Edgar Degas
Edgar Degas (,; nacido Hilaire-Germain-Edgar De Gas, francés: [ilɛːʁ ʒɛʁmɛ̃ ɛdɡaʁ də ɡa]; 19 de julio de 1834 - 27 de septiembre de 1917) fue un artista impresionista francés famoso por sus dibujos al pastel y pinturas al óleo.
Degas también produjo esculturas de bronce, grabados y dibujos. Degas se identifica especialmente con el tema de la danza; más de la mitad de sus obras representan bailarines. Aunque Degas es considerado uno de los fundadores del impresionismo, rechazó el término, prefirió ser llamado realista y no pintó al aire libre como lo hicieron muchos impresionistas.
Degas fue un excelente dibujante y particularmente magistral en la representación del movimiento, como se puede ver en su interpretación de bailarinas y desnudos femeninos bañándose. Además de bailarinas de ballet y bañistas, Degas pintó caballos de carreras y jinetes de carreras, así como retratos. Sus retratos destacan por su complejidad psicológica y su representación del aislamiento humano.
Al principio de su carrera, Degas quería ser pintor de historia, una vocación para la que estaba bien preparado gracias a su rigurosa formación académica y al estudio minucioso del arte clásico. Cuando tenía poco más de treinta años, cambió de rumbo y, al aplicar los métodos tradicionales de un pintor de historia a temas contemporáneos, se convirtió en un pintor clásico de la vida moderna.
Primeros años
.jpg)
Degas nació en París, Francia, en una familia moderadamente rica. Era el mayor de cinco hijos de Célestine Musson De Gas, criolla de Nueva Orleans, Luisiana, y Augustin De Gas, banquero. Su abuelo materno, Germain Musson, nació en Port-au-Prince, Haití, de ascendencia francesa, y se estableció en Nueva Orleans en 1810.
Degas (adoptó esta ortografía menos grandiosa de su apellido cuando se hizo adulto) comenzó sus estudios a los once años, inscribiéndose en el Lycée Louis-le-Grand. Su madre murió cuando él tenía trece años, y las principales influencias sobre él durante el resto de su juventud fueron su padre y varios tíos solteros.
Degas comenzó a pintar temprano en la vida. Cuando se graduó del Lycée con un bachillerato en literatura en 1853, a los 18 años, había convertido una habitación de su casa en el estudio de un artista. Al graduarse, se registró como copista en el Museo del Louvre, pero su padre esperaba que fuera a la facultad de derecho. Degas se matriculó debidamente en la Facultad de Derecho de la Universidad de París en noviembre de 1853, pero dedicó poco esfuerzo a sus estudios.
En 1855 conoció a Jean-Auguste-Dominique Ingres, a quien veneraba y cuyo consejo nunca olvidó: "Dibuja líneas, joven, y aún más líneas, tanto de la vida como de la memoria, y obtendrás conviértete en un buen artista." En abril de ese año, Degas fue admitido en la École des Beaux-Arts. Allí estudió dibujo con Louis Lamothe, bajo cuya dirección floreció, siguiendo el estilo de Ingres.
En julio de 1856, Degas viajó a Italia, donde permanecería durante los siguientes tres años. En 1858, mientras vivía con la familia de su tía en Nápoles, realizó los primeros estudios para su primera obra maestra La familia Bellelli. También dibujó y pintó numerosas copias de obras de Miguel Ángel, Rafael, Tiziano y otros artistas del Renacimiento, pero, contrariamente a la práctica convencional, solía seleccionar de un retablo un detalle que le había llamado la atención: una figura secundaria, o una cabeza que trató como un retrato.
Carrera artística
A su regreso a Francia en 1859, Degas se mudó a un estudio de París lo suficientemente grande como para permitirle comenzar a pintar La familia Bellelli, un lienzo imponente que pretendía exhibir en el Salón, aunque permaneció sin terminar hasta 1867. También comenzó a trabajar en varias pinturas de historia: Alejandro y Bucéfalo y La hija de Jefté en 1859-1860; Sémiramis Building Babylon en 1860; y Young Spartans alrededor de 1860. En 1861, Degas visitó a su amigo de la infancia Paul Valpinçon en Normandía e hizo el primero de sus muchos estudios sobre caballos. Expuso por primera vez en el Salón en 1865, cuando el jurado aceptó su cuadro Escenario de guerra en la Edad Media, que llamó poco la atención.
Aunque expuso anualmente en el Salón durante los siguientes cinco años, no presentó más pinturas de historia, y su Carrera de obstáculos: el jinete caído (Salón de 1866) señaló su creciente compromiso con los temas contemporáneos.. El cambio en su arte estuvo influido principalmente por el ejemplo de Édouard Manet, a quien Degas había conocido en 1864 (mientras ambos copiaban el mismo retrato de Velázquez en el Louvre, según una historia que puede ser apócrifa).
Al estallar la guerra franco-prusiana en 1870, Degas se alistó en la Guardia Nacional, donde su defensa de París le dejó poco tiempo para pintar. Durante el entrenamiento con rifle, se descubrió que su vista era defectuosa y, durante el resto de su vida, sus problemas oculares fueron una preocupación constante para él.
Después de la guerra, Degas comenzó en 1872 una estadía prolongada en Nueva Orleans, donde vivían su hermano René y otros parientes. Al hospedarse en la casa de su tío criollo, Michel Musson, en Esplanade Avenue, Degas produjo una serie de obras, muchas de las cuales representan a miembros de la familia. Una de las obras de Nueva Orleans de Degas, Una oficina de algodón en Nueva Orleans, atrajo una atención favorable en Francia y fue su única obra comprada por un museo (el Pau) durante su vida.
Degas regresó a París en 1873 y su padre murió al año siguiente, por lo que Degas se enteró de que su hermano René había acumulado enormes deudas comerciales. Para preservar la reputación de su familia, Degas vendió su casa y una colección de arte que había heredado y usó el dinero para pagar las deudas de su hermano. Dependiente por primera vez en su vida de las ventas de sus obras de arte para obtener ingresos, produjo gran parte de su obra más importante durante la década que comenzó en 1874. Desencantado ahora con el Salón, se unió a un grupo de jóvenes artistas que estaban organizando una reunión independiente. sociedad exhibidora. El grupo pronto se hizo conocido como los impresionistas.
Entre 1874 y 1886, montaron ocho exposiciones de arte, conocidas como Exposiciones Impresionistas. Degas asumió un papel de liderazgo en la organización de las exposiciones y mostró su trabajo en todas menos una, a pesar de sus persistentes conflictos con otros miembros del grupo. Tenía poco en común con Monet y los demás paisajistas del grupo, de quienes se burlaba por pintar al aire libre. Conservador en sus actitudes sociales, aborrecía el escándalo creado por las exposiciones, así como la publicidad y publicidad que buscaban sus colegas. También le desagradaba profundamente que lo asociaran con el término "impresionista", que la prensa había acuñado y popularizado, e insistió en incluir a artistas no impresionistas como Jean-Louis Forain y Jean-François Raffaëlli en el grupo.;s exposiciones. El rencor resultante dentro del grupo contribuyó a su disolución en 1886.
A medida que su situación financiera mejoró gracias a las ventas de su propio trabajo, pudo satisfacer su pasión por coleccionar obras de artistas que admiraba: viejos maestros como El Greco y contemporáneos como Manet, Cassatt, Pissarro, Cézanne, Gauguin, Van Gogh y Édouard Brandon. Tres artistas a los que idolatraba, Ingres, Delacroix y Daumier, estaban especialmente bien representados en su colección.
A fines de la década de 1880, Degas también desarrolló una pasión por la fotografía. Fotografió a muchos de sus amigos, a menudo a la luz de una lámpara, como en su doble retrato de Renoir y Mallarmé. Otras fotografías, que representan bailarines y desnudos, se utilizaron como referencia en algunos de los dibujos y pinturas de Degas.
A medida que pasaban los años, Degas se aisló, en parte debido a su creencia de que un pintor no podía tener vida personal. La controversia del asunto Dreyfus puso de manifiesto sus inclinaciones antisemitas y rompió con todos sus amigos judíos. Su naturaleza discutidora fue deplorada por Renoir, quien dijo de él: "¡Qué criatura era, ese Degas! Todos sus amigos tuvieron que dejarlo; Fui uno de los últimos en ir, pero ni siquiera yo pude quedarme hasta el final."
Después de 1890, la vista de Degas, que le había preocupado durante mucho tiempo, se deterioró aún más. Aunque se sabe que estuvo trabajando en pastel hasta fines de 1907, y se cree que continuó haciendo esculturas hasta 1910, aparentemente dejó de trabajar en 1912, cuando la inminente demolición de su antigua residencia en la rue Victor Massé lo obligó a mudarse a un cuartel en el Boulevard de Clichy. Nunca se casó y pasó los últimos años de su vida, casi ciego, vagando inquieto por las calles de París antes de morir en septiembre de 1917.
Estilo artístico
A menudo se identifica a Degas como un impresionista, una descripción comprensible pero insuficiente. El impresionismo se originó en las décadas de 1860 y 1870 y creció, en parte, a partir del realismo de pintores como Courbet y Corot. Los impresionistas pintaron las realidades del mundo que los rodeaba usando colores brillantes, "deslumbrantes" colores, concentrándose principalmente en los efectos de la luz, y esperando infundir a sus escenas inmediatez. Querían expresar su experiencia visual en ese momento exacto.
Técnicamente, Degas se diferencia de los impresionistas en que menospreciaba continuamente su práctica de pintar en plein air.
Sabes lo que pienso de la gente que trabaja al aire libre. Si yo fuera el gobierno tendría una brigada especial de gendarmes para vigilar a los artistas que pintan paisajes de la naturaleza. Oh, no quiero matar a nadie; sólo una pequeña dosis de disparo de pájaro ahora y luego como advertencia.
"A menudo era tan antiimpresionista como los críticos que reseñaban los espectáculos", según la historiadora de arte Carol Armstrong; como explicó el propio Degas, "ningún arte fue menos espontáneo que el mío". Lo que hago es fruto de la reflexión y del estudio de los grandes maestros; de inspiración, espontaneidad, temperamento, no sé nada." No obstante, se le describe con mayor precisión como impresionista que como miembro de cualquier otro movimiento. Sus escenas de la vida parisina, sus composiciones descentradas, sus experimentos con el color y la forma, y su amistad con varios artistas impresionistas clave, sobre todo Mary Cassatt y Manet, lo relacionan íntimamente con el movimiento impresionista.
El estilo de Degas refleja su profundo respeto por los viejos maestros (fue un copista entusiasta hasta bien entrada la mediana edad) y su gran admiración por Ingres y Delacroix. También fue coleccionista de estampas japonesas, cuyos principios compositivos influyeron en su obra, al igual que el vigoroso realismo de ilustradores populares como Daumier y Gavarni. Aunque famoso por los caballos y los bailarines, Degas comenzó con pinturas históricas convencionales como La hija de Jefté (c.1859–61) y Los jóvenes espartanos (c.1860–62).), en el que ya se advierte su paulatino avance hacia un tratamiento menos idealizado de la figura. Al principio de su carrera, Degas también pintó retratos de individuos y grupos; un ejemplo de este último es La familia Bellelli (c. 1858-1867), un retrato ambicioso y psicológicamente conmovedor de su tía, su esposo y sus hijos. En esta pintura, como en Los jóvenes espartanos y muchas obras posteriores, Degas se sintió atraído por las tensiones presentes entre hombres y mujeres. En sus primeras pinturas, Degas ya evidenció el estilo maduro que luego desarrollaría más plenamente recortando temas de forma torpe y eligiendo puntos de vista inusuales.
A fines de la década de 1860, Degas había pasado de sus incursiones iniciales en la pintura de historia a una observación original de la vida contemporánea. Las escenas del hipódromo brindaron la oportunidad de representar a los caballos y sus jinetes en un contexto moderno. Empezó a pintar mujeres en el trabajo, sombrereras y lavanderas. Su serie sombrerera se interpreta como autorreflexión artística.
Señorita. Fiocre en el Ballet La Source, expuesto en el Salón de 1868, fue su primera gran obra para introducir un tema con el que se identificaría especialmente, los bailarines. En muchas pinturas posteriores, los bailarines aparecían detrás del escenario o ensayando, enfatizando su condición de profesionales haciendo un trabajo. A partir de 1870, Degas pintó cada vez más temas de ballet, en parte porque se vendían bien y le proporcionaban los ingresos necesarios después de que las deudas de su hermano dejaran a la familia en bancarrota. Degas también comenzó a pintar la vida de café, en obras como L'Absinthe y Singer with a Glove. Sus pinturas a menudo insinuaban contenido narrativo de una manera muy ambigua; por ejemplo, Interior (que también se ha llamado La violación) ha presentado un enigma para los historiadores del arte en busca de una fuente literaria: Thérèse Raquin se ha sugerido, pero puede ser una representación de la prostitución.
A medida que cambió su tema, también cambió la técnica de Degas. La paleta oscura que llevaba la influencia de la pintura holandesa dio paso al uso de colores vivos y pinceladas atrevidas. Pinturas como Place de la Concorde se leen como "instantáneas" congelando momentos de tiempo para retratarlos con precisión, impartiendo una sensación de movimiento. Se puede decir que la falta de color en el Ensayo de ballet en el escenario de 1874 y en El instructor de ballet de 1876 está relacionada con su interés por la nueva técnica de la fotografía. Los cambios en su paleta, pinceladas y sentido de la composición evidencian la influencia que tanto el movimiento impresionista como la fotografía moderna, con sus imágenes espontáneas y ángulos fuera de lugar, tuvieron en su trabajo.
Desdibujando la distinción entre retratos y piezas de género, pintó a su amigo fagotista, Désiré Dihau, en La orquesta de la ópera (1868–69) como uno de los catorce músicos en un foso de orquesta, visto como si fuera un miembro de la audiencia. Por encima de los músicos solo se pueden ver las piernas y los tutús de los bailarines en el escenario, sus figuras recortadas por el borde del cuadro. El historiador de arte Charles Stuckey ha comparado el punto de vista con el de un espectador distraído en un ballet y dice que "es Degas". fascinación por la representación del movimiento, incluido el movimiento de los ojos de un espectador como durante una mirada al azar, que es propiamente hablando 'impresionista'."
El estilo maduro de Degas se distingue por pasajes notoriamente inacabados, incluso en pinturas que, por lo demás, están estrechamente representadas. Con frecuencia culpaba a sus problemas oculares por su incapacidad para terminar, una explicación que encontró cierto escepticismo por parte de colegas y coleccionistas que razonaron, como explica Stuckey, que "sus cuadros difícilmente podrían haber sido ejecutados por alguien con una visión inadecuada".. El artista dio otra pista cuando describió su predilección por 'comenzar cien cosas y no terminar ninguna', y en cualquier caso era notoriamente reacio a dar por terminado un cuadro.
Su interés por el retrato llevó a Degas a estudiar detenidamente las formas en que la estatura social o la forma de empleo de una persona pueden revelarse a través de su fisonomía, postura, vestimenta y otros atributos. En sus Retratos, en la bolsa de valores de 1879, retrató a un grupo de empresarios judíos con un toque de antisemitismo. En 1881, exhibió dos pasteles, Fisonomías criminales, que representaban a miembros de pandillas juveniles recientemente condenados por asesinato en el "Asunto Abadie". Degas había asistido a su juicio con un cuaderno de bocetos en la mano, y sus numerosos dibujos de los acusados revelan su interés en las características atávicas que algunos científicos del siglo XIX consideraban evidencia de criminalidad innata. En sus pinturas de bailarinas y lavanderas, revela sus ocupaciones no solo por su vestimenta y actividades, sino también por su tipo de cuerpo: sus bailarinas exhiben un físico atlético, mientras que sus lavanderas son pesadas y sólidas.
A fines de la década de 1870, Degas había dominado no solo el medio tradicional del óleo sobre lienzo, sino también el pastel. El medio seco, que aplicó en capas y texturas complejas, le permitió conciliar más fácilmente su facilidad para la línea con un creciente interés por el color expresivo.
A mediados de la década de 1870, también volvió al medio del grabado, que había descuidado durante diez años. Al principio fue guiado en esto por su viejo amigo Ludovic-Napoléon Lepic, él mismo un innovador en su uso, y comenzó a experimentar con la litografía y la monotipia.
Produjo unos 300 monotipos en dos períodos, desde mediados de la década de 1870 hasta mediados de la década de 1880 y nuevamente a principios de la década de 1890.
Estaba especialmente fascinado por los efectos producidos por la monotipia y con frecuencia reelaboraba las imágenes impresas con pastel. Para 1880, la escultura se había convertido en una rama más del continuo esfuerzo de Degas por explorar diferentes medios, aunque el artista exhibió públicamente solo una escultura durante su vida.
Estos cambios en los medios engendraron las pinturas que Degas produciría más tarde. Degas comenzó a dibujar y pintar mujeres secándose con toallas, peinándose y bañándose (ver: Después del baño, mujer secándose). Los trazos que modelan la forma están garabateados con más libertad que antes; los fondos se simplifican.
El meticuloso naturalismo de su juventud dio paso a una creciente abstracción de las formas. Excepto por su dibujo característicamente brillante y su obsesión por la figura, las imágenes creadas en este último período de su vida tienen poca semejanza superficial con sus primeras pinturas. De hecho, estas pinturas, creadas tarde en su vida y después del apogeo del movimiento impresionista, utilizan de manera más vívida las técnicas colorísticas del impresionismo.
A pesar de toda la evolución estilística, ciertas características del trabajo de Degas permanecieron iguales a lo largo de su vida. Pintó siempre en interiores, prefiriendo trabajar en su estudio a partir de recuerdos, fotografías o modelos en vivo. La figura siguió siendo su tema principal; sus pocos paisajes fueron producidos a partir de la memoria o la imaginación. No era raro que repitiera un tema muchas veces, variando la composición o el tratamiento. Fue un artista deliberativo cuyas obras, como ha escrito Andrew Forge, "fueron preparadas, calculadas, practicadas, desarrolladas en etapas". Estaban formados por partes. El ajuste de cada parte al todo, su disposición lineal, fue motivo de infinitas reflexiones y experimentos." El propio Degas explicó: "En el arte, nada debería parecerse al azar, ni siquiera el movimiento".
Escultura
La única muestra de escultura de Degas durante su vida tuvo lugar en 1881 cuando exhibió La pequeña bailarina de catorce años. Una figura de cera de tamaño casi natural con cabello real y vestida con un tutú de tela, provocó una fuerte reacción de los críticos, la mayoría de los cuales encontraron extraordinario su realismo pero denunciaron a la bailarina como fea. En una reseña, J.-K. Huysmans escribió: "La terrible realidad de esta estatuilla evidentemente produce inquietud en los espectadores; todas sus nociones sobre la escultura, sobre esas frías blancuras inanimadas... quedan aquí volcadas. El hecho es que con su primer intento Monsieur Degas ha revolucionado las tradiciones de la escultura como hace tiempo que ha sacudido las convenciones de la pintura."
Degas creó una cantidad sustancial de otras esculturas durante un lapso de cuatro décadas, pero el público no las vio hasta una exposición póstuma en 1918. Ni La pequeña bailarina de catorce años ni ninguna de Degas& Las otras esculturas de #39 fueron fundidas en bronce durante la vida del artista. Los estudiosos de Degas han coincidido en que las esculturas no fueron creadas como ayudas a la pintura, aunque el artista exploró habitualmente formas de vincular la gráfica y la pintura al óleo, el dibujo y el pastel, la escultura y la fotografía. Degas asignó el mismo significado a la escultura que al dibujo: "Dibujar es una forma de pensar, modelar otra".
Después de la muerte de Degas, sus herederos encontraron en su estudio 150 esculturas de cera, muchas en mal estado. Consultaron al propietario de la fundición, Adrien Hébrard, quien concluyó que 74 de las ceras podían fundirse en bronce. Se supone que, a excepción de la Pequeña bailarina de catorce años, todos los bronces de Degas en todo el mundo proceden de surmoulages (es decir, fundido de maestros de bronce). Un bronce surmoulage es un poco más pequeño y muestra menos detalles en la superficie que su molde de bronce original. La Fundición Hébrard fundió los bronces desde 1919 hasta 1936 y cerró en 1937, poco antes de la muerte de Hébrard.
En 2004, un grupo poco conocido de 73 moldes de yeso, más o menos parecidos a las esculturas de cera originales de Degas, se presentó como descubierto entre los materiales comprados por Airaindor Foundry (más tarde conocida como Airaindor- Valsuani) de los descendientes de Hébrard. Airaindor-Valsuani emitió bronces fundidos a partir de estos yesos entre 2004 y 2016 en ediciones marcadas de manera inconsistente y, por lo tanto, de tamaño desconocido. Ha habido una controversia sustancial sobre la autenticidad de estos yesos, así como sobre las circunstancias y la fecha de su creación propuesta por sus promotores. Si bien varios profesionales académicos y de museos los aceptan tal como se presentan, la mayoría de los académicos reconocidos de Degas se han negado a comentar.
Personalidad y política
Degas, quien creía que "el artista debe vivir solo y su vida privada debe permanecer desconocida", vivió una vida exteriormente tranquila. En compañía, era conocido por su ingenio, que a menudo podía ser cruel. Fue caracterizado como un "viejo cascarrabias" del novelista George Moore, y cultivó deliberadamente su reputación de soltero misántropo.
En la década de 1870, Degas gravitó hacia los círculos republicanos de Léon Gambetta. Sin embargo, su republicanismo no quedó indemne, y ocasionalmente se manifestaron signos del prejuicio y la irritabilidad que lo alcanzarían en la vejez. Despidió a una modelo al enterarse de que era protestante. Aunque Degas pintó una serie de temas judíos entre 1865 y 1870, su pintura de 1879 Retratos en la bolsa de valores puede ser un punto de inflexión en sus opiniones políticas. La pintura es un retrato del banquero judío Ernest May, quien pudo haber encargado la obra y fue su primer propietario, y los expertos modernos la consideran antisemita. Los rasgos faciales del banquero de perfil se han comparado directamente con los de las caricaturas antisemitas rampantes en París en ese momento, mientras que los de los personajes de fondo se han comparado con los de Degas'. obra anterior Fisonomías criminales.
El asunto Dreyfus, que dividió a la opinión pública en París desde la década de 1890 hasta principios de la de 1900, intensificó su antisemitismo. A mediados de la década de 1890, rompió relaciones con todos sus amigos judíos, repudió públicamente sus amistades anteriores con artistas judíos y se negó a utilizar modelos que creía que podían ser judíos. Siguió siendo un antisemita declarado y miembro de los antisemitas "Anti-Dreyfusards" hasta su muerte.
Reputación
-Degas.jpg)
Durante su vida, la recepción pública de la obra de Degas osciló entre la admiración y el desprecio. Como artista prometedor en el modo convencional, Degas tuvo una serie de pinturas aceptadas en el Salón entre 1865 y 1870. Estas obras recibieron elogios de Pierre Puvis de Chavannes y el crítico Jules-Antoine Castagnary. Sin embargo, pronto se unió a los impresionistas y rechazó las rígidas reglas y juicios del Salón.
El trabajo de Degas fue controvertido, pero en general fue admirado por su calidad de dibujo. Su La Petite Danseuse de Quatorze Ans, o Pequeña bailarina de catorce años, que exhibió en la sexta exposición impresionista en 1881, fue probablemente su pieza más controvertida; algunos críticos criticaron lo que pensaron que era una "terrible fealdad" mientras que otros vieron en ella un "florecimiento".
En parte, la originalidad de Degas consistía en ignorar las superficies lisas y llenas y los contornos de la escultura clásica... [y] en adornar su pequeña estatua con pelo real y ropa hecha para escalar como los accoutrements para una muñeca. Estas adiciones relativamente "reales" agudizaron la ilusión, pero también plantearon preguntas de búsqueda, como lo que puede denominarse "real" cuando el arte se refiere.
El conjunto de pasteles que representan desnudos que Degas exhibió en la octava Exposición Impresionista en 1886 produjo "el cuerpo más concentrado de escritura crítica sobre el artista durante su vida... La reacción general fue positiva y elogiosa".
Reconocido como un artista importante en su vida, Degas ahora es considerado "uno de los fundadores del impresionismo". Aunque su trabajo cruzó muchos límites estilísticos, su relación con las otras figuras importantes del impresionismo y sus exposiciones, sus pinturas y bocetos dinámicos de la vida y las actividades cotidianas, y sus audaces experimentos de color sirvieron para vincularlo finalmente al movimiento impresionista como uno de los sus grandes artistas.
Aunque Degas no tuvo alumnos formales, influyó mucho en varios pintores importantes, sobre todo en Jean-Louis Forain, Mary Cassatt y Walter Sickert; su mayor admirador pudo haber sido Henri de Toulouse-Lautrec.
Las pinturas, los pasteles, los dibujos y las esculturas de Degas se exhiben de manera destacada en muchos museos y han sido objeto de muchas exposiciones y retrospectivas en museos. Exposiciones recientes incluyen Degas: Dibujos y cuadernos de bocetos (The Morgan Library, 2010); Picasso mira a Degas (Museu Picasso de Barcelona, 2010); Degas and the Nude (Museo de Bellas Artes, Boston, 2011); Degas' Método (Ny Carlsberg Glyptotek, 2013); Degas's Little Dancer (Galería Nacional de Arte, Washington D.C., 2014) y Degas: Pasión por la perfección (Museo Fitzwilliam, Cambridge, 2017–2018).
Relación con Mary Cassatt
En 1877, Degas invitó a Mary Cassatt a exponer en la tercera exposición impresionista. Había admirado un retrato (Ida) que ella exhibió en el Salón de 1874, y los dos entablaron una amistad. Tenían mucho en común: compartían gustos similares en arte y literatura, provenían de entornos acomodados, habían estudiado pintura en Italia y ambos eran independientes y nunca se casaron. Ambos se consideraban pintores de figuras, y el historiador de arte George Shackelford sugiere que fueron influenciados por el llamado del crítico de arte Louis Edmond Duranty en su folleto The New Painting para revitalizar la pintura de figuras: & #34;Despedirnos del cuerpo humano estilizado, que se trata como un jarrón. Lo que necesitamos es la persona moderna característica en su ropa, en medio de su entorno social, en casa o en la calle."
Después de que los padres y la hermana de Cassatt, Lydia, se unieran a Cassatt en París en 1877, a menudo se podía ver a Degas, Cassatt y Lydia en el Louvre estudiando juntos obras de arte. Degas produjo dos grabados, notables por su innovación técnica, que representan a Cassatt en el Louvre mirando obras de arte mientras Lydia lee una guía. Estos estaban destinados a una revista impresa planeada por Degas (junto con Camille Pissarro y otros), que nunca llegó a buen término. Cassatt posó con frecuencia para Degas, en particular para su serie de sombrerería probándose sombreros.
Degas introdujo a Cassatt en el pastel y el grabado, mientras que Cassatt fue fundamental para ayudar a Degas a vender sus pinturas y promover su reputación en Estados Unidos. Cassatt y Degas trabajaron más estrechamente durante el otoño y el invierno de 1879-1880, cuando Cassatt dominaba su técnica de grabado. Degas era dueño de una pequeña imprenta y durante el día ella trabajaba en su estudio usando sus herramientas y prensa. Sin embargo, en abril de 1880, Degas se retiró abruptamente de la revista de grabados en la que habían estado colaborando y, sin su apoyo, el proyecto fracasó. Aunque continuaron visitándose hasta que Degas & # 39; muerte en 1917, nunca más trabajó con él tan de cerca como lo había hecho en el diario impreso.
Hacia 1884, Degas realizó un retrato al óleo de Cassatt, Mary Cassatt Seated, Holding Cards. Stephanie Strasnick sugiere que las tarjetas son probablemente cartes de visite, utilizadas por artistas y comerciantes en ese momento para documentar su trabajo. Cassatt pensó que la representaba como 'una persona repugnante'. y más tarde lo vendió, escribiendo a su marchante Paul Durand-Ruel en 1912 o 1913 que "no me gustaría que se supiera que posé para él".
Degas fue directo en sus puntos de vista, al igual que Cassatt. Se enfrentaron por el caso Dreyfus. Cassatt expresó más tarde su satisfacción por la ironía de la exposición conjunta de Lousine Havermeyer en 1915 y la de Degas. trabajo que se lleva a cabo en favor del sufragio femenino, igualmente capaz de repetir con cariño Degas' comentarios antifemeninos como distanciados por ellas (al ver su Dos mujeres recogiendo fruta por primera vez, había comentado "Ninguna mujer tiene derecho a dibujar así").
Relación con Suzanne Valadon
Degas era amigo y admirador de Suzanne Valadon. Él fue la primera persona en comprar su arte y le enseñó el grabado de fondo blando.
Él le escribió varias cartas, la mayoría pidiéndole que viniera a verlo con sus dibujos. Por ejemplo, en una carta sin fecha, dijo en respuesta a una de sus cartas (traducida del francés):
Cada año veo esta escritura, dibujada como una sierra, llegando, terrible María. Pero nunca veo al autor llegar con una caja (de dibujos) bajo su brazo. Y sin embargo me estoy volviendo muy viejo. Feliz año nuevo.
Galería
Pinturas
Achille De Gas en el uniforme de un cadete, 1856/57, National Gallery of Art, Washington, D.C.
La familia Bellelli, 1858-1867, Musée d'Orsay, Paris
Mujer sentada junto a un jarrón de flores, 1865, óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, New York City
El aficionado, 1866, El Metropolitan Museum of Art, Nueva York
James-Jacques-Joseph Tissot (1836-1902), 1867, Metropolitan Museum of Art, New York City
Édouard Manet y Mme. Manet, 1868-1869, Kitakyushu Museo Municipal de Arte, Japón
La Orquesta de la Ópera, 1870, Musée d'Orsay
Retrato de Mlle. Hortense Valpinçon, c. 1871, Minneapolis Institute of Art
La clase de baile, 1871, El Metropolitan Museum of Art, Nueva York
Reensayo de ballet, 1873, The Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts
Rehearsal on Stage, 1874, Musée d'Orsay, Paris
En el Café-Concert: La Canción del Perro, 1875-1877
Fin d'Arabesque, con bailarina Rosita Mauri, 1877, Musée d'Orsay
Bailarina con un ramo de flores (Star of the Ballet) (también con ballerina Rosita Mauri), 1878
El Cantante con el Guante, 1878, The Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts
Rehearsal en estadio, 1878-1879, El Metropolitan Museum of Art, Nueva York
Retrato de Henri Michel-Lévy, 1878, Museo Calouste Gulbenkian
Miss La La en el Cirque Fernando, 1879, The National Gallery, London
Mujer en Street Clothes, Retrato de Ellen Andrée, 1879, pastel en papel
Deux danseuses, 1879 en el Museo Shelburne
Esperando, pastel en papel, 1880-1882
Antes de la carrera, 1882-1884, aceite en el panel, Museo de Arte Walters, Baltimore
The Millinery Shop, 1885, The Art Institute of Chicago
Bailarines en el Bar, 1888, The Phillips Collection, Washington, D.C.
Tres bailarines en faldas amarillas, c. 1891, The Detroit Institute of Arts
Los Milliners, c. 1898, St. Louis Art Museum
Bailarines ucranianos, c. 1899, pastel y carbón en papel, 73 × 59 cm, The National Gallery, Londres
.jpg)
Desnudos
Male Nude, 1856, óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, New York City
Young Spartans Exercising, c. 1860-1862, National Gallery, London
Después del baño, la mujer se seca, c. 1884-1886, reworked between 1890 and 1900, pastel on wove paper, 40.5 × 32 cm, Musée Malraux, Le Havre
Kneeling Woman, 1884, Museo Pushkin, Moscú
Mujer en un Tub, 1886, Hill-Stead Museum, Farmington, Connecticut
El Tub, 1886, Musée d'Orsay, Paris, France
El baño: Mujer de apoyo Su espalda, c. 1887, pastel sobre papel, Museo de Arte Honolulu
Después del baño, Mujer secando su Napepastel en papel, 1898, Musée d'Orsay, París
_-_%27The_Bath-_Woman_Supporting_her_Back%27,_pastel_on_paper,_c._1887.jpg)
Esculturas
Pequeña bailarina de catorce años
Fundada en 1922 de una escultura de medios mixtos modelada
c. 1879-1880
Bronce
Parcialmente teñido, con falda de algodón y cinta de pelo satinado, en una base de madera
Metropolitan Museum of Art
Nueva York
Bailarina en movimiento hacia adelante, brazos elevados
c. 1882-1895
Posthumously 1919-1926
Bronce
Solomon R. Guggenheim Museo
Galerías Thanhauser
Nueva York
La danza española
c. 1885
Casto posthumously en 1921
Bronce
46.3 × 14.3 cm
Ackland Art Museum
Chapel Hill, Carolina del Norte
Mujer sentada, agitando su lado izquierdo
c. 1896–1911
Posthumously 1919-1926
Bronce
Solomon R. Guggenheim Museo
Galerías Thanhauser
Nueva York
Contenido relacionado
Sonata
Premio de la Academia a la mejor actriz de reparto
Ambrosius Bosschaert