Édouard Manet
Édouard Manet (,; francés: [edwaʁ manɛ]; 23 de enero de 1832 - 30 de abril de 1883) fue un pintor modernista francés. Fue uno de los primeros artistas del siglo XIX en pintar la vida moderna, así como una figura fundamental en la transición del realismo al impresionismo.
Nacido en un hogar de clase alta con fuertes conexiones políticas, Manet rechazó la carrera naval que originalmente se había previsto para él; se sumergió en el mundo de la pintura. Sus primeras obras maestras, El almuerzo sobre la hierba (Le déjeuner sur l'herbe) y Olympia, ambas de 1863, causaron gran controversia y sirvieron como puntos de reunión para los jóvenes pintores que crearían el impresionismo. Hoy en día, estas pinturas se consideran parteaguas que marcan el inicio del arte moderno. Los últimos 20 años de la vida de Manet lo vieron formar lazos con otros grandes artistas de la época; desarrolló su propio estilo simple y directo que sería anunciado como innovador y serviría como una gran influencia para los futuros pintores.
Primeros años
Édouard Manet nació en París el 23 de enero de 1832, en el ancestral hôtel particulier (mansión) de la Rue des Petits Augustins (ahora Rue Bonaparte) en el seno de una familia acomodada y bien relacionada. Su madre, Eugénie-Desirée Fournier, era hija de un diplomático y ahijada del príncipe heredero sueco Charles Bernadotte, de quien descienden los monarcas suecos. Su padre, Auguste Manet, era un juez francés que esperaba que Édouard siguiera la carrera de derecho. Su tío, Edmond Fournier, lo animó a dedicarse a la pintura y llevó al joven Manet al Louvre. En 1841 se matriculó en la escuela secundaria, el Collège Rollin. En 1845, por consejo de su tío, Manet se matriculó en un curso especial de dibujo donde conoció a Antonin Proust, futuro ministro de Bellas Artes y posterior amigo de toda la vida.
Por sugerencia de su padre, en 1848 navegó en un buque escuela a Río de Janeiro. Después de reprobar dos veces el examen para unirse a la Marina, su padre cedió a sus deseos de seguir una educación artística. De 1850 a 1856, Manet estudió con el pintor académico Thomas Couture. En su tiempo libre, Manet copió los Viejos Maestros en el Louvre.
De 1853 a 1856, Manet visitó Alemania, Italia y los Países Bajos, tiempo durante el cual recibió la influencia del pintor holandés Frans Hals y los artistas españoles Diego Velázquez y Francisco José de Goya.
Carrera
En 1856, Manet abrió un estudio. Su estilo en este período se caracterizó por pinceladas sueltas, simplificación de detalles y supresión de tonos de transición. Adoptando el estilo actual de realismo iniciado por Gustave Courbet, pintó El bebedor de absenta (1858-1859) y otros temas contemporáneos como mendigos, cantantes, gitanos, gente en cafés y corridas de toros. Después de su carrera temprana, rara vez pintó temas religiosos, mitológicos o históricos; pinturas religiosas de 1864 incluyen su Jesús burlado por los soldados, en el Instituto de Arte de Chicago, y El Cristo muerto con ángeles, en el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Manet tuvo dos lienzos aceptados en el Salón de 1861. Un retrato de su madre y su padre, que en ese momento estaba paralizado y sin habla por un derrame cerebral, fue mal recibido por la crítica. El otro, El cantante español, fue admirado por Théophile Gautier y colocado en un lugar más destacado como resultado de su popularidad entre los asistentes al Salón. El trabajo de Manet, que parecía "ligeramente descuidado" en comparación con el estilo meticuloso de tantas otras pinturas del Salón, intrigó a algunos artistas jóvenes. La cantante española, pintada de una "nueva moda extraña[,] hizo que muchos pintores' ojos para abrir y sus mandíbulas para caer."
Música en las Tullerías
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Música en las Tullerías es un ejemplo temprano del estilo pictórico de Manet. Inspirado en Hals y Velázquez, es un presagio de su interés de toda la vida por el tema del ocio.
Si bien algunos consideraron que la imagen no estaba terminada, la atmósfera sugerida transmite una idea de cómo eran los jardines de las Tullerías en ese momento; uno puede imaginar la música y la conversación.
Aquí, Manet ha retratado a sus amigos, artistas, autores y músicos que participan, y ha incluido un autorretrato entre los sujetos.
Almuerzo sobre la hierba (Le déjeuner sur l'herbe)
Un trabajo temprano importante es El almuerzo sobre la hierba (Le Déjeuner sur l'herbe), originalmente Le Bain. El Salón de París lo rechazó para exhibición en 1863, pero Manet accedió a exhibirlo en el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados) que era una exhibición paralela al Salón oficial, como una exhibición alternativa en el Palais des Champs-Elysée. El Salon des Refusés fue iniciado por el emperador Napoleón III como una solución a una situación problemática que se produjo cuando el Comité de Selección del Salón de ese año rechazó 2.783 pinturas del c. 5000. Cada pintor podía decidir si aprovechar la oportunidad de exponer en el Salon des Refusés, aunque menos de 500 de los pintores rechazados optaron por hacerlo.
Manet empleó a la modelo Victorine Meurent, su esposa Suzanne, su futuro cuñado Ferdinand Leenhoff y uno de sus hermanos para posar. Meurent también posó para varias pinturas importantes de Manet, incluidas Olympia; ya mediados de la década de 1870 se convirtió en una consumada pintora por derecho propio.
La yuxtaposición de la pintura de hombres completamente vestidos y una mujer desnuda fue controvertida, al igual que su manejo abreviado, similar a un boceto, una innovación que distinguió a Manet de Courbet. Al mismo tiempo, la composición de Manet revela su estudio de los maestros antiguos, ya que la disposición de las figuras principales se deriva del grabado de Marcantonio Raimondi del Juicio de París (c.. 1515) basado en un dibujo de Rafael.
Dos obras adicionales citadas por estudiosos como importantes precedentes de Le déjeuner sur l'herbe son Pastoral Concert (c. 1510, The Louvre) y La tempestad (Gallerie dell'Accademia, Venecia), ambas atribuidas de diversas formas a los maestros del Renacimiento italiano Giorgione o Tiziano. La tempestad es una pintura enigmática que presenta a un hombre completamente vestido y una mujer desnuda en un entorno rural. El hombre está de pie a la izquierda y mira al costado, aparentemente a la mujer, que está sentada y amamantando a un bebé; la relación entre las dos figuras no está clara. En Concierto pastoral, dos hombres vestidos y una mujer desnuda están sentados en la hierba, haciendo música, mientras que una segunda mujer desnuda está de pie junto a ellos.
Olimpia
Al igual que en Almuerzo sobre la hierba, Manet volvió a parafrasear una respetada obra de un artista renacentista en el cuadro Olimpia (1863), un desnudo retratado en un estilo recuerda a las primeras fotografías de estudio, pero cuya pose estaba basada en la Venus de Urbino de Tiziano (1538). El cuadro también recuerda al cuadro La maja desnuda de Francisco Goya (1800).
Manet se embarcó en el lienzo después de haber sido desafiado a entregar al Salón un desnudo para exhibir. Su representación singularmente franca de una prostituta segura de sí misma fue aceptada por el Salón de París en 1865, donde creó un escándalo. Según Antonin Proust, "sólo las precauciones tomadas por la administración evitaron que la pintura fuera perforada y rasgada" por los espectadores ofendidos. La pintura fue controvertida en parte porque la desnuda usa algunas prendas pequeñas, como una orquídea en el cabello, un brazalete, una cinta alrededor del cuello y pantuflas, todo lo cual acentuaba su desnudez, sexualidad y estilo de vida cómodo de cortesana. La orquídea, el cabello recogido, el gato negro y el ramo de flores eran símbolos reconocidos de la sexualidad en ese momento. Este moderno Venus' el cuerpo es delgado, contrario a los estándares predominantes; la falta de idealismo de la pintura irritaba a los espectadores. La planitud de la pintura, inspirada en el arte de los bloques de madera japoneses, sirve para hacer que el desnudo sea más humano y menos voluptuoso. Se presenta a un sirviente negro completamente vestido, que explota la teoría vigente en ese momento de que las personas negras eran hipersexuales. Que ella vista la ropa de un sirviente a una cortesana aquí aumenta la tensión sexual de la pieza.
El cuerpo de Olympia, así como su mirada, son descaradamente conflictivos. Ella mira desafiante mientras su sirviente ofrece flores de uno de sus pretendientes masculinos. Aunque su mano descansa sobre su pierna, ocultando su zona púbica, la referencia a la virtud femenina tradicional es irónica; una noción de modestia está notoriamente ausente en este trabajo. Un crítico contemporáneo denunció la "flexionada descaradamente" de Olympia; mano izquierda, que le parecía una burla de la mano relajada y protectora de la Venus de Tiziano. Asimismo, el gato negro alerta a los pies de la cama da una nota de rebeldía sexual en contraste con el perro dormido en el retrato de la diosa de Tiziano en su Venus de Urbino.
Olympia fue objeto de caricaturas en la prensa popular, pero fue defendida por la comunidad de vanguardia francesa, y la importancia de la pintura fue apreciada por artistas como Gustave Courbet, Paul Cézanne, Claude Monet y más tarde Paul Gauguin.
Al igual que con Almuerzo sobre la hierba, la pintura planteó el tema de la prostitución en la Francia contemporánea y el papel de la mujer en la sociedad.
Vida y época
Después de la muerte de su padre en 1862, Manet se casó con Suzanne Leenhoff en 1863 en una iglesia protestante. Leenhoff era un profesor de piano nacido en Holanda, dos años mayor que Manet, con quien había tenido una relación sentimental durante aproximadamente diez años. Leenhoff inicialmente había sido contratado por el padre de Manet, Auguste, para enseñar piano a Manet y a su hermano menor. También pudo haber sido la amante de Auguste. En 1852, Leenhoff dio a luz, fuera del matrimonio, a un hijo, Leon Koella Leenhoff.
Manet pintó a su mujer en La lectura, entre otros cuadros. Su hijo, Leon Leenhoff, cuyo padre pudo haber sido cualquiera de los Manet, posó a menudo para Manet. Más famoso, es el tema del Niño que lleva una espada de 1861 (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). También aparece como el niño que lleva una bandeja en el fondo de El balcón (1868-1869).
Manet se hizo amigo de los impresionistas Edgar Degas, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, Paul Cézanne y Camille Pissarro a través de otra pintora, Berthe Morisot, que era miembro del grupo y lo atrajo a sus actividades. Más tarde se hicieron ampliamente conocidos como el grupo Batignolles (Le groupe des Batignolles).
La supuesta sobrina nieta del pintor Jean-Honoré Fragonard, Morisot hizo que su primera pintura fuera aceptada en el Salón de París en 1864, y continuó exhibiendo en el salón durante los siguientes diez años.
Manet se convirtió en amiga y colega de Morisot en 1868. A ella se le atribuye haber convencido a Manet de intentar pintar al aire libre, lo que había estado practicando desde que otra amiga suya, Camille Corot, se lo presentó. Tenían una relación recíproca y Manet incorporó algunas de sus técnicas a sus pinturas. En 1874, se convirtió en su cuñada cuando se casó con su hermano, Eugène.
A diferencia del núcleo del grupo impresionista, Manet sostenía que los artistas modernos deberían intentar exponer en el Salón de París en lugar de abandonarlo en favor de exposiciones independientes. Sin embargo, cuando Manet fue excluido de la Exposición Internacional de 1867, montó su propia exposición. A su madre le preocupaba que desperdiciara toda su herencia en este proyecto, que era enormemente costoso. Si bien la exposición obtuvo malas críticas de los principales críticos, también proporcionó sus primeros contactos con varios futuros pintores impresionistas, incluido Degas.
Aunque su propio trabajo influyó y anticipó el estilo impresionista, Manet se resistió a participar en exposiciones impresionistas, en parte porque no deseaba ser visto como el representante de una identidad grupal y en parte porque prefería exponer en el Salón. Eva Gonzalès, hija del novelista Emmanuel Gonzalès, fue su única alumna formal.
Fue influenciado por los impresionistas, especialmente Monet y Morisot. Su influencia se ve en el uso de colores más claros por parte de Manet: después de principios de la década de 1870, hizo menos uso de fondos oscuros pero mantuvo su uso distintivo del negro, poco característico de la pintura impresionista. Pintó muchas piezas al aire libre (plein air), pero siempre volvió a lo que consideraba el trabajo serio del estudio.
Manet disfrutó de una estrecha amistad con el compositor Emmanuel Chabrier, pintó dos retratos de él; el músico poseía 14 de las pinturas de Manet y dedicó su Impromptu a la esposa de Manet.
Uno de los modelos frecuentes de Manet a principios de la década de 1880 era el "semimondaine" Méry Laurent, que posó para siete retratos al pastel. Los salones de Laurent acogieron a muchos escritores y pintores franceses (e incluso estadounidenses) de su tiempo; Manet tenía conexiones e influencia a través de tales eventos.
A lo largo de su vida, aunque resistido por los críticos de arte, Manet podría contar como sus campeones Émile Zola, quien lo apoyó públicamente en la prensa, Stéphane Mallarmé y Charles Baudelaire, quien lo desafió a representar la vida tal como era. Manet, a su vez, dibujó o pintó cada uno de ellos.
Escenas de cafetería
Las pinturas de escenas de café de Manet son observaciones de la vida social en el París del siglo XIX. Las personas están representadas bebiendo cerveza, escuchando música, coqueteando, leyendo o esperando. Muchas de estas pinturas se basaron en bocetos ejecutados en el lugar. Manet visitaba a menudo la Brasserie Reichshoffen en el boulevard de Rochechourt, en la que basó At the Cafe en 1878. Varias personas están en el bar y una mujer confronta al espectador mientras otras esperan a ser atendidas. Tales representaciones representan el diario pintado de un flâneur. Estos están pintados en un estilo suelto, haciendo referencia a Hals y Velázquez, pero capturan el estado de ánimo y el sentimiento de la vida nocturna parisina. Son instantáneas pintadas de la bohemia, la gente trabajadora urbana, así como parte de la burguesía.
En Rincón de un Café-Concierto, un hombre fuma mientras detrás de él una camarera sirve bebidas. En The Beer Drinkers una mujer disfruta de su cerveza en compañía de una amiga. En The Café-Concert, que se muestra a la derecha, un caballero sofisticado se sienta en un bar mientras una camarera permanece resuelta al fondo, tomando un sorbo de su bebida. En The Waitress, una criada se detiene un momento detrás de un cliente sentado fumando una pipa, mientras que una bailarina de ballet, con los brazos extendidos cuando está a punto de girar, está en el escenario al fondo.
Manet también se sentó en el restaurante de la Avenue de Clichy llamado Pere Lathuille's, que tenía un jardín además del comedor. Una de las pinturas que produjo aquí fue Chez le père Lathuille (En casa de Pere Lathuille), en la que un hombre muestra un interés no correspondido por una mujer que cena cerca de él.
En Le Bon Bock (1873), un hombre corpulento, alegre y barbudo se sienta con una pipa en una mano y un vaso de cerveza en la otra, mirando directamente al espectador.
Cuadros de actividades sociales
Manet pintó a la clase alta disfrutando de actividades sociales más formales. En Baile de Máscaras en la Ópera, Manet muestra a una animada multitud de personas disfrutando de una fiesta. Los hombres se paran con sombreros de copa y largos trajes negros mientras hablan con mujeres con máscaras y disfraces. Incluyó retratos de sus amigos en esta imagen.
Su cuadro de 1868 El almuerzo se posó en el comedor de la casa Manet.
Manet representó otras actividades populares en su obra. En Las carreras de Longchamp, se emplea una perspectiva inusual para subrayar la energía furiosa de los caballos de carrera mientras corren hacia el espectador. En Skating, Manet muestra a una mujer bien vestida en primer plano, mientras otros patinan detrás de ella. Siempre existe la sensación de vida urbana activa que continúa detrás del sujeto, extendiéndose fuera del marco del lienzo.
En Vista de la Exposición Internacional, los soldados se relajan, sentados y de pie, prósperas parejas conversan. Hay un jardinero, un niño con un perro, una mujer a caballo, en fin, una muestra de las clases y edades de los parisinos.
Guerra
La respuesta de Manet a la vida moderna incluyó obras dedicadas a la guerra, en temas que pueden verse como interpretaciones actualizadas del género de la "pintura de historia". La primera obra de este tipo fue La batalla de Kearsarge y Alabama (1864), una escaramuza marítima conocida como la Batalla de Cherburgo de la Guerra Civil Estadounidense que tuvo lugar frente a la costa francesa, y pudo haber sido presenciado por el artista.
Lo siguiente de interés fue la intervención francesa en México; de 1867 a 1869, Manet pintó tres versiones de la ejecución del emperador Maximiliano, un evento que generó preocupaciones sobre la política exterior e interior francesa. Las diversas versiones de la Ejecución se encuentran entre las pinturas más grandes de Manet, lo que sugiere que el tema era uno de los que el pintor consideraba más importantes. Su tema es la ejecución por un pelotón de fusilamiento mexicano de un emperador Habsburgo que había sido instalado por Napoleón III. No se permitió la exhibición en Francia de las pinturas ni de una litografía del tema. Como una acusación de matanza formalizada, las pinturas recuerdan a Goya y anticipan el Guernica de Picasso.
En enero de 1871, Manet viajó a Oloron-Sainte-Marie en los Pirineos. En su ausencia, sus amigos agregaron su nombre a la "Fédération des artistes" (ver: Courbet) de la Comuna de París. Manet se alejó de París, quizás, hasta después de la semaine sanglante: en una carta a Berthe Morisot en Cherburgo (10 de junio de 1871) escribe: "Regresamos a París un hace unos días..." (la semana sanglante finalizó el 28 de mayo).
La colección de grabados y dibujos del Museo de Bellas Artes (Budapest) cuenta con una acuarela/gouache de Manet, La barricada, que representa una ejecución sumaria de comuneros por parte de las tropas de Versalles a partir de una litografía del ejecución de Maximiliano. Una pieza similar, La barricada (óleo sobre madera contrachapada), está en manos de un coleccionista privado.
El 18 de marzo de 1871, escribió a su amigo (confederado) Félix Bracquemond en París sobre su visita a Burdeos, la sede provisional de la Asamblea Nacional Francesa de la Tercera República Francesa, donde Émile Zola le presentó los sitios: &# 34;Nunca imaginé que Francia pudiera estar representada por unos viejos tontos tan cobardes, sin exceptuar a ese pequeño imbécil de Thiers..." Si esto pudiera interpretarse como apoyo a la Comuna, una siguiente carta a Bracquemond (21 de marzo de 1871) expresó su idea más claramente: "Solo los hackers del partido y los ambiciosos, los Henrys de este mundo siguiendo los talones de los Milliéres, los grotescos imitadores de la Comuna de 1793". Sabía que el comunero Lucien Henry había sido modelo de un ex pintor y Millière, agente de seguros. "¡Qué estímulo son todas estas cabriolas sedientas de sangre para las artes! Pero hay al menos un consuelo en nuestras desgracias: que no somos políticos y no tenemos ganas de ser elegidos diputados.
La figura pública que más admiraba Manet era el republicano Léon Gambetta. En el fragor del golpe seize mai en 1877, Manet abrió su taller para una reunión electoral republicana presidida por el amigo de Gambetta, Eugène Spuller.
París
Manet representó muchas escenas de las calles de París en sus obras. La Rue Mosnier adornada con banderas muestra banderines rojos, blancos y azules que cubren los edificios a ambos lados de la calle; otra pintura del mismo título muestra a un hombre con una sola pierna que camina con muletas. Nuevamente representando la misma calle, pero esta vez en un contexto diferente, está la Rue Mosnier con adoquines, en la que los hombres reparan la calzada mientras la gente y los caballos pasan.
El Ferrocarril, ampliamente conocido como La Gare Saint-Lazare, fue pintado en 1873. El escenario es el paisaje urbano de París a finales del siglo XIX. Usando su modelo favorito en su última pintura de ella, una colega pintora, Victorine Meurent, también modelo para Olympia y el Almuerzo sobre la hierba, se sienta frente a una cerca de hierro sosteniendo un cachorro dormido y un libro abierto en su regazo. Junto a ella hay una niña pequeña de espaldas al pintor, viendo pasar un tren debajo de ellos.
En lugar de elegir la vista natural tradicional como fondo para una escena al aire libre, Manet opta por la rejilla de hierro que "se extiende audazmente por el lienzo" La única evidencia del tren es su nube blanca de vapor. A lo lejos, se ven modernos edificios de apartamentos. Esta disposición comprime el primer plano en un foco estrecho. Se ignora la convención tradicional del espacio profundo.
La historiadora Isabelle Dervaux ha descrito la recepción que recibió esta pintura cuando se exhibió por primera vez en el Salón oficial de París de 1874: "Los visitantes y los críticos encontraron el tema desconcertante, la composición incoherente y la ejecución incompleta". Los caricaturistas ridiculizaron la imagen de Manet, en la que solo unos pocos reconocieron el símbolo de la modernidad en que se ha convertido hoy. La pintura se encuentra actualmente en la Galería Nacional de Arte en Washington, D.C.
Manet pintó varios temas de navegación en 1874. Navegación, ahora en el Museo Metropolitano de Arte, ejemplifica en su concisión las lecciones que aprendió Manet de los grabados japoneses y el corte abrupto por el marco del barco. y vela se suma a la inmediatez de la imagen.
En 1875, una edición francesa del tamaño de un libro de El cuervo de Edgar Allan Poe incluía litografías de Manet y traducción de Mallarmé.
En 1881, presionado por su amigo Antonin Proust, el gobierno francés concedió a Manet la Légion d'honneur.
Trabajos tardíos
A mediados de los cuarenta, la salud de Manet se deterioró y desarrolló fuertes dolores y parálisis parcial en las piernas. En 1879 comenzó a recibir tratamientos de hidroterapia en un spa cerca de Meudon con la intención de mejorar lo que creía que era un problema circulatorio, pero en realidad padecía ataxia locomotora, un conocido efecto secundario de la sífilis. En 1880, pintó allí un retrato de la cantante de ópera Émilie Ambre como Carmen. Ambre y su amante Gaston de Beauplan tenían una finca en Meudon y habían organizado la primera exposición de La ejecución del emperador Maximiliano de Manet en Nueva York en diciembre de 1879.
En sus últimos años, Manet pintó muchos bodegones de frutas y verduras a pequeña escala, como Un manojo de espárragos y El limón (ambos de 1880). Completó su última obra importante, Un bar en el Folies-Bergère (Un bar aux Folies-Bergère), en 1882, y se colgó en el Salón ese año. Después se limitó a los pequeños formatos. Sus últimas pinturas fueron de flores en jarrones de cristal.
Muerte
En abril de 1883 le amputaron el pie izquierdo a causa de una gangrena provocada por complicaciones de la sífilis y el reumatismo. Murió once días después, el 30 de abril en París. Está enterrado en el cementerio de Passy de la ciudad.
Legado
La carrera pública de Manet duró desde 1861, año de su primera participación en el Salón, hasta su muerte en 1883. Sus obras existentes conocidas, catalogadas en 1975 por Denis Rouart y Daniel Wildenstein, comprenden 430 pinturas al óleo., 89 pasteles y más de 400 obras sobre papel.
Aunque fue duramente condenada por la crítica que denunciaba su falta de acabado convencional, la obra de Manet tuvo admiradores desde el principio. Uno fue Émile Zola, quien escribió en 1867: "No estamos acostumbrados a ver traducciones tan simples y directas de la realidad. Luego, como decía, hay una torpeza tan sorprendentemente elegante... es una experiencia verdaderamente encantadora contemplar este cuadro luminoso y serio que interpreta la naturaleza con una dulce brutalidad."
El estilo toscamente pintado y la iluminación fotográfica en las pinturas de Manet se consideraban específicamente modernas y como un desafío a las obras del Renacimiento que copió o usó como material de origen. Rechazó la técnica que había aprendido en el estudio de Thomas Couture, en la que se construía una pintura usando capas sucesivas de pintura sobre un fondo de tonos oscuros, en favor de un método directo, alla prima usando opacos pintar sobre un fondo claro. Novedoso en la época, este método posibilitaba la realización de un cuadro en una sola sesión. Fue adoptado por los impresionistas y se convirtió en el método predominante de pintura al óleo durante las generaciones siguientes. El trabajo de Manet se considera "moderno temprano", en parte debido a la planitud opaca de sus superficies, los pasajes frecuentes como bocetos y el contorno negro de las figuras, todo lo cual llama la atención sobre la superficie. del plano del cuadro y la calidad material de la pintura.
La historiadora de arte Beatrice Farwell dice que Manet "ha sido considerado universalmente como el padre del modernismo. Con Courbet fue de los primeros en arriesgarse seriamente con el público cuyo favor buscaba, el primero en hacer de la pintura alla prima la técnica estándar para la pintura al óleo y uno de los primeros en tomarse libertades con la perspectiva renacentista. y ofrecer "pintura pura" como fuente de placer estético. Fue pionero, nuevamente con Courbet, en el rechazo de los temas humanísticos e históricos, y compartió con Degas el establecimiento de la vida urbana moderna como material aceptable para el arte elevado."
Mercado del arte
La última pintura de Manet, Le Printemps (1881), se vendió al Museo J. Paul Getty por 65,1 millones de dólares, estableciendo un nuevo récord de subasta para Manet, superando su estimación previa a la venta de 25 dólares. 35 millones en Christie's el 5 de noviembre de 2014. El récord de subasta anterior lo ostentaba Autorretrato con paleta, que se vendió por 33,2 millones de dólares en Sotheby's el 22 de junio de 2010.
Galería
Cristo el jardinero, c. 1858/59, Colección privada
El Bebedor Absinthe c. 1859, Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhague
El cantante español, 1860 Metropolitan Museum of Art
Boy Carrying a Sword, 1861
La ninfa sorprendida, 1861, National Museum of Fine Arts, Buenos Aires
El viejo músico, 1862, National Gallery of Art
Mlle. Victoria en el traje de un Matador, 1862, Metropolitan Museum of Art
Cristo muerto con ángeles, 1864, Metropolitan Museum of Art
La batalla del Kearsarge y el Alabama, 1864, Philadelphia Museum of Art. Inspirada en la batalla de Cherbourg (1864)
Matador muerto, 1864–65, National Gallery of Art
El Filosofo, (Beggar con Oysters), 1864–67, Art Institute of Chicago
El Ragpicker, 1865–70, Museo Norton Simon
La lectura, 1865-1873
Joven Flautista, o la Fifer, 1866, Musée d'Orsay
Vida con melón y melocotones, 1866, National Gallery of Art
El Actor Trágico (Rouvière como Hamlet), 1866, National Gallery of Art
Mujer con Loro, 1866, Metropolitan Museum of Art
El reproductor de guitarra, c. 1866, Museo Hill-Stead
Retrato de Madame Brunet, 1867, J. Paul Getty Museum
La ejecución del emperador Maximiliano, 1868
Retrato de Émile Zola, 1868, Musée d'Orsay
Desayuno en el estudio (la chaqueta negra), 1868, New Pinakothek, Munich, Alemania
El Balcón, 1868–69, Musée d'Orsay
Gitano con un cigarrillo, c. 1860-1870s, Princeton University Art Museum
Bola enmascarada en la Ópera, 1873, National Gallery of Art
Barcos, 1874, Metropolitan Museum of Art
Retrato del Abbé Hurel, 1874, National Museum of Decorative Arts, Buenos Aires
El gran canal de Venecia (Blue Venecia), 1875, Shelburne Museum, Vermont
Madame Manet, 1874–76, Museo Norton Simon, Pasadena
Retrato de Stéphane Mallarmé, 1876, Musée d'Orsay
Nana, 1877, Hamburger Kunsthalle
La Rue Mosnier con Banderas, 1878, J. Paul Getty Museum
El Plum, 1878, National Gallery of Art
En la cafetería, 1878, Sammlung Oskar Reinhart 'Am Römerholz', Winterthur
El bar, 1878–79, Pushkin Museum
En el Conservatorio, 1879, National Gallery, Berlin
Chez le père Lathuille, 1879, Musée des Beaux-Arts Tournai
Bunch of Asparagus, 1880, Wallraf-Richartz Museum, Colonia
Pertuiset, el cazador de leones, 1881, Museu de Arte, São Paulo
El Bugler, 1882, Museo de Arte de Dallas
Casa en Rueil, 1882, National Gallery of Victoria, Melbourne
Sendero jardín en Rueil, 1882, Musée des Beaux-Arts de Dijon
Flores en jarrón de cristal, 1882, National Gallery of Art
Vida muerta, Ramo de Lilac, 1883
Carnations and Clematis in a Crystal Vase, 1883, Musée d'Orsay
Una dama parisina, 1883, Nationalmuseum
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