Doug Aitken

Doug Aitken (nacido en 1968) es un artista multidisciplinario estadounidense. La obra de Aitken abarca desde la fotografía, los medios impresos, la escultura y las intervenciones arquitectónicas hasta las películas narrativas, el sonido, las obras de vídeo monocanal y multicanal, las instalaciones y las actuaciones en directo. Actualmente vive en Venecia, California, y en la ciudad de Nueva York.

Doug Aitken nació en 1968 en Redondo Beach, California. En 1987, estudió ilustración de revistas con Philip Hays en el Art Center College of Design de Pasadena antes de graduarse en Bellas Artes en 1991.

Se mudó a Nueva York en 1994, donde realizó su primera exposición individual en la galería 303.

El trabajo de Aitken abarca desde la fotografía, los medios impresos, la escultura y las intervenciones arquitectónicas hasta las películas narrativas, el sonido, las obras de video de un solo canal y de múltiples canales, las instalaciones y las actuaciones en vivo. Las obras de video de Aitken se han realizado en lugares con tanta carga cultural como Jonestown en Guyana, las minas de diamantes del sudoeste de África y Bollywood en la India.

Aitken ha creado una serie de instalaciones específicas para cada lugar, en las que a veces se combinan medios interactivos con arquitectura. Una obra específica para cada lugar, New Horizon, giraba en torno a un globo aerostático reflectante y una góndola que se transformaban en una escultura de luz cinética. La escultura del globo se presentó en una serie de eventos que tuvieron lugar en julio de 2019 en todo el estado de Massachusetts. Otro proyecto fue Underwater Pavilions (2016), que consistía en tres esculturas temporales que se amarraron al fondo del océano frente a la isla Catalina, California. De diseño geométrico, las esculturas creaban entornos que reflejaban y refractaban la luz, abriendo un portal que conectaba físicamente al espectador con la extensión del océano y, al mismo tiempo, alteraba las ideas visuales preconcebidas del mundo acuático. Al fusionar el lenguaje de la arquitectura contemporánea, el arte terrestre y la investigación y conservación del océano, los Underwater Pavilions eran una obra de arte viviente dentro de un ecosistema vibrante. En contraste con las áreas de la escultura que tienen una superficie áspera y similar a la roca, las secciones reflejadas reflejaban el paisaje marino y, al acercarse, se activaban para convertirse en un observatorio caleidoscópico. Los entornos creados por las esculturas cambiaban y se ajustaban con las corrientes y la hora del día, centrando la atención del espectador en el ritmo del océano y sus ciclos de vida. La obra de arte creó una variedad de encuentros perceptivos convergentes que jugaban con la fluidez del tiempo y el espacio, lo que resultó en una mayor conciencia del mundo físico. Las esculturas se crearon en asociación con Parley for the Oceans y el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles. Otro proyecto específico para el sitio, titulado Mirage, se estrenó en Desert X, cerca de Palm Springs, California, del 25 de febrero al 30 de abril de 2017, y evolucionó con presentaciones en Detroit, Michigan, como Mirage Detroit (2018), y Suiza como Mirage Gstaad (2019).

Desde mediados de los años 90, Aitken ha creado instalaciones empleando múltiples pantallas en entornos arquitectónicamente provocativos. diamond sea (1997), por ejemplo, incluye tres proyecciones de vídeo, un monitor de vídeo suspendido y una fotografía en transparencia iluminada a todo color en un espacio con poca luz. Varios altavoces crean una experiencia de sonido envolvente; la película de múltiples pantallas explora una región vigilada en el desierto de Namib, en el sudoeste de África, conocida como Diamond Area 1 y 2. El territorio, estimado en más de 40.000 millas cuadradas y cerrado desde 1908, contiene la mina de diamantes controlada por ordenador más grande y rica del mundo. Hysteria (1998-2000) utiliza imágenes de películas de las últimas cuatro décadas que muestran al público de conciertos de pop y rock enloquecido en cuatro pantallas en formación de X. Filmada y fotografiada en los polvorientos escenarios de sonido y sets de filmación de Bombay, Into the Sun (1999) se centra en la frenética actividad de Bollywood, recreando los escenarios de sonido de la industria cinematográfica india con pantallas de proyección de lona, un piso de tierra roja y un video mostrado en un bucle ininterrumpido de veinticuatro horas. diamond sea se presentó en la Bienal Whitney de 1997 y su instalación electric earth, una experiencia poscinemática de ocho proyecciones en varias salas, atrajo la atención internacional y le valió el Premio Internacional en la Bienal de Venecia en 1999. Su ambiciosa muestra New Ocean, que incluía múltiples obras de sonido, fotografía y video, comenzó con una transformación de la Serpentine Gallery en Londres y viajó por el mundo a Austria, Italia y Japón, cada vez en una nueva configuración. En 2010, Aitken exhibió su obra House, un estudio de la destrucción que presenta a los padres del artista. En 2017, el artista exhibió una instalación de video de tres canales titulada Underwater Pavilions en Art Basel Unlimited, que documenta esculturas del mismo nombre. Aitken ha exhibido NEW ERA, una instalación de video caleidoscópica multicanal en una sala hexagonal con espejos, en varios lugares del mundo, desde Nueva York hasta Zúrich, Dinamarca, Pekín, California y Londres. La obra de arte traza un mapa de la creación del teléfono celular en un paisaje de repetición y ajuste de cuentas filosófico con su efecto en el mundo. En 2023, en Zúrich, mostró una instalación de video de cinco canales titulada HOWL donde "las torres de perforación de petróleo divisan las onduladas colinas blanqueadas por el sol de un valle desolado en el centro de California mientras los tableros de madera contrachapada cierran las tiendas locales". Intercalados con estas representaciones de espacios abiertos, los residentes brindan fragmentos de sonido sobre las circunstancias de vivir en esta ciudad moribunda. Hablan de sus esperanzas para la zona, su historia de auge petrolero, sus vidas y el futuro más amplio."

En 1998, Glass Horizon, una instalación que consistía en la proyección de un par de ojos sobre la fachada del edificio de la Secesión vienesa después de que cerrara por la noche, mostró un interés por las estructuras arquitectónicas y por el arte que interactúa con los entornos urbanos. En 2001, la exposición de Aitken en la Serpentine Gallery de Londres utilizó todo el edificio para la compleja instalación New Ocean, que incluía la transformación de la torre del museo en un faro funcional por la noche.

En 2004, después de haber trabajado juntos en Berlín, Doug Aitken y Klaus Biesenbach co-comisariaron Hard Light, una exposición colectiva en el MoMA PS1. En el invierno de 2007, la instalación a gran escala de Aitken Sleepwalkers, comisariada por Klaus Biesenbach en colaboración con Creative Time, se presentó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El proyecto incluyó actores como Donald Sutherland y Tilda Swinton, así como los músicos Seu Jorge y Cat Power. Cinco viñetas entrelazadas mostradas a través de ocho proyecciones se exhibieron en las paredes exteriores del museo para que fueran visibles desde la calle. Simultáneamente con la exposición, Aitken también presentó un "happening" dentro del museo que contó con percusionistas y subastadores en vivo, y una actuación de Cat Power. Ese mismo año creó una mesa de música interactiva: "k-n-o-c-k-o-u-t".

En 2008, Aitken produjo otra instalación cinematográfica al aire libre a gran escala, titulada Migration para la 55.ª edición de la muestra internacional Carnegie titulada "Life on Mars" en Pittsburgh, Pensilvania. La primera entrega de una trilogía de tres partes titulada Empire, la obra presenta animales salvajes migratorios de América del Norte que pasan y habitan curiosamente habitaciones de hotel vacías y desoladas.

Continuando con el trabajo de Aitken en instalaciones de video al aire libre a gran escala, su obra de arte "SONG 1" (2012), creada para el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, desafió el estándar del arte público en Washington D.C. La obra de arte, que deconstruía la popular canción "I Only Have Eyes for You", creó una pantalla de 360 grados a partir de la fachada circular del museo. En lugar de utilizar una superficie cóncava más típica para tal proyección, Aitken proyectó la película sobre el exterior convexo del museo creando una experiencia cinematográfica que requería moverse por el edificio y que nunca se podía ver completamente desde una ubicación determinada.

Otro ejemplo de lo que el artista ha llamado "arquitectura líquida", su instalación independiente ALTERED EARTH (2012) explora la región de Camargue, en el sur de Francia, en una disposición fluida y laberíntica de doce grandes proyecciones en la Grande Halle, con forma de hangar, del Parc des Ateliers de Arles. La obra también inspiró una aplicación creada por el artista y POST para el iPad de Apple.

Encargada por el mecenas de arte Bagley Wright, Mirror (2013) es una gran pantalla LED que envuelve la esquina del Museo de Arte de Seattle con finas tiras de luces verticales. Para el proyecto, Aitken había estado filmando durante cinco años, capturando imágenes del centro de Seattle y de sus alrededores. Un programa informático selecciona qué partes del metraje proyectar en respuesta a una transmisión en vivo de información que va desde el clima hasta la densidad del tráfico en las calles de Seattle.

En 2006, Aitken produjo Broken Screen: 26 Conversations with Doug Aitken (Distributed Art Publishers, 2006), un libro de entrevistas con veintiséis artistas que buscan explorar y desafiar las convenciones de la narrativa lineal. Entre los entrevistados se encuentran Robert Altman, Claire Denis, Werner Herzog, Rem Koolhaas, Kenneth Anger y otros. The Idea of the West (2010) presenta la respuesta colectiva de 1000 personas en la calle a quienes se les preguntó "¿Cuál es su idea de Occidente?" para crear un manifiesto a partir de las citas y comentarios de individuos al azar. Otro proyecto de entrevistas, Patterns & Repetition (2011) es una serie de conversaciones filmadas sobre la creatividad en el siglo XXI en las que Aitken mantiene breves conversaciones con pioneros de distintas disciplinas artísticas, entre ellos Devendra Banhart, Thomas Demand, Jack White, James Murphy, Mike Kelley, Jacques Herzog, Fischli & Weiss, Yayoi Kusama, Stephen Shore y Dan Graham. Continuando con su interés por el intercambio de ideas, la obra de Aitken, THE SOURCE (2012), explora la raíz de la creatividad. Seis proyecciones en un pabellón diseñado por David Adjaye, recorren muchas más entrevistas con artistas, arquitectos y músicos como Adjaye, Liz Diller, William Eggleston, Philippe Parreno, Paolo Soleri, Tilda Swinton y Beck, entre otros.

Aitken ha dirigido muchos "happenings" en vivo, entre ellos su "Broken Screen" de 2006 en Los Ángeles y Nueva York. En 2009, Aitken orquestó una ópera en tiempo real titulada "The handle comes up, the hammer comes down" que reunió a subastadores que actuaban al ritmo de su "Sonic Table" en Il Tempo del Postino, en el Teatro de Basilea.

También en 2009, junto con su instalación de video a gran escala, Frontier, presentada en la Isola Tiberina del río Tíber en el corazón de Roma, Aitken presentó un evento con el mismo título. La película presentaba a un protagonista interpretado por el icónico artista estadounidense Ed Ruscha, tal como se lo ve atrapado en un paisaje entre ficción y no ficción. La obra crea un viaje futurista del día a la noche en un mundo donde la realidad se pone en tela de juicio. En el evento, los intérpretes de la película, como un chasqueador de látigos profesional, cobran vida en la instalación mientras están rodeados por el público. Se mostró por primera vez en el espacio de proyectos de la Fundación Deste "Slaughterhouse" En la isla griega de Hydra, Black Mirror se proyecta en cinco pantallas reflejadas "hasta el infinito" a través de espejos negros y protagonizada por Chloë Sevigny, unida únicamente por breves conversaciones telefónicas y una voz en off en lugares tan dispares como México, Grecia y América Central. Black Mirror también fue un evento de cuatro noches que se llevó a cabo en una barcaza personalizada, y que contó nuevamente con la participación de artistas de la película: Leo Gallo, Tim McAfee-Lewis, No Age y Chloë Sevigny.

Aitken es conocido por sus numerosas fotografías, que a menudo exploran la disrupción espacial y temporal y la sugerencia narrativa, como sus instalaciones. Por ejemplo, Passenger, un grupo de fotografías fijas realizadas en 1999, muestra aviones en vuelo, la mayoría de las cuales se centran en las tenues trazas de despegues y aterrizajes sobre paisajes desolados de aeropuertos. Más recientemente, Aitken ha creado cajas de luz de aluminio que combinan imágenes fotográficas y texto. Ampliando el tema del texto y la imagen, Aitken ha producido esculturas a partir de materiales tan diversos como plantas dentro de acrílico transparente y espejos caleidoscópicos. Otras esculturas, como sunset (black and white), 2012, emplean el uso de espuma tallada a mano, epoxi y acrílico serigrafiado a mano.

Interesado en la incómoda intersección entre naturaleza y cultura o en la variabilidad narrativa, el artista ha incorporado a sus partituras lo que él llama "grabaciones de campo", como los ruidos de la jungla de Jonestown, Guyana (en su obra Monsoon de 1995), y las reverberaciones de los temblores generados por la erupción del volcán Soufrière Hills en la isla caribeña de Montserrat (en eraser, 1998). En 1996, para la organización de arte público Creative Time, Aitken concibió una pieza de instalación en el Anchorage, un espacio cavernoso dentro de la base del Puente de Brooklyn, que utilizaba grabaciones de los ruidos del tráfico en lo alto. En 2004, completó una escultura sonora para el Pabellón de Barcelona compuesta por un poste central que sostenía unas cuantas ramas de acero que giraban mientras unos altavoces muy direccionales al final de cada rama reproducían fragmentos de una conversación con guión. En octubre de 2009, el Pabellón Sónico de Aitken abrió sus puertas al público. El pabellón está situado en las colinas boscosas de Brasil, en Inhotim. El Pabellón Sónico ofrece un espacio comunitario para escuchar los sonidos de la tierra, que se graban a través de micrófonos de alta sensibilidad enterrados a casi un kilómetro de profundidad y se transmiten al pabellón a través de una serie de altavoces. El sonido que se escucha dentro del pabellón es el sonido amplificado del interior en movimiento de la tierra. Aitken ha colaborado en sus películas con una amplia variedad de músicos, desde el artista de hip hop André 3000 de Outkast, que participó en la película multipantalla de Aitken, Interiors, de 2002, hasta bandas independientes como Lichens y No Age, que contribuyeron a la banda sonora de su película de 2008, Migration, y de 2011, Black Mirror, respectivamente.

Aitken también es productor de libros: I AM A BULLET: Scenes from an Accelerating Culture (2000) una colaboración con el escritor Dean Kuipers; Doug Aitken: A-Z Book (Fractals) (2003), el alfabeto sirve como estructura para organizar el trabajo de fotografía y video de Aitken, junto con textos y entrevistas; Broken Screen (2005), un libro de entrevistas con 26 artistas que empujan los límites de la narrativa lineal; Alpha, publicado en 2005 por el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris; Sleepwalkers (2007), publicado por el Museum of Modern Art, en correspondencia con la instalación de película y video del mismo nombre; 99 Cent Dreams (2008), una colección de fotografías que captura "momentos entre interacciones" para crear un diario de viaje nómada del siglo XXI; Write In Jerry Brown President (2008), un libro de artista plegado publicado por el Museo de Arte Moderno; The Idea of the West (2010), que preguntó a 1.000 personas sobre su idea del oeste, y fue producido en conjunto con un evento en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles; Black Mirror (2011), presenta a una Chloë Sevigny nómada, producida en conjunto con una instalación de video y una actuación teatral en vivo en una barcaza; SONG 1 (2012), que acompañó una exposición del mismo nombre en el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, el libro toma la forma del propio Hirshhorn, al tiempo que examina la obra de arte que explora la idea de la comunicación pura a través de la canción pop I Only Have Eyes for You.

Dos libros de estilo monográfico contienen información completa sobre la carrera del artista: Doug Aitken: 100 YRS, publicado por Rizzoli y Doug Aitken: Electric Earth, publicado por Prestel.

Station to Station es un “happening” nómada que tuvo lugar por primera vez en el otoño de 2013 en un tren transcontinental. Funcionó como una plataforma móvil para la experimentación artística con paradas en ciudades, pueblos y lugares remotos de todo Estados Unidos. Un proyecto creado por artistas, Station to Station abarcó historias en constante cambio, encuentros inesperados y colisiones creativas entre la música, el arte y el cine.

El proyecto contó con el apoyo de una amplia gama de instituciones, entre ellas MoMA PS1, Carnegie Museum of Art, MCA Chicago, Walker Art Center, SITE Santa Fe, LACMA y SFMOMA. Todos los ingresos del evento se destinaron a financiar programas de arte de varios museos a lo largo de 2014.

Las obras de arte y las representaciones musicales cambiaban en cada parada. El tren viajó desde la ciudad de Nueva York hasta San Francisco, haciendo un total de 9 paradas en estaciones de tren de todo el país: Nueva York, Pittsburgh, Chicago, Minneapolis/St. Paul, Santa Fe/Lamy, Nuevo México, Winslow, Arizona, Barstow, California, Los Ángeles y Oakland. El proyecto actuó como estudio e incubadora cultural, creando momentos no planificados y colisiones artísticas. Entre los artistas que participaron se encontraban Kenneth Anger, Olaf Breuning, Peter Coffin, Thomas Demand, Urs Fischer, Meschac Gaba, Liz Glynn, Fischli & Weiss, Fritz Haeg, Carsten Höller, Olafur Eliasson, Christian Jankowski, Aaron Koblin, Ernesto Neto, Nam June Paik, Jorge Pardo, Jack Pierson, Nicolas Provost, Stephen Shore, Rirkrit Tiravanija y Lawrence Weiner. Entre los músicos que participaron se encontraban Beck, The Black Monks of Mississippi, Boredoms, Jackson Browne, Cat Power, Cold Cave, The Congos, Dan Deacon, Eleanor Friedberger, The Handsome Family, Lia Ices, Kansas City Marching Cobras, Lucky Dragons, Thurston Moore, Giorgio Moroder, Nite Jewel, No Age, Patti Smith, Ariel Pink’s Haunted Graffiti, Savages (banda), Mavis Staples, Suicide (banda), Sun Araw, Thee Satisfaction, Twin Shadow y otros. Entre los colaboradores del material impreso se encontraban Taylor-Ruth Baldwin, Yto Barrada, Sam Durant, Karen Kilimnik, Urs Fischer, Catherine Opie, Jack Pierson, Raymond Pettibon y Josh Smith. La comida fue proporcionada por Alice Waters y el Edible Schoolyard Project y el chef Leif Hedendal.

Del 27 de junio al 26 de julio de 2015, Aitken presentó Station to Station: A 30 Day Happening en el Barbican Centre de Londres. Concebida como una exposición viviente, toda la instalación multidisciplinaria se transformó en un evento multidisciplinario a gran escala, con más de 100 artistas, entre ellos Olafur Eliasson, Martin Creed y Terry Riley.

El 21 de agosto de 2015 se estrenó en Los Ángeles un largometraje dirigido por Aitken, filmado con imágenes de los acontecimientos de 2013, titulado Station to Station. La película, de formato experimental, fue descrita como "...una colección visceral y llena de textura de 62 cortos que capturan momentos durante el viaje de tres semanas..."

Aitken ha participado en más de 200 exposiciones de arte en todo el mundo. Su obra ha sido presentada en numerosas exposiciones colectivas en instituciones como el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo de Arte Moderno y el Centro Georges Pompidou de París. Entre otros, ha realizado exposiciones individuales en la Schirn Kunsthalle de Frankfurt, el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, la Serpentine Gallery de Londres, la Kunsthalle de Zúrich (Suiza), la Kunsthaus Bregenz (Austria), el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Fundación Deste (Grecia) y la Tokyo Opera City Art Gallery (Japón). En 2006, el Museo de Arte de Aspen organizó la primera exposición dedicada exclusivamente a la fotografía de Aitken.

Del 10 de septiembre de 2016 al 15 de enero de 2017, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, en el Geffen Contemporary del MOCA, exhibió Doug Aitken: Electric Earth, la primera muestra norteamericana de la mitad de su carrera. La exposición viajó al Museo de Arte Moderno de Fort Worth, Texas, del 28 de mayo de 2017 al 20 de agosto de 2017.

Aitken está representada por 303 Gallery, Nueva York; Regen Projects, Los Ángeles; Galerie Eva Presenhuber, Zúrich; y Victoria Miro Gallery, Londres.

• Americans for the Arts, Member of the Artists Committee

• 1999 Premio Internacional – León de Oro, Bienal de Venecia, Venecia, Italia
• 2000 Premio Aldrich, Museo Aldrich de Arte Contemporáneo, Ridgefield, Connecticut, EE.UU.
• 2007 Premio de la crítica de cine alemana, KunstFilBiennale, Colonia, Alemania
• Premio Aurora 2009, Aurora Picture Show, Houston, Texas, EE.UU.
• 2012 Nam Junio Premio Paik Art Center
• 2013 Smithsonian Premio American Ingenuity de la revista en la categoría de Artes Visuales
• 2016 Americans for the Arts National Arts Award: Outstanding Contributions to the Arts
• 2017 Premio de Arte Frontier del Foro Mundial de Fronteras, galardón inaugural
• 2019 ArtCenter College of Design, Lifetime Achievement Award

• Lista de artistas de vídeo

Grosenick, Uta; Riemschneider, Burkhard, eds. (2005). Art Now (edición del 25 aniversario). Colonia: Taschen. págs. 16-19. ISBN 9783822840931. OCLC 191239335.

• Taller Doug Aitken: sitio web oficial
• Estación a Estación: sitio web oficial
• KCET Artbound, Electric Earth - El arte de Doug Aitken
• Camiseta de 30 segundos en YouTube
• Doug Aitken información en Regen Projects
• Doug Aitken información a 303 Gallery
• Doug Aitken: The Sonic Happening (Migration) / 303 Gallery, New York Video en VernissageTV.
• Instalación "Nuevos destinos nuevos" en el Centro de Arte Contemporânea Inhotim en Brumadinho, Brasil
• Entrevista con Doug Aitken en el Canal de Louisiana
• Perfil de Doug Aitken en Kadist Art Foundation