Educación artística

La educación en artes visuales es el área de aprendizaje que se basa en el tipo de arte que uno puede ver, artes visuales: dibujo, pintura, escultura, grabado y diseño en joyería, cerámica, tejido, telas, etc. y diseño aplicado a más campos prácticos como gráficos comerciales y muebles para el hogar. Los temas contemporáneos incluyen fotografía, video, cine, diseño y arte computarizado. La educación artística puede centrarse en que los estudiantes creen arte, en aprender a criticar o apreciar el arte, o alguna combinación de ambos.

Enfoques

El arte a menudo se enseña a través del dibujo, la pintura, la escultura, la instalación y la creación de marcas. El dibujo es visto como una actividad empírica que consiste en ver, interpretar y descubrir marcas apropiadas para reproducir un fenómeno observado. La enseñanza del dibujo ha sido un componente de la educación formal en Occidente desde el período helenístico. En el este de Asia, la educación artística para artistas no profesionales generalmente se enfocaba en la pincelada; la caligrafía figuraba entre las Seis Artes de los caballeros de la dinastía china Zhou, y la caligrafía y la pintura china figuraban entre las cuatro artes de los eruditos-funcionarios de la China imperial.

Un enfoque alternativo a la educación artística implica un énfasis en la imaginación, tanto en la interpretación como en la creación de arte. Muchos educadores preguntarán a sus alumnos "¿Por qué crees que el artista tomó esta decisión?", Una vez que hayan dado una respuesta, les darán el contexto de la pieza y luego les preguntarán nuevamente. Esto es para que los estudiantes consideren el significado más profundo detrás de las obras, en lugar de simplemente mostrarles una imagen bonita. La educación artística también tiene que ver con la experimentación y el juego con un propósito y vincular su arte con mensajes conceptuales y experiencias personales.Permitir que los estudiantes conecten una pieza con la emoción los ayuda a comprender mejor cómo la obra de arte se conecta con el artista y su tema, desarrollando sus habilidades de pensamiento crítico. Los enfoques alternativos, como la cultura visual y los enfoques basados ​​en problemas en los que los estudiantes exploran problemas sociales y personales a través del arte, también informan la educación artística en la actualidad.

Los modelos curriculares destacados para la educación artística incluyen:

• Un modelo séxtuple dividido en componentes "Creativo-Productivo, Cultural-Histórico y Crítico-Responsivo" en algunas provincias de Canadá
• La educación artística basada en disciplinas (DBAE) ganó popularidad en los Estados Unidos durante las décadas de 1980 y 1990, y se centró en habilidades específicas que incluyen técnicas, crítica de arte e historia del arte. Fuertemente respaldado por el Getty Education Institute for the Arts, DBAE se desvaneció después de que el Instituto dejó de financiar en 1998.
• Teaching for Artistic Behavior (TAB) es un modelo basado en la elección que comenzó en la década de 1970 en Massachusetts, Estados Unidos. TAB sugiere que los estudiantes deben ser los artistas y ser guiados en sus propios intereses artísticos individuales. Los modelos curriculares basados ​​en TAB han aumentado en popularidad a medida que la cultura del aula cambia de la preferencia de la instrucción directa al aprendizaje centrado en el estudiante y basado en la investigación.

Además, especialmente en la educación superior en la tradición de las artes liberales, el arte a menudo se enseña como "apreciación del arte", un tema de crítica estética en lugar de compromiso directo.

Algunos estudios muestran que los programas sólidos de educación artística han demostrado un mayor rendimiento de los estudiantes en otras áreas académicas, debido a que las actividades artísticas ejercitan el hemisferio derecho del cerebro y deslateralizan su pensamiento. Véase también el dibujo de Betty Edwards sobre el lado derecho del cerebro.

La educación artística no se limita a las instituciones educativas formales. Algunos artistas profesionales brindan instrucción privada o semiprivada en sus propios estudios. Esto puede tomar la forma de un aprendizaje en el que el estudiante aprende de un artista profesional mientras ayuda al artista con su trabajo. Una forma de este estilo de enseñanza es el Método Atelier, ejemplificado por Gustave Moreau, quien enseñó a Picasso, Braque y muchos otros artistas.

Aprendizaje

Históricamente, el arte se enseñaba en Europa a través del sistema de método de taller.donde los artistas tomaban aprendices que aprendían su oficio de la misma manera que en gremios como los canteros o los orfebres. Durante su tiempo libre, la formación formal se llevó a cabo en talleres de arte o, más a menudo, en casas o solos al aire libre. Fue en estos talleres donde los artistas aprendieron el oficio a través del aprendizaje de los maestros, una relación que estaba controlada por los estatutos del gremio. Los contratos florentinos que datan de finales del siglo XIII establecen que se esperaba que el maestro vistiera y alimentara al aprendiz, quien a cambio estaba llamado a ser un fiel sirviente. Un aprendiz a menudo pagaba al maestro durante los primeros años de su educación; suponiendo que el aprendizaje fuera productivo, el estudiante sería compensado más adelante en su formación. Los talleres del norte de Europa presentaron términos similares.

Inicialmente, aprender a dibujar era una prioridad en este sistema. Miguel Ángel recomendó que un joven pintor pasara un año dibujando solo, luego seis años puliendo colores, preparando paneles y usando pan de oro, tiempo durante el cual continuaría el estudio del dibujo. Se necesitarían otros seis años para dominar la pintura al fresco y al temple.

Históricamente, el diseño ha tenido cierta precedencia sobre las bellas artes y se establecieron escuelas de diseño en toda Europa en el siglo XVIII. Estos ejemplos de habilidad y valores del arte europeo primitivo inspiraron a las generaciones posteriores, incluidos los colonos de la América primitiva.

Apropiación cultural dentro del aula.

Las personas que emplean la apropiación cultural tienen la capacidad de producir obras de considerable valor estético. El uso de propiedades del arte de diferentes culturas, como la decoración o la emulación del proceso creativo, puede fomentar una mayor comprensión y apreciación de las artesanías de diferentes culturas. Esta técnica se puede apreciar en la producción de proyectos de elaboración de máscaras africanas o nativas americanas, donde los estudiantes emulan la técnica y exploran nuevos usos de materiales y métodos de construcción que valoran las prácticas de diferentes culturas.

Por país

Argentina

País líder en el desarrollo de las artes en América Latina, en 1875 creó la Sociedad Nacional del Estímulo de las Artes, fundada por los pintores Eduardo Schiaffino, Eduardo Sívori, y otros artistas. Su gremio fue reconstituido como Academia Nacional de Bellas Artes en 1905 y, en 1923, por iniciativa del pintor y académico Ernesto de la Cárcova, como departamento de la Universidad de Buenos Aires, Escuela Superior de Arte de la Nación. Actualmente, la principal organización educativa para las artes en el país es la UNA Universidad Nacional de las Artes.

Australia

Las universidades australianas que tienen departamentos o cursos de artes visuales/bellas dentro de sus instituciones han pasado de modelos de enseñanza basados ​​en estudios, asociados con las escuelas de arte, a un énfasis teórico/práctico más integrado. La Universidad de Australia Occidental ha pasado de una maestría con énfasis teórico a una licenciatura teórica en arte.

Las iniciativas de enseñanza basadas en estudios que integran elementos contextuales y de medios se han implementado como parte de un Proyecto de enseñanza de estudio nacional respaldado por el Consejo Australiano de Aprendizaje y Enseñanza (ALTC) desde 2007.

Egipto

La primera escuela de arte moderno en Egipto se abrió en 1908 como la Facultad de Bellas Artes de El Cairo. Estas primeras escuelas de arte enseñaron en gran medida las tradiciones estéticas occidentales. Como resultado, después de la independencia hubo un esfuerzo por incorporar las tradiciones egipcias y del Medio Oriente en los cursos de arte y apreciación del arte. Sin embargo, el proceso fue lento; Los estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de El Cairo no pudieron especializarse en historia del arte no europeo hasta 1999.

Francia

La primera academia, la Académie royale de peinture et de sculpture , fue fundada en 1648.

Hoy en día, la educación artística, que incluye la educación en artes visuales, es una parte obligatoria de la educación escolar desde el segundo ciclo (seis años) y se extiende hasta el final de la escuela secundaria inferior (collège).

Hay clases centradas en el arte (classes à horaires aménagés) en algunas escuelas que brindan educación artística avanzada en paralelo a la educación primaria normal o secundaria inferior. En las escuelas secundarias superiores, es posible preparar un baccalauréat technologique en ciencias y tecnologías del diseño y artes aplicadas (STD2A, ex F12).

En la educación terciaria, las escuelas dedicadas proponen un diplôme national des métiers d'art et du design (DN MADE, diploma nacional de profesiones de arte y diseño) con varios diplômes des métiers d'art (DMA, licenciatura en profesiones artísticas), y luego diplôme supérieur d'arts appliqués (DSAA, maestría en artes aplicadas).

Italia

Las escuelas de arte se establecieron en Italia ya en el siglo XIII, comenzando con una escuela de pintura en Venecia fundada por un pintor griego llamado Theophanes alrededor de 1200.

Los países bajos

La Asociación de Profesores de Arte Holandeses (Nederlandse Vereniging voor Tekenonderwijs) fue fundada en 1880 y comenzó a publicar una revista mensual en 1884. Desde finales del siglo XX, la creciente diversidad de la sociedad holandesa ha hecho que el arte y la educación artística holandeses sean cada vez más multiculturales.

Reino Unido

La educación artística formal surgió en el Reino Unido a principios del siglo XIX, motivada en parte por el deseo de igualar la calidad del trabajo de diseño que se realizaba en Francia. El modelo inicialmente adoptado fue el de las escuelas comerciales alemanas. Prince Albert fue particularmente influyente en la creación de escuelas de arte en el Reino Unido.

Actualmente en el Reino Unido, el plan de estudios de arte está prescrito por el plan de estudios nacional del gobierno, excepto en las escuelas públicas o de pago. El Príncipe Carlos ha creado la Escuela de Dibujo del Príncipe en Hoxton para preservar la enseñanza del dibujo académico.

Estados Unidos

El estudio de la apreciación del arte en Estados Unidos comenzó con el movimiento Artists of Today a fines del siglo XIX y comenzó a desvanecerse a fines de la década de 1920. El estudio de imágenes era una parte importante del plan de estudios de educación artística. La atención a la estética en las aulas generó interés público en embellecer la escuela, el hogar y la comunidad, lo que se conoció como "Arte en la vida diaria". La idea era llevar la cultura al niño para cambiar a los padres. El movimiento de estudio de imágenes se extinguió a fines de la década de 1920 como resultado de nuevas ideas sobre el aprendizaje de la apreciación del arte a través del trabajo de estudio que se hicieron más populares en los Estados Unidos.

El filósofo educativo y reformador escolar estadounidense John Dewey influyó en la ampliación del acceso a la educación artística en los Estados Unidos a fines del siglo XIX y principios del XX.

Desde la Segunda Guerra Mundial, la formación de artistas se ha trasladado a las escuelas primarias y el arte contemporáneo se ha convertido en un campo cada vez más académico e intelectual. Antes de la Segunda Guerra Mundial, un artista generalmente no necesitaba un título universitario. Desde ese momento, la Licenciatura en Bellas Artes y luego la Maestría en Bellas Artes se convirtieron en títulos recomendados para ser un artista profesional, facilitado por la aprobación del GI Bill en 1944, que envió a una ola de veteranos de la Segunda Guerra Mundial a la escuela, escuela de arte incluido. Los departamentos de arte universitarios se expandieron rápidamente. Artistas estadounidenses que alguna vez pudieron haber estudiado en escuelas bohemias y artesanales como la Art Students League, Black Mountain College o la Escuela de Arte Hans Hofmann en Greenwich Village; comenzó a matricularse en universidades en su lugar. Para los años 60, The School of Visual Arts, Pratt Institute,Esta tendencia se extendió desde los Estados Unidos por todo el mundo.

La inscripción en clases de arte a nivel de escuela secundaria alcanzó su punto máximo a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. Con No Child Left Behind (NCLB) (que conserva las artes como parte de la "vida diaria", pero no requiere informes o datos de evaluación en esta área), ha habido una disminución adicional de la educación artística en las escuelas públicas estadounidenses. El Departamento de Educación de los Estados Unidos ahora otorga subvenciones para el desarrollo y la difusión de modelos de artes en la educación para apoyar a las organizaciones con experiencia en arte en el desarrollo de planes de estudios artísticos. Después de 2010, se estima que el 25% de las escuelas secundarias públicas del país terminarán todos los programas de arte. Varias empresas de "tecnología educativa" como Kadenze y edX han intentado mitigar esta pérdida a través de la educación artística en línea.

Las organizaciones nacionales que promueven la educación artística incluyen Americans for the Arts, incluido el arte. Pregunta por más. , su campaña nacional de concientización pública sobre educación artística; Asociación para el Avance de la Educación Artística; Asociación de Educación Artística.;

Las organizaciones profesionales para educadores de arte incluyen la Asociación Nacional de Educación Artística, que publica la revista Art Education y la revista de investigación Studies in Art Education; USSEA (Sociedad Estadounidense para la Educación a través del Arte) e InSEA (Sociedad Internacional para la Educación a través del Arte).

La educación a través de las artes visuales es una influencia importante y efectiva para permitir que los estudiantes, desde una edad temprana, comprendan e implementen el proceso democrático fundacional enfatizado dentro de la estructura social de los Estados Unidos. En 2008, la Evaluación Nacional del Progreso Educativo (NAEP, por sus siglas en inglés) estudió a 7900 estudiantes de octavo grado en las áreas de arte y música. Los resultados del estudio concluyeron que las alumnas obtuvieron puntajes más altos que sus compañeros masculinos tanto en música como en artes visuales.

Olivia Gude, ganadora de la beca Lowenfeld Lecture Scholarship de la Asociación Nacional de Educación Artística en 2009, habló sobre las numerosas formas en que la educación artística es fundamental para formar un ciudadano informado, consciente de sí mismo y del mundo. Ella afirma que:

A través de la educación artística, los estudiantes desarrollan habilidades mejoradas para comprender el significado de los demás. A través de una educación artística de calidad, los jóvenes desarrollan la capacidad de aprender varios oficios mucho más fácilmente que otros. Lo más significativo es que el compromiso con las artes enseña a los jóvenes a percibir la complejidad como un placer y una posibilidad, no como una irritante incertidumbre. La mayor conciencia de uno mismo se extiende a una mayor conciencia de los demás...

Michelle Marder Kamhi, quien ha escrito sobre educación artística, es muy crítica con las tendencias recientes en el campo en los Estados Unidos y en otros lugares. Ella descarta gran parte del arte contemporáneo que se muestra en los principales museos como gestos políticos que no son arte. En "Repensar la educación artística", capítulo 8 de su libro ¿Quién dice que eso es arte? , se enfoca en dos tendencias en el campo que cree que "deberían preocupar a los ciudadanos reflexivos, incluso a aquellos con poco interés en el arte". Por ejemplo, un artículo de opinión suyo en el Wall Street Journal criticaba Brinco de Judi Werthein.—una pieza de "arte de actuación" que consistía principalmente en las zapatillas de deporte especialmente equipadas de Werthein que repartía a inmigrantes ilegales—que había sido recomendada para su estudio por un destacado educador de arte en una sesión de conferencia de la NAEA.

Educación especial

La educación artística se combinó con la educación especial incluso antes de que hubiera reformas para crear adaptaciones especiales para niños con necesidades especiales en aulas típicas. Cuando se trata de arte, los terapeutas de arte a menudo se utilizan para conectarse con estudiantes con necesidades especiales. Sin embargo, algunos terapeutas artísticos sacan a los estudiantes del aula, lo que hace que se atrasen en sus otras tareas escolares, como matemáticas, inglés y ciencias. Debido a esto, la terapia del arte está reservada para estudiantes que no tienen muchas posibilidades de mejoras a largo plazo, sino habilidades de desarrollo a corto plazo, o para aquellos que buscan aumentar sus capacidades generales.

La educadora especial Jean Lokerson y la educadora de arte Amelia Jones escribieron que "la sala de arte es un lugar donde las discapacidades de aprendizaje pueden convertirse en recursos de aprendizaje". Los estudiantes con necesidades especiales a menudo salen de sus caparazones y se entusiasman con la creación. El arte también es una forma en que los educadores especiales enseñan a sus alumnos los fundamentos que quizás ni siquiera se den cuenta.

Hay estudios en curso que siguen demostrando que el arte y la educación especial van de la mano. Las pruebas continúan demostrando que el arte en cualquier aula, pero especialmente en las aulas de educación especial, hace que los estudiantes estén motivados, entusiasmados y, en algunos casos, incluso promueven el aprendizaje en otras áreas temáticas.

Tendencias actuales en teoría y erudición

El dominio de la educación artística se está ampliando para incluir una gama más amplia de cultura visual y popular. Las tendencias actuales en la erudición emplean enfoques posmodernos y de cultura visual para la educación artística, consideran los efectos del globalismo en la producción e interpretación de imágenes y centran un interés renovado en cuestiones de creatividad. Dentro de la NAEA, la investigación y las publicaciones se orientan hacia temas de aprendizaje, comunidad, promoción, investigación y conocimiento.Desde 2016, el Instituto de Investigación en Educación Artística (AERI) ha celebrado un simposio anual que apoya la investigación y los estudios académicos críticos, sistemáticos, empíricos y teóricos que abordan cuestiones intelectuales y prácticas clave en el campo de la educación artística. AERI busca promover una amplia gama de prácticas y metodologías de investigación rigurosas extraídas de las artes, las humanidades y las ciencias sociales para mejorar la investigación relacionada con la enseñanza y el aprendizaje en y a través de las artes visuales.