Drama

El drama es el modo específico de ficción representado en la actuación: una obra de teatro, ópera, mimo, ballet, etc., representada en un teatro, en la radio o en la televisión. Considerado como un género de poesía en general, el modo dramático se ha contrastado con los modos épico y lírico desde la Poética de Aristóteles (c. 335 a. C.), la primera obra de teoría dramática.

El término "drama" proviene de una palabra griega " draō " que significa "hacer/actuar" (griego clásico: δρᾶμα, drama), que se deriva de "yo hago" (griego clásico: δράω, drao). Las dos máscaras asociadas al drama representan la tradicional división genérica entre comedia y tragedia.

En inglés (como ocurría de manera análoga en muchos otros idiomas europeos), la palabra play o game (que se traduce del anglosajón pleġan o del latín ludus) era el término estándar para los dramas hasta la época de William Shakespeare, al igual que su creador era un dramaturgo. creador en lugar de dramaturgo y el edificio era una casa de juegos en lugar de un teatro.

El uso de "drama" en un sentido más estricto para designar un tipo específico de obra data de la era moderna. "Drama" en este sentido se refiere a una obra que no es ni una comedia ni una tragedia, por ejemplo, Thérèse Raquin de Zola (1873) o Ivanov de Chéjov (1887). Es este sentido más estrecho que las industrias del cine y la televisión, junto con los estudios cinematográficos, adoptaron para describir el "drama" como género dentro de sus respectivos medios. El término "drama radiofónico" se ha utilizado en ambos sentidos: originalmente transmitido en una actuación en vivo. También puede referirse al final más intelectual y serio de la producción dramática de la radio.

La representación del drama en el teatro, interpretada por actores en un escenario ante una audiencia, presupone modos colaborativos de producción y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos, a diferencia de otras formas de literatura, está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva.

El mimo es una forma de drama donde la acción de una historia se cuenta solo a través del movimiento del cuerpo. El drama se puede combinar con la música: el texto dramático en la ópera generalmente se canta en todo momento; en cuanto a que en algunos ballets la danza "expresa o imita emoción, carácter y acción narrativa". Los musicales incluyen diálogos hablados y canciones; y algunas formas de drama tienen música incidental o acompañamiento musical que subraya el diálogo (melodrama y Nō japonés, por ejemplo). El drama de armario es una forma que está destinada a ser leída, en lugar de representada. En la improvisación, el drama no preexiste al momento de la representación; los intérpretes elaboran un guión dramático de forma espontánea ante un público.

Historia del teatro occidental

Teatro griego clásico

El drama occidental se origina en la Grecia clásica. La cultura teatral de la ciudad-estado de Atenas produjo tres géneros dramáticos: la tragedia, la comedia y el sátiro. Sus orígenes siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V a. C. se institucionalizaron en competiciones celebradas como parte de las festividades que celebraban al dios Dionisio. Los historiadores conocen los nombres de muchos dramaturgos griegos antiguos, entre ellos Tespis, a quien se le atribuye la innovación de un actor (" hipócritas ") que habla (en lugar de cantar) y se hace pasar por un personaje (en lugar de hablar en su propia persona), mientras que interactuando con el coro y su líder (" coryphaeus "), quienes formaban parte tradicional de la interpretación de la poesía no dramática (ditirámbica, lírica y épica).

Sin embargo, solo una pequeña fracción del trabajo de cinco dramaturgos ha sobrevivido hasta el día de hoy: tenemos una pequeña cantidad de textos completos de los trágicos Esquilo, Sófocles y Eurípides, y los escritores cómicos Aristófanes y, desde finales del siglo IV, Menandro.. La tragedia histórica de Esquilo Los persas es el drama más antiguo que se conserva, aunque cuando ganó el primer premio en el concurso City Dionysia en 472 a. C., llevaba más de 25 años escribiendo obras de teatro. La competencia (" agon ") por las tragedias puede haber comenzado ya en el 534 a. C.; los registros oficiales (" didaskaliai ") comienzan en el 501 a. C. cuando se introdujo la obra satírica.Se requería que los dramaturgos trágicos presentaran una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por una historia o un tema), que generalmente consistía en tres tragedias y una obra de sátiro (aunque se hicieron excepciones, como con Alcestis de Eurípides en 438 a. C.). La comedia fue reconocida oficialmente con un premio en el concurso del 487 al 486 a.

Cinco dramaturgos cómicos compitieron en City Dionysia (aunque durante la Guerra del Peloponeso esto puede haberse reducido a tres), cada uno ofreciendo una sola comedia. La comedia griega antigua se divide tradicionalmente entre "comedia antigua" (siglo V a. C.), "comedia media" (siglo IV a. C.) y "comedia nueva" (finales del siglo IV a 2 a. C.).

Drama clásico romano

Tras la expansión de la República romana (509–27 a. C.) en varios territorios griegos entre 270–240 a. C., Roma se encontró con el drama griego. Desde los últimos años de la república y por medio del Imperio Romano (27 a. C.-476 d. C.), el teatro se extendió por el oeste de Europa, alrededor del Mediterráneo y llegó a Inglaterra; El teatro romano era más variado, extenso y sofisticado que el de cualquier cultura anterior.

Si bien el drama griego continuó representándose durante el período romano, el año 240 a. C. marca el comienzo del drama romano regular. Sin embargo, desde el comienzo del imperio, el interés por el drama de larga duración declinó a favor de una variedad más amplia de entretenimientos teatrales. Las primeras obras importantes de la literatura romana fueron las tragedias y comedias que Livius Andronicus escribió a partir del 240 a. Cinco años más tarde, Gnaeus Naevius también comenzó a escribir drama. No ha sobrevivido ninguna obra de teatro de ninguno de los dos escritores. Si bien ambos dramaturgos compusieron en ambos géneros, Andrónico fue más apreciado por sus tragedias y Naevius por sus comedias; sus sucesores tendieron a especializarse en uno u otro, lo que llevó a una separación del desarrollo posterior de cada tipo de drama.

A principios del siglo II a. C., el teatro estaba firmemente establecido en Roma y se había formado un gremio de escritores (collegium poetarum). Las comedias romanas que han sobrevivido son todas fabula palliata (comedias basadas en temas griegos) y provienen de dos dramaturgos: Titus Maccius Plautus (Plautus) y Publius Terentius Afer (Terence). Al reelaborar los originales griegos, los dramaturgos cómicos romanos abolieron el papel del coro en la división del drama en episodios e introdujeron el acompañamiento musical a su diálogo (entre un tercio del diálogo en las comedias de Plauto y dos tercios en aquellas). de Terencio). La acción de todas las escenas se desarrolla en el exterior de una calle y sus complicaciones a menudo se derivan de las escuchas.

Plauto, el más popular de los dos, escribió entre 205 y 184 a. C. y sobreviven veinte de sus comedias, de las cuales sus farsas son las más conocidas; fue admirado por el ingenio de su diálogo y su uso de una variedad de métricas poéticas. Las seis comedias que Terence escribió entre 166 y 160 a. C. han sobrevivido; a veces se denunciaba la complejidad de sus tramas, en las que a menudo combinaba varios originales griegos, pero sus tramas dobles permitían una presentación sofisticada del comportamiento humano contrastante. No sobrevive ninguna tragedia romana temprana, aunque fue muy apreciada en su época; los historiadores conocen tres trágicos tempranos: Quintus Ennius, Marcus Pacuvius y Lucius Accius.

De la época del imperio se conserva la obra de dos trágicos, uno de autor desconocido, mientras que el otro es el filósofo estoico Séneca. Sobreviven nueve de las tragedias de Séneca, todas las cuales son fabula crepidata (tragedias adaptadas de los originales griegos); su Fedra, por ejemplo, se basó en el Hipólito de Eurípides. Los historiadores no saben quién escribió el único ejemplo existente de la fabula praetexta (tragedias basadas en temas romanos), Octavia, pero en la antigüedad se atribuyó erróneamente a Séneca debido a su aparición como personaje de la tragedia.

Medieval

A principios de la Edad Media, las iglesias escenificaban versiones dramatizadas de eventos bíblicos, conocidas como dramas litúrgicos, para animar las celebraciones anuales. El primer ejemplo es el tropo de Pascua ¿A quién buscas? (Quem-Quaeritis) (c. 925). Dos grupos cantarían en respuesta en latín, aunque no hubo suplantación de personajes. Para el siglo XI, se había extendido por Europa a Rusia, Escandinavia e Italia; excluyendo la España de la era islámica.

En el siglo X, Hrosvitha escribió seis obras en latín inspiradas en las comedias de Terence, pero que trataban temas religiosos. Sus obras son las primeras compuestas por una dramaturga y el primer drama occidental identificable de la era posclásica. Más tarde, Hildegarda de Bingen escribió un drama musical, Ordo Virtutum (c. 1155).

Una de las obras seculares tempranas más famosas es la pastoral cortesana Robin y Marion, escrita en el siglo XIII en francés por Adam de la Halle. El interludio del estudiante y la niña (c. 1300), uno de los primeros conocidos en inglés, parece ser el más cercano en tono y forma a las farsas francesas contemporáneas, como El niño y el ciego.

Sobreviven muchas obras de Francia y Alemania a finales de la Edad Media, cuando se representaba algún tipo de drama religioso en casi todos los países europeos. Muchas de estas obras contenían comedia, diablos, villanos y payasos. En Inglaterra, los gremios comenzaron a representar "obras de misterio" vernáculas, que estaban compuestas por largos ciclos de muchas obras de teatro o "espectáculos", de los cuales existen cuatro: York (48 obras), Chester (24), Wakefield (32) y el llamado "N-Town" (42). La segunda obra de teatro de los pastores del ciclo Wakefield es una historia ridícula de una oveja robada que su protagonista, Mak, intenta hacer pasar por su hijo recién nacido dormido en una cuna; termina cuando los pastores a los que ha robado son convocados a la Natividad de Jesús.

Las obras de moralidad (un término moderno) surgieron como una forma dramática distinta alrededor de 1400 y florecieron a principios de la era isabelina en Inglaterra. Los personajes se usaban a menudo para representar diferentes ideales éticos. Everyman, por ejemplo, incluye figuras como Good Deeds, Knowledge y Strength, y esta caracterización refuerza el conflicto entre el bien y el mal para la audiencia. El Castillo de la Perseverancia (c. 1400-1425) representa el progreso de una figura arquetípica desde el nacimiento hasta la muerte. Horestes (c. 1567), una "moralidad híbrida" tardía y uno de los primeros ejemplos de una obra de venganza inglesa, reúne la historia clásica de Orestes con un Vicio de la tradición alegórica medieval, alternando escenas cómicas y bufonescas con escenas serias y trágicas. unos.También fueron importantes en este período los dramas folclóricos de Mummers Play, representados durante la temporada navideña. Las máscaras de la corte fueron particularmente populares durante el reinado de Enrique VIII.

Isabelina y jacobea

Uno de los grandes florecimientos del teatro en Inglaterra se produjo en los siglos XVI y XVII. Muchas de estas obras fueron escritas en verso, particularmente en pentámetro yámbico. Además de Shakespeare, autores como Christopher Marlowe, Thomas Middleton y Ben Jonson fueron destacados dramaturgos durante este período. Al igual que en el período medieval, las obras históricas celebraban la vida de los reyes anteriores, realzando la imagen de la monarquía Tudor. Los autores de este período extrajeron algunas de sus historias de la mitología griega y la mitología romana o de las obras de teatro de eminentes dramaturgos romanos como Plauto y Terencio.

Comedia de restauración inglesa

La comedia de la Restauración se refiere a las comedias inglesas escritas y representadas en Inglaterra durante el período de la Restauración de 1660 a 1710. La comedia costumbrista se usa como sinónimo de la comedia de la Restauración. Después de que el régimen puritano prohibiera el teatro público, la reapertura de los teatros en 1660 con la Restauración de Carlos II marcó un renacimiento del teatro inglés.La comedia de restauración es conocida por su sexualidad explícita, ingenio cortés y cosmopolita, escritura de actualidad actualizada y tramas concurridas y bulliciosas. Sus dramaturgos robaron libremente del escenario francés y español contemporáneo, de las obras jacobeas y carolinas inglesas, e incluso de las comedias clásicas griegas y romanas, combinando las diversas tramas de manera aventurera. Las diferencias de tono resultantes en una sola obra fueron apreciadas en lugar de desaprobadas, ya que la audiencia apreciaba la "variedad" tanto dentro como entre las obras. La comedia de restauración alcanzó su punto máximo dos veces. El género alcanzó una madurez espectacular a mediados de la década de 1670 con un gran espectáculo de comedias aristocráticas. Veinte años de escasez siguieron a esta breve edad de oro, aunque el logro de la primera dramaturga profesional, Aphra Behn, en la década de 1680 es una importante excepción. A mediados de la década de 1690, surgió una breve segunda comedia renacentista de la Restauración, dirigida a un público más amplio. Las comedias de las épocas doradas de 1670 y 1690 son significativamente diferentes entre sí.

Las comedias poco sentimentales o "duras" de John Dryden, William Wycherley y George Etherege reflejaban la atmósfera de la corte y celebraban con franqueza un estilo de vida aristocrático machista de incesantes intrigas y conquistas sexuales. El Conde de Rochester, libertino de la Restauración en la vida real, cortesano y poeta, es retratado de manera halagadora en The Man of Mode (1676) de Etherege como un aristócrata desenfrenado, ingenioso, intelectual y sexualmente irresistible, un modelo para la idea de la posteridad del glamoroso libertino de la Restauración. (en realidad nunca un personaje muy común en la comedia de la Restauración). La obra de teatro individual que más contribuye a respaldar la acusación de obscenidad formulada entonces y ahora en la comedia de la Restauración es probablemente la obra maestra de Wycherley The Country Wife.(1675), cuyo título contiene un juego de palabras lascivo y cuya notoria "escena china" es una serie de dobles sentidos sostenidos.

Durante la segunda ola de la comedia de la Restauración en la década de 1690, las comedias "más suaves" de William Congreve y John Vanbrugh se propusieron atraer a una audiencia socialmente más diversa con un fuerte elemento de clase media, así como a las espectadoras. El enfoque cómico cambia de los jóvenes amantes que burlan a la generación anterior a las vicisitudes de las relaciones maritales. En Love for Love (1695) y The Way of the World (1700) de Congreve, las escenas de toma y daca de las parejas que ponen a prueba su atracción mutua han mutado en ingeniosos debates prenupciales en vísperas del matrimonio, como en el caso de este último. famosa escena "Proviso". The Provoked Wife (1697) de Vanbrugh tiene un toque ligero y personajes más humanamente reconocibles, mientras que The Relapse(1696) ha sido admirada por su ingenio desechable y la caracterización de Lord Foppington, un petimetre burlesco extravagante y afectado con un lado oscuro. La tolerancia por la comedia de la Restauración, incluso en su forma modificada, se estaba agotando a fines del siglo XVII, ya que la opinión pública se volvió hacia la respetabilidad y la seriedad incluso más rápido que los dramaturgos. En el muy esperado estreno estelar en 1700 de The Way of the World, la primera comedia de Congreve en cinco años, el público mostró un entusiasmo moderado por esa obra sutil y casi melancólica. La comedia del sexo y el ingenio estaba a punto de ser sustituida por la comedia sentimental y el drama de la moralidad ejemplar.

Moderno y posmoderno

Las contribuciones fundamentales e innovadoras del dramaturgo noruego del siglo XIX Henrik Ibsen y el practicante de teatro alemán del siglo XX Bertolt Brecht dominan el drama moderno; cada uno inspiró una tradición de imitadores, que incluye a muchos de los más grandes dramaturgos de la era moderna. Las obras de ambos dramaturgos son, en sus diferentes formas, tanto modernistas como realistas, incorporando experimentación formal, metateatralidad y crítica social. En términos del discurso teórico tradicional del género, la obra de Ibsen se ha descrito como la culminación de la "tragedia liberal", mientras que la de Brecht se ha alineado con una comedia historizada.

Otros dramaturgos importantes de la era moderna incluyen a Antonin Artaud, August Strindberg, Anton Chekhov, Frank Wedekind, Maurice Maeterlinck, Federico García Lorca, Eugene O'Neill, Luigi Pirandello, George Bernard Shaw, Ernst Toller, Vladimir Mayakovsky, Arthur Miller, Tennessee Williams., Jean Genet, Eugène Ionesco, Samuel Beckett, Harold Pinter, Friedrich Dürrenmatt, Dario Fo, Heiner Müller y Caryl Churchill.

Ópera

La ópera occidental es una forma de arte dramático que surgió durante el Renacimiento en un intento de revivir el drama griego clásico en el que se combinaban el diálogo, la danza y el canto. Al estar fuertemente entrelazada con la música clásica occidental, la ópera ha sufrido enormes cambios en los últimos cuatro siglos y es una forma importante de teatro hasta el día de hoy. Cabe destacar la gran influencia del compositor alemán del siglo XIX Richard Wagner en la tradición de la ópera. En su opinión, no había un equilibrio adecuado entre la música y el teatro en las óperas de su tiempo, porque la música parecía ser más importante que el aspecto dramático en estas obras. Para restaurar la conexión con el drama clásico, renovó por completo la forma operística para enfatizar la importancia igual de la música y el drama en obras que llamó "dramas musicales".

La ópera china ha experimentado un desarrollo más conservador durante un período de tiempo algo más largo.

Pantomima

La pantomima (informalmente panto), es un tipo de producción teatral de comedia musical, diseñada para el entretenimiento familiar. Se desarrolló en Inglaterra y todavía se realiza en todo el Reino Unido, generalmente durante la temporada de Navidad y Año Nuevo y, en menor medida, en otros países de habla inglesa. La pantomima moderna incluye canciones, gags, comedia y baile, emplea actores que cruzan los géneros y combina humor tópico con una historia basada libremente en un cuento de hadas, fábula o cuento popular conocido. Es una forma participativa de teatro, en la que se espera que el público cante junto con ciertas partes de la música y grite frases a los artistas.

Estas historias siguen la tradición de las fábulas y los cuentos populares. Por lo general, se aprende una lección y, con algo de ayuda de la audiencia, el héroe/heroína salva el día. Este tipo de obra utiliza personajes comunes vistos en masque y nuevamente en commedia dell'arte, estos personajes incluyen al villano (doctore), el payaso/sirviente (Arlechino/Harlequin/buttons), los amantes, etc. Estas obras generalmente tienen un énfasis en la moral. dilemas, y el bien siempre triunfa sobre el mal, este tipo de juegos también son muy entretenidos por lo que es una forma muy eficaz de llegar a muchas personas.

La pantomima tiene una larga historia teatral en la cultura occidental que se remonta al teatro clásico. Se desarrolló en parte a partir de la tradición italiana de la commedia dell'arte del siglo XVI, así como de otras tradiciones escénicas europeas y británicas, como las mascaradas y el music hall del siglo XVII. Una parte importante de la pantomima, hasta finales del siglo XIX, fue la arlequinada. Fuera de Gran Bretaña, la palabra "pantomima" se usa generalmente para referirse a la mímica, en lugar de la forma teatral discutida aquí.

Mímica

El mimo es un medio teatral donde se cuenta la acción de una historia a través del movimiento del cuerpo, sin el uso del habla. La representación del mimo ocurrió en la antigua Grecia, y la palabra se toma de un solo bailarín enmascarado llamado Pantomimus, aunque sus representaciones no eran necesariamente silenciosas. En la Europa medieval, evolucionaron las primeras formas de mimo, como las comedias teatrales y los espectáculos tontos posteriores. En el París de principios del siglo XIX, Jean-Gaspard Deburau solidificó los muchos atributos que hemos llegado a conocer en los tiempos modernos, incluida la figura silenciosa con la cara blanca.

Jacques Copeau, fuertemente influenciado por la Commedia dell'arte y el teatro Noh japonés, utilizó máscaras en la formación de sus actores. Étienne Decroux, un alumno suyo, estuvo muy influenciado por esto y comenzó a explorar y desarrollar las posibilidades del mimo y el mimo corpóreo refinado en una forma altamente escultórica, sacándola de los reinos del naturalismo. Jacques Lecoq contribuyó significativamente al desarrollo del mimo y el teatro físico con sus métodos de entrenamiento.

Ballet

Mientras que algunos ballets enfatizan "las líneas y patrones de movimiento en sí mismos", la danza dramática "expresa o imita la emoción, el carácter y la acción narrativa". Dichos ballets son obras teatrales que tienen personajes y "cuentan una historia". Los movimientos de danza en el ballet "a menudo están estrechamente relacionados con las formas cotidianas de expresión física, [de modo que] hay una cualidad expresiva inherente a casi todos los bailes", y esto es se utiliza para transmitir tanto acción como emociones; También se utiliza el mimo. Los ejemplos incluyen El lago de los cisnes de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, que cuenta la historia de Odette, una princesa convertida en cisne por la maldición de un malvado hechicero, el ballet Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev, basado en la famosa obra de Shakespeare,, que cuenta la historia de los amores y celos de tres marionetas.

Teatro creativo

El drama creativo incluye actividades y juegos dramáticos utilizados principalmente en entornos educativos con niños. Sus raíces en los Estados Unidos comenzaron a principios del siglo XX. Winifred Ward es considerada la fundadora del drama creativo en la educación, estableciendo el primer uso académico del drama en Evanston, Illinois.

Drama asiático

India

La forma más antigua de drama indio fue el drama sánscrito. Entre el siglo I d. C. y el X hubo un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras de teatro. Con las conquistas islámicas que comenzaron en los siglos X y XI, el teatro fue desaconsejado o prohibido por completo. Más tarde, en un intento por reafirmar los valores e ideas indígenas, se fomentó el teatro de pueblo en todo el subcontinente, que se desarrolló en varios idiomas regionales desde el siglo XV hasta el XIX. El movimiento Bhakti influyó en las actuaciones en varias regiones. Además de los idiomas regionales, Assam vio el surgimiento del drama vaishnavita en un idioma literario mezclado artificialmente llamado Brajavali.Una forma distinta de obras de teatro en un acto llamada Ankia Naat se desarrolló en las obras de Sankardev, una presentación particular de la cual se llama Bhaona. El teatro indio moderno se desarrolló durante el período de dominio colonial bajo el Imperio Británico, desde mediados del siglo XIX hasta mediados del XX.

Teatro sánscrito

Los primeros fragmentos sobrevivientes del drama sánscrito datan del siglo I d.C. La riqueza de la evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece indicios de la existencia de una tradición de teatro. Los antiguos Vedas (himnos de entre 1500 y 1000 a. C. que se encuentran entre los primeros ejemplos de literatura en el mundo) no contienen ningún indicio de ello (aunque un pequeño número está compuesto en forma de diálogo) y los rituales del período védico no lo hacen. parece haberse convertido en teatro. El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que pueden haber sido las semillas del drama sánscrito. Este tratado de gramática del 140 a. C. proporciona una fecha factible para los comienzos del teatro en la India.

La principal fuente de evidencia para el teatro sánscrito es A Treatise on Theatre (Nātyaśāstra), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones van desde el 200 a. C. hasta el 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni. El Tratado es la obra de dramaturgia más completa del mundo antiguo. Aborda la actuación, la danza, la música, la construcción dramática, la arquitectura, el vestuario, el maquillaje, la utilería, la organización de compañías, el público, los concursos y ofrece un relato mitológico del origen del teatro.

Su drama se considera el mayor logro de la literatura sánscrita. Utilizaba personajes comunes, como el héroe (nayaka), la heroína (nayika) o el payaso (vidusaka). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Fue patrocinado por los reyes, así como por las asambleas de los pueblos. Los primeros dramaturgos famosos incluyen a Bhasa, Kalidasa (famoso por Vikrama y Urvashi, Malavika y Agnimitra, y The Recognition of Shakuntala), Śudraka (famoso por The Little Clay Cart), Asvaghosa, Daṇḍin y Emperor Harsha (famoso por Nagananda, Ratnavali y Priyadarsika).Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808–1832).

Teatro indio moderno

Rabindranath Tagore fue un dramaturgo moderno pionero que escribió obras destacadas por su exploración y cuestionamiento del nacionalismo, la identidad, el espiritualismo y la codicia material. Sus obras están escritas en bengalí e incluyen Chitra (Chitrangada, 1892), El rey de la cámara oscura (Raja, 1910), La oficina de correos (Dakghar, 1913) y Red Oleander (Raktakarabi, 1924). Girish Karnad es un destacado dramaturgo que ha escrito una serie de obras que utilizan la historia y la mitología para criticar y problematizar ideas e ideales de relevancia contemporánea. Las numerosas obras de teatro de Karnad, como Tughlaq,Hayavadana, Taledanda y Naga-Mandala son contribuciones significativas al drama indio. Vijay Tendulkar y Mahesh Dattani se encuentran entre los principales dramaturgos indios del siglo XX. Mohan Rakesh en hindi y Danish Iqbal en urdu son considerados arquitectos del drama de la nueva era. Aadhe Adhoore de Mohan Rakesh y Dara Shikoh del danés Iqbal se consideran clásicos modernos.

Drama urdu moderno de India y Pakistán

Urdu Drama evolucionó a partir de las tradiciones dramáticas prevalecientes del norte de la India que dieron forma a Rahas o Raas tal como lo practican exponentes como Nawab Wajid Ali Shah (1822 - 1887) de Awadh. Sus experimentos dramáticos condujeron al famoso Inder Sabha de Amanat y más tarde esta tradición tomó la forma del Teatro Parsi. Agha Hashr Kashmiri es la culminación de esta tradición.

La tradición del teatro urdu ha influido mucho en el teatro indio moderno. El teatro ha florecido en urdu (que los primeros escritores llamaban hindi), junto con gujrati, marathi y bengalí. El drama urdu ha tenido una influencia importante en la industria cinematográfica de Bombay y todos los primeros trabajos del teatro urdu (realizados por Parsi Companies) se convirtieron en películas. La tradición dramática urdu existe desde hace más de 100 años.

Prof Hasan, Ghulam Jeelani, JN, Kaushal, Shameem Hanfi, Jameel Shaidayi, etc. pertenecen a la vieja generación, escritores contemporáneos como Danish Iqbal, Sayeed Alam, Shahid Anwar, Iqbal Niyazi y Anwar son algunos dramaturgos posmodernos que contribuyen activamente en el campo del Urdu Drama.

Sayeed Alam es conocido por su ingenio y humor y, más concretamente, por obras como 'Ghalib en Nueva Delhi', 'Big B' y muchas otras obras, que se representan regularmente para grandes audiencias. Maulana Azad es su obra más importante tanto por su contenido como por su estilo.

La obra del danés Iqbal, Dara Shikoh, dirigida por MS Sathyu, es un clásico moderno que utiliza nuevas técnicas teatrales y una perspectiva contemporánea. Sus otras obras son Sahir. sobre el célebre letrista y poeta revolucionario. Kuchh Ishq kiya Kuchh Kaam es otra obra escrita por Danish que es básicamente una celebración de la poesía de Faiz, que presenta eventos de la primera parte de su vida, particularmente los eventos e incidentes de los días previos a la partición que dieron forma a su vida e ideales. Chand Roz Aur Meri Jaan: otra obra inspirada en las cartas de Faiz escritas desde varias cárceles durante los días de la conspiración de Rawalpindi. Ha escrito otras 14 obras, incluidas Dilli Jo Ek Shehr Thaa y Main Gaya Waqt Nahin hoon.. Three B de Shahid también es una obra significativa. Ha estado asociado con muchos grupos como 'Natwa' y otros. Zaheer Anwar ha mantenido ondeando la bandera del teatro urdu en Kolkata. A diferencia de los escritores de la generación anterior, Sayeed, Shahid, Danish Iqbal y Zaheer no escriben obras librescas, pero su trabajo es producto de la tradición escénica. Iqbal Niyazi de Mumbai ha escrito varias obras en urdu, su obra AUR KITNE JALYANWALA BAUGH? ganó un premio Nacional otros premios. Por lo tanto, esta es la única generación después de Amanat y Agha Hashr que realmente escriben para el escenario y no para las bibliotecas.

Porcelana

El teatro chino tiene una historia larga y compleja. Hoy en día a menudo se le llama ópera china, aunque normalmente se refiere específicamente a la forma popular conocida como ópera de Beijing y Kunqu; Ha habido muchas otras formas de teatro en China, como el zaju.

Japón

El drama japonés Nō es una forma dramática seria que combina drama, música y danza en una experiencia de actuación estética completa. Se desarrolló en los siglos XIV y XV y tiene sus propios instrumentos musicales y técnicas de interpretación, que a menudo se transmitían de padres a hijos. Los artistas eran generalmente hombres (tanto para roles masculinos como femeninos), aunque las amateurs también interpretan dramas Nō. Nō drama fue apoyado por el gobierno, y particularmente por el ejército, y muchos comandantes militares tenían sus propias compañías y, a veces, actuaban ellos mismos. Todavía se realiza en Japón hoy.

Kyōgen es la contraparte cómica del drama Nō. Se concentra más en el diálogo y menos en la música, aunque los instrumentistas Nō a veces aparecen también en Kyōgen. El drama kabuki, desarrollado a partir del siglo XVII, es otra forma cómica que incluye danza.

El drama musical y teatral moderno también se ha desarrollado en Japón en formas como shingeki y Takarazuka Revue.