Duque ellington

Edward Kennedy "Duque" Ellington (29 de abril de 1899 - 24 de mayo de 1974) fue un pianista de jazz, compositor y director de la orquesta de jazz homónima estadounidense desde 1923 hasta el resto de su vida. Nacido y criado en Washington, D.C., Ellington residió en la ciudad de Nueva York desde mediados de la década de 1920 y obtuvo un perfil nacional a través de las apariciones de su orquesta en el Cotton Club de Harlem. Un maestro en la escritura de miniaturas para el formato de grabación de 78 rpm de tres minutos, Ellington escribió o colaboró en más de mil composiciones; su extenso cuerpo de trabajo es el legado de jazz personal más grande registrado, y muchas de sus piezas se han convertido en estándares. También grabó canciones escritas por sus miembros de la banda, como 'Caravan' de Juan Tizol, que trajo un tinte español al jazz de big band. A fines de la década de 1930, Ellington comenzó una colaboración de casi treinta años con el compositor, arreglista y pianista Billy Strayhorn, a quien llamó su compañero de escritura y arreglos. Con Strayhorn, compuso múltiples composiciones extendidas o suites, así como muchas piezas breves. Durante algunos años, al comienzo de la participación de Strayhorn, la orquesta de Ellington contó con el bajista Jimmy Blanton y el saxofonista tenor Ben Webster y alcanzó un pico creativo. Algunos años más tarde, después de un período de bajo perfil (Hodges se fue temporalmente), una aparición de Ellington y su orquesta en el Festival de Jazz de Newport en julio de 1956 condujo a un gran renacimiento y giras mundiales regulares. Ellington grabó para la mayoría de las compañías discográficas estadounidenses de su época, actuó y compuso la música de varias películas, y compuso un puñado de musicales.

A pesar de ser una figura fundamental en la historia del jazz, según la opinión de Gunther Schuller y Barry Kernfeld, "el compositor más importante del género", el propio Ellington abrazó la frase "más allá de la categoría" 34;, considerándolo un principio liberador, y refiriéndose a su música como parte de la categoría más general de Música Americana. Ellington era conocido por su ingenioso uso de la orquesta, o big band, así como por su elocuencia y carisma. Recibió un premio especial póstumo del Premio Pulitzer de música en 1999.

Vida temprana y educación

Ellington nació el 29 de abril de 1899, hijo de James Edward Ellington y Daisy (de soltera Kennedy) Ellington en Washington, D.C. Sus padres eran pianistas. Daisy tocaba principalmente canciones de salón y James prefería las arias de ópera. Vivían con los padres de Daisy en 2129 Ida Place (ahora Ward Place) NW, en el vecindario West End de D.C. El padre de Duke nació en Lincolnton, Carolina del Norte, el 15 de abril de 1879 y se mudó a D.C. en 1886 con sus padres. Daisy Kennedy nació en Washington, D.C., el 4 de enero de 1879, hija de dos antiguos esclavos estadounidenses. James Ellington hizo planos para la Armada de los Estados Unidos.

Cuando Edward Ellington era niño, su familia mostraba orgullo racial y apoyo en su hogar, al igual que muchas otras familias. Los afroamericanos en D.C. trabajaron para proteger a sus hijos de las leyes Jim Crow de la época.

A los siete años, Ellington comenzó a tomar lecciones de piano con Marietta Clinkscales. Daisy rodeó a su hijo de mujeres dignas para reforzar sus modales y enseñarle elegancia. Sus amigos de la infancia notaron que sus modales informales y desenfadados y su forma elegante de vestir le daban el porte de un joven noble, por lo que comenzaron a llamarlo 'Duque'. Ellington le dio crédito a su amigo Edgar McEntee por el apodo: "Creo que sintió que para poder ser elegible para su compañía constante, debería tener un título". Así que me llamó Duque."

Aunque Ellington tomó lecciones de piano, estaba más interesado en el béisbol. "El presidente [Theodore] Roosevelt venía a veces en su caballo, se detenía y nos miraba jugar", recordó. Ellington fue a la Escuela Secundaria Técnica Armstrong en Washington, D.C. Su primer trabajo fue vendiendo maní en los juegos de béisbol de los Senadores de Washington.

Ellington empezó a colarse en la sala de billar de Frank Holiday a los catorce años. Escuchar la música de los pianistas de la sala de billar encendió el amor de Ellington por el instrumento y comenzó a tomar en serio sus estudios de piano. Entre los muchos pianistas que escuchó estaban Doc Perry, Lester Dishman, Louis Brown, Turner Layton, Gertie Wells, Clarence Bowser, Sticky Mack, Blind Johnny, Cliff Jackson, Claude Hopkins, Phil Wurd, Caroline Thornton, Luckey Roberts, Eubie Blake., Joe Rochester y Harvey Brooks.

En el verano de 1914, mientras trabajaba como bombero en el Poodle Dog Café, Ellington escribió su primera composición, "Soda Fountain Rag" (también conocido como "Poodle Dog Rag"). Creó la pieza de oído, ya que aún no había aprendido a leer y escribir música. "Tocaría el 'Soda Fountain Rag' como un paso, dos pasos, vals, tango y fox trot", recordó Ellington. "Los oyentes nunca supieron que era la misma pieza. Me establecieron como teniendo mi propio repertorio." En su autobiografía, La música es mi amante (1973), Ellington escribió que perdió más lecciones de las que asistió, sintiendo en ese momento que el piano no era su talento.

Ellington siguió escuchando, mirando e imitando a los pianistas de ragtime, no solo en Washington, D.C., sino también en Filadelfia y Atlantic City, donde pasaba las vacaciones con su madre durante el verano. A veces escuchaba música extraña tocada por aquellos que no podían pagar muchas partituras, así que para las variaciones, tocaban las partituras al revés. Henry Lee Grant, profesor de música de Dunbar High School, le dio lecciones privadas de armonía. Con la guía adicional del pianista y líder de la banda de Washington, Oliver "Doc" Perry, Ellington aprendió a leer partituras, proyectar un estilo profesional y mejorar su técnica. Ellington también se inspiró en sus primeros encuentros con los pianistas James P. Johnson y Luckey Roberts. Más tarde, en Nueva York, siguió el consejo de Will Marion Cook, Fats Waller y Sidney Bechet. Comenzó a tocar en cafés y clubes de Washington, D.C. y sus alrededores. Su apego a la música era tan fuerte que en 1916 rechazó una beca de arte para el Instituto Pratt en Brooklyn. Tres meses antes de graduarse, abandonó la Armstrong Manual Training School, donde estudiaba arte comercial.

Carrera

Carrera temprana

Trabajando como pintor de letreros independiente desde 1917, Ellington comenzó a reunir grupos para tocar en los bailes. En 1919, conoció al baterista Sonny Greer de Nueva Jersey, quien alentó la ambición de Ellington de convertirse en músico profesional. Ellington construyó su negocio musical a través de su trabajo diario. Cuando un cliente le pedía que le hiciera un cartel para un baile o una fiesta, le preguntaba si tenían animación musical; si no, Ellington se ofrecería a jugar para la ocasión. También tuvo un trabajo de mensajero en los departamentos de Estado y Marina de los EE. UU., donde hizo una amplia gama de contactos.

Ellington se mudó de la casa de sus padres y compró la suya cuando se convirtió en un pianista de éxito. Al principio, tocó en otros conjuntos y, a fines de 1917, formó su primer grupo, 'The Duke's Serenaders'. ("Colored Syncopators", proclamaba su publicidad en la guía telefónica). También fue el agente de reservas del grupo. Su primera cita para jugar fue en el True Reformer's Hall, donde se llevó a casa 75 centavos.

Ellington tocó en todo el área de D.C. y en Virginia para bailes de sociedades privadas y fiestas de embajadas. La banda incluía al amigo de la infancia Otto Hardwick, quien comenzó a tocar el contrabajo, luego pasó al saxofón C-melody y finalmente se decidió por el saxofón alto; Arthur Whetsel a la trompeta; Elmer Snowden en el banjo; y Sonny Greer en la batería. La banda prosperó, actuando para audiencias afroamericanas y blancas, algo raro en la sociedad segregada de la época.

Aprendizaje británico de "Este St. Louis Toodle-Oo" (1927)

Cuando su baterista Sonny Greer fue invitado a unirse a la Orquesta Wilber Sweatman en la ciudad de Nueva York, Ellington dejó su exitosa carrera en D.C. y se mudó a Harlem, convirtiéndose finalmente en parte del Renacimiento de Harlem. En Harlem surgieron nuevas modas de baile como el Charleston, así como el teatro musical afroamericano, incluidos Eubie Blake's y Noble Sissle's (el último de los cuales era su vecino) Shuffle Along. Después de que los jóvenes músicos dejaran la Orquesta Sweatman para emprender su propio camino, encontraron una escena de jazz emergente que era altamente competitiva y con un camino difícil. Jugaban al billar durante el día y tocaban en todos los conciertos que podían encontrar. La joven banda conoció al pianista Willie "The Lion" Smith, quien los presentó a la escena y les dio algo de dinero. Tocaron en fiestas en casas de alquiler para obtener ingresos. Después de unos meses, los jóvenes músicos regresaron a Washington, D.C., sintiéndose desanimados.

En junio de 1923, dieron un concierto en Atlantic City, Nueva Jersey y otro en el prestigioso Exclusive Club de Harlem. A esto le siguió en septiembre de 1923 un traslado al Hollywood Club (en la 49 y Broadway) y un compromiso de cuatro años, lo que le dio a Ellington una sólida base artística. Era conocido por tocar la corneta al final de cada actuación. El grupo se llamó inicialmente Elmer Snowden and his Black Sox Orchestra y tenía siete miembros, incluido el trompetista James "Bubber" Miley. Se rebautizaron como The Washingtonians. Snowden dejó el grupo a principios de 1924 y Ellington asumió el cargo de director de orquesta. Después de un incendio, el club se reabrió como Club Kentucky (a menudo denominado Kentucky Club).

Ellington grabó ocho discos en 1924 y recibió créditos de composición en tres, incluido 'Choo Choo'. En 1925, Ellington contribuyó con cuatro canciones a Chocolate Kiddies protagonizada por Lottie Gee y Adelaide Hall, una revista exclusivamente afroamericana que presentó al público europeo estilos e intérpretes afroamericanos. Duke Ellington y su Kentucky Club Orchestra se convirtieron en un grupo de diez músicos; desarrollaron su propio sonido a través de la expresión no tradicional de los arreglos de Ellington, los ritmos callejeros de Harlem y los gruñidos y wah-wahs de trombón de sonido exótico, trompetas chillonas y toques de blues de saxofón de los miembros de la banda.. Por un corto tiempo, el saxofonista soprano y clarinetista Sidney Bechet tocó con ellos, convirtiéndose en la personalidad dominante del grupo, con Sonny Greer diciendo que Bechet "equipó a la banda como anillo al dedo". Su presencia provocó fricciones con Miley y el trombonista Charlie Irvis, cuyos estilos diferían de la forma de tocar influenciada por Nueva Orleans de Bechet. Fue principalmente la falta de fiabilidad de Bechet (estuvo ausente durante tres días seguidos) lo que hizo que su asociación con Ellington fuera efímera.

Compromiso con el Cotton Club

En octubre de 1926, Ellington llegó a un acuerdo con el agente y editor Irving Mills, dándole a Mills una participación del 45 % en el futuro de Ellington. Mills tenía ojo para los nuevos talentos y publicó composiciones de Hoagy Carmichael, Dorothy Fields y Harold Arlen al principio de sus carreras. Después de grabar un puñado de lados acústicos entre 1924 y 1926, la firma de Ellington con Mills le permitió grabar prolíficamente. Sin embargo, a veces grabó diferentes versiones de la misma melodía. Mills regularmente tomó un crédito de co-compositor. Desde el comienzo de su relación, Mills organizó sesiones de grabación en casi todos los sellos, incluidos Brunswick, Victor, Columbia, OKeh, Pathé (y su subsidiaria, Perfect), el grupo de sellos ARC/Plaza (Oriole, Domino, Jewel, Banner) y sus etiquetas de tiendas de centavo (Cameo, Lincoln, Romeo), Hit of the Week y las etiquetas más baratas de Columbia (Harmony, Diva, Velvet Tone, Clarion) etiquetas que le dieron a Ellington reconocimiento popular. En OKeh, sus registros generalmente se publicaban como The Harlem Footwarmers. Por el contrario, los Brunswick solían publicarse como The Jungle Band. Whoopee Makers y Ten BlackBerries eran otros seudónimos.

En septiembre de 1927, King Oliver rechazó una contratación habitual para su grupo como banda de la casa en el Cotton Club de Harlem; la oferta pasó a Ellington después de que Jimmy McHugh lo sugirió y Mills organizó una audición. Ellington tuvo que aumentar de un grupo de seis a once miembros para cumplir con los requisitos de la gerencia del Cotton Club para la audición, y el compromiso finalmente comenzó el 4 de diciembre. Con una transmisión de radio semanal, el Cotton Club's; La clientela exclusivamente blanca y adinerada de s llegaba todas las noches para verlos. En el Cotton Club, el grupo de Ellington interpretó toda la música de las revistas, que mezclaba comedia, números de baile, vodevil, burlesque, música y alcohol ilícito. Los números musicales fueron compuestos por Jimmy McHugh y la letra por Dorothy Fields (más tarde Harold Arlen y Ted Koehler), con algunos originales de Ellington mezclados. (Aquí, se mudó con una bailarina, su segunda esposa, Mildred Dixon). Las transmisiones de radio semanales del club dieron a Ellington exposición nacional. Al mismo tiempo, Ellington también grabó canciones de Fields-JMcHugh y Fats Waller-Andy Razaf.

Adelaide Hall, grabó el Llamado de Amor criollo con Ellington en 1927. La grabación se convirtió en un éxito mundial.

Aunque el trompetista Bubber Miley fue miembro de la orquesta solo por un breve período, tuvo una gran influencia en el sonido de Ellington. Como uno de los primeros exponentes de la trompeta gruñida, Miley cambió el dulce sonido de la banda de baile del grupo a uno más caliente, que los contemporáneos denominaron Jungle Style, que se puede ver en su coro principal en East St. Louis Toodle-Oo (1926). En octubre de 1927, Ellington y su orquesta grabaron varias composiciones con Adelaide Hall. Un lado en particular, 'Creole Love Call', se convirtió en una sensación mundial y le dio a Ellington y Hall su primer disco de éxito. Miley había compuesto la mayor parte de "Creole Love Call" y 'Black and Tan Fantasy'. Alcohólica, Miley tuvo que dejar la banda antes de que ganaran fama. Murió en 1932 a la edad de 29 años, pero fue una influencia importante para Cootie Williams, quien lo reemplazó.

En 1929, la Cotton Club Orchestra apareció en el escenario durante varios meses en Show Girl de Florenz Ziegfeld, junto con las estrellas de vodevil Jimmy Durante, Eddie Foy, Jr., Ruby Keeler, y con música y letras de George Gershwin. y Gus Khan. Will Vodery, el supervisor musical de Ziegfeld, recomendó a Ellington para el espectáculo. Según Beyond Category: The Life and Genius of Duke Ellington de John Edward Hasse, "Quizás durante la ejecución de Show Girl, Ellington recibió lo que más tarde denominado 'valiosas lecciones de orquestación de Will Vody." En su biografía de 1946, Duke Ellington, Barry Ulanov escribió:

De Vodery, como él (Ellington) se dice a sí mismo, sacó sus convicciones cromáticas, sus usos de los tonos normalmente extraordinarias a la escala diatónica, con la consiguiente alteración del carácter armónico de su música, se está expandiendo, La profundización de sus recursos. Se ha hecho habitual atribuir las influencias clásicas sobre Duke —Delius, Debussy y Ravel— para dirigir el contacto con su música. En realidad, su gran aprecio por esos y otros compositores modernos, vino después de reunirse con Vody.

El trabajo cinematográfico de Ellington comenzó con Black and Tan (1929), un corto de RKO de 19 minutos totalmente afroamericano en el que interpretó al héroe "Duke". También apareció en Amos 'n' La película de Andy Check and Double Check estrenada en 1930, en la que la orquesta toca "Old Man Blues" en una escena de salón de baile extendida. Ese año, Ellington y su Orquesta conectaron con un público completamente diferente en un concierto con Maurice Chevalier y también actuaron en el Roseland Ballroom, 'el salón de baile más importante de Estados Unidos'. El compositor nacido en Australia, Percy Grainger, fue uno de los primeros admiradores y partidarios. Escribió: 'Los tres más grandes compositores que jamás hayan existido son Bach, Delius y Duke Ellington. Desafortunadamente, Bach está muerto, Delius está muy enfermo, pero estamos felices de tener hoy con nosotros al Duque. El primer período de Ellington en el Cotton Club concluyó en 1931.

Principios de la década de 1930

Ellington dirigió la orquesta dirigiendo desde el teclado con indicaciones de piano y gestos visuales; muy rara vez dirigía con batuta. En 1932, su orquesta constaba de seis instrumentos de metal, cuatro lengüetas y una sección rítmica de cuatro músicos. Como líder, Ellington no era estricto con la disciplina; mantuvo el control de su orquesta con una combinación de encanto, humor, adulación y psicología astuta. Una persona compleja y reservada, revelaba sus sentimientos solo a sus íntimos más cercanos. Utilizó efectivamente su personalidad pública para desviar la atención de sí mismo.

Ellington firmó exclusivamente con Brunswick en 1932 y se quedó con ellos hasta finales de 1936 (aunque con un breve cambio de 1933-1934 a Victor cuando Irving Mills trasladó temporalmente sus actos de Brunswick).

A medida que la Depresión empeoró, la industria discográfica entró en crisis, dejando más del 90 % de sus artistas en 1933. Ivie Anderson fue contratada como vocalista destacada de la Orquesta de Ellington en 1931. Es la vocalista de "No significa nada (si no tiene ese swing)" (1932) entre otras grabaciones. Sonny Greer había estado proporcionando voces ocasionales y continuó haciéndolo en una función de conversación cruzada con Anderson. La exposición a la radio ayudó a mantener el perfil público de Ellington cuando su orquesta comenzó a hacer giras. Los otros 78 de esta era incluyen: "Mood Indigo" (1930), 'Dama sofisticada' (1933), "Soledad" (1934), y "De humor sentimental" (1935).

Si bien la audiencia estadounidense de Ellington seguía siendo principalmente afroamericana en este período, la orquesta tenía muchos seguidores en el extranjero. Viajaron a Inglaterra y Escocia en 1933, además de Francia (tres conciertos en la Salle Pleyel de París) y Holanda antes de regresar a Nueva York. El 12 de junio de 1933, la Orquesta de Duke Ellington hizo su debut británico en el London Palladium; Ellington recibió una ovación cuando subió al escenario. Eran uno de los 13 actos del proyecto de ley y estaban restringidos a ocho números cortos; la reserva duró hasta el 24 de junio. La visita británica hizo que Ellington ganara elogios de los miembros de la comunidad musical seria, incluido el compositor Constant Lambert, lo que impulsó el interés de Ellington por componer obras más largas.

Ya habían comenzado a aparecer sus piezas más largas. Ellington había compuesto y grabado "Creole Rhapsody" ya en 1931 (publicado como ambos lados de un disco de 12 " para Victor y ambos lados de un disco de 10 " para Brunswick). Un homenaje a su madre, "Reminiscing in Tempo", tomó cuatro 10" Lados de un disco de 78 rpm para grabar en 1935 después de su muerte en ese año. Symphony in Black (también de 1935), un cortometraje, presentó su pieza extendida 'A Rhapsody of Negro Life'. Presentó a Billie Holiday y ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje Musical. Ellington y su orquesta también aparecieron en las películas Murder at the Vanities y Belle of the Nineties (ambas de 1934).

Para el agente Mills, la atención fue un triunfo publicitario, ya que ahora Ellington era conocido internacionalmente. En la gira de la banda por el sur segregado en 1934, evitaron algunas de las dificultades de viaje de los afroamericanos al viajar en vagones privados. Estos proporcionaron alojamiento, comidas y almacenamiento accesibles para el equipo, evitando las humillaciones de las instalaciones segregadas.

Sin embargo, la competencia se intensificó cuando bandas de swing como la de Benny Goodman comenzaron a recibir una atención generalizada. El baile swing se convirtió en un fenómeno juvenil, particularmente entre el público universitario blanco, y la capacidad de bailar impulsó las ventas y las reservas récord. Las máquinas de discos proliferaron en todo el país, difundiendo el evangelio del swing. La banda de Ellington sin duda podía hacer swing, pero sus puntos fuertes eran el estado de ánimo, los matices y la riqueza de la composición, de ahí su declaración 'el jazz es música, el swing es negocio'.

Posteriores años 30

A partir de 1936, Ellington comenzó a hacer grabaciones con grupos más pequeños (sextetos, octetos y nonetos) extraídos de su orquesta de entonces 15 hombres. Compuso piezas destinadas a presentar a un instrumentista específico, como "Jeep's Blues" para Johnny Hodges, 'Anhelo de amor' para Lawrence Brown, "Trompeta de picas" para Rex Stewart, "Ecos de Harlem" para Cootie Williams y "Clarinet Lament" para Barney Bigard. En 1937, Ellington regresó al Cotton Club, que se había mudado al distrito de teatros del centro de la ciudad. En el verano de ese año, su padre murió y, debido a muchos gastos, las finanzas de Ellington estaban apretadas. Sin embargo, su situación mejoró en los años siguientes.

Después de dejar al agente Irving Mills, firmó con la agencia William Morris. Sin embargo, Mills continuó grabando a Ellington. Después de solo un año, sus sellos Master y Variety (los grupos pequeños habían grabado para este último) colapsaron a fines de 1937. Mills colocó a Ellington nuevamente en Brunswick y esas unidades de grupos pequeños en Vocalion hasta 1940. Se continuaron grabando lados conocidos., "Caravana" en 1937, y "Dejé que una canción saliera de mi corazón" el año siguiente.

Billy Strayhorn, originalmente contratado como letrista, comenzó su asociación con Ellington en 1939. Apodado "Swee' Guisante" por su manera apacible, Strayhorn pronto se convirtió en un miembro vital de la organización de Ellington. Ellington mostró un gran cariño por Strayhorn y nunca dejó de hablar con entusiasmo del hombre y su relación de trabajo colaborativo, 'mi brazo derecho, mi brazo izquierdo, todos los ojos en la parte posterior de mi cabeza, mis ondas cerebrales en su cabeza, y el suyo en el mio". Strayhorn, con su formación en música clásica, no solo contribuyó con sus letras y música originales, sino que también arregló y pulió muchas de las obras de Ellington, convirtiéndose en un segundo Ellington o 'el doble de Duke'. No era raro que Strayhorn reemplazara a Duke, ya sea dirigiendo o ensayando la banda, tocando el piano, en el escenario y en el estudio de grabación. La década terminó con una gira europea muy exitosa en 1939 justo cuando la Segunda Guerra Mundial se avecinaba en Europa.

Ellington entre principios y mediados de la década de 1940

Duke Ellington en el Huracán Club, Broadway " W. 51St, Nueva York, mayo de 1943

Dos músicos que se unieron a Ellington en ese momento crearon una sensación por derecho propio, Jimmy Blanton y Ben Webster. Blanton fue contratado en el acto a fines de octubre de 1939, antes de que Ellington supiera su nombre, cuando se presentó en un concierto de Fate Marable en St. Louis. El efímero Blanton transformó el uso del contrabajo en el jazz, permitiéndole funcionar como un instrumento solista/melódico en lugar de un instrumento rítmico solo. Una enfermedad terminal lo obligó a irse a fines de 1941 después de aproximadamente dos años. El mandato principal de Ben Webster con Ellington abarcó de 1939 a 1943. Una ambición suya, le dijo a su empleador anterior, Teddy Wilson, que entonces dirigía una gran banda, que Ellington era el único rival por el que dejaría a Wilson. Fue el primer saxofonista tenor regular de la orquesta y aumentó el tamaño de la sección de saxofones a cinco por primera vez. Muy influenciado por Johnny Hodges, a menudo le dio crédito a Hodges por mostrarle 'cómo tocar mi trompeta'. Los dos hombres se sentaron uno al lado del otro en la orquesta.

Se unió el trompetista Ray Nance, reemplazando a Cootie Williams, quien se había pasado a Benny Goodman. Además, Nance agregó el violín a los colores instrumentales que Ellington tenía a su disposición. Existen grabaciones del primer concierto de Nance el 7 de noviembre de 1940 en Fargo, Dakota del Norte. Realizadas de forma privada por Jack Towers y Dick Burris, estas grabaciones se publicaron legítimamente por primera vez en 1978 como Duke Ellington at Fargo, 1940 Live; se encuentran entre las primeras de innumerables presentaciones en vivo que sobreviven. Nance también fue un vocalista ocasional, aunque Herb Jeffries fue el principal vocalista masculino de esta época (hasta 1943) mientras que Al Hibbler (quien reemplazó a Jeffries en 1943) continuó hasta 1951. Ivie Anderson se fue en 1942 por razones de salud después de 11 años, el plazo más largo de cualquiera de los vocalistas de Ellington.

Una vez más grabando para Victor (desde 1940), con los pequeños grupos publicados en su sello Bluebird, obras maestras de tres minutos en caras de discos de 78 rpm continuaron fluyendo de Ellington, Billy Strayhorn, el hijo de Ellington, Mercer Ellington. y miembros de la orquesta. 'Cotton Tail', 'Main Stem', 'Harlem Air Shaft', 'Jack the Bear' y docenas de otros datan de este período.. Strayhorn's "Toma el "A" Train", un éxito en 1941, se convirtió en el tema de la banda, reemplazando a "East St. Louis Toodle-Oo". Ellington y sus asociados escribieron para una orquesta de voces distintivas que mostraban una tremenda creatividad. Las grabaciones comerciales de esta época se reeditaron en la colección de 3 CD, Never No Lament, en 2003.

Sin embargo, el objetivo a largo plazo de Ellington era extender la forma del jazz más allá de ese límite de tres minutos, del cual era un maestro reconocido. Si bien había compuesto y grabado algunas piezas extensas anteriormente, tales obras ahora se convirtieron en una característica habitual de la producción de Ellington. En esto, fue ayudado por Strayhorn, quien había disfrutado de un entrenamiento más completo en las formas asociadas con la música clásica que Ellington. El primero de ellos, Black, Brown, and Beige (1943), estaba dedicado a contar la historia de los afroamericanos y el lugar de la esclavitud y la iglesia en su historia. Black, Brown and Beige debutó en el Carnegie Hall el 23 de enero de 1943, dando comienzo a una serie anual de conciertos de Ellington en el lugar durante los próximos cuatro años. Si bien algunos músicos de jazz habían tocado en el Carnegie Hall antes, ninguno había interpretado algo tan elaborado como el trabajo de Ellington. Desafortunadamente, al comenzar un patrón regular, las obras más largas de Ellington generalmente no fueron bien recibidas.

Una excepción parcial fue Jump for Joy, un musical de larga duración basado en temas de la identidad afroamericana, que se estrenó el 10 de julio de 1941 en el Mayan Theatre de Los Ángeles. Los actores de Hollywood John Garfield y Mickey Rooney invirtieron en la producción, y Charlie Chaplin y Orson Welles se ofrecieron a dirigir. En una actuación, Garfield insistió en que Herb Jeffries, que era de piel clara, debería usar maquillaje. Ellington objetó en el intervalo y comparó a Jeffries con Al Jolson. El cambio fue revertido. El cantante comentó más tarde que la audiencia debió pensar que era un personaje completamente diferente en la segunda mitad del espectáculo.

Aunque tuvo presentaciones con entradas agotadas y recibió críticas positivas, solo tuvo 122 funciones hasta el 29 de septiembre de 1941, con un breve resurgimiento en noviembre de ese año. Su tema no lo hizo atractivo para Broadway; Ellington tenía planes incumplidos de llevarlo allí. A pesar de esta decepción, una producción de Broadway de Beggar's Holiday de Ellington, su único libro musical, se estrenó el 23 de diciembre de 1946, bajo la dirección de Nicholas Ray.

El acuerdo de la primera prohibición de grabación de 1942-1944, que condujo a un aumento de las regalías pagadas a los músicos, tuvo un efecto severo en la viabilidad financiera de las grandes bandas, incluida la Orquesta de Ellington. Sus ingresos como compositor finalmente lo subvencionaron. Aunque siempre gastó generosamente y obtuvo un ingreso respetable de las operaciones de la orquesta, los ingresos de la banda a menudo solo cubrían los gastos. Sin embargo, en 1943, Ellington le pidió a Webster que se fuera; la personalidad del saxofonista inquietaba a sus colegas y el saxofonista estaba regularmente en conflicto con el líder.

Primeros años de la posguerra

Los músicos se alistaron en el ejército y las restricciones de viaje dificultaron las giras de las big bands, y el baile quedó sujeto a un nuevo impuesto, que se mantuvo durante muchos años y afectó las elecciones de los propietarios de los clubes. Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial, el enfoque de la música popular se estaba desplazando hacia cantantes como Frank Sinatra y Jo Stafford. A medida que aumentaba el costo de contratar grandes bandas, los propietarios de clubes ahora encontraron que los grupos de jazz más pequeños eran más rentables. Algunos de los nuevos trabajos de Ellington, como la característica vocal sin palabras "Transblucency" (1946) con Kay Davis, no iban a tener un alcance similar al de las estrellas emergentes.

Ellington posa con su piano en el KFG Radio Studio el 3 de noviembre de 1954.

Ellington siguió su propio curso a través de estos cambios tectónicos. Mientras que Count Basie se vio obligado a disolver todo su conjunto y trabajar como octeto durante un tiempo, Ellington pudo realizar una gira por la mayor parte de Europa occidental entre el 6 de abril y el 30 de junio de 1950, con la orquesta tocando en 74 fechas durante 77 días. Durante la gira, según Sonny Greer, Ellington no interpretó las obras más nuevas. Sin embargo, la composición ampliada de Ellington, Harlem (1950), estaba en proceso de completarse en ese momento. Más tarde, Ellington presentó su partitura al presidente Harry Truman, amante de la música. También durante su tiempo en Europa, Ellington compondría la música para una producción teatral de Orson Welles. Titulado Time Runs en París y An Evening With Orson Welles en Frankfurt, el programa de variedades también contó con la recién descubierta Eartha Kitt, quien interpretó la canción original de Ellington ' 34;Pequeño problema hambriento" como Helena de Troya.

En 1951, Ellington sufrió una importante pérdida de personal: Sonny Greer, Lawrence Brown y, lo que es más importante, Johnny Hodges se marcharon para dedicarse a otras empresas. Sin embargo, solo Greer partió permanentemente. El baterista Louie Bellson reemplazó a Greer, y su "Skin Deep" fue un éxito para Ellington. El tenor Paul Gonsalves se unió en diciembre de 1950 después de períodos con Count Basie y Dizzy Gillespie y se quedó por el resto de su vida, mientras que Clark Terry se unió en noviembre de 1951.

André Previn dijo en 1952: 'Sabes, Stan Kenton puede pararse frente a mil violines y mil metales y hacer un gesto dramático y cada arreglista de estudio puede asentir con la cabeza y decir: Oh, sí, eso se hace así. Pero Duke simplemente levanta el dedo, tres cuernos hacen un sonido, ¡y no sé qué es! Sin embargo, en 1955, después de tres años de grabación para Capitol, Ellington carecía de una afiliación discográfica regular.

Reactivación profesional

La aparición de Ellington en el Festival de Jazz de Newport el 7 de julio de 1956 le devolvió una mayor prominencia. La función "Diminuendo y Crescendo en azul" constaba de dos melodías que habían estado en el libro de la banda desde 1937. Ellington, quien había terminado abruptamente el set programado de la banda debido a la llegada tardía de cuatro músicos clave, cantó las dos melodías cuando se acercaba el momento. medianoche. Al anunciar que las dos piezas serían separadas por un interludio interpretado por el saxofonista tenor Paul Gonsalves, Ellington procedió a guiar a la banda a través de las dos piezas, con Gonsalves' Un solo de maratón de 27 coros que azotó a la multitud en un frenesí, lo que llevó al Maestro a tocar mucho más allá del toque de queda a pesar de las súplicas urgentes del organizador del festival, George Wein, para poner fin al programa.

El concierto llegó a los titulares internacionales y dio lugar a uno de los cinco únicos artículos de portada de la revista Time dedicados a un músico de jazz, y dio como resultado un álbum producido por George Avakian que se convertiría en el LP más vendido. de la carrera de Ellington. Gran parte de la música en el LP fue, en efecto, simulada, con solo un 40% en realidad del concierto en sí. Según Avakian, Ellington no estaba satisfecho con algunos aspectos de la actuación y sintió que los músicos no habían ensayado lo suficiente. La banda se reunió al día siguiente para volver a grabar varios temas con la adición del sonido falso de una multitud, ninguno de los cuales fue revelado a los compradores del álbum. No fue hasta 1999 que la grabación del concierto se lanzó correctamente por primera vez. La renovada atención provocada por la aparición en Newport no debería haber sorprendido a nadie, Johnny Hodges había regresado el año anterior y la colaboración de Ellington con Strayhorn se renovó casi al mismo tiempo, en términos más favorables para el joven.

El álbum original de Ellington at Newport fue el primer lanzamiento de un nuevo contrato discográfico con Columbia Records que arrojó varios años de estabilidad discográfica, principalmente bajo la dirección del productor Irving Townsend, quien logró producciones tanto comerciales como artísticas de Ellington.

En 1957, CBS (la corporación matriz de Columbia Records) transmitió una producción televisiva en vivo de A Drum Is a Woman, una suite alegórica que recibió críticas mixtas. Las apariciones en festivales en el nuevo Festival de Jazz de Monterey y en otros lugares proporcionaron lugares para la exposición en vivo, y una gira europea en 1958 fue bien recibida. Such Sweet Thunder (1957), basada en las obras y personajes de Shakespeare, y The Queen's Suite (1958), dedicada a Gran Bretaña' s Queen Elizabeth II, fueron producto del ímpetu renovado que la aparición de Newport ayudó a crear. Sin embargo, este último trabajo no se publicó comercialmente en ese momento. A fines de la década de 1950, Ella Fitzgerald también grabó su Cancionero de Duke Ellington (Verve) con Ellington y su orquesta, un reconocimiento de que las canciones de Ellington ahora se habían convertido en parte del canon cultural conocido como &# 39;Gran Cancionero Americano'.

James Stewart y Ellington en Anatomía de un asesinato (1959)

Por esta época, Ellington y Strayhorn comenzaron a trabajar en la música para películas. El primero de ellos fue Anatomy of a Murder (1959), un drama judicial dirigido por Otto Preminger y protagonizado por James Stewart, en el que Ellington aparecía al frente de un combo de roadhouse. Los historiadores del cine han reconocido la partitura "como un hito: la primera música cinematográfica significativa de Hollywood compuesta por afroamericanos que comprende música no diegética, es decir, música cuya fuente no es visible ni está implícita en la acción de la película, como una on- banda de pantalla." La partitura evitó los estereotipos culturales que anteriormente caracterizaban las partituras de jazz y rechazó una adherencia estricta a las imágenes que presagiaban el cine New Wave de los '60'. Ellington y Strayhorn, siempre en busca de nuevos territorios musicales, produjeron suites para la novela Sweet Thursday de John Steinbeck, Nutcracker Suite de Tchaikovsky y Edvard Grieg';s Peer Gynt.

Anatomy of a Murder le siguió Paris Blues (1961), que presentaba a Paul Newman y Sidney Poitier como músicos de jazz. Por este trabajo, Ellington fue nominado al Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora.

A principios de la década de 1960, Ellington abrazó la grabación con artistas que habían sido rivales amistosos en el pasado o eran músicos más jóvenes que se centraban en estilos posteriores. Las orquestas de Ellington y Count Basie grabaron junto con el álbum First Time! El conde conoce al duque (1961). Durante un período en el que Ellington estaba entre contratos de grabación, grabó discos con Louis Armstrong (Roulette), Coleman Hawkins, John Coltrane (ambos para Impulse) y participó en una sesión con Charles Mingus y Max Roach que produjo Money Jungle (Artistas Unidos) álbum. Firmó con el nuevo sello Reprise de Frank Sinatra, pero la asociación con el sello duró poco.

Músicos que habían trabajado anteriormente con Ellington regresaron a la Orquesta como miembros: Lawrence Brown en 1960 y Cootie Williams en 1962.

La escritura y el juego de la música es una cuestión de intención... No puedes tirar un pincel contra la pared y llamar cualquier cosa que pase arte. Mi música encaja con la personalidad tonal del jugador. Creo que demasiado fuertemente en términos de alterar mi música para encajar con el intérprete para ser impresionado por la música accidental. No puedes tomar el doodling en serio.

Ahora actuaba en todo el mundo y pasaba una parte importante de cada año en giras por el extranjero. Como consecuencia, formó nuevas relaciones de trabajo con artistas de todo el mundo, incluida la vocalista sueca Alice Babs y los músicos sudafricanos Dollar Brand y Sathima Bea Benjamin (A Morning in Paris, 1963/1997).

Ellington escribió una partitura original para la producción del director Michael Langham de Timón de Atenas de Shakespeare en el Festival de Stratford en Ontario, Canadá, que se inauguró el 29 de julio de 1963. Langham la ha utilizado para varias producciones posteriores, incluida una adaptación muy posterior de Stanley Silverman que amplía la partitura con algunas de las obras más conocidas de Ellington.

Últimos años

Ellington recibió la Medalla Presidencial de Libertad del Presidente Nixon en 1969

Ellington fue preseleccionado para el Premio Pulitzer de Música en 1965. Sin embargo, ese año finalmente no se otorgó ningún premio. Entonces, con 66 años, bromeó: 'El destino está siendo bueno conmigo'. El destino no quiere que sea famoso demasiado joven. En 1999, recibió a título póstumo un Premio Pulitzer especial, en conmemoración del centenario de su nacimiento, en reconocimiento a su genio musical, que evocó estéticamente los principios de la democracia a través del jazz y, por lo tanto, hizo una contribución indeleble al arte. y cultura."

En septiembre de 1965 estrenó el primero de sus Conciertos Sagrados. Creó una liturgia cristiana de jazz. Aunque el trabajo recibió críticas mixtas, Ellington estaba orgulloso de la composición y la interpretó decenas de veces. A este concierto le siguieron otros dos del mismo tipo en 1968 y 1973, conocidos como Segundo y Tercer Concierto Sacro. Muchos vieron las suites de Música Sacra como un intento de reforzar el apoyo comercial a la religión organizada. Sin embargo, Ellington simplemente dijo que era "lo más importante que he hecho". El piano Steinway sobre el que se compusieron los Conciertos Sagrados forma parte de la colección del Museo Nacional de Historia Estadounidense del Smithsonian. Al igual que Haydn y Mozart, Ellington dirigió su orquesta desde el piano; siempre tocaba las partes del teclado cuando se realizaban los Conciertos Sagrados.

Duke cumplió 65 años en la primavera de 1964, pero no mostró signos de desaceleración mientras continuaba grabando obras importantes como The Far East Suite (1966), New Orleans Suite (1970), The Afro-Eurasian Eclipse (1971) y la Latin American Suite (1972), muchas de ellas inspiradas en sus giras mundiales. Fue durante este tiempo que grabó su único álbum con Frank Sinatra, titulado Francis A. & Edward K. (1967).

Entre los últimos espectáculos que Ellington y su orquesta realizaron fueron uno el 21 de marzo de 1973 en el Salón de Música de la Universidad de Purdue, dos el 22 de marzo de 1973 en el Auditorio Sturges-Young en Sturgis, Michigan y el Eastbourne Performance el 1 de diciembre de 1973, posteriormente publicado en LP. Ellington realizó lo que se considera su último concierto completo en un salón de baile en la Universidad del Norte de Illinois el 20 de marzo de 1974. Desde 1980, ese salón de baile se ha dedicado como el "Duke Ellington Ballroom".

Vida privada

Ellington en 1973

Ellington se casó con su novia de la escuela secundaria, Edna Thompson (fallecida en 1967), el 2 de julio de 1918, cuando él tenía 19 años. La primavera siguiente, el 11 de marzo de 1919, Edna dio a luz a su único hijo, Mercer Kennedy Ellington..

Su esposa e hijo se unieron a Ellington en la ciudad de Nueva York a fines de los años veinte, pero la pareja pronto se separó definitivamente. Según su obituario en la revista Jet, estaba "nostálgica de Washington" y volvió. En 1929, Ellington se convirtió en compañero de Mildred Dixon, quien viajó con él, dirigió Tempo Music, inspiró canciones, como 'Sophisticated Lady', en la cima de su carrera, y crió a su hijo.

Mercer se refirió a Mildred Dixon como su madre.

En 1938, dejó a su familia (su hijo tenía 19 años) y se mudó con Beatrice "Evie" Ellis, un empleado del Cotton Club. Su relación, aunque tormentosa, continuó después de que Ellington conoció y formó una relación con Fernanda de Castro Monte a principios de la década de 1960. Ellington apoyó a ambas mujeres por el resto de su vida.

La hermana de Ellington, Ruth (1915–2004), luego dirigió Tempo Music, su editorial musical. El segundo marido de Ruth fue el bajo-barítono McHenry Boatwright, a quien conoció cuando cantó en el funeral de su hermano. De adulto, su hijo Mercer Ellington (fallecido en 1996) tocaba la trompeta y el piano, dirigía su propia banda y trabajaba como gerente comercial de su padre.

Ellington era miembro de Alpha Phi Alpha y era un masón asociado con la masonería de Prince Hall.

Muerte

Ellington murió el 24 de mayo de 1974 por complicaciones de cáncer de pulmón y neumonía, pocas semanas después de cumplir 75 años. En su funeral, al que asistieron más de 12.000 personas en la Catedral de St. John the Divine, Ella Fitzgerald resumió la ocasión: 'Es un día muy triste. Ha pasado un genio."

Fue enterrado en el cementerio Woodlawn, en el Bronx, ciudad de Nueva York.

Legado

Memoriales

Se han dedicado numerosos monumentos conmemorativos a Duke Ellington en ciudades desde Nueva York y Washington, D.C. hasta Los Ángeles.

En el lugar de nacimiento de Ellington, Washington, D.C., la Escuela de Artes de Duke Ellington educa a estudiantes talentosos que están considerando carreras en las artes al proporcionar instrucción artística y programas académicos para preparar a los estudiantes para la educación postsecundaria y las carreras profesionales.. En 1974, el distrito cambió el nombre del puente Calvert Street, originalmente construido en 1935, como el puente Duke Ellington. Otra escuela es P.S. 004 Duke Ellington en Nueva York.

En 1989, se adjuntó una placa de bronce al recién nombrado edificio Duke Ellington en 2121 Ward Place NW. En 2012, el nuevo propietario del edificio encargó un mural de Aniekan Udofia que aparece sobre las letras "Duke Ellington". En 2010, el parque triangular, al otro lado de la calle del lugar de nacimiento de Duke Ellington, en la intersección de New Hampshire y M Streets NW, recibió el nombre de Duke Ellington Park.

La residencia de Ellington en 2728 Sherman Avenue NW, durante los años 1919–1922, está marcada con una placa de bronce.

El 24 de febrero de 2009, la Casa de la Moneda de los Estados Unidos emitió una moneda con Duke Ellington, lo que lo convirtió en el primer afroamericano en aparecer solo en una moneda estadounidense en circulación. Ellington aparece en el reverso (cruz) del barrio del Distrito de Columbia. La moneda es parte del programa de la Casa de la Moneda de los EE. UU. en honor al Distrito y los territorios de los EE. UU. y celebra el lugar de nacimiento de Ellington en el Distrito de Columbia. Ellington está representado en el barrio sentado al piano, con la partitura en la mano, junto con la inscripción 'Justicia para todos', que es el lema del Distrito.

En 1986, se emitió un sello conmemorativo de los Estados Unidos con la imagen de Ellington.

Ellington on the Washington, D.C., quarter released in 2009

Ellington vivió sus últimos años en Manhattan, en una casa adosada en 333 Riverside Drive, cerca de West 106th Street. Su hermana Ruth, que dirigía su editorial, también vivía allí, y su hijo Mercer vivía al lado. Después de su muerte, West 106th Street pasó a llamarse oficialmente Duke Ellington Boulevard.

En 1997 se dedicó un gran monumento a Ellington, creado por el escultor Robert Graham, en el Central Park de Nueva York, cerca de la Quinta Avenida y la calle 110, una intersección llamada Duke Ellington Circle.

Una estatua de Ellington en un piano se muestra en la entrada del Schoenberg Hall de la UCLA. Según la revista UCLA:

Cuando los estudiantes de la UCLA fueron ingresados por las melodías provocativas de Duke Ellington en un club de Culver City en 1937, pidieron al gran musical para tocar un concierto gratis en Royce Hall. ¡He estado esperando a que alguien nos pregunte! Ellington exclamó. El día del concierto, Ellington accidentalmente mezcló los lugares y condujo a la USC en su lugar. Finalmente llegó al campus de la UCLA y, para disculparse por su tardanza, jugó a la multitud llena durante más de cuatro horas. Y así, "Sir Duke" y su grupo tocaron el primer espectáculo de jazz en un lugar de concierto.

El concurso y festival de bandas de jazz de la escuela secundaria Essentially Ellington es una competencia anual de renombre nacional para bandas prestigiosas de escuelas secundarias. Iniciado en 1996 en Jazz at Lincoln Center, el festival lleva el nombre de Ellington debido al enfoque significativo que el festival pone en sus obras.

Homenajes

Después de la muerte de Duke, su hijo Mercer asumió el liderazgo de la orquesta, y continuó hasta su muerte en 1996. Al igual que la Count Basie Orchestra, esta "banda fantasma" continuó lanzando álbumes durante muchos años. Digital Duke, acreditado a The Duke Ellington Orchestra, ganó el premio Grammy de 1988 al Mejor Álbum de Gran Conjunto de Jazz. Mercer Ellington se había encargado de todos los aspectos administrativos del negocio de su padre durante varias décadas. Los hijos de Mercer continúan una conexión con el trabajo de su abuelo.

Gunther Schuller escribió en 1989:

Ellington compuso incesantemente los últimos días de su vida. La música era de hecho su amante; era su vida total y su compromiso con ella era incomparable e inalterable. En jazz era un gigante entre gigantes. Y en la música del siglo XX, puede que un día sea reconocido como uno de los más grandes maestros de nuestro tiempo.

Martin Williams dijo: "Duke Ellington vivió lo suficiente como para escuchar su nombre entre nuestros mejores compositores. Y desde su muerte en 1974, no es raro verlo nombrado, junto con Charles Ives, como el mejor compositor que hemos producido, independientemente de la categoría."

En opinión de Bob Blumenthal de The Boston Globe en 1999: "[e]n el siglo transcurrido desde su nacimiento, no ha habido mayor compositor, estadounidense o no, que Edward Kennedy Ellington."

En 2002, el académico Molefi Kete Asante incluyó a Duke Ellington en su lista de los 100 afroamericanos más importantes.

Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 6535 Hollywood Blvd.

Sus composiciones han sido revisadas por artistas y músicos de todo el mundo como fuente de inspiración y base de sus carreras interpretativas:

• Dave Brubeck dedicó "El Duque" (1954) a Ellington y se convirtió en un estándar cubierto por otros, incluyendo a Miles Davis en su Miles Ahead, 1957. El álbum Los Embajadores Reales tiene una versión vocal de esta pieza, "You Swing Baby (The Duke)", con letras de Iola Brubeck, esposa de Dave Brubeck. Se realiza como un dueto entre Louis Armstrong y Carmen McRae. También está dedicado al duque Ellington.
• Miles Davis creó su dinamismo de media hora "Él lo amaba locamente" (en Levántate con ellaComo homenaje a Ellington un mes después de su muerte.
• Charles Mingus, que había sido despedido por Ellington décadas antes, escribió el egipcio "El sonido del amor de Duke Ellington" en 1974, unos meses después de la muerte de Ellington.
• Stevie Wonder escribió la canción "Sir Duke" como un homenaje a Ellington, que apareció en su álbum Canciones en la Clave de la Vida liberado en 1976.

Hay cientos de álbumes dedicados a la música de Duke Ellington y Billy Strayhorn por artistas famosos y desconocidos. Sophisticated Ladies, una revista musical galardonada de 1981, incorporó muchas melodías del repertorio de Ellington. Un segundo musical de Broadway que interpola la música de Ellington, Play On!, debutó en 1997.

Pérdida de material

Duke Ellington fue uno de los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

Discografía

Premios y distinciones

• 1960, Hollywood Walk of Fame, contribución a la industria de grabación
• 1964, Doctorado Honorario de Humanidades de Milton College
• 1966, Premio Grammy Lifetime Achievement.
• 1969, la Medalla Presidencial de la Libertad, el más alto premio civil en Estados Unidos
• 1971, doctor honorario del Berklee College of Music
• 1973, la Legión de Honor de Francia, su más alto honor civil.
• 1999, Premio Pulitzer Especial póstumo por sus contribuciones de por vida a la música y la cultura

Premios Grammy

Ellington obtuvo 14 premios Grammy entre 1959 y 2000 (tres de los cuales fueron póstumos) y un total de 24 nominaciones

Salón de la Fama de los Grammy

Las grabaciones de Duke Ellington fueron incluidas en el Salón de la Fama de los Grammy, un premio especial de los Grammy establecido en 1973 para honrar las grabaciones de al menos 25 años que tienen un significado cualitativo o histórico.

Honores e inducciones