Edad de oro de la animación estadounidense

La edad de oro de la animación estadounidense fue un período en la historia de la animación estadounidense que comenzó con la popularización de los dibujos animados sonoros en 1928 y terminó gradualmente a fines de la década de 1960, cuando los cortos animados teatrales comenzaron a perder popularidad. al nuevo medio de animación televisiva, producido con presupuestos más baratos y en un estilo de animación más limitado por compañías como Hanna-Barbera, UPA, Jay Ward Productions y DePatie-Freleng.

Muchos personajes populares surgieron de este período, incluidos Disney's' Mickey Mouse, Minnie Mouse, Pato Donald, Pato Daisy, Goofy y Plutón; Warner Bros.' Bugs Bunny, Pato Lucas, Porky Pig, Piolín y Sylvester; Tom and Jerry y Droopy de MGM; Estudios Fleischer' Betty Boop; Félix el Gato; Pájaro carpintero carpintero de Walter Lantz; Terrytoons' Ratón Poderoso; El Sr. de UPA Magoo; y Jay Ward Productions' Rocky y Bullwinkle.

La animación de largometraje comenzó durante este período, sobre todo con "Walt-era" películas, desde Blancanieves y los siete enanitos en 1937 hasta El libro de la selva en 1967. La animación también comenzó en la televisión durante este período, con la primera serie animada que se transmitió por televisión. en 1948 comenzando con Crusader Rabbit.

Estudios de cine/animación

La Compañía Walt Disney

Comienzos

Walt Disney había decidido convertirse en caricaturista de periódico dibujando caricaturas políticas y tiras cómicas. Sin embargo, nadie contrataría a Disney, por lo que su hermano mayor, Roy, que trabajaba como banquero en ese momento, le consiguió un trabajo en Pesmen-Rubin Art Studio, donde creó anuncios para periódicos, revistas y cines. Aquí conoció a su compañero dibujante Ub Iwerks, los dos rápidamente se hicieron amigos y en enero de 1920, cuando expiró su tiempo en el estudio, decidieron abrir juntos su propia agencia de publicidad llamada Iwerks-Disney Commercial Artists. Sin embargo, el negocio tuvo un comienzo difícil y Walt se fue temporalmente a Kansas City Film and Ad Co. para recaudar dinero para la empresa fugaz e Iwerks pronto lo siguió, ya que no podía manejar el negocio solo.

Mientras trabajaba allí, hizo anuncios publicitarios para teatros locales usando animación recortada cruda. Disney quedó fascinado por el arte y decidió convertirse en animador. Luego tomó prestada una cámara del trabajo y alquiló un libro de la biblioteca local llamado Dibujos animados animados: cómo se hacen, su origen y desarrollo de Edwin G. Lutz y decidió que la animación cel produciría una mejor calidad y decidió abrir su propio estudio de animación. Luego, Disney se asoció con Fred Harman e hicieron su primera película, The Little Artist, que no era más que un artista (Disney) tomando un descanso para fumar un cigarrillo en su escritorio de trabajo. Harman pronto abandonó la empresa, pero Disney pudo llegar a un acuerdo con el propietario del teatro local Frank L. Newman y animó una caricatura por sí mismo titulada Newman Laugh-O-Grams proyectada aproximadamente en febrero de 1921.. Walt luego renunció a su trabajo en la compañía de cine y publicidad e incorporó Laugh-O-Gram Films en mayo de 1922, y contrató a antiguos colegas publicitarios como "estudiantes" de animación, incluidos Ub Iwerks y el hermano de Fred Harman, Hugh Harman.

A lo largo de 1922, la compañía Disney produjo una serie de películas "modernizadas" adaptaciones de cuentos de hadas que incluyen Caperucita Roja, Los cuatro músicos de Bremen, Jack y las habichuelas mágicas, Jack el asesino de gigantes, Ricitos de oro y los tres osos, El gato con botas, Cenicienta y El diente de Tommy Tucker, siendo esta última principalmente una película de acción en vivo sobre higiene dental. Ninguna de estas películas obtuvo ganancias. La última película realizada por la compañía Disney fue un corto llamado El País de las Maravillas de Alicia. Inspirado libremente en Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll; el corto presentaba a una niña de cinco años de acción real llamada Alice (Virginia Davis) que tenía aventuras en un mundo totalmente animado. Sin embargo, la película nunca estuvo completamente completa ya que el estudio quebró en el verano de 1923.

Tras el cierre de Laugh-O-Grams, Walt Disney trabajó como cineasta independiente antes de vender su cámara por un boleto de ida a Los Ángeles. Una vez que llegó, se mudó con su tío Robert y su hermano Roy, quien se estaba recuperando en un hospital gubernamental cercano de la tuberculosis que había sufrido durante la guerra. Después de no poder conseguir un trabajo como director de películas de acción real, envió el carrete inacabado de El país de las maravillas de Alicia a la distribuidora de temas cortos Margaret J. Winkler de Winkler Pictures en Nueva York. Winkler estaba distribuyendo las caricaturas Felix the Cat y Out of the Inkwell en ese momento, pero los hermanos Fleischer estaban a punto de irse para establecer su propia compañía de distribución, Red Seal Films, y el productor de Felix, Pat Sullivan, peleaba constantemente con Winkler; por lo tanto, Winkler acordó distribuir las Comedias de Alicia de Disney como una especie de póliza de seguro.

Una vez que Walt Disney recibió el aviso el 15 de octubre, convenció a Roy para que abandonara el hospital y lo ayudara a establecer su negocio. Al día siguiente, el 16 de octubre de 1923, Disney Bros. Cartoon Studio abrió sus puertas en una pequeña oficina alquilada a dos cuadras de la casa de su tío con Roy a cargo del negocio y Walt a cargo de los asuntos creativos.. Convenció a los padres de Virginia Davis, lo que hizo que el primer corto oficial de Alice, Alice's Day at Sea, se estrenara el 1 de enero de 1924; retraso de once días. Ub Iwerks fue recontratado en febrero de 1925 y mejoró la calidad de la animación en la serie Alice; esto llevó a Hugh Harman, Rudolf Ising y Carman Maxwell a seguir Disney West en junio de 1925. Alrededor de ese tiempo, Davis fue reemplazada por Maggie Gay y las caricaturas comenzaron a enfocarse menos en las escenas de acción en vivo y más en las escenas totalmente animadas, particularmente aquellas con el compañero mascota de Alice, Julius, que tenía un extraño parecido con Felix the Cat. En febrero de 1926, Disney construyó un estudio más grande en 2719 Hyperion Avenue y cambió el nombre de la empresa a Walt Disney Cartoons.

En noviembre de 1923, Winkler se casó con Charles Mintz y le entregó el negocio cuando quedó embarazada unos meses después. Mintz fue descrito a menudo como un tirano fumador empedernido, frío, severo y despiadado; un empleado lo recordaba como "un hombre de rostro sombrío, con un par de ojos fríos que brillaban detrás de los quevedos" y "nunca hablé con el personal. Nos miró como un almirante inspeccionando una hilera de puntales." Mientras que Winkler había ofrecido amables críticas y aliento, Mintz se comunicó con Disney en un tono duro y cruel. En 1927, Mintz ordenó a Disney que dejara de producir Comedias de Alicia debido a los costos de combinar acción en vivo y animación.

Mintz logró obtener un acuerdo de distribución con Universal Studios; sin embargo, fue Mintz, no Disney, quien firmó el trato. Disney y el animador principal Ub Iwerks crearon Oswald the Lucky Rabbit, que debutó en el cortometraje Trolley Troubles en 1927. La serie de Oswald fue un éxito y se convirtió en el primer éxito de Walt Disney. estudio.

En la primavera de 1928, Disney viajó a Nueva York para pedirle a Mintz un aumento de presupuesto. Mintz negó con dureza su solicitud, quien señaló que en el contrato que Mintz había firmado con Universal, era Universal, no Disney, quien poseía los derechos del personaje. Mintz le reveló a Disney que había contratado a la mayoría de su personal fuera del estudio (a excepción de Ub Iwerks, Les Clark y Wilfred Jackson, quienes se negaron a irse) y amenazó con que, a menos que aceptara una reducción del 20 por ciento del presupuesto, abandonaría Disney y continuar la serie de Oswald por sí mismo. Walt se negó y Winkler Pictures abandonó su distribución.

Mickey Mouse

Mientras Disney estaba terminando los dibujos animados restantes para Mintz, Disney y su personal idearon en secreto un nuevo personaje de dibujos animados para reemplazar a Oswald: Mickey Mouse.

La inspiración para Mickey nunca ha sido clara. Walt Disney dijo que se le ocurrió la idea en el viaje en tren de regreso a Los Ángeles poco después de la confrontación con Mintz, pero otros registros dicen que se le ocurrió la idea después de regresar al estudio. Walt Disney dijo una vez que se inspiró en un ratón como mascota que una vez tuvo en el antiguo estudio Laugh-O-Grams, pero más comúnmente dijo que eligió un ratón porque un ratón nunca antes había sido el personaje central de una serie de dibujos animados.

En 1928, Plane Crazy se convirtió en la primera entrada en la serie de Mickey Mouse; sin embargo, no se lanzó debido a una mala reacción de las proyecciones de prueba y no logró obtener un distribuidor. La segunda caricatura de Mickey Mouse The Gallopin' Gaucho tampoco logró captar la atención de la audiencia y de un distribuidor. Disney sabía lo que faltaba: sonido. El cine sonoro había estado cautivando al público desde 1927 con The Jazz Singer y Walt decidió que la próxima caricatura Steamboat Willie tendría sonido. Steamboat Willie no fue la primera caricatura sonora, Max y Dave Fleischer habían producido Song Car-Tunes desde 1926. Sin embargo, no lograron mantener el sonido sincronizado con la animación y la El enfoque principal de las caricaturas fueron los cantos de la pelota que rebota. Los Song Car-Tunes no fueron un éxito y algunos miembros del personal dudaron si una caricatura con sonido tendría éxito. Así que Disney organizó una proyección previa especial con la música y los efectos de sonido en vivo detrás del escenario a través de un micrófono. La proyección de prueba de Steamboat Willie fue un éxito y logró ganar un distribuidor, el jefe de Celebrity Pictures Pat Powers. Sin embargo, el primer intento de sincronizar el sonido con la animación fue un desastre, ya que la sincronización no fue la correcta. Para financiar la segunda grabación, Walt vendió su auto. Esta vez usó una pista de clic para mantener a sus músicos al ritmo (más tarde, Disney descubrió que era más fácil grabar primero el diálogo, la música y los efectos de sonido y animarlos con el sonido). Poco más de un mes antes del estreno de Steamboat Willie, Paul Terry lanzó su caricatura sonora Dinner Time; sin embargo, no fue un éxito financiero y Walt Disney lo describió como "un montón de chanchullo".

La edad de oro de Disney

Comienzos (décadas de 1920 y 1930)

Steamboat Willie fue lanzado el 18 de noviembre de 1928 y fue un gran éxito. Disney ganó rápidamente un gran dominio en el campo de la animación usando sonido en sus futuros dibujos animados al doblar Plane Crazy, The Gallopin' Gaucho y el casi terminado The Barn Dance. La popularidad de Mickey Mouse colocó al personaje animado en las filas de las personalidades cinematográficas más populares del mundo. El mayor competidor de Disney, Pat Sullivan con su Felix the Cat, fue eclipsado por la popularidad de Mickey y el estudio cerró en 1932. El merchandising basado en los dibujos animados de Disney rescató a varias empresas de la bancarrota durante los peores momentos de la Depresión, y Disney aprovechó esta popularidad para seguir adelante con más innovaciones en la animación. En 1929, lanzó una nueva serie titulada Silly Symphonies que se basaba en música sin personajes recurrentes. Sin embargo, no llegaron a ser tan populares como la serie de dibujos animados de Mickey Mouse. En 1930, después de una pelea con Powers, Disney cambió de distribuidor a Columbia Pictures. Sin embargo, Ub Iwerks dejó Walt Disney luego de una oferta de Powers para estar a cargo de su propio estudio. En 1932, Mickey Mouse se había convertido en una sensación internacional, pero las Silly Symphonies no. Columbia Pictures se había retirado de la distribución de la serie y Disney se vio tentado a trasladar las Silly Symphonies a United Artists mediante un aumento de presupuesto. Luego, Walt Disney trabajó con la compañía Technicolor para crear la primera caricatura en color de tres tiras, Flores y árboles. Otro gran éxito, se convirtió en la primera caricatura en ganar el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación. Poco después, Disney negoció un acuerdo exclusivo pero temporal con Technicolor para que solo él pudiera usar el proceso de tres tiras en películas animadas; ningún otro estudio podía usarlo. Sin embargo, se abstuvo de hacer Mickey Mouse en color porque pensó que Technicolor podría aumentar la popularidad de Silly Symphonies'. Para 1932, Walt Disney se había dado cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias emocionalmente apasionantes que atraparan a la audiencia y no la dejaran ir. Esta comprensión condujo a una importante innovación alrededor de 1932-1933: un "departamento de historia", separado de los animadores, con artistas de guiones gráficos que se dedicarían a trabajar en un "desarrollo de historia" fase del pipeline de producción. A su vez, el continuo énfasis de Disney en el desarrollo de la historia y la caracterización resultó en otro éxito en 1933: Los tres cerditos, que se considera la primera caricatura en la que varios personajes muestran personalidades únicas e individuales y todavía se considera el corto animado más exitoso de todos los tiempos, y también presentó la exitosa canción que se convirtió en el himno en la lucha contra la Gran Depresión: 'Quién teme al lobo feroz'. En la serie de Mickey Mouse, continuó agregando personalidad a sus personajes; esto resultó en la creación de nuevos personajes como Pluto con The Chain Gang en 1930, Goofy con Mickey's Revue en 1932 y Donald Duck en 1934 con La gallinita sabia (de la serie Silly Symphony). Cuando expiró el contrato de Disney con Technicolor, la serie Mickey Mouse se trasladó a Technicolor comenzando con The Band Concert en 1935. Además, Mickey fue rediseñado parcialmente para Technicolor ese mismo año. En 1937, Disney inventó la cámara multiplano, que le dio una ilusión de profundidad al mundo animado. Usó esto por primera vez en la caricatura The Old Mill de Silly Symphony, ganadora de un Premio de la Academia. Gran parte del trabajo de Disney estuvo fuertemente influenciado por historias y mitos europeos, y el trabajo de ilustradores como Doré y Busch. También en 1937, Disney cambió los distribuidores de Silly Symphonies a RKO Radio Pictures, permaneciendo con este distribuidor hasta principios de la década de 1950, cuando fueron reeditados y relanzados por la nueva distribución de Disney. empresa, Distribución Buena Vista.

Blancanieves y los siete enanitos (1937)

En 1937, Walt Disney produjo Blancanieves y los siete enanitos, el primer largometraje animado estadounidense de fantasía musical. Esta fue la culminación de cuatro años de esfuerzo por parte de los estudios de Disney. Walt Disney estaba convencido de que los dibujos animados cortos no mantendrían la rentabilidad de su estudio a largo plazo, por lo que tomó lo que se consideró una apuesta enorme. Los críticos predijeron que Blancanieves resultaría en la ruina financiera del estudio. Dijeron que los colores serían demasiado brillantes para la audiencia y que se cansarían de las bromas y se irían. Sin embargo, se demostró que los críticos estaban equivocados. Blancanieves fue un éxito de taquilla mundial y universalmente aclamado como un hito en el desarrollo de la animación como una forma de arte seria.

Pinocho y Fantasía (1940)

Después del éxito de Blancanieves, Disney pasó a producir Pinocho, que se estrenó en 1940. Sin embargo, costó el doble que Snow White, Pinocchio no fue un éxito financiero, ya que la Segunda Guerra Mundial (que comenzó en Europa en 1939) había cortado el 40% del mercado de estrenos en el extranjero de Disney. Aunque fue un éxito moderado en los Estados Unidos, el bruto interno por sí solo no fue suficiente para recuperar su presupuesto de producción. Sin embargo, la película recibió críticas muy positivas y ganó millones con los relanzamientos posteriores. Más tarde ese año, Disney produjo Fantasia. Originalmente comenzó con la caricatura de Mickey Mouse El aprendiz de brujo en un intento por recuperar la popularidad de Mickey, que había disminuido drásticamente debido a la popularidad de Max Fleischer Popeye y el Pato Donald de Disney. En Sorcerer's Apprentice, Fred Moore rediseñó a Mickey Mouse. Este rediseño de Mickey todavía está en uso hoy. El corto no presentaba diálogos, solo música dirigida por Leopold Stokowski. Cuando el presupuesto del corto se volvió muy caro, Stokowski le sugirió a Disney que podría ser un largometraje con otras piezas de música clásica acompañadas de animación. Disney estuvo de acuerdo y comenzó la producción. Fantasía también se convertiría en la primera película comercial estrenada en sonido estereofónico. Sin embargo, al igual que Pinocchio, Fantasia no fue un éxito financiero. Fantasía también fue la primera película de Disney que no fue bien recibida, recibiendo críticas mixtas de los críticos. Fue menospreciado por los críticos musicales y el público, que sintieron que Walt Disney estaba luchando por algo más allá de su alcance al tratar de introducir la animación convencional en el arte abstracto, la música clásica y la 'élite'. asignaturas. Sin embargo, la película sería reevaluada en años posteriores y considerada una obra maestra animada.

Dumbo y Bambi (1941-1942)

En 1941, para compensar la relativa mala taquilla de Pinocho y Fantasia, Disney produjo un largometraje de bajo presupuesto, Dumbo. Solo unos días después de que se completara la animación preliminar de Dumbo, los animadores de Disney' estalló la huelga. Esto fue causado por el Screen Cartoonist's Guild (que se había formado en 1938), que cortó muchos lazos entre Walt Disney y su personal, mientras alentaba a muchos miembros del estudio de Disney a irse y buscar pastos más verdes. Más tarde ese año, Dumbo se convirtió en un gran éxito, el primero para Disney desde Blancanieves. La película aclamada por la crítica generó ingresos muy necesarios y mantuvo el estudio a flote. Unos meses después del lanzamiento de Dumbo en 1941, Estados Unidos entró en guerra tras el ataque a Pearl Harbor. Esto condujo a la movilización de todos los estudios de cine (incluidas sus divisiones de dibujos animados) para producir material de propaganda para reforzar la confianza del público y alentar el apoyo al esfuerzo bélico. La guerra (junto con la huelga) sacudió el imperio de Walt Disney, ya que el ejército de los EE. UU. se había apoderado del estudio de Disney tan pronto como EE. UU. entró en la Segunda Guerra Mundial en diciembre de 1941. Como resultado, Disney colocó la función películas Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan (1953), Qind in the Willows (1949), Canción del sur (1946), Mickey and the Beanstalk (1947) y Bongo (1947) en espera hasta que terminó la guerra. El único largometraje al que se le permitió continuar con la producción fue Bambi, que se estrenó en 1942. Bambi fue innovador en términos de animar animales de manera realista. Sin embargo, debido a la guerra, Bambi fracasó en la taquilla y recibió críticas mixtas de los críticos. Este fracaso fue de corta duración, ya que recaudó una cantidad considerable de dinero en el relanzamiento de 1947.

Era de la guerra de Disney

Disney ahora estaba completamente comprometido con el esfuerzo bélico y contribuyó produciendo cortos de propaganda y un largometraje titulado Victory Through Air Power. A Victory Through Air Power le fue mal en la taquilla y, como resultado, el estudio perdió alrededor de $500,000. Los cortos de dibujos animados de propaganda requeridos eran menos populares que los cortos regulares de Disney, y cuando el Ejército terminó su estadía en Walt Disney Studios con el final de la guerra en 1945, Disney luchó por reiniciar su estudio y tenía un bajo cantidad de efectivo disponible. Otros largometrajes de Disney de la década de 1940 fueron colecciones modestamente presupuestadas de segmentos cortos animados reunidos para hacer un largometraje. Estos comenzaron con Saludos Amigos en 1942 y continuaron durante la guerra con The Three Caballeros en 1944 y después de la guerra con Make Mine Music en 1946, Fun and Fancy Free en 1947, Melody Time en 1948 y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad en 1949. Para los largometrajes Mickey and the Beanstalk, Bongo y Wind in the Willows, las condensó en los paquetes de películas Fun and Fancy Free y Las aventuras de Ichabod y Mr. Toad ya que Walt temía que la animación de bajo presupuesto no fuera rentable. La película de Disney más ambiciosa de este período fue la película de 1946 Song of the South, una película musical que combina acción en vivo y animación que generó críticas en años posteriores por acusaciones de estereotipos raciales.

La Edad de Plata de Disney (1950-1967)

Principios de la década de 1950

En 1950, Disney produjo Cenicienta. Cenicienta fue un enorme éxito, convirtiéndose en la película más taquillera de 1950, y se convirtió en la película más exitosa de Disney desde Blancanieves y los siete enanitos y Disney&#39 Es el primer largometraje narrativo único completamente animado desde Bambi, ya que las películas en el ínterin involucraron algo de acción en vivo. La compañía de Disney comenzó a diversificarse, produciendo largometrajes de acción real que comenzaron con Treasure Island (1950) y documentales sobre la naturaleza, el primero de los cuales fue Seal Island (1948).). Como resultado, se necesitaba a Walt Disney en varias unidades diferentes al mismo tiempo y dedicaba menos tiempo a la animación. En 1951, lanzó Alicia en el país de las maravillas, un proyecto en el que había estado trabajando desde finales de la década de 1930, aunque fue archivado durante la guerra. Alicia en el país de las maravillas inicialmente tuvo un éxito moderado y recibió críticas mixtas de los críticos. Unas décadas más tarde, la película sería aclamada como uno de los grandes clásicos de Disney, ganando millones en estrenos posteriores en cines y videos caseros. En 1953, lanzó Peter Pan, que, como Alicia en el país de las maravillas, había estado en producción desde finales de la década de 1930 y principios de la de 1940 y fue archivada durante la guerra. Sin embargo, a diferencia de Alice, Peter Pan fue un gran éxito tanto de crítica como financieramente en su primer lanzamiento. Cuando el contrato de Disney con RKO expiró a fines de 1953, en lugar de renovarlo como de costumbre, Disney estaba preocupado por la inestabilidad de RKO (debido al control cada vez más errático del estudio por parte del propietario Howard Hughes) y comenzó a distribuir películas a través de la recién creada filial Buena Vista Distribution. Esto permitió un presupuesto más alto para cortos y largometrajes que el dictado en los últimos años de dibujos animados hechos para RKO, lo que hizo posible hacer algunos de los dibujos animados en el nuevo formato CinemaScope. Sin embargo, el presupuesto por cortometraje no era tan alto como lo había sido en la década de 1940, ya que Disney se había centrado más en la acción en vivo, la televisión y los largometrajes de animación y menos en los cortos de animación. En 1953, poco después del cambio de RKO a Buena Vista, Disney lanzó su último corto de Mickey Mouse, The Simple Things. A partir de ahí, el estudio produjo menos cortos animados por año hasta que la división de cortos animados finalmente se cerró en 1956. Después de eso, cualquier trabajo futuro de dibujos animados cortos se realizó a través de la división de animación hasta 1969. El último corto animado de Disney de la edad de oro. de la animación estadounidense, la ganadora del Oscar It's Tough to Be a Bird!, se estrenó en 1969.

Finales de los años 50 y 60

En 1955, Disney creó La dama y el vagabundo, la primera película animada en CinemaScope. Al construir Disneyland en 1955, Walt Disney recuperó una gran popularidad entre el público y centró su atención en producir su película más ambiciosa: La bella durmiente. La Bella Durmiente fue filmada en película Super Technirama de 70 mm y en sonido estereofónico como Fantasía. La Bella Durmiente también marcó un cambio en el estilo de dibujo, con personajes caricaturescos y angulosos; tomando influencia de United Productions of America (UPA). Aunque La Bella Durmiente fue la segunda película más taquillera de 1959 (justo detrás de Ben-Hur), la película superó el presupuesto, costó $6 millones y no logró recuperar su gasto. El estudio estaba muy endeudado y tuvo que reducir el costo de la animación. En 1960, esto resultó en que Disney cambiara a la xerografía, que reemplazó el tradicional entintado a mano. El primer largometraje que utilizó celdas Xerox fue 101 dálmatas en 1961, que fue un éxito de taquilla. Sin embargo, la Xerox resultó en películas con un aspecto "sketchier" aspecto y carecía de la calidad de las películas entintadas a mano. Según Floyd Norman, que trabajaba en Disney en ese momento, se sintió como el final de una era. El 15 de diciembre de 1966, Walt Disney murió de cáncer de pulmón. Las dos últimas películas en las que participó fueron El libro de la selva (1967) y Las muchas aventuras de Winnie the Pooh (1977), ya que uno de los cortos Winnie the Pooh and the Honey Tree se estrenó durante su vida, y participó en la producción de Winnie the Pooh and the Blustery Day. La comedia musical animada, El libro de la selva, y el musical de acción en vivo para la pantalla grande, El millonario más feliz, se estrenaron en 1967, un año después de su muerte, y Winnie the Pooh and the Blustery Day se estrenó dos años después, mientras que The Many Adventures of Winnie the Pooh se estrenó en 1977. Winnie the Pooh and the Blustery Day también ganó el Premio de la Academia de 1968 al Cortometraje de Animación. Después de la muerte de Walt Disney, el departamento de animación no se recuperó por completo hasta finales de los 80 y principios de los 90 con Disney Renaissance.

Imágenes Paramount

Estudios Fleischer

Creación

Uno de los principales competidores de Walt Disney era Max Fleischer, director de Fleischer Studios, que producía dibujos animados para Paramount Pictures. Fleischer Studios era una empresa familiar, operada por Max Fleischer y su hermano menor Dave Fleischer, quienes supervisaban la producción de los dibujos animados. Los Fleischer obtuvieron éxitos exitosos con los dibujos animados Betty Boop y la serie Popeye the Sailor. La popularidad de Popeye durante la década de 1930 rivalizó con Mickey Mouse en ocasiones, y los clubes de fans de Popeye surgieron en todo el país a imitación de los clubes de fans de Mickey; en 1935, las encuestas mostraban que Popeye era incluso más popular que Mickey Mouse. Sin embargo, a principios de la década de 1930, las reglas de censura más estrictas impuestas por el nuevo Código de producción en 1934 requerían que los productores de animación eliminaran el humor atrevido. Los Fleischer, en particular, tuvieron que bajar el tono del contenido de sus caricaturas de Betty Boop, cuya popularidad disminuyó después. Los Fleischer también habían producido varios dibujos animados Color Classics durante la década de 1930 que intentaban emular el uso del color de Walt Disney, pero la serie no fue un éxito.

Largometrajes

En 1934, Max Fleischer se interesó en producir una película animada poco después del anuncio de Walt Disney de Blancanieves, sin embargo, Paramount vetó la idea. En 1936, Fleischer Studios produjo el primero de tres largometrajes en Technicolor Popeye de dos carretes: Popeye the Sailor Meets Sindbad the Sailor en 1936, Popeye the Sailor Meets Ali Baba& #39;s Forty Thieves en 1937, y Aladdin and His Wonderful Lamp en 1939. En 1938, después del éxito de Disney con Blancanieves y los siete enanitos, Paramount había dado permiso a los Fleischer para producir una película animada y el estudio Fleischer se mudó de Nueva York a Miami, Florida, en para evitar los sindicatos organizados, que se convirtieron en una amenaza para el estudio después de una huelga de cinco meses entre los trabajadores de Fleischer Studio a fines de 1937. Aquí, los Fleischer produjeron Gulliver's Travels, que se estrenó en 1939. Fue un pequeño éxito y alentó a los Fleischer a producir más.

Superman y la caída del estudio

En mayo de 1941, los Fleischer le dieron a Paramount la propiedad total del estudio como garantía para pagar las deudas que quedaron de los préstamos que obtuvieron del estudio para hacer dibujos animados sin éxito como Stone Age, Gabby y Color Classics. Sin embargo, aún mantuvieron sus posiciones como jefes de producción de su estudio. Bajo el gobierno de Paramount, los Fleischer llevaron a Popeye a la Marina y contribuyeron al esfuerzo de guerra, y ganarían más éxito al comenzar una serie de espectaculares dibujos animados de Superman (el primero de los cuales fue nominado para un Oscar) que se han vuelto legendarios en sí mismos. A pesar del éxito que Superman le dio al estudio, se produciría un gran golpe para el estudio cuando el casado Dave comenzara a tener una aventura adúltera con la secretaria de Miami. Esto dio lugar a muchas disputas entre los hermanos Fleischer hasta que Max y Dave ya no se hablaban. En 1941, estrenaron Mister Bug Goes to Town, lamentablemente se estrenó unos días antes del ataque a Pearl Harbor, lo que provocó que Mister Bug fracasara en taquilla.. Poco después de la mala taquilla de la película, Dave Fleischer, que aún conservaba su puesto como codirector de su estudio, dejó Fleischer Studios para dirigir Columbia Pictures. Dibujos animados de Screen Gems. Debido a esto, Paramount Pictures había expulsado a Dave y Max Fleischer de sus puestos como jefes del estudio de dibujos animados.

Estudios famosos

Conversión

Paramount se hizo cargo del estudio Fleischer por completo y lo convirtió en su propio estudio, renombrándolo como Famous Studios y continuando el trabajo que comenzaron los Fleischer. Isadore Sparber, Seymour Kneitel y Dan Gordon fueron ascendidos a directores (el veterano de Disney Bill Tytla dirigió cortometrajes a mediados o finales de la década de 1940 después de que Gordon dejara el estudio), mientras que Sam Buchwald fue ascendido a productor ejecutivo. Paramount también descontinuó los costosos dibujos animados de Superman en 1943, a favor de adaptar Little Lulu a los cines. Famous Studios continuó lanzando cortos de Popeye, que cambiaron a color en 1943, además de crear Noveltoons, una serie de cortos de antología similar a Color Classics de Fleischer. Noveltoons introdujo muchos personajes notables como Blackie the Lamb, Wolfie (el principal rival de Blackie), Casper the Friendly Ghost (adaptado de un libro de cuentos para niños), Little Audrey (un personaje similar y que reemplaza a Little Lulu), Herman and Katnip (Un duelo de gato y ratón similar a Tom y Jerry), Baby Huey (un pato bebé grande pero tonto) y muchos otros personajes menos conocidos. Famous también revivió Screen Songs, otra serie heredada de Fleischer's. Ya en 1945, Famous continuó la serie hasta 1951, cuando perdieron el derecho del nombre y el término "pelota que rebota". La serie pasó a llamarse Kartunes y continuaría durante dos años más, donde finalmente se suspendería. En 1951, Sam Buchwald murió de un infarto, dejando a Sparber y Kneitel como productores y directores principales. Dave Tendlar fue ascendido a director en 1953.

Rechazo y cierre

La partida de los Fleischer tuvo un efecto inmediato en el estudio: las caricaturas de Paramount de los años de la guerra continuaron siendo entretenidas y populares y aún conservaban la mayor parte del estilo y el brillo de Fleischer, sin embargo, los fanáticos de la animación y los historiadores notarían que el estudio... El tono divergente de 39 después del final de la guerra, ya que el estilo fue criticado por su narración de historias altamente formulada, la falta de ambición artística, la violencia y su atractivo general para los niños en lugar de los niños y los adultos. A mediados de la década de 1950, Famous Studios todavía lanzaba cortos pero con presupuestos más ajustados. Esta era una práctica estándar de la industria en ese momento, ya que otros estudios de animación también lanzaban cortometrajes con presupuestos más ajustados debido a la popularidad de la televisión. Al mismo tiempo, el estudio tuvo cambios realmente drásticos. Paramount cambió el nombre del estudio a Paramount Cartoon Studios, además de descontinuar los cortos de Popeye en 1957. Spooky Swabs (dirigido por Sparber, quien murió al año siguiente) fue el último corto de Popeye en los cines. Los presupuestos para los cortos eran tan ajustados a fines de la década de 1950 que el estudio tiene que usar técnicas de animación limitadas comparables a la animación televisiva en ese momento. En la década de 1960, Paramount continuó lanzando dibujos animados fantásticos y se asoció con King Features Syndicate TV para coproducir Popeye the Sailor y otros personajes cómicos para televisión. Después de que Seymour Kneitel muriera en 1964 de un ataque al corazón, otros veteranos de la animación como Howard Post, James Culhane y Ralph Bakshi fueron contratados para dirigir cortometrajes al final de la vida del estudio. Los dibujos animados producidos durante este período fueron Swifty and Shorty, Honey Halfwitch, Comic Kings, la serie Modern Madcaps y Fractured Fables, ninguno de los cuales logró revitalizar el estudio debido a las continuas restricciones presupuestarias. En el invierno de 1968, los nuevos propietarios de Paramount en ese momento, Gulf+Western, comenzaron el proceso para cerrar el estudio de dibujos animados. El cierre se completó en diciembre.

Warner Bros

Era Harman-Ising

En 1929, los antiguos animadores de Disney Hugh Harman y Rudolf Ising hicieron una caricatura titulada Bosko, the Talk-Ink Kid, e intentaron vendérsela a un distribuidor en 1930. Warner Bros., que anteriormente había intentó sin éxito montar un estudio de dibujos animados en Nueva York para competir con Disney, accedió a distribuir la serie. Bajo la guía del productor Leon Schlesinger, Harman e Ising crearon Looney Tunes (el título es una variación de las galardonadas Silly Symphonies de Disney) protagonizada por su personaje Bosko. Una segunda serie de Harman-Ising, Merrie Melodies, siguió en 1931. Ambas series mostraron la fuerte influencia de las primeras películas de Disney.

Harman &amperio; Ising romper

Después de disputas sobre el dinero, Harman-Ising se separó de Schlesinger (quien rechazó sus demandas de aumento de presupuestos) en 1933, y se llevó a Bosko a trabajar con Metro Goldwyn Mayer. Schlesinger comenzó su propia operación de dibujos animados bajo el nuevo nombre Leon Schlesinger Productions, contratando al animador de Harman-Ising Friz Freleng y varios otros para dirigir el estudio. El animador Tom Palmer creó un clon de Bosko conocido como Buddy y respondió al uso del color de Walt Disney en los dibujos animados de Silly Symphonies en 1934, y comenzó a hacer todos los futuros Merrie Melodies caricaturas en color. Sin embargo, dado que Walt Disney tenía un trato exclusivo con Technicolor, Schlesinger se vio obligado a usar Cinecolor y Two Strip Technicolor hasta 1935, cuando expiró el contrato de Disney con Technicolor. En 1935, Schlesinger despidió a Tom Palmer y Buddy se retiró.

La creación de nuevas estrellas

En una Merrie Melodie de 1935 dirigida por Friz Freleng titulada I Haven't Got a Hat fue la primera aparición en pantalla de Porky Pig. También en 1935, Schlesinger contrató a un nuevo director de animación que procedió a revitalizar el estudio: Tex Avery. Schlesinger puso a Avery a cargo de los Looney Tunes de bajo presupuesto en un edificio viejo y destartalado que los animadores llamaron Termite Terrace. Bajo Avery, Porky Pig reemplazaría la serie Buddy y se convertiría en el primer personaje de dibujos animados de Warner Bros. en alcanzar el poder de estrella. También en Termite Terrace, el animador Bob Clampett rediseñó a Porky de un cerdo gordo y regordete a un personaje más lindo e infantil. A diferencia de los otros productores de dibujos animados en ese momento, Avery no tenía intención de competir con Walt Disney, sino que trajo un nuevo estilo de animación loco y alocado al estudio que aumentaría la cantidad de dibujos animados de Warner Bros. popularidad en el mercado abarrotado. Esto se estableció firmemente en 1937 cuando Tex Avery dirigió Porky's Duck Hunt. Durante la producción del cortometraje, el animador principal Bob Clampett elaboró la salida del personaje de Duck haciéndolo saltar sobre su cabeza, dar vueltas y gritar hacia la puesta de sol. Esto creó el personaje de Pato Lucas. Después de la creación de Daffy, agregaría aún más éxito a los dibujos animados de Warner Bros. y reemplazó a Porky Pig como el personaje animado más popular del estudio, y Bob Clampett se hizo cargo de Termite Terrace, mientras que Tex Avery se hizo cargo del departamento Merrie Melodies. La caricatura de 1940 nominada al premio de la Academia A Wild Hare (dirigida por Avery) marcó el debut oficial de Bugs Bunny, así como su primera pareja con Elmer Fudd (Creado por Chuck Jones ese año). Bugs reemplazó rápidamente a Daffy como la principal estrella del estudio. Para 1942, Bugs se había convertido en el personaje de dibujos animados más popular. Debido al éxito de Bugs, Daffy y Porky, el estudio de Schlesinger ahora había alcanzado nuevas alturas, y Bugs se convirtió rápidamente en la estrella de los dibujos animados en color Merrie Melodies, que anteriormente se habían utilizado para one-shot. apariciones de personajes. En 1942, Warner's' Los cortos ahora habían superado a los de Disney en ventas y popularidad. Frank Tashlin también trabajó con Avery en el departamento de Merrie Melodies. Comenzó en Warners en 1933 como animador, pero fue despedido y se unió a Iwerks en 1934. Tashlin regresó a Warners en 1936, asumiendo la dirección del departamento de Merrie Melodies. Regresó en 1943 dirigiendo los dibujos animados de Porky y Daffy. Se fue a fines de 1944 para dirigir películas de acción real.

Schlesinger vende el estudio

Avery dejó Warner Bros. en 1941 y se fue a trabajar a MGM. Avery creó Droopy en 1943 y muchos otros personajes durante su carrera de 12 años en MGM. Schlesinger vendió su estudio a Warner Bros. en agosto de 1944. A su vez, Edward Selzer fue nombrado nuevo productor. En ese momento, los dibujos animados de Warner' Los mejores directores de la década de 1940 fueron Friz Freleng, Chuck Jones, Bob Clampett y, recientemente, Robert McKimson, quien se hizo cargo de la unidad de Frank Tashlin después de que dejó el estudio. Sus caricaturas ahora se consideran clásicos del medio. Dirigieron algunos de los cortos animados más queridos de todos los tiempos, incluidos (para Clampett) Porky in Wackyland, Wabbit Twouble, A Corny Concerto, El gran robo de la alcancía, La gran siesta, (para Freleng) Deberías estar en imágenes, Rhapsody in Rivets, Conejito de montar rojo, Pájaros anónimos, Bichos caballeros caballeros, (para Jones) Conejo de fuego, Duck Amuck, Duck Dodgers en el siglo 24½, Una noche de ranas, ¿Qué es la ópera, doctor?, (para McKimson) Walky Talky Hawky, Hillbilly Hare, Devil May Hare, La idea del agujero y Pato estupor. Además de que McKimson fue ascendido a director a mediados de la década de 1940, Arthur Davis reemplazó a Clampett a mediados de 1945, luego de que Selzer lo despidiera. Clampett se puso a trabajar en Beany y Cecil. Jones, Freleng, McKimson y Clampett crearon muchos personajes recurrentes conocidos, y la mayoría se hizo popular instantáneamente en este momento. Esto incluyó Tweety (1942), Pepé Le Pew (1945), Sylvester the Cat (1945), Yosemite Sam (1945), Foghorn Leghorn (1946), Marvin el marciano (1948), Wile E. Coyote y el correcaminos (1949), Granny (1950), Speedy Gonzales (1953), El diablo de Tasmania (Taz) (1954), entre otros. En 1948, Warner ya no podía obligar a los cines a comprar sus películas y cortometrajes juntos como paquetes, debido al caso antimonopolio de Estados Unidos contra Paramount Pictures, Inc. ese año. Resultó que los cortos de principios de la década de 1960 tenían presupuestos más ajustados. Davis' Warner cerró la unidad en 1949 debido a problemas de presupuesto, lo que provocó que se mudara a la unidad de Freleng para convertirse en uno de sus animadores clave. Edward Selzer en 1958, se retiró, lo que llevó al director de producción John W. Burton a ocupar su lugar. David DePatie asumió como productor en 1960 después de que Burton dejara el estudio.

DePatie-Freleng Enterprises y Warner Bros.-Seven Arts

Después de más de dos décadas en la cima, Warner Bros. cerró la "Terraza de termitas" studio en 1963 y DePatie-Freleng Enterprises asumió la producción de los cortos, con licencia de Warner Bros. La mayoría de los personajes principales de la serie se retiraron de los cines en ese momento, incluida la estrella más popular de Warner, Bugs Bunny. El Pato Lucas, sin embargo, todavía aparecería en dibujos animados teatrales, en su mayoría junto con Speedy Gonzales. Junto a ellos, Porky Pig, Granny, Sylvester y Goofy Gophers aparecieron en esta era, pero la mayoría apareció en uno o más cortos. También se encargaron 14 dibujos animados de Wile E. Coyote y Roadrunner, y los últimos 11 se subcontrataron a Format Films, bajo la dirección del exanimador de Chuck Jones, Rudy Larriva. Estas caricaturas no fueron bien recibidas y fueron criticadas por su falta de espíritu y encanto en comparación con los cortos de Jones. Después de que DePatie-Freleng cesó la producción de Looney Tunes en 1967, Bill Hendricks se puso a cargo de la producción del nuevo estudio de animación Warner Bros.-Seven Arts, y contrató a veteranos como Alex Lovy y LaVerne Harding. del estudio Walter Lantz, Volus Jones y Ed Solomon de Disney, Jaime Diaz, quien luego trabajó en The Fairly OddParents como director, y David Hanan, quien anteriormente trabajó en Roger Ramjet. Hendricks trajo solo tres de los veteranos originales de Looney Tunes al estudio; Ted Bonniscken, Norman McCabe y Bob Givens. Los dibujos animados de una sola toma del estudio de esta era fueron criticados críticamente y son ampliamente considerados como los peores en la historia del estudio: Cool Cat, Merlin the Magic Mouse , Chimp and Zee y Norman Normal, a pesar de que el último obtuvo un gran número de seguidores de culto, se decía que eran tontos, toscamente animados, además de tener una escritura y un estilo deficientes. diseño debido a los presupuestos extremadamente bajos con los que el equipo tenía que trabajar en ese momento. Alex Lovy dejó el estudio en 1968 y Robert McKimson se hizo cargo. McKimson se centró principalmente en los personajes recurrentes que había creado Alex Lovy y dos de su propia creación, Bunny y Claude. El último de los cortos originales de Looney Tunes producidos fue Bugged by a Bee y el último corto de Merrie Melodies fue Injun Trouble, que comparte su nombre con otro corto de Looney Tunes de 1938. El estudio Warner Bros.-Seven Arts finalmente cerró en 1969. Se habían creado un total de 1039 cortos de Looney Tunes. Una década más tarde, tras el éxito de la película La película de Bugs Bunny/Road Runner, que consistía principalmente en imágenes de los cortos clásicos de Jones, un nuevo estudio interno para producir animación original abrió sus puertas. puertas en 1980 llamado Warner Bros. Animation, que existe hasta el día de hoy.

Metro-Goldwyn-Mayer

Ub Iwerks

Al principio, Mickey Mouse fue dibujado por Ub Iwerks, socio y amigo de mucho tiempo de Walt Disney, quien también fue un innovador técnico en dibujos animados, y dibujó un promedio de 600 dibujos para Disney diariamente; Disney fue responsable de las ideas en los dibujos animados e Iwerks fue responsable de darles vida. Sin embargo, Iwerks dejó el estudio de Disney en 1930 para formar su propia compañía, que fue respaldada financieramente por el propietario de Celebrity Pictures, Pat Powers. Después de su partida, Disney finalmente encontró varios animadores diferentes para reemplazar a Iwerks. Iwerks produciría tres series de dibujos animados durante la década de 1930: Flip the Frog y Willie Whopper para Metro-Goldwyn-Mayer, y ComiColor Cartoons para Pat Poderes' Producciones de celebridades. Sin embargo, ninguna de estas caricaturas pudo igualar el éxito de las caricaturas de Disney o Fleischer, y en 1933, MGM, Iwerks' distribuidor de dibujos animados desde 1930, terminó la distribución de sus dibujos animados a favor de distribuir los dibujos animados de Harman e Ising, e Iwerks se fue después de que expirara su contrato en 1934. Después de su estadía en MGM, Iwerks' Los dibujos animados fueron distribuidos por Celebrity Pictures, e Iwerks respondería al uso de Technicolor por parte de Disney y crearía la serie Comicolor, que transmitía dibujos animados en Cinecolor de dos tiras. Sin embargo, en 1936, Iwerks Studio comenzó a experimentar reveses financieros y cerró después de que Pat Powers retirara la ayuda financiera al estudio. Después de animar en Warner Brothers creando Gabby Goat e ir a Screen Gems, que estaba haciendo dibujos animados para Columbia Pictures en ese momento, Iwerks regresó a Disney en 1940, donde trabajó como jefe de 'desarrollo de efectos especiales'. división hasta su muerte en 1971.

Harman e Ising

Después de que MGM eliminó a Iwerks, contrataron a Harman e Ising lejos de Leon Schlesinger y Warner Bros y los nombraron jefes del estudio. Comenzaron a producir dibujos animados de Bosko y Happy Harmonies que emulaban las Silly Symphonies de Disney. Sin embargo, no lograron tener éxito en los teatros y, en 1937, las series Bosko y Happy Harmonies se suspendieron y MGM reemplazó a Harman e Ising con Fred Quimby. Después de que Quimby asumiera el cargo, mantuvo a varios miembros del personal de Harman e Ising y buscó talento en otros estudios de animación (incluido el director de Warner, Friz Freleng, durante un corto período de tiempo). Creó una adaptación animada de la serie de cómics The Katzenjammer Kids a la que retituló The Captain & Los Niños. El Capitán & La serie Kids no tuvo éxito. Sin embargo, en 1939, Quimby tuvo éxito después de volver a contratar a Harman & Yo canto. Después de regresar a MGM, Ising creó la primera estrella animada exitosa de MGM llamada Barney Bear. Mientras tanto, Harman dirigió su obra maestra Peace on Earth. A pesar de esto, ambos hombres dejarían MGM en 1941 y 1943 respectivamente, ya que Harman desarrollaría su propio estudio con el animador de Disney Mel Shaw, mientras que Ising renunció para unirse al ejército de los EE. UU.

Barney Bear después de la partida de Ising

Después de que Ising dejó MGM, su unidad quedó vacante hasta que el animador George Gordon la retomó. Continuó con la serie Barney Bear además de dirigir otros cortometrajes como The Storks Holiday y algunos otros cortos protagonizados por un burro sin nombre. Gordon no recibió créditos por la dirección de la mayoría de las caricaturas que dirigió. Más tarde dejó el estudio en 1943, dejando la unidad vacante una vez más. A fines de 1946, los animadores Michael Lah y Preston Blair se unieron para dirigir exclusivamente más dibujos animados de Barney Bear . El propio Lah afirmó haber terminado The Unwelcome Guest de Gordon, que estaba inconclusa y también presentaba a Barney. Ambos pudieron darle una nueva vida al oso, ya que el tono de estas caricaturas era más familiar a la comedia de otras caricaturas de Hanna-Barbera y Tex Avery. En solo tres años más, las carreras de director de Lah y Blair se detuvieron abruptamente cuando MGM disolvió la tercera unidad, dejando solo las unidades de Hanna-Barbera y Avery. En la década de 1950, Tex Avery abandonó brevemente MGM debido al exceso de trabajo. Casi al mismo tiempo, Dick Lundy, quien recientemente dejó Walter Lantz Production, fue contratado por MGM para llenar el vacío entre la partida de Avery. Una vez más, se encargó a Barney Bear que realizara más dibujos animados, sin embargo, a diferencia de los directores anteriores, Lundy cambió a Barney para que hablara inglés completo, proporcionado por Paul Frees. El estilo maníaco de dirección de los cortos de Avery también se nota en estos cortos, ya que estaba usando la unidad de Avery. A fines de 1951, Avery regresó al estudio, sin embargo, Lundy continuó dirigiendo cortos de Barney Bear con su unidad hasta 1954, cuando MGM finalmente canceló los dibujos animados de Barney, ya que los estudios no dirigirían más dibujos animados con él.

Tom y Jerry de Hanna-Barbera

En 1939, William Hanna y Joseph Barbera comenzaron una sociedad que duraría más de seis décadas hasta la muerte de Hanna en 2001. La primera caricatura del dúo juntos fue Puss Gets the Boot (1940), que presenta los intentos de un ratón sin nombre de burlar a un gato doméstico llamado Jasper. Aunque se estrenó sin fanfarria, el corto fue un éxito financiero y crítico, y obtuvo una nominación al Premio de la Academia al Mejor Cortometraje (Dibujos animados) de 1940. Gracias a la nominación al Oscar y la demanda del público, Hanna y Barbera se propusieron producir un largometraje. serie de dibujos animados del gato y el ratón, pronto bautizando a los personajes Tom & Jerry. Puss Gets the Boot no ganó el premio de la Academia de 1940 a la mejor caricatura, pero sí otra caricatura de MGM, The Milky Way de Rudolf Ising, lo que hizo que MGM estudio de dibujos animados el primer estudio en arrebatarle el Premio de la Academia de Dibujos Animados a Walt Disney. Después de aparecer en Puss Gets the Boot, Tom y Jerry se convirtieron rápidamente en las estrellas de los dibujos animados de MGM. Con Hanna-Barbera a sus espaldas, el estudio de dibujos animados MGM finalmente pudo competir con Walt Disney en el campo de los dibujos animados. Los cortos tuvieron éxito en la taquilla, se lanzaron al mercado muchos productos con licencia (cómics, juguetes, etc.) y la serie obtuvo doce nominaciones más al Premio de la Academia por Temas Cortos (Dibujos animados), con siete de los Tom y Jerry que ganaron el Premio de la Academia: The Yankee Doodle Mouse (1943), Mouse Trouble (1944), Quiet Please ! (1945), El concierto del gato (1946), La huerfanita (1948), Los dos ratoneros (1951) y Johann Mouse (1952). Tom and Jerry finalmente empató con Disney's Silly Symphonies como la serie de dibujos animados teatrales más premiada. Ninguna otra serie animada teatral basada en personajes ha ganado más premios, ni ninguna otra serie con los mismos personajes. Además de los cortos clásicos de Tom y Jerry, Hanna y Barbera también produjeron y dirigieron para el estudio de dibujos animados MGM media docena de cortos teatrales de una sola toma, incluidos Gallopin& #39; Gals (1940), Pooch oficial (1941), War Dogs (1943) y Good Will to Men (una nueva versión de Paz en la Tierra, 1955). Fred Quimby se retiró en 1955, con Hanna y Barbera reemplazándolo a cargo de los dibujos animados restantes de MGM (incluidos los últimos siete episodios Droopy de Tex Avery) hasta 1958, cuando el estudio cerró, finalizando todas las producciones de animación, el dúo fundó la empresa de series de televisión animadas Hanna-Barbera después. La clave del éxito de Tom y Jerry y otros dibujos animados de MGM fue el trabajo de Scott Bradley, quien compuso la música de prácticamente todos los dibujos animados para el estudio desde 1934 hasta 1958. Las partituras de Bradley hicieron uso de tanto la sensibilidad clásica como la del jazz. Además, a menudo usaba canciones de las partituras de los largometrajes de MGM, siendo la más frecuente "The Trolley Song" de Meet Me in St. Louis (1944) y "Sing Before Breakfast" de Melodía de Broadway de 1936.

Dibujos animados de Tex Avery

Mientras tanto, Tex Avery llegó al estudio de dibujos animados de MGM en 1941 y revitalizó su estudio de dibujos animados con la misma chispa que había infundido a los animadores de Warner. Las salvajes obras maestras surrealistas de Tex Avery de sus días en el estudio de MGM establecieron nuevos estándares para 'adultos'. entretenimiento en los dibujos animados de Code-era. A Tex Avery no le gustaba usar personajes recurrentes, pero se mantuvo fiel a un personaje a lo largo de su carrera en MGM con Droopy, quien fue creado en Dumb-Hounded en 1943. Tex también creó Screwy Squirrel en 1944, pero a Tex le tenía menos cariño y descontinuó la serie después de cinco caricaturas. También creó el inspirado dúo Of Mice and Men George and Junior en 1946, pero solo se produjeron cuatro dibujos animados.

Los últimos años de los estudios

En 1953, Metro-Goldwyn-Mayer cerró la unidad Tex Avery. Avery también dejó el estudio en ese momento, y MGM promovió a Micheal Lah para que tomara el puesto de Avery para dirigir dibujos animados una vez más. Fred Quimby se retiró en 1955, y Hanna y Barbera lo reemplazaron a cargo de los dibujos animados restantes de MGM (incluidos los últimos siete dibujos animados Droopy de Tex Avery) hasta 1958, cuando el estudio cerró el Unidad H-B, finalizando todas las producciones de animación. El dúo eventualmente desarrollaría su propio estudio, Hanna-Barbera en 1957, heredando la mayor parte del personal en el proceso.

Imágenes de Colombia

Charles Mintz y Screen Gems

Después de que Charles Mintz fuera despedido de Paramount & Universal todavía estaba a cargo de su propia operación de dibujos animados produciendo dibujos animados de Krazy Kat para Columbia Pictures. Tras el fracaso de Toby the Pup, que RKO Pictures descontinuó a favor de Van Beuren Studios, creó una nueva serie protagonizada por un niño llamado Scrappy, creada por Dick Huemer en 1931. Scrappy fue una gran oportunidad para Mintz y también fue su creación más exitosa, pero su estudio sufriría daños irreparables después de que Dick Huemer fuera despedido del Mintz Studio en 1933. En 1934, Mintz, como la mayoría de los estudios de animación de la época, también intentó responder al uso de Technicolor por parte de Disney y comenzó a hacer dibujos animados en color a través de la serie Color Rhapsodies; la serie estaba originalmente en Cinecolor o Technicolor de dos tiras, pero pasó a Technicolor de tres tiras después de que el contrato de Disney con Technicolor expirara en 1935. Sin embargo, la serie no llamó la atención y, en 1939, Mintz estaba en gran parte endeudado. a Columbia Pictures. Como resultado, Mintz vendió su estudio a Columbia. Columbia cambió el nombre del estudio, que Mintz aún administraba, a Screen Gems; Mintz murió al año siguiente. Frank Tashlin y John Hubley eran animadores de Disney que se fueron durante la huelga y obtuvieron trabajos en Screen Gems, donde Tashlin se desempeñó como productor principal mientras que Hubley actuó como director de estudio. Tashlin ayudó a Screen Gems a tener más éxito al presentar El zorro y el cuervo, Screen Gems' estrellas más grandes. Tashlin mantuvo su posición hasta que Columbia Pictures lo liberó del estudio a favor de Dave Fleischer en 1942. Las caricaturas de Screen Gems tuvieron un éxito moderado y nunca ganaron el talento artístico de Disney, Warner Bros. o MGM. Columbia Pictures cerró el estudio en 1949 y comenzó a buscar una nueva productora de dibujos animados.

Producciones Unidas de América

En 1941, John Hubley dejó Screen Gems y formó un estudio con los exanimadores de Disney Stephen Bosustow, David Hilberman y Zachary Schwartz, quienes, al igual que Hubley, habían dejado el nido de Walt durante la huelga de los animadores.. El estudio que Hubley fundó era un estudio de animación más nuevo y más pequeño que se enfocaba en perseguir la propia visión de Hubley de probar estilos de animación más nuevos, más abstractos y experimentales. Bosustow, Hilberman y Schwartz nombraron el nuevo estudio como Industrial Film and Poster Service, o IFPS. Artísticamente, el estudio utilizó un estilo de animación que se conoce como animación limitada. El primer corto del estudio recién formado fue Hell-Bent for Election (dirigido por el veterano Chuck Jones de Warner), una caricatura hecha para la campaña de reelección de Franklin D. Roosevelt. Aunque esta nueva película fue un éxito, no rompió los límites que Hubley y su personal esperaban. No fue hasta el tercer cortometraje, Brotherhood of Man de Bobe Cannon, que el estudio comenzó a producir cortos agresivamente estilizados en contraste con las películas de los otros estudios. La película de Cannon incluso predicó un mensaje que, en ese momento, fue menospreciado: la tolerancia racial. En 1946, el estudio pasó a llamarse United Productions of America (UPA), y Hilberman y Schwartz habían vendido sus acciones del estudio a Bosustow. En 1948, UPA también encontró un hogar en Columbia Pictures y comenzó a producir dibujos animados teatrales para el público en general, en lugar de usar solo temas de propaganda y entrenamiento militar; UPA también obtuvo dos nominaciones a los Premios de la Academia por nuevas caricaturas protagonizadas por El zorro y el cuervo durante sus dos primeros años de producción. A partir de ahí, los animadores de la UPA comenzaron a producir una serie de dibujos animados que de inmediato se destacaron entre el abarrotado campo de dibujos animados imitadores de los otros estudios. El éxito de Mr. La serie Magoo hizo que todos los demás estudios se sentaran y tomaran nota, y cuando el corto de UPA Gerald McBoing-Boing ganó un Oscar, el efecto en Hollywood fue inmediato y electrizante. El estilo de UPA era marcadamente diferente de todo lo demás que se veía en las pantallas de cine, y el público respondió al cambio que ofrecía UPA a partir de la repetición de las batallas habituales entre gatos y ratones. El Sr. Magoo se convertiría en el personaje de dibujos animados más exitoso del estudio. Sin embargo, UPA sufriría un duro golpe después de que John Hubley fuera despedido del estudio durante la Era McCarthy en 1952, debido a las sospechas de que tenía vínculos con el comunismo; Steve Bosustow se hizo cargo, pero no tuvo tanto éxito como Hubley, y el estudio finalmente se vendió a Henry Saperstein. Para 1953, UPA había ganado una gran influencia dentro de la industria. Los estudios de dibujos animados de Hollywood se alejaron gradualmente de los detalles exuberantes y realistas de la década de 1940 a un estilo de animación más simple y menos realista. En ese momento, incluso Disney estaba tratando de imitar a UPA. Los cortos de 1953 Melody y Toot, Whistle, Plunk and Boom en particular fueron experimentos de estilización que siguieron los pasos del estudio recién formado. Alrededor de 1952, Eric Porter propuso dos caricaturas a Columbia, pero estas fueron rechazadas y actualmente ambas caricaturas son de dominio público.

Largometrajes y Decadencia

En 1959, UPA estrenó 1001 Arabian Nights protagonizada por Mr Magoo, sin embargo, resultó ser un fracaso, ya que le costó a UPA su contrato de distribución con Columbia Pictures. lo intentaron una vez más en 1962, UPA lanzó Gay Purr-ee con los talentos de voz de Judy Garland, esta vez, con un distribuidor en Warner Brothers. En 1964, UPA decidió abandonar la animación y convertirse simplemente en una empresa de distribución, donde continuaría distribuyendo algunas de las películas de Godzilla a Estados Unidos.

Hanna-Barbera

Antes de la rescisión de UPA, Columbia llegó a un acuerdo de distribución de 10 años con Hanna-Barbera, que acababa de abandonar Metro-Goldwyn-Mayer Cartoon Studio, que acababa de cerrar. Este acuerdo estaría relacionado principalmente con la división de televisión de Columbia, Screen Gems, que irónicamente tomó prestado el nombre del estudio de animación. En 1959, Hanna-Barbera produjo la única serie teatral para Columbia, Loopy De Loop. Esta serie fue un éxito y estuvo al aire hasta 1965. Hanna-Barbera también produjo 2 películas para Columbia, que fueron Hey There, It's Yogi Bear! y The Man Called Flintstone. El contrato de 10 años de Columbia con Hanna-Barbera expiró en 1967 y no se renovó, lo que puso fin a la asociación de Columbia con Hanna-Barbera en todos los sentidos.

Universal Pictures/Producciones Walter Lantz

Comienzos

En 1928, Walter Lantz reemplazó a Charles Mintz como productor de dibujos animados de Universal Studios. El personaje principal de Walter Lantz en ese momento era Oswald the Lucky Rabbit, cuyas caricaturas anteriores habían sido producidas tanto por Walt Disney como por Charles Mintz. Lantz también comenzó a experimentar con dibujos animados en color, y el primero, llamado Jolly Little Elves, se estrenó en 1934. En 1935, Walter Lantz independizó su estudio de Universal Studios, y el estudio ahora solo era distribuidor de sus dibujos animados, en lugar de eso. de los propietarios directos. Después de ver el éxito de Disney de su primera película Blancanieves y los siete enanitos, Lantz planeó producir un largometraje de animación basado en la historia Aladdin, y debería haber protagonizado el famoso dúo de comedia Abbot y Costello. Sin embargo, debido a la bomba financiera de Mr. Bug Goes to Town, Lantz sacó la idea y la película nunca se produjo.

Nuevas estrellas y artistas unidas

En la década de 1940, Oswald comenzó a perder popularidad. Lantz y su personal trabajaron en varias ideas para posibles nuevos personajes de dibujos animados (entre ellos Meany, Miny y Moe y Baby-Face Mouse). Finalmente, uno de estos personajes hizo clic; su nombre era Andy Panda, que se transmitía en Technicolor. Por muy exitoso que fuera Andy, no fue hasta la quinta caricatura del personaje, Knock Knock, que se presentó un personaje realmente innovador. Este no era otro que Woody Woodpecker, quien se convirtió en la creación más exitosa de Lantz. Durante la mayor parte de la vida de los estudios en ese momento, Lantz y Alex Lovy dirigieron la mayoría de los dibujos animados hasta 1942, cuando Shamus Culhane (un ex animador de Disney que recientemente tuvo una breve temporada en Fleischer Studios y Warner Bros.) tomó Lantz' y el papel de director de Lovy. Como resultado, los dibujos animados tenían una dirección más densa y surrealista, similar a los dibujos animados de MGM. Debido a problemas de negociación entre Lantz y Universal Studios (rebautizados como Universal-International), Lantz se retira de su empresa matriz y se contrató para distribuir cortos bajo United Artists entre 1947 y 1949. Los cortos en este período se destacaron por tener una mejor animación de los cortos. lanzado bajo Universal. Esto se debió a la influencia del director y veterano de Disney Dick Lundy, así como a la llegada de animaciones más profesionales, como Ed Love, Fred Moore y Ken O'Brien. Esta fue también la era en la que Andy Panda se suspendió oficialmente debido a su popularidad menguante. En total, se lanzaron 12 cortos bajo United Artists.

La década de 1950 y años posteriores

Debido a una plétora de problemas entre los distribuidores y el exceso de préstamos del Bank of America, Lantz se vio obligado a cerrar su estudio en 1949 para reducir dichos préstamos. Se abrió de nuevo en 1950 con un personal reducido, principalmente porque Lantz pudo firmar un acuerdo con Universal (conocido como Universal-International en este período) para más dibujos animados de Woody Woodpecker, comenzando con Puny Express. Woody continuaría apareciendo en dibujos animados hasta principios de la década de 1970. Paul J. Smith, un veterano de Disney que trabajó para Lantz en los años 40, volvió a trabajar para el estudio durante la mayor parte de la vida útil del estudio en este momento como animador y luego como director. Paul creó Chilly Willy, que apareció por primera vez en 1953 y se convirtió en Lantz' segundo personaje más popular además de Woody. Más tarde sería refinado por Tex Avery al año siguiente, quien dejó MGM a principios de esa década. El mismo Avery dirigiría solo 4 cortometrajes durante su tiempo en Walter Lantz Productions, hasta que finalmente dejó su carrera de director de cortometrajes animados en 1956. Las contribuciones direccionales adicionales incluyeron a Don Patterson, Jack Hannah y Sid Marcus. Alex Lovy también regresó como director desde principios de los años 40. Walter Lantz finalmente cerró el estudio en 1973, diciendo que continuar produciendo cortos sería imposible debido a la creciente inflación, que parecía haber ajustado sus presupuestos de dibujos animados a fines de la década de 1950. Sin embargo, para Walter Lantz, la supervivencia de Woody Woodpecker se alargó cuando comenzó a aparecer en The Woody Woodpecker Show de 1957 a 1987, desde donde entró en sindicación hasta 1990. NBC revivió el programa dos veces: en 1991 y 1992, y finalmente en 1997, Lantz vendió todos los cortos de Woody Woodpecker a Universal, entonces parte de MCA.

Terrytoons

Antes de Terrytoons

Antes de que Paul Terry creara su propio estudio, fue empleado de Bray Productions, donde creó su primer personaje popular, Farmer Al Falfa. Más tarde, en 1921, cofundó los estudios Fables Animation con Amedee J. Van Beuren. Sin embargo, Beuren se inquietó a fines de la década de 1920 debido al fenómeno de un nuevo formato de película de sonido presincronizado en la película. Beuren instó a Terry a producir películas en este formato, pero se negó, obligándolo a despedir a Terry en 1929.

Se forma Terrytoons

Después de perder su serie Aesop's Film Fables frente a Van Beuren Studios en 1929, Terry estableció un nuevo estudio llamado Terrytoons. La mayor parte del personal de Fables Animation se mudó con él al nuevo estudio, incluido Art Babbitt, quien más tarde se convirtió en uno de los animadores más conocidos de Disney. Terrytoons produjo 26 dibujos animados al año para E.W. Hammons' Educational Pictures, que a su vez suministró productos de cortometrajes a Fox Film Corporation. Las caricaturas de Terry de la década de 1930 eran principalmente caricaturas musicales en blanco y negro sin personajes recurrentes, a excepción de Farmer Al Falfa, que había aparecido en las caricaturas de Paul Terry desde la era del cine mudo.. Educational fracasó a fines de la década de 1930 y Terry firmó directamente con Fox para distribuir sus imágenes. Las décadas de 1930 y 1940 trajeron los personajes más populares y exitosos de Terry, Gandy Goose a partir de 1938, Mighty Mouse a partir de 1942 y Heckle and Jeckle, desarrollado mediante la combinación de lo que originalmente era un par de urracas traviesas de marido y mujer de la caricatura de 1946 Farmer Al Falfa The Talking Magpies con Terry's noción de que los hermanos gemelos o parecidos tenían posibilidades cómicas. Otros personajes incluyen Dinky Duck en 1939, Dimwit the Dog (originalmente emparejado con Heckle y Jeckle), Sourpuss (generalmente emparejado con Gandy Goose) y entre otros. Terrytoons también fue nominado cuatro veces al Premio de la Academia al Cortometraje de Animación: All Out for V en 1942, My Boy, Johnny en 1944, Mighty Mouse en Gypsy Life en 1945 y Sidney's Family Tree en 1958. A pesar del éxito, se sabe que los dibujos animados de Terry tienen los presupuestos más bajos de cualquier estudio importante en ese momento. La música popular, por ejemplo, no se usó durante la mayor parte de la vida del estudio, ya que Terry se negó a pagar regalías, lo que obligó al director musical Philip A. Scheib a componer partituras originales. Los créditos también fueron escasos. Hasta 1957, las caricaturas solo acreditaban al director, al guionista y al director musical. Los dibujos animados también eran experimentales y carecían de control de calidad, lo que llevó a los animadores a animar con un estilo muy inconstante (el animador James 'Jim' Tyer es bien conocido por animar con un estilo muy suelto y fuera de modelo).

Terry vende el estudio a CBS

Terry vendió su empresa y su cartera de pedidos a CBS en 1953 y se jubiló. CBS continuó operando el estudio durante casi 15 años después, y los estudios ahora están bajo la dirección de Gene Deitch. La producción se dividió entre dibujos animados cortos teatrales y series de televisión, además de crear nuevos personajes como Tom Terrific, Lariat Sam y Deputy Dawg, Sidney the Elephant, Gaston Le Crayon, John Doormat y Clint Clobber (quien volvería a ser utilizado como Tom& #39; dueño humano en Tom and Jerry de Deitch). Alrededor de este tiempo, Terrytoons también comenzó a producir dibujos animados en CinemaScope. También se unieron nuevos miembros del personal, incluidos los ex animadores de Famous Studios, David Tendlar y Martin Taras, y Ralph Bakshi, considerado el miembro más talentoso del estudio de Terrytoons. Terrytoons finalmente cerró sus puertas en 1972, en el que Bakshi se mudó a Famous Studios como director, aunque también cerró ese año.

Estudios Van Beuren

Félix el gato en El Goose que laid el Huevo de Oro por Van Beuren

En 1928, el productor Amadee J. Van Beuren se asoció con Paul Terry y formó "Aesop's Fables Studio" para la producción de la serie de dibujos animados Aesop's Film Fables. En 1929, Terry se fue para comenzar su propio estudio y fue reemplazado por John Foster, quien se hizo cargo del departamento de animación y cambió el nombre del estudio a Van Beuren Studios. Van Beuren continuó con la serie Fábulas de Esopo y probó sin éxito una adaptación de dibujos animados de los comediantes de radio blackface Amos 'n Andy. Otras caricaturas de Van Beuren presentaban Tom y Jerry (no el gato y el ratón, sino un dúo humano parecido a Mutt y Jeff) y el personaje de tira cómica de Otto Soglow. El pequeño rey. Frank Tashlin y Joseph Barbera estuvieron entre los animadores que trabajaron brevemente para el estudio durante su corta vida. En 1934, mientras otros estudios ponían dibujos animados en Technicolor para responder a la serie de dibujos animados Silly Symphonies de Disney, Van Beuren Studio abandonó sus dibujos animados restantes y respondió al uso de Technicolor por parte de Disney creando la serie Rainbow Parade, que fue todo color. Sin embargo, la serie no fue un éxito y, en 1936, RKO Pictures, el propietario de Van Beuren Studio, cerró el estudio porque RKO decidió distribuir dibujos animados de Disney.

Imágenes de la República

En 1946, Republic Pictures incorporó una pieza de animación de Walter Lantz en Sioux City), un western protagonizado por Gene Autry. Ese mismo año, Bob Clampett, que acababa de dejar Warner Bros., dirigió una caricatura con el título It's a Grand Old Nag antes de que la compañía cancelara una posible serie animada. En 1949, Republic comenzó una nueva serie de dibujos animados llamada Jerky Journeys, dirigida por Art Heineman. Los dibujos animados no estaban completamente animados (solo se usaban para secuencias de ritmo rápido), pero presentaban diseños y diseños de fondo de Robert Gribbroek, Peter Alvarado y Paul Julian, todos los cuales eran de Warner Bros. Republic suspendió la serie después de que se hicieron cuatro dibujos animados.

Producciones de Jay Ward

Fundada en 1948 por el animador Jay Ward, Jay Ward Productions emitió la primera caricatura hecha para televisión, Crusader Rabbit y también es recordada por Las aventuras de Rocky y Bullwinkle and Friends (1959–1964), así como varios anuncios icónicos, como los de cereales para el desayuno. Empleando un estilo de animación limitado, el éxito de los dibujos animados de Jay Ward residía en sus bromas visuales y juegos de palabras densamente empaquetados.

Tendencias

Sonido en animación

Si bien gran parte del enfoque en una caricatura animada está en las imágenes, los talentos vocales y las partituras sinfónicas que acompañaban a las imágenes también fueron muy importantes para las caricaturas. éxito. A medida que las películas alejaron al público de sus aparatos de radio, también atrajo a actores talentosos e impresionistas vocales al cine y la animación. Mel Blanc dio voz a la mayoría de los personajes más populares de Warner Bros., incluidos Bugs Bunny, Porky Pig (a partir de 1937) y Daffy Duck. Otras voces y personalidades del vodevil y la radio contribuyeron a la popularidad de las películas animadas en la Era Dorada. Algunos de estos actores (generalmente sin acreditar) incluyeron a Cliff Edwards (también conocido como Ukulele Ike), Arthur Q. Bryan, Stan Freberg, Bea Benaderet, Bill Thompson, Grace Stafford, Jim Backus, June Foray y Daws Butler.

Los dibujos animados de esta época también incluían partituras interpretadas por orquestas de estudio. Carl Stalling en Schlesinger/Warner Bros., Scott Bradley en MGM y Winston Sharples en Paramount compusieron numerosas bandas sonoras de dibujos animados, crearon material original e incorporaron melodías clásicas y populares familiares. Muchos de los primeros dibujos animados, en particular los de la serie Silly Symphonies de Disney, se construyeron en torno a piezas clásicas. Estas caricaturas a veces presentaban personajes estelares, pero muchas tenían temas simples de la naturaleza.

Stop motion y efectos especiales

Durante gran parte de la historia de la animación de Hollywood, la producción de películas animadas fue una industria exclusiva que no se ramificaba muy a menudo hacia otras áreas. Los diversos estudios de animación trabajaron casi exclusivamente en la producción de dibujos animados y títulos animados para películas. Solo ocasionalmente se utilizó la animación para otros aspectos de la industria cinematográfica. Las series de Superman de bajo presupuesto de la década de 1940 usaban secuencias animadas de Superman volando y realizando hazañas con superpoderes que se usaban en lugar de efectos especiales de acción en vivo, pero esto no era una práctica común.

La exclusividad de la animación también resultó en el nacimiento de una industria hermana que se utilizó casi exclusivamente para los efectos especiales de películas: la animación stop motion. A pesar de sus similitudes, los dos géneros de stop-motion y animación dibujada a mano rara vez se juntaron durante la Edad de Oro de Hollywood. La animación stop-motion se hizo un nombre con el éxito de taquilla de 1933 King Kong, donde el animador Willis O'Brien definió muchas de las principales técnicas de stop-motion utilizadas durante los siguientes 50 años. El éxito de King Kong condujo a una serie de otras primeras películas de efectos especiales, incluida Mighty Joe Young, que también fue animada por O'Brien y ayudó a iniciar la carreras de varios animadores, incluido Ray Harryhausen, que se hizo famoso en la década de 1950. George Pal fue el único animador de stop-motion que produjo una serie de dibujos animados de stop-motion para su estreno en cines, la serie Puppetoon para Paramount, algunas de las cuales fueron animadas por Ray Harryhausen. Pal pasó a producir varios largometrajes cargados de efectos especiales de acción en vivo.

La animación stop motion alcanzó su punto máximo de popularidad durante la década de 1950. La creciente popularidad de las películas de ciencia ficción condujo a un desarrollo exponencial en el campo de los efectos especiales, y George Pal se convirtió en el productor de varias películas populares cargadas de efectos especiales. Mientras tanto, el trabajo de Ray Harryhausen en películas como Earth vs. the Flying Saucers, The Seventh Voyage of Sinbad y The Beast from 20,000 Fathoms atrajo a grandes multitudes. y alentó el desarrollo de "realistic" Efectos especiales en películas. Estos efectos usaban muchas de las mismas técnicas que la animación cel, pero aún así los dos medios no se juntaban con frecuencia. El stop motion se desarrolló hasta el punto en que los efectos de Douglas Trumbull en 2001: A Space Odyssey parecían reales en un grado sobrenatural.

Los efectos especiales de Hollywood continuaron desarrollándose de una manera que evitaba en gran medida la animación de celdas, aunque se incluyeron varias secuencias animadas memorables en largometrajes de acción en vivo de la época. La más famosa de ellas fue una escena durante la película Anchors Aweigh, en la que el actor Gene Kelly bailaba con un Jerry Mouse animado (famoso por Tom and Jerry). Pero a excepción de secuencias ocasionales de este tipo, la única integración real de la animación cel en las películas de acción en vivo se produjo en el desarrollo de secuencias de títulos y créditos animados. Saúl Bass' Las secuencias iniciales de las películas de Alfred Hitchcock (incluidas Vertigo, North by Northwest y Psycho) son muy elogiadas e inspiraron a varios imitadores..

La época de la guerra

Los principales estudios de Hollywood contribuyeron en gran medida al esfuerzo bélico, y sus estudios de dibujos animados también colaboraron con diversas contribuciones. En los estudios Fleischer, Popeye el Marinero se unió a la Marina y comenzó a luchar contra los nazis y los 'japoneses'; mientras que el estudio Warner Bros. produjo una serie de dibujos animados de películas instructivas Private Snafu especialmente para que las vean los soldados alistados. Incluso Disney participó en el esfuerzo bélico, produciendo comedias satíricas como Der Fuhrer's Face y comentarios como Education for Death.

Declive de los cortos de teatro

Empresas DePatie–Freleng

La década de 1960 vio algunas chispas creativas en el medio del cine teatral, en particular de DePatie–Freleng Enterprises. Su primer y más exitoso proyecto fue animar los títulos de apertura de la película de 1964, The Pink Panther, protagonizada por Peter Sellers. La película y sus secuencias animadas tuvieron tanto éxito que United Artists encargó al estudio que produjera una serie de dibujos animados de La Pantera Rosa. El primer cortometraje, The Pink Phink, ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación de 1964. El estudio también produjo otras exitosas series de dibujos animados como The Inspector y La hormiga y el oso hormiguero.

Mientras tanto, Chuck Jones, que había sido despedido de Warner Bros., se mudó a MGM para producir treinta y cuatro dibujos animados teatrales de Tom y Jerry a fines de 1963. Estos dibujos animados estaban animados en su estilo distintivo, pero nunca alcanzaron la popularidad de los originales de Hanna-Barbera del apogeo de las décadas de 1940 y 1950. Sin embargo, tuvieron más éxito que los cortos de Gene Deitch Tom and Jerry, que se produjeron en el extranjero durante 1961 y 1962.

De 1964 a 1967, DePatie–Freleng produjo los cortos Looney Tunes y Merrie Melodies bajo contrato con Warner Bros. Estos dibujos animados se pueden reconocer fácilmente porque usan el resumen moderno Logotipos de WB en lugar de los famosos círculos concéntricos del escudo de WB. El estudio también subcontrató 11 dibujos animados de Wile E. Coyote and the Road Runner para Format Films. DePatie–Freleng cesó la producción de Looney Tunes y se mudó al Valle de San Fernando en 1967 para continuar la producción de sus dibujos animados de Pink Panther produciendo la última caricatura teatral original en 1977. El subsiguiente Los cortos de Pink Panther de 1978 a 1981 se produjeron originalmente para televisión y luego se estrenaron en los cines. En 1967, WB reanudaría la producción de sus propios dibujos animados, antes de cerrar el departamento de dibujos animados teatrales por completo en 1969. En 1981, Marvel Comics compró el estudio y pasó a llamarse Marvel Productions.

Hanna-Barbera

En 1946, el sindicato de animación de la época negoció un aumento salarial del 25 %, lo que encareció la producción de dibujos animados en general. Después del veredicto de 1948 tras el caso Hollywood Antimonopolio, ya no había garantía de reserva en los cines para los dibujos animados de ninguno de los estudios, lo que lo convirtió en un negocio más riesgoso y debido a esto se invirtieron menos recursos en los cortos teatrales, lo que provocó un gradual rechazar. A principios de la década de 1950, el medio de la televisión comenzaba a ganar más impulso y, como resultado, la industria de la animación comenzó a cambiar. A la cabeza de este cambio estuvo el tándem de William Hanna y Joseph Barbera, los creadores de Tom and Jerry. El nuevo Hanna-Barbera utilizó el estilo de animación limitada del que UPA había sido pionera. Con esta animación limitada, Hanna y Barbera crearon varios personajes, incluidos Huckleberry Hound, The Flintstones, Yogi Bear y Top Cat. Con la creciente popularidad de la televisión, que incluía los dibujos animados de los sábados por la mañana, en la década de 1960 comenzó un declive mucho más significativo en la asistencia al cine. Para enfrentar la competencia de la televisión, los teatros hicieron lo que pudieron para reducir sus propios costos. Una forma de hacerlo era reservar únicamente funciones y evitar los gastos de cortos, que se consideraban innecesarios y demasiado caros. Los pocos cortos que llegaron a los cines a pesar de esto a menudo son vistos por los críticos como inferiores a sus predecesores.

Cronología

Esta es una cronología de los estudios de animación estadounidenses' producción activa de cortos de dibujos animados lanzados regularmente para exhibición teatral. Algunos estudios continúan lanzando cortos animados a los cines con poca frecuencia. Los colores corresponden al distribuidor teatral asociado del estudio de animación.

Legado

Siete largometrajes animados de Disney (Blancanieves, Pinocho, Fantasía, Dumbo, Bambi , Cenicienta y La bella durmiente) y varios cortos animados (Steamboat Willie, la versión de Betty Boop de Blancanieves, Los tres cerditos, Popeye conoce a Simbad el Marinero, Porky en Wackyland, Gerald McBoing Boing, El corazón delator, Duck Amuck y ¿Qué es Opera Doc?) fueron incluidos en el Registro Nacional de Cine. También formaron parte de la encuesta del libro The 50 Greatest Cartoons del historiador de animación Jerry Beck de 1994.

Representaciones en la cultura popular

La película de 1988 ¿Quién engañó a Roger Rabbit? ha honrado tanto la época dorada de la animación estadounidense como el cine clásico de Hollywood. La película contó con cameos de varios personajes de múltiples estudios, como Disney, Warner Bros., Fleischer Studios y Universal, entre otros. La película también contiene la única vez en la historia cinematográfica que Mickey Mouse y Pato Donald de Disney se cruzan con Warner Bros. Studios' Bugs Bunny y Pato Lucas, respectivamente, en pantalla.

El videojuego de 2017 Cuphead presenta un estilo de animación inspirado en las obras de Disney y Fleischer de este período.