribió más tarde: "Mi condición estaba al borde de la locura, era tocar y marchar". Sujeto a alucinaciones y sentimientos de persecución, ingresó en la clínica de Daniel Jacobson. La terapia que Munch recibió durante los siguientes ocho meses incluyó dieta y "electrificación" (un tratamiento entonces de moda para las afecciones nerviosas, que no debe confundirse con la terapia electroconvulsiva). La estancia de Munch en el hospital estabilizó su personalidad y, tras regresar a Noruega en 1909, su obra se volvió más colorida y menos pesimista. Aligerando aún más su estado de ánimo, el público en general de Kristiania finalmente se entusiasmó con su trabajo y los museos comenzaron a comprar sus pinturas. Fue nombrado Caballero de la Real Orden de San Olav "por sus servicios en el arte". Su primera exhibición estadounidense fue en 1912 en Nueva York.
Como parte de su recuperación, el Dr. Jacobson aconsejó a Munch que socializara solo con buenos amigos y que evitara beber en público. Munch siguió este consejo y en el proceso produjo varios retratos de cuerpo entero de amigos y mecenas de alta calidad, retratos honestos sin adulación. También creó paisajes y escenas de personas trabajando y jugando, utilizando un nuevo estilo optimista: pinceladas amplias y sueltas de colores vibrantes con uso frecuente de espacios en blanco y un uso poco común del negro, con referencias ocasionales a sus temas morbosos. Con más ingresos, Munch pudo comprar varias propiedades que le dieron nuevas perspectivas para su arte y finalmente pudo mantener a su familia.
El estallido de la Primera Guerra Mundial encontró a Munch con lealtades divididas, como dijo: "Todos mis amigos son alemanes, pero lo que amo es Francia". En la década de 1930, sus patrocinadores alemanes, muchos judíos, perdieron sus fortunas y algunos perdieron la vida durante el surgimiento del movimiento nazi. Munch encontró impresores noruegos para sustituir a los alemanes que habían estado imprimiendo su obra gráfica. Dado su mal historial de salud, durante 1918 Munch se sintió afortunado de haber sobrevivido a un brote de gripe española, la pandemia mundial de ese año.
Años posteriores
Munch pasó la mayor parte de sus últimas dos décadas en soledad en su finca casi autosuficiente en Ekely, en Skøyen, Oslo. Muchas de sus últimas pinturas celebran la vida en la granja, incluidas varias en las que usó su caballo de batalla "Rousseau" como modelo. Sin ningún esfuerzo, Munch atrajo un flujo constante de modelos femeninas, a quienes pintó como sujetos de numerosas pinturas de desnudos. Probablemente tuvo relaciones sexuales con algunos de ellos. Munch salía ocasionalmente de su casa para pintar murales por encargo, incluidos los realizados para la fábrica de chocolate Freia.
Hasta el final de su vida, Munch continuó pintando autorretratos implacables, lo que se sumó a su ciclo de búsqueda de sí mismo de su vida y su inquebrantable serie de tomas de sus estados emocionales y físicos. En las décadas de 1930 y 1940, los nazis etiquetaron la obra de Munch como "arte degenerado" (junto con el de Picasso, Klee, Matisse, Gauguin y muchos otros artistas modernos) y retiró sus 82 obras de los museos alemanes. Adolf Hitler anunció en 1937: "Por lo que nos importa, esos bárbaros de la cultura prehistórica de la Edad de Piedra y los tartamudos artísticos pueden regresar a las cuevas de sus antepasados y allí pueden aplicar su primitivo rascado internacional".
En 1940, los alemanes invadieron Noruega y el partido nazi se hizo cargo del gobierno. Munch tenía 76 años. Con casi una colección completa de su arte en el segundo piso de su casa, Munch vivía con el temor de una confiscación nazi. Setenta y una de las pinturas que los nazis se llevaron anteriormente habían sido devueltas a Noruega a través de la compra por parte de coleccionistas (las otras 11 nunca se recuperaron), incluidas El grito y El niño enfermo., y ellos también estaban escondidos de los nazis.
Munch murió en su casa de Ekely, cerca de Oslo, el 23 de enero de 1944, aproximadamente un mes después de cumplir 80 años. Su funeral orquestado por los nazis sugirió a los noruegos que era un simpatizante de los nazis, una especie de apropiación del artista independiente. La ciudad de Oslo compró la finca Ekely a los herederos de Munch en 1946; su casa fue demolida en mayo de 1960.
Legado
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De mi cuerpo podrido,
flores crecerán
y estoy en ellos
y eso es la eternidad.
Edvard Munch
Cuando Munch murió, sus obras restantes fueron legadas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en Tøyen (inaugurado en 1963). El museo alberga una colección de aproximadamente 1.100 pinturas, 4.500 dibujos y 18.000 grabados, la colección más amplia de sus obras en el mundo. El Museo Munch sirve como propiedad oficial de Munch; ha sido activo en responder a las infracciones de derechos de autor, así como en la limpieza de los derechos de autor del trabajo, como la aparición de The Scream de Munch en una campaña publicitaria de M&M en 2006. El representante de derechos de autor de EE. UU. para el Museo Munch y el Patrimonio de Edvard Munch es la Sociedad de Derechos de Artistas.
El arte de Munch era muy personalizado y enseñaba poco. Su "privado" el simbolismo era mucho más personal que el de otros pintores simbolistas como Gustave Moreau y James Ensor. Munch seguía ejerciendo una gran influencia, sobre todo entre los expresionistas alemanes, que seguían su filosofía: "No creo en el arte que no sea el resultado compulsivo de la urgencia del hombre por abrir su corazón". Muchas de sus pinturas, incluido El grito, tienen un atractivo universal además de su significado muy personal.
Las obras de Munch ahora están representadas en numerosos museos y galerías importantes en Noruega y en el extranjero. Su cabaña, "la Casa Feliz", fue entregada al municipio de Åsgårdstrand en 1944; sirve como un pequeño Museo Munch. El inventario se ha mantenido exactamente como lo dejó.
Una versión de El grito fue robada de la Galería Nacional en 1994. En 2004, otra versión de El grito, junto con una de Madonna, fue robado del Museo Munch en un atrevido robo a la luz del día. Todos estos fueron finalmente recuperados, pero las pinturas robadas en el robo de 2004 sufrieron daños importantes. Han sido meticulosamente restaurados y están expuestos de nuevo. Tres obras de Munch fueron robadas del Hotel Refsnes Gods en 2005; fueron recuperadas al poco tiempo, aunque una de las obras resultó dañada durante el robo.
En octubre de 2006, la xilografía en color Dos personas. El solitario (To mennesker. De ensomme) estableció un nuevo récord para sus grabados cuando se vendieron en una subasta en Oslo por 8,1 millones de coronas (1,27 millones de dólares estadounidenses equivalentes a 1 700 000 dólares en 2021). También estableció un récord por el precio más alto pagado en una subasta en Noruega. El 3 de noviembre de 2008, la pintura Vampire estableció un nuevo récord para sus pinturas cuando se vendió por 38 162 000 USD (equivalente a 48 000 000 USD en 2021) en Sotheby's New York.
La imagen de Munch aparece en el billete de 1000 coronas noruegas, junto con imágenes inspiradas en su obra de arte.
En febrero de 2012, una importante exposición de Munch, Edvard Munch. The Modern Eye, inaugurado en el Schirn Kunsthalle Frankfurt; la exposición fue inaugurada por Mette-Marit, princesa heredera de Noruega.
En mayo de 2012, El grito se vendió por 119,9 millones de dólares (equivalente a 141 500 000 dólares en 2021) y es la segunda obra de arte más cara jamás vendida en una subasta abierta. (Fue superado en noviembre de 2013 por Tres estudios de Lucian Freud, que se vendió por 142,4 millones de dólares estadounidenses).
En 2013, cuatro de las pinturas de Munch se representaron en una serie de sellos del servicio postal noruego para conmemorar en 2014 el 150 aniversario de su nacimiento.
El 14 de noviembre de 2016, una versión de Las niñas en el puente de Munch se vendió por 54,5 millones de dólares (equivalente a 61 500 000 dólares en 2021) en Sotheby's, Nueva York, lo que es el segundo precio más alto alcanzado por uno de sus cuadros.
En abril de 2019, el Museo Británico acogió la exposición Edvard Munch: Love and Angst, que consta de 83 obras de arte e incluye una rara impresión original de The Scream.
En mayo de 2022, la Courtauld Gallery acogió la exposición Edvard Munch. Obras maestras de Bergen, que exhibe 18 pinturas de la colección del industrial noruego Rasmus Meyer.
Aula Universitaria
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En 1911 se celebró el concurso final para la decoración de los grandes muros del Aula (salón de actos) de la Universidad de Oslo entre Munch y Emanuel Vigeland. El episodio se conoce como la "controversia del Aula". En 1914, Munch recibió finalmente el encargo de decorar el Aula y el trabajo se completó en 1916. Esta importante obra de la pintura monumental noruega incluye 11 pinturas que cubren 223 m2 (2400 pies cuadrados). El Sol, Historia y Alma Mater son las obras clave de esta secuencia. Munch declaró: "Quería que las decoraciones formaran un mundo de ideas completo e independiente, y quería que su expresión visual fuera distintivamente noruega y universalmente humana". En 2014 se sugirió que las pinturas de Aula tienen un valor de al menos 500 millones de coronas.
Grandes obras
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- 1885-1886: El niño enfermo
- 1892: Buenas noches a Karl Johan
- 1893: El grito
- 1894: Ashes
- 1894: Mujer en tres etapas
- 1894-1895: Madonna
- 1894-1896: Melancolía
- 1895: Puberty
- 1895: Autorretrato con cigarrillo
- 1895: Muerte en el salón
- 1899–1900: La danza de la vida
- 1899–1900: La madre muerta
- 1903: Pueblo en Moonlight
- 1940-1942: Auto-Portrait. Entre el reloj y la cama
Obras seleccionadas
Ashes, 1894, aceite sobre lienzo, 120,5 cm × 141 cm47+1.2en ×55+1.2in). Nasjonalgalleriet, Oslo
La danza de la vida, 1899–1900, aceite sobre lienzo, 126 cm × 191 cm49+1.2in × 75 in), Nasjonalgalleriet, Oslo
En la Mesa de la Ruleta en Monte Carlo, 1892, 74,5 cm × 116 cm29+1.4en ×45+3.4in), Munch Museum, Oslo
Muerte en el salón, 1893, 134 cm × 160 cm52+3.4in × 63 in), Munch Museum, Oslo
Starry Night, 1893, 135.6 cm × 140 cm53+1.2in × 55 in), J. Paul Getty Museum
Ansiedad, 1894, 94 cm × 74 cm (37 en ×29+1.4in), Munch Museum, Oslo
Amor y dolor (Vampiro), 1895, 91 cm × 109 cm35+3.4en × 43 in), Museo Munch, Oslo
Muerte en el salón, c. 1895, aceite sobre lienzo, 150 cm × 168 cm (59 en × 66 en), Nasjonalgalleriet, Oslo
Separación, 1896, 96 cm × 127 cm37+3.4in × 50 in), Munch Museum, Oslo
La Noche de Voz / Verano, 1896, 90 cm × 119 cm35+1.2en ×46+3.4in), Munch Museum, Oslo
Rojo y Blanco, 1899-1900, 93 cm × 129 cm36+1.2en ×50+3.4in), Munch Museum, Oslo
Golgotha, 1900, óleo sobre lienzo, Museo Munch, Oslo
Beso IV, 1902, grabado en madera, 47 cm × 47 cm18+1.2en ×18+1.2in), Munch Museum, Oslo
Cuatro chicas en Åsgårdstrand, 1903, 87 cm × 111 cm34+1.4en ×43+3.4in), Munch Museum, Oslo
El broche, Eva Mudocci, 1903, impresión litográfica sobre papel, 76 cm × 53.2 cm (30 en × 21 en), Museo Munch, Oslo
Retrato de Friedrich Nietzsche, 1906, Thiel Gallery, Estocolmo
Celoso, 1907, 75 cm × 98 cm29+1.2en ×38+1.2in), Munch Museum, Oslo
El Sol, 1910-1911, 450 cm × 772 cm177+1.4en × 304 in), Museo Munch, Oslo
Galloping Horse, 1910–12, 148 cm × 120 cm58+1.4en ×47+1.4in), Munch Museum, Oslo
El registro amarillo, 1912, 129.5 cm × 159.5 cm (51 en ×62+3.4in), Munch Museum, Oslo
Trabajadores en su camino a casa, 1913-14, 227 cm × 201 cm89+1.4en ×79+1.4in), Munch Museum, Oslo
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Desnudos
Las manos, 1893, aceite sobre lienzo, 91 x 77 cm, Museo Munch, Oslo
Puberty, 1894-1895, óleo sobre lienzo, 151,5 x 110 cm, Galería Nacional (Noruega)
Señora del Mar (detalle), 1896, aceite sobre lienzo. 100 cm × 320 cm39+1.2in × 126 in)
Metabolismo, 1898-1899, 172 cm × 142 cm67+3.4in × 56 in), Munch Museum, Oslo
Muerte de Marat I 1907, 150 x 199 cm, Museo Munch, Oslo
Hombres de baño, 1907-1908, aceite sobre lienzo, 206 x 227,5 cm, Ateneum, Helsinki
Mujer llorando, 1907-1909, aceite sobre lienzo, colección privada
Mañana Yawn, 1913, óleo sobre lienzo, 108 × 98 cm, Museos de Arte de Bergen
Nuda llorando, 1913-1914, 110 cm × 135 cm43+1.4en ×53+1.4in), Munch Museum, Oslo
Modelo de la silla Wicker, 1919-1921, óleo sobre lienzo, 122.5 × 100 cm, Museo Munch, Oslo
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Autorretratos
Self-Portrait, 1882, 26 cm × 19 cm10+1.4en ×7+1.2in), Munch Museum, Oslo
Auto-Portrait en el infierno, 1903, 82 cm × 66 cm32+1.4en × 26 en), Museo Munch, Oslo
Auto-Portrait con Brujas, 1904, 197 cm × 91 cm77+1.2en ×35+3.4in), Munch Museum, Oslo
Autorretrato con botella de vino, 1906, 110 cm × 120 cm43+1.4en ×47+1.4in), Munch Museum, Oslo
Auto-Portrait con la gripe española, 1919, óleo sobre lienzo, 150 x 131 cm, Galería Nacional (Noruega)
Auto-Portrait. Entre el reloj y la cama, c. 1940-1943, Munch Museum, Oslo
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Paisajes
Lago pequeño con Barco', 1880, aceite sobre papel a bordo, 12 x 18 cm, Museo Munch, Oslo
De Sandviken, c. 1882, aceite en cartón, 20 x 25 cm, Museo de Arte Flaten
De Saxegårdsgate, c. 1882, óleo sobre lienzo, Museo de Arte Lillehammer, Lillehammer
Sketch para las cenizas ' , 1894, aceite sobre lienzo, Bergen Kunstmuseum
Tren de humo, 1900, 84 cm × 109 cm (33 en × 43 in), Museo Munch, Oslo
Zapato con Casa Roja, 1904, óleo sobre lienzo, 69 × 109 cm, Museo Munch, Oslo
Paisaje en el Mar, 1918, óleo sobre lienzo, 120.9 x 160, Kunstmuseum Basel
Starry Night, 1922-1924, óleo sobre lienzo, 120,5 x 100 cm, Museo Munch, Oslo
Noche de Invierno, Ekely, 1930-1931, aceite sobre lienzo
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Fotografías
Self-Portrait at 53 Am Strom in Warnemünde, 1907, Munch Museum, Oslo
Edvard Munch en la playa en Warnemünde, 1907, Munch Museum, Oslo
Auto-Portrait "à la Marat", 1908–09, Munch Museum, Oslo
Autorretrato en algún lugar del continente I, 1906, Munch Museum, Oslo
Retrato a 26 años
Retrato de Edvard Munch 1902
Retrato de Edvard Munch
Munch en 1912
Rosa Meissner en el Hotel Rohn en Warnemünde, 1907, fotografía, Museo Munch, Oslo
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